Wong Kar-wai BBS (nacido el 17 de julio de 1958) es un director de cine, guionista y productor de Hong Kong . Sus películas se caracterizan por narrativas no lineales , música atmosférica y una cinematografía vívida con colores intensos y saturados. Figura fundamental del cine de Hong Kong , Wong está considerado un autor contemporáneo y ocupa el tercer puesto en la encuesta de 2002 de Sight & Sound sobre los mejores cineastas de los últimos 25 años. Sus películas aparecen con frecuencia en las listas de las mejores a nivel nacional e internacional.
Nacido en Shanghái, Wong emigró a Hong Kong cuando era niño con su familia. Comenzó una carrera como guionista de telenovelas antes de pasar a la dirección con su debut, el drama criminal As Tears Go By (1988). Si bien As Tears Go By tuvo bastante éxito en Hong Kong, Wong se alejó de la tendencia contemporánea de películas de acción y crimen para embarcarse en estilos cinematográficos más personales. Days of Being Wild (1990), su primera incursión en esa dirección, no tuvo un buen desempeño en taquilla. Sin embargo, recibió elogios de la crítica y ganó Mejor Película y Mejor Director en los Premios de Cine de Hong Kong de 1991. Su siguiente película, Ashes of Time (1994), tuvo una recepción mixta debido a su trama vaga y su visión atípica del género wuxia .
Agotado por el lento rodaje y la posproducción de Ashes of Time , Wong dirigió Chungking Express (1994), una película más pequeña que esperaba reavivar su amor por el cine durante un sabático de dos meses mientras esperaba que llegara el equipo de posproducción para Ashes of Time . [nota 1] La película, que expresa una atmósfera más alegre, catapultó a Wong a la prominencia internacional y ganó Mejor Película y Mejor Director en los Premios de Cine de Hong Kong de 1995. Wong siguió con el thriller policial Fallen Angels en 1995. Aunque inicialmente fue recibida tibiamente por los críticos, Fallen Angels desde entonces ha llegado a ser considerada un clásico de culto de la Edad de Oro del cine de Hong Kong, siendo especialmente representativa del estilo de Wong. Wong continuaría consolidando su reputación mundial con el drama de 1997 Happy Together , por el que ganó Mejor Director en el Festival de Cine de Cannes .
El drama de 2000 In the Mood for Love , venerado por sus efectos visuales exuberantes y su narrativa sutil, estableció concretamente el estilo cinematográfico característico de Wong. Entre sus otros trabajos se encuentran 2046 (2004) y The Grandmaster (2013), ambos recibieron premios y nominaciones en todo el mundo.
Wong Kar-wai nació el 17 de julio de 1958 en Shanghái, el menor de tres hermanos. [1] [2] Su padre era marinero y su madre ama de casa. [3] Cuando Wong tenía cinco años, las semillas de la Revolución Cultural comenzaban a surtir efecto en China y sus padres decidieron mudarse a Hong Kong. [2] Se suponía que los dos hijos mayores se unirían a ellos más tarde, pero las fronteras se cerraron antes de que tuvieran la oportunidad y Wong no volvió a ver a su hermano o hermana durante diez años. [4] [5] En Hong Kong, la familia se instaló en Tsim Sha Tsui y su padre consiguió trabajo como gerente de un club nocturno. [2] Al ser hijo único en una nueva ciudad, Wong ha dicho que se sintió aislado durante su infancia; luchó por aprender cantonés e inglés, y solo llegó a dominar estos nuevos idiomas cuando era adolescente. [6]
Cuando era joven, su madre llevaba a Wong con frecuencia al cine y lo exponía a una variedad de películas. [2] Más tarde dijo: "El único pasatiempo que tenía cuando era niño era ver películas". [7] En la escuela, estudiaba diseño gráfico en la Politécnica de Hong Kong en 1980, pero luego abandonó la universidad después de ser aceptado en un curso de capacitación con la cadena de televisión TVB , donde aprendió los procesos de producción de medios. [6]
Pronto comenzó una carrera como guionista, primero en una serie de televisión local de Hong Kong y telenovelas, como Don't Look Now (1981), antes de progresar a los guiones cinematográficos. [8] Trabajó como parte de un equipo, contribuyendo a una variedad de géneros que incluían romance, comedia, suspenso y crimen. [9] Wong tenía poco entusiasmo por estos primeros proyectos, descritos por el estudioso de cine Gary Bettinson como "ocasionalmente divertidos y mayormente desechables", pero continuó escribiendo a lo largo de la década de 1980 en películas como Just for Fun (1983), Rosa (1986) y The Haunted Cop Shop of Horrors (1987). [2] Se le atribuyen diez guiones entre 1982 y 1987, pero afirma haber trabajado en unos cincuenta más sin crédito oficial. [10] Wong pasó dos años escribiendo el guion de la película de acción de Patrick Tam Final Victory (1987), [11] por la que fue nominado en los 7º Premios de Cine de Hong Kong . [12]
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En 1987, la industria cinematográfica de Hong Kong estaba en su apogeo, disfrutando de un nivel considerable de prosperidad y productividad. [7] Se necesitaban nuevos directores para mantener este éxito y, a través de sus vínculos en la industria, Wong fue invitado a convertirse en socio de una nueva compañía independiente, In-Gear , y se le dio la oportunidad de dirigir su propia película. Las películas de gánsteres eran populares en ese momento, a raíz del gran éxito de John Woo A Better Tomorrow (1986), y Wong decidió seguir su ejemplo. [7] [11] En concreto, a diferencia de otras películas policiales de Hong Kong, eligió centrarse en jóvenes gánsteres. [13] La película, llamada As Tears Go By , cuenta la historia de un joven conflictivo que tiene que vigilar a su impulsivo amigo. [nota 2]
Debido a que conocía bien al productor, Alan Tang , Wong tuvo considerable libertad para hacer As Tears Go By . [13] Su elenco incluía a lo que él consideraba algunos de los "ídolos jóvenes más populares de Hong Kong": el cantante Andy Lau , Maggie Cheung y Jacky Cheung . [7] As Tears Go By se estrenó en junio de 1988 y fue popular entre el público. Varios periodistas nombraron a Wong entre la " Nueva Ola de Hong Kong ". [11] Si bien era una película de crímenes convencional, [14] el crítico David Bordwell dijo que Wong "se destacó de sus pares al abandonar la cinética de las comedias y las películas de acción en favor de atmósferas más líquidas". [15] As Tears Go By no recibió atención de los críticos occidentales en su lanzamiento inicial, [13] pero fue seleccionada para ser proyectada durante la Quincena de Realizadores del Festival de Cine de Cannes de 1989. [8 ]
"Podría haber seguido haciendo películas como As Tears Go By por el resto de la eternidad, pero después de eso quería hacer algo más personal. Quería romper la estructura de la película promedio de Hong Kong".
—Wong sobre la transición de su primera película a Days of Being Wild (1990) [11]
Para su siguiente película, Wong decidió alejarse de la tendencia criminal en el cine de Hong Kong, a la que se sentía indiferente. Estaba ansioso por hacer algo único, y el éxito financiero de As Tears Go By lo hizo posible. [11] Desarrollando un proyecto más personal que su película anterior, [16] Wong eligió la década de 1960 como escenario, evocando una era que recordaba bien y por la que tenía un "sentimiento especial". [17] Days of Being Wild se centra en un joven adulto desilusionado llamado Yuddy y quienes lo rodean. No hay una trama sencilla ni un género obvio, [18] pero Stephen Teo lo ve como una película sobre el "deseo de amor". [17] Andy Lau, Maggie Cheung y Jacky Cheung se unieron a Wong para su segunda película, mientras que Leslie Cheung fue elegida para el papel central. [19] Contratado como director de fotografía fue Christopher Doyle , quien se convirtió en uno de los colaboradores más importantes de Wong, fotografiando sus siguientes seis películas. [20]
Con sus populares estrellas, se esperaba que Days of Being Wild fuera una película comercial; en cambio, fue una pieza de personajes, más preocupada por el estado de ánimo y la atmósfera que por la narrativa. [7] [21] Estrenada en diciembre de 1990, la película ganó poco en taquilla y dividió a los críticos. [11] A pesar de esto, ganó cinco premios de cine de Hong Kong y recibió cierta atención internacional. [22] Con su narrativa experimental, trabajo de cámara expresivo y temas de tiempo perdido y amor, Days of Being Wild es descrita por el crítico de cine Peter Brunette como la primera "película típica de Wong Kar-wai". [23] Desde entonces se ha ganado la reputación de ser uno de los mejores estrenos de Hong Kong. [24] Su fracaso inicial fue desalentador para el director, y no pudo obtener fondos para su próximo proyecto: una secuela planeada. [7] [25]
En su lucha por conseguir apoyo para su trabajo, Wong formó su propia compañía de producción, Jet Tone Films, con Jeff Lau en 1992. [26] En necesidad de mayor respaldo, Wong aceptó la oferta de un estudio para hacer una película de wuxia (antiguas artes marciales) basada en la popular novela La leyenda de los héroes del cóndor de Jin Yong . [7] [27] Wong estaba entusiasmado con la idea, alegando que hacía tiempo que quería hacer un drama de época . [7] Finalmente tomó poco del libro aparte de tres personajes, [28] y en 1992 comenzó a experimentar con varias estructuras narrativas diferentes para tejer lo que llamó "un tapiz muy complejo". [29] La filmación comenzó con otro elenco estelar: Leslie, Maggie y Jacky Cheung regresaron junto a Brigitte Lin , Carina Lau , Charlie Young y Tony Leung Chiu-wai , el último de los cuales se convirtió en uno de los colaboradores clave de Wong. [30]
Ambientada durante la dinastía Song , Ashes of Time trata sobre un asesino exiliado en el desierto que es llamado por varios personajes diferentes mientras cura un corazón roto. [31] Fue una producción difícil y el proyecto no se completó durante dos años, con un costo de HK$ 47 millones. [32] Tras su estreno en septiembre de 1994, [27] el público estaba confundido por la trama vaga de la película y su visión atípica del wuxia . [33] La estudiosa de cine Martha P. Nochimson la ha llamado "la película de artes marciales más inusual jamás realizada", ya que las escenas de acción de ritmo rápido se reemplazan con reflexiones de los personajes y la historia se vuelve secundaria al uso del color, el paisaje y las imágenes. [34] Como tal, Ashes of Time fue un fracaso comercial, [30] pero los críticos generalmente apreciaron la "negativa de Wong a ser leal al género [ wuxia ]". [29] La película ganó varios premios locales y compitió en el Festival de Cine de Venecia , donde Doyle ganó el premio a la Mejor Fotografía. [16] [35] En 2008, Wong reelaboró la película y la relanzó como Ashes of Time Redux . [36] [nota 3]
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Durante la larga producción de Ashes of Time , Wong enfrentó un descanso de dos meses mientras esperaba el equipo para volver a grabar el sonido de algunas escenas. [38] Estaba en un estado negativo, sintiendo una fuerte presión de sus patrocinadores y preocupado por otro fracaso, [39] y por eso decidió comenzar un nuevo proyecto: "Pensé que debía hacer algo para sentirme cómodo haciendo películas nuevamente. Así que hice Chungking Express , que hice como una película de estudiantes". [7] Concebido y completado en solo seis semanas, el nuevo proyecto terminó siendo lanzado dos meses antes de Ashes of Time . [4] [40]
Chungking Express se divide en dos partes distintas, ambas ambientadas en el Hong Kong contemporáneo y centradas en policías solitarios ( Takeshi Kaneshiro y Tony Leung Chiu-wai) que se enamoran cada uno de una mujer ( Brigitte Lin y Faye Wong ). [41] Wong estaba ansioso por experimentar con "dos historias entrecruzadas en una película" [40] y trabajó espontáneamente, filmando por la noche lo que había escrito ese día. [7] Peter Brunette señala que Chungking es considerablemente más divertida y alegre que los trabajos anteriores del director, pero trata los mismos temas. [38] En los Premios de Cine de Hong Kong de 1995 fue nombrada Mejor Película y Wong recibió el premio al Mejor Director. [42] Miramax adquirió la película para su distribución estadounidense, lo que, según Brunette, "catapultó a Wong a la atención internacional". [16] Stephen Schneider lo incluye en su libro 1001 películas que debes ver antes de morir con el resumen: "Mientras que otras películas de Wong pueden tener más resonancia emocional, Chungking Express se destaca por su pura inocencia, exuberancia y libertad cinematográfica, un sorprendente triunfo del estilo sobre la sustancia". [43]
"Mientras que Chungking era soleado y estaba bañado de colores brillantes y encantadores durante el día, Fallen Angels tiene más que ver con el neón, la noche y el grunge".
" Chungking Express y Fallen Angels juntos representan lo brillante y lo oscuro de Hong Kong".
—El periodista Han Ong conversando con Wong [7]
Wong continuó trabajando sin descanso, expandiendo sus ideas de Chungking Express en otra película sobre jóvenes adultos alienados en el Hong Kong contemporáneo. Chungking Express había sido concebida originalmente como tres historias; una de ellas fue incluida más tarde en su película posterior, Fallen Angels , pero con nuevos personajes. [44] Wong concibió ambas películas como estudios complementarios de Hong Kong: "Para mí, Chungking Express y Fallen Angels son una película que debería durar tres horas". [7]
Fallen Angels es considerada ampliamente como un thriller policial y contiene escenas de violencia extrema, pero es atípica del género y está fuertemente impregnada del estilo experimental y fragmentado de Wong. [45] La trama suelta nuevamente involucra dos narrativas distintas, sutilmente superpuestas, y está dominada por imágenes frenéticas. [46] La película ocurre principalmente de noche y explora el lado oscuro de Hong Kong, que Wong planeó intencionalmente para equilibrar la dulzura de Chungking : "Es justo mostrar ambos lados de una moneda". [7] Takeshi Kaneshiro y Charlie Young fueron elegidos nuevamente, pero los nuevos en las películas de Wong fueron Leon Lai , Michelle Reis y Karen Mok . Tras su estreno en septiembre de 1995, varios críticos sintieron que la película era demasiado similar a Chungking Express y algunos se quejaron de que Wong se había vuelto autoindulgente. [47] Sin embargo, con el paso del tiempo, los críticos volvieron a evaluar la película de manera significativa, y esta ha acumulado un gran número de seguidores de culto, convirtiéndose en una de las películas más populares e icónicas de Wong. Fallen Angels ha sido a menudo considerada como una de las películas más elegantes del director, y también ha sido recibida con elogios por su trama fragmentada y poco convencional. Los historiadores de cine Zhang Yingjin y Xiao Zhiwei comentaron: "Si bien no es tan innovadora como sus predecesoras, la película sigue siendo diferente e innovadora como para confirmar la presencia [de Wong] en la escena internacional". [48]
Aunque su reputación creció de manera constante a lo largo de la década de 1990, la posición internacional de Wong se "consolidó por completo" con el drama romántico de 1997 Happy Together (1997). [49] Su desarrollo estuvo influenciado por la entrega de Hong Kong de Gran Bretaña a China, que ocurrió ese año. Se esperaba ampliamente que Wong abordara el evento en su próxima película; en cambio, evitó la presión al elegir filmar en Argentina. [50] Sin embargo, las cuestiones de la entrega fueron importantes: sabiendo que los homosexuales en Hong Kong enfrentaban incertidumbre después de 1997, Wong decidió centrarse en una relación entre dos hombres. [51] [nota 4] Estaba ansioso por presentar la relación como algo común y universal, ya que sentía que las películas LGBT anteriores de Hong Kong no lo habían hecho. [55]
Happy Together cuenta la historia de una pareja (Tony Leung Chiu-wai y Leslie Cheung) que viaja a Buenos Aires en un esfuerzo por salvar su relación. Wong decidió cambiar la estructura y el estilo de sus películas anteriores, ya que sentía que se había vuelto predecible. [7] Teo, Brunette y Jeremy Tambling ven a Happy Together como un cambio marcado con respecto a su trabajo anterior: la historia es más lineal y comprensible, solo hay tres personajes (sin mujeres en absoluto) y, si bien todavía tiene la fotografía "exuberante" de Doyle, es más sobria estilísticamente. [56] Después de un período de producción difícil, donde un rodaje de seis semanas se alargó a cuatro meses, la película se estrenó en mayo de 1997 con gran aclamación de la crítica. [57] Compitió por la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes , donde Wong se convirtió en el primer ganador de Hong Kong del Premio al Mejor Director [58] (un logro al que restó importancia: "no hace ninguna diferencia, es solo algo que puedes poner en un anuncio"). [7]
En su monografía de 2005, Brunette opina que Happy Together marcó "una nueva etapa en el desarrollo artístico [de Wong]", y junto con su sucesora, In the Mood for Love (2000), muestra al director en "el cenit de su arte cinematográfico". [59] La última película surgió de una historia de producción altamente complicada que duró dos años. Wong planeó varios títulos y proyectos diferentes antes de que evolucionaran hacia el resultado final: un melodrama romántico [60] ambientado en Hong Kong en la década de 1960 que se considera una secuela no oficial de Days of Being Wild . [61] [nota 5] Wong decidió regresar a la era que lo fascinaba y reflejó su propio trasfondo al centrarse en los emigrados de Shanghái. [63] [64]
Maggie Cheung y Tony Leung Chiu-wai interpretan a los personajes principales, quienes se mudan a un edificio de apartamentos el mismo día en 1962 y descubren que sus cónyuges tienen una aventura; durante los siguientes cuatro años desarrollan una fuerte atracción. Teo escribe que la película es un estudio de la "típica reserva china y el deseo reprimido", [65] mientras que Schneider describe cómo la "extraña relación" está coreografiada con "la gracia y el ritmo de un vals" y representada en "una neblina onírica por una cámara que escucha a escondidas". [66]
El rodaje duró 15 meses, y tanto Cheung como Leung supuestamente llegaron al límite. [67] Wong filmó más de 30 veces el metraje que finalmente utilizó, y solo terminó de editar la película la mañana antes de su estreno en Cannes. [68] En el festival, In the Mood for Love recibió el Gran Premio Técnico y el Mejor Actor para Leung. [69] Fue nombrada Mejor Película Extranjera por la Sociedad Nacional de Críticos de Cine . [70] Wong dijo después de su estreno: " In the Mood for Love es la película más difícil de mi carrera hasta ahora, y una de las más importantes. Estoy muy orgulloso de ella". [71] En los años posteriores ha sido incluida en listas de las mejores películas de todos los tiempos . [72] [73]
Mientras que In the Mood for Love tardó dos años en completarse, su secuela, 2046 , tardó el doble de tiempo. [74] La película en realidad fue concebida primero, [75] cuando Wong eligió el título como una referencia al último año de la promesa de China de " Un país, dos sistemas " a Hong Kong. [nota 6] Aunque sus planes cambiaron y se desarrolló una nueva película, simultáneamente filmó material para 2046 , y el primer metraje data de diciembre de 1999. Wong continuó inmediatamente con el proyecto una vez que In the Mood for Love estuvo completo, y al parecer se obsesionó con él. [75] En el relato de Bettinson, "se convirtió en un gigante, imposible de terminar". [76]
2046 continúa la historia de Chow Mo-wan, el personaje de Leung de Deseando amar , aunque se lo considera mucho más frío y muy diferente. [74] [77] Wong descubrió que no quería abandonar el personaje y comenzó donde lo dejó en 1966; sin embargo, afirmó: "Es otra historia, sobre cómo un hombre enfrenta su futuro debido a un cierto pasado". [78] Sus planes eran vagos y, según Teo, estableció "un nuevo récord en su propio método de realización cinematográfica de pensamiento libre, extenso en el tiempo e improvisado" con la producción. [79] Se filmaron escenas en Pekín, Shanghái, Hong Kong, Macao y Bangkok. [61] Las actrices Zhang Ziyi y Gong Li fueron elegidas para interpretar a las mujeres que consumen Mo-wan, ya que el personaje planea una novela de ciencia ficción titulada 2046 . La película se estrenó en el Festival de Cine de Cannes de 2004 , pero Wong entregó la copia 24 horas tarde y aún así no estaba contento: continuó editando hasta el estreno de la película en octubre. [80] Fue el proyecto más caro y de mayor duración de Wong hasta la fecha. [81] 2046 fue un fracaso comercial en Hong Kong, [82] pero la mayoría de los críticos occidentales le dieron críticas positivas. [83] Ty Burr de The Boston Globe la elogió como una "meditación enigmática y arrebatadoramente hermosa sobre el romance y el recuerdo", [84] mientras que Steve Erikson de Los Angeles Magazine la llamó la obra maestra de Wong. [85]
Antes de comenzar con su siguiente largometraje, Wong trabajó en la película antológica Eros (2004), proporcionando uno de los tres cortometrajes (los otros dirigidos por Michelangelo Antonioni y Steven Soderbergh ) que se centran en el tema de la lujuria. El segmento de Wong, titulado The Hand , fue protagonizado por Gong Li como una prostituta de los años 60 y Chang Chen como su cliente potencial. Aunque Eros no fue bien recibido, el segmento de Wong fue a menudo considerado el más exitoso. [86]
Después de la difícil producción de 2046 , Wong quería que su próximo largometraje fuera una experiencia simple y vigorizante. [87] Decidió hacer una película en inglés en Estados Unidos, [88] más tarde justificándolo explicando: "Es un nuevo paisaje. Es un nuevo trasfondo, así que es refrescante". [89] Después de escuchar una entrevista de radio con la cantante Norah Jones, inmediatamente decidió contactarla, y ella firmó como protagonista. [nota 7] La comprensión de Wong de Estados Unidos se basaba solo en visitas breves y en lo que había visto en películas, pero estaba ansioso por representar el país con precisión. [87] [90] Como tal, coescribió la película (una de las raras ocasiones en que se preparó un guion de antemano) con el autor Lawrence Block . [88] Titulada My Blueberry Nights , se centró en una joven neoyorquina que se va de viaje por carretera cuando se entera de que su novio le ha sido infiel. Los personajes que conoció fueron Jude Law , Natalie Portman , Rachel Weisz y David Strathairn . [88]
El rodaje de My Blueberry Nights se llevó a cabo durante siete semanas en 2006, en locaciones de Manhattan, Memphis, Las Vegas y Ely, Nevada . [88] Wong lo produjo de la misma manera que lo haría en Hong Kong, [92] y los temas y el estilo visual, a pesar de que Doyle fue reemplazado por el director de fotografía Darius Khondji , siguieron siendo los mismos. [93] My Blueberry Nights, que se estrenó en mayo de 2007, fue la cuarta película consecutiva de Wong en competir por la Palma de Oro en Cannes. [94] Aunque la consideró una "experiencia especial", [88] la película no recibió críticas positivas. [5] Con quejas comunes de que el material era delgado y el producto desigual, My Blueberry Nights se convirtió en el primer fracaso crítico de Wong. [95] [96]
La siguiente película de Wong no se estrenó hasta cinco años después, ya que se sometió a otra producción larga y difícil en The Grandmaster (2013), una película biográfica del maestro de artes marciales Ip Man . La idea se le había ocurrido en 1999, pero no se comprometió con ella hasta la finalización de My Blueberry Nights . [4] Ip Man es una figura legendaria en Hong Kong, [97] conocido por entrenar al actor Bruce Lee en el arte del Wing Chun , pero Wong decidió centrarse en un período anterior de la vida de Ip (1936-1956) que cubrió la agitación de la Segunda Guerra Sino-Japonesa y la Segunda Guerra Mundial . [4] [98] [nota 8] Se propuso hacer "una película comercial y colorida". [99] Después de una considerable investigación y preparación, la filmación comenzó en 2009. [99] Tony Leung Chui-wai se reunió con Wong para su séptima película juntos, después de haber pasado 18 meses entrenándose en Wing Chun. [4] [100] La "agotadora" producción duró de manera intermitente durante tres años, interrumpida dos veces por la fractura del brazo de Leung, y es la más cara de Wong hasta la fecha. [4]
Bettinson describe a The Grandmaster como una mezcla de tradiciones populares y de cine de autor , con una forma, imágenes y temas consistentes con el trabajo anterior de Wong. [101] Existen tres versiones diferentes de la película, ya que Wong la acortó desde su estreno nacional para el Festival de Cine de Berlín de 2013 , y nuevamente para su distribución en Estados Unidos por parte de Weinstein Company . [99] [nota 9] Descrita en Slant Magazine como la película más accesible de Wong desde su debut, [103] The Grandmaster ganó doce premios de cine de Hong Kong, incluyendo Mejor película y Mejor director, [104] y recibió dos nominaciones al Oscar ( Cinematografía y Diseño de producción ). [105] Los críticos aprobaron la película, [106] y con una recaudación mundial de 64 millones de dólares estadounidenses es la película más lucrativa de Wong hasta la fecha. [99] [107]
Cuando se le preguntó sobre su carrera en 2014, Wong le dijo a The Independent : "Para ser honesto contigo, siento que solo estoy a mitad de camino". [4] En noviembre de 2016, se anunció que se haría cargo de una próxima película sobre el asesinato de Maurizio Gucci del director anterior Ridley Scott , [108] pero comentó en octubre de 2017 que ya no estaba involucrado en el proyecto. [109] En septiembre de 2017, Amazon Video emitió un pedido directo a serie para Tong Wars , un drama televisivo que será dirigido por Wong. Se centra en las guerras de pandillas que ocurrieron en el San Francisco del siglo XIX, [110] pero Amazon luego abandonó la serie. [111]
En mayo de 2019, Wong anunció la restauración en 4K de toda su filmografía, que se lanzó en 2021 en celebración del 20 aniversario de In the Mood for Love . [112] La restauración fue realizada por el laboratorio de restauración de películas de la Cineteca di Bologna, L'Immagine Ritrovata. [113] Criterion Collection lanzó la filmografía restaurada de Wong como un box set en los Estados Unidos en marzo de 2021. [114]
En cuanto a su próximo proyecto, los medios asiáticos habían informado que se titularía Blossoms Shanghai y se basaría en el libro homónimo de Jin Yucheng . [115] Después de varios años, Blossoms Shanghai se anunció oficialmente como una serie de televisión y se lanzó el 27 de diciembre de 2023 en CCTV-8 y Tencent Video , lo que marca la primera serie de televisión de Wong. [116] La serie está ambientada en la década de 1990 en Shanghai y sigue a un hombre de negocios llamado A Bao ( Hu Ge ) durante los cambios económicos de Huanghe Road. [117]
Wong y su esposa, Esther, tienen un hijo, un niño llamado Qing. [5] El director es conocido por aparecer siempre con gafas de sol, lo que, según James Motram de The Independent, añade "al atractivo sentido de misterio que rodea al hombre y sus películas". [4] [5]
En 2009, Wong firmó una petición en apoyo del director Roman Polanski tras su arresto en relación con sus cargos de abuso sexual en 1977 tras ser detenido mientras viajaba a un festival de cine, lo que según la petición socavaría la tradición de los festivales de cine como un lugar para que las obras se muestren "libremente y de forma segura", y que arrestar a cineastas que viajan a países neutrales podría abrir la puerta "a acciones de las que nadie puede saber los efectos". [118] [119]
"[Wong] tiene una mezcla embriagadora de influencias, que van desde novelas modernistas hasta motivos narrativos, visuales y auditivos extraídos de películas locales y la cultura popular. Lo alto y lo bajo, lo nuevo y lo viejo, lo local y lo global se proyectan sobre un lienzo en blanco, que adquiere forma... [solo durante el] proceso de edición".
—Giorgio Biancorosso, en Cultura de Hong Kong: palabra e imagen [120]
Wong es cauteloso a la hora de compartir sus directores favoritos, [7] pero ha declarado que vio una variedad de películas mientras crecía, desde películas de género de Hong Kong hasta películas de arte europeo. Nunca fueron etiquetadas como tales, por lo que las abordó por igual y fue ampliamente influenciado. [13] La energía de las películas de Hong Kong tuvo un impacto "tremendo" según Brunette. [121] El profesor de arte Giorgio Biancorosso comentó que las influencias internacionales de Wong incluyen a Martin Scorsese , Michelangelo Antonioni , Alfred Hitchcock y Bernardo Bertolucci . [120] Algunos de sus cineastas contemporáneos favoritos incluyen a Scorsese, Christopher Nolan y Quentin Tarantino . [122] A menudo se lo compara con el director de la Nouvelle Vague francesa Jean-Luc Godard . [123] La influencia más directa de Wong fue su colega Patrick Tam , quien fue un mentor importante y probablemente inspiró su uso del color. [5] [124]
Fuera del cine, Wong ha sido fuertemente influenciado por la literatura. Tiene una afinidad particular por los escritores latinoamericanos, y la naturaleza fragmentaria de sus películas proviene principalmente de las "estructuras de álbum de recortes" de las novelas de Manuel Puig , Gabriel García Márquez y Julio Cortázar , que intentó emular. [5] [61] Haruki Murakami , particularmente su novela Norwegian Wood , también proporcionó inspiración, al igual que la escritura de Liu Yichang . [125] El canal de televisión MTV fue otra influencia en Wong. Dijo en una entrevista de 1998: "A fines de los años ochenta, cuando [MTV] se mostró por primera vez en Hong Kong, todos quedamos realmente impresionados con la energía y la estructura fragmentada. Parecía que debíamos ir en esta dirección". [7]
Wong tiene un enfoque inusual para hacer películas, comienza la producción sin un guion y generalmente confía en el instinto y la improvisación en lugar de ideas preparadas previamente. [7] [126] Ha dicho que no le gusta escribir y que le resulta "aburrido" filmar a partir de un guion terminado. [16] Según Stokes & Hoover, escribe mientras filma, "inspirándose en la música, el entorno, las condiciones de trabajo y los actores". [127] De antemano, se le da al elenco un esquema mínimo de la trama y se espera que desarrollen sus personajes mientras filman. [88] Para capturar la naturalidad y la espontaneidad, Wong no permite ensayos [100] mientras que se fomenta la improvisación y la colaboración. [127] De manera similar, no usa guiones gráficos ni planifica la ubicación de la cámara, prefiriendo experimentar sobre la marcha. [20] Por lo tanto, su tasa de rodaje es muy alta, a veces cuarenta tomas por escena, y la producción generalmente supera el cronograma y el presupuesto. [76] Tony Leung ha comentado que este enfoque es "agotador para los actores", pero Stokes y Hoover especulan que los colaboradores de Wong lo soportan porque "[los] resultados son siempre inesperados, estimulantes e interesantes". [127]
Aunque Wong admite ser controlador, [100] y supervisa cada aspecto del proceso de realización de la película, [128] ha formado varias asociaciones duraderas y colaboradores cercanos. En 2013, dijo: "Siempre es bueno trabajar con un grupo muy regular de personas porque sabemos qué tan alto podemos volar y cuáles son los parámetros, y se vuelve muy agradable". [100] Dos hombres han sido fundamentales en el desarrollo y logro de su estética: el diseñador de producción William Chang y el director de fotografía Christopher Doyle . [5] [129] Chang ha trabajado en todas las películas de Wong y es un confidente de confianza, responsable de todo el diseño de escenarios y vestuario. [30] [91] Doyle fotografió siete de sus proyectos, todos desde Days of Being Wild hasta 2046. Stephen Schneider escribe que merece "mucho crédito" en el éxito de Wong, ya que su "uso magistral de la luz y el color convierte cada cuadro en una obra de arte". [130] Otros colegas habituales de Wong incluyen al escritor y productor Jeffrey Lau , al productor Jacky Pang y al director asistente Johnnie Kong. [39]
Wong suele elegir a los mismos actores. Está fuertemente asociado con Tony Leung Chiu-wai, quien ha aparecido en siete de los largometrajes de Wong. [131] Wong lo describe como un compañero, afirmando: "Siento que hay muchas cosas entre Tony y yo que están más allá de las palabras. No necesitamos reuniones, conversaciones, lo que sea, porque muchas cosas se entienden". [90] Otros actores que han aparecido en al menos tres de sus películas son Maggie Cheung, Chang Chen, Leslie Cheung, Jacky Cheung y Carina Lau.
Wong es conocido por producir películas de arte centradas en el estado de ánimo y la atmósfera, en lugar de seguir las convenciones. [132] Su estilo general es descrito por Teo como "una cornucopia rebosante de múltiples historias, hilos de expresión, significados e identidades: un caleidoscopio de colores e identidades". [133] Estructuralmente, las películas de Wong son típicamente fragmentadas y desarticuladas, [134] con poca preocupación por la narrativa lineal, [135] y a menudo con historias interconectadas. [136] Los críticos han comentado sobre la falta de trama en sus películas, [137] como Burr que dice: "El director no construye líneas argumentales lineales tanto como anillos concéntricos de significado narrativo y poético que giran continuamente uno alrededor del otro". [84] De manera similar, Brunette dice que Wong "a menudo privilegia la expresividad audiovisual sobre la estructura narrativa". [138] Wong ha comentado sobre esto, diciendo "en mi lógica hay una historia". [7]
La clave de las películas de Wong es el estilo visual, que a menudo se describe como hermoso y único. [5] [100] Los colores son audaces y saturados, el trabajo de cámara es deslumbrante, lo que da como resultado lo que Brunette llama su "pirotecnia visual característica". [7] [139] Una de sus marcas registradas es el uso de la impresión por pasos, [7] que altera las velocidades de la película para "[licuar] bloques duros de color primario en rayas iridiscentes de luz". [11] Otras características de la estética de Wong incluyen la cámara lenta, [93] el encuadre descentrado, [140] el oscurecimiento de las caras, [141] el enfoque de bastidor , [142] filmar en la oscuridad o bajo la lluvia, [143] y la edición elíptica. [144] Schneider escribe sobre la afición de Wong por "jugar con la película, la exposición y la velocidad de la misma manera que otros podrían jugar con un guión". [43]
Otra característica distintiva del cine de Wong es su uso de la música y las canciones pop. [143] Le da gran importancia a este elemento, [145] y Biancorosso lo describe como la "esencia" de sus películas; una parte clave de la "maquinaria narrativa" que puede guiar el ritmo del montaje. [146] Selecciona canciones internacionales, rara vez cantopop , y las usa para realzar el sentido de la historia o el lugar. [147] Según el estudioso del cine Julian Stringer, la música "resultó crucial para el atractivo emocional y cognitivo" de las películas de Wong. [148]
La dependencia de Wong de la música y su estilo altamente visual y desarticulado han sido comparados con los videos musicales, [149] pero los detractores afirman que son "todo superficial y sin profundidad". [8] El académico Curtis K. Tsui sostiene que el estilo es la sustancia en la película de Wong, mientras que Brunette cree que su "forma permanece resueltamente al servicio del personaje, el tema y la emoción en lugar de ser un placer para sí misma". [150]
En las películas de Wong, la música no es simplemente una herramienta para crear ambiente, sino que es una parte integral de la narración, que proporciona un contexto emocional más profundo a las imágenes y la narrativa. La interrelación de la música con la trama, los personajes y el estado de ánimo eleva las capas emocionales de sus películas. Su elección de música y la forma en que la utiliza ayudan a construir su lenguaje cinematográfico distintivo, que permite a los espectadores experimentar emociones no solo a través de la historia sino también a través del sonido.
En las películas de Wong, la música a menudo actúa como una extensión de las emociones de los personajes. En In the Mood for Love , el uso recurrente del tema de Yumeji hecho por Umebayashi Shigeru es más que una partitura de fondo; se convierte en un símbolo de los deseos no expresados, la soledad y las emociones contenidas entre los protagonistas. [151] La música crea una sensación de repetición emocional, al igual que la tensión no resuelta entre los dos personajes. No es solo un acompañamiento; es una parte fundamental para expresar la agitación interna y las emociones complejas de los personajes.
Wong se destaca en el uso de la música para evocar una sensación de paso del tiempo, como si la música en sí misma estuviera marcando ciertos momentos y estados emocionales. En Chungking Express , California Dreamin ' de The Mamas & The Papas se usa repetidamente para reflejar la sensación de soledad de los personajes, el deseo de escapar y el anhelo de algo incierto. [152] La música se convierte en un ancla temporal que refleja los estados emocionales de los personajes, con el paso del tiempo ligado al ritmo y la melodía.
En Happy Together , el uso de la música de tango argentino es un reflejo tanto del entorno como de la tumultuosa relación entre los dos protagonistas. El ritmo intenso y apasionado del tango refleja la conexión intensa y fracturada de los personajes. La música aquí no solo trata de emociones personales, sino también de crear un sentido de lugar y resaltar el aislamiento de los personajes en un país extranjero.
Wong utiliza frecuentemente la música para expresar lo que los personajes sienten internamente. En 2046 , la mezcla de música clásica, aria de soprano y jazz refleja los complejos estados emocionales de los personajes, desde la represión hasta la nostalgia y el deseo. [153] Los cambios en el estilo musical reflejan las transiciones psicológicas que experimentan los personajes, haciendo que sus luchas internas sean más palpables. La música actúa como un lenguaje emocional directo, profundizando la resonancia emocional y conectando a la audiencia más íntimamente con los viajes internos de los personajes.
Wong es una figura importante en el cine contemporáneo, considerado uno de los mejores cineastas de su generación. [154] [155] Su reputación como inconformista comenzó temprano en su carrera: en la Enciclopedia del Cine Chino de 1996 , Wong fue descrito como alguien que "ya había establecido una reputación segura como uno de los cineastas de vanguardia más audaces" del cine chino. [156] Los autores Zhang y Xiao concluyeron que "ocupa un lugar especial en la historia del cine contemporáneo" y que ya había "ejercido un impacto considerable". [157] Con el lanzamiento posterior de Happy Together y In the Mood for Love , la posición internacional de Wong creció aún más, [158] y en 2002 los votantes del British Film Institute lo nombraron el tercer mejor director del cuarto de siglo anterior. [159] En 2015, Variety lo nombró un ícono del cine de autor. [160]
El erudito de Asia oriental Daniel Martin describe la producción de Wong como "una de las películas de Hong Kong más accesibles internacionalmente y aclamadas por la crítica de todos los tiempos". [161] Debido a este estatus en el extranjero, Wong es visto como una figura fundamental en su industria local; Julian Stringer dice que es "central para el renacimiento del cine chino contemporáneo", [162] Gary Bettinson lo describe como "un faro del cine de Hong Kong" que "ha mantenido esa industria en el foco público", [76] y Film4 lo designa como el cineasta de China con mayor impacto. [5] Junto con Zhang Yimou , el historiador Philip Kemp ve a Wong como representante de la "internacionalización" del cine de Asia oriental. [163] A nivel nacional, sus películas generalmente no fueron éxitos financieros, pero ha sido constantemente bien premiado por los organismos locales. [16] Desde el principio, fue considerado como el "enfant terrible" de Hong Kong y uno de sus cineastas más iconoclastas. [164] A pesar de esto, ha sido reconocido tanto en círculos de culto como en los convencionales, produciendo películas de arte que reciben exposición comercial. [165] Es conocido por confundir al público, ya que adopta géneros establecidos y los subvierte con técnicas experimentales. [166]
"Wong se erige como el principal heredero de los grandes directores de la Europa posterior a la Segunda Guerra Mundial: su obra combina el humor y el desencanto de Godard , las fantasías visuales de Fellini , el existencialismo elegante de Antonioni y las inquietantes incertidumbres de Bergman ".
— Ty Burr del Boston Globe [84]
Tanto Stringer como Nochimson afirman que Wong tiene uno de los estilos cinematográficos más distintivos de la industria. [167] Desde su primera película As Tears Go By , causó impacto con su estética "líquida", que Ungerböck afirma que era completamente nueva y rápidamente copiada en el cine y la televisión asiáticos. [168] Su segunda película, Days of Being Wild , es descrita por Brunette como "un hito en el cine de Hong Kong" por su enfoque poco convencional. [76] Nochimson escribe que las películas de Wong son completamente personales, lo que lo convierte en un autor , y afirma: "Wong ha desarrollado su propio vocabulario cinematográfico, con una variedad de patrones de tomas conectados con él". [87] Stringer argumenta que el éxito de Wong demuestra la importancia de ser "diferente". [169]
Las películas de Wong aparecieron con frecuencia en las listas de las mejores películas a nivel nacional e internacional. En la lista de 2005 de las 100 mejores películas chinas de la Asociación de Premios de Cine de Hong Kong, todas excepto una de sus películas hasta ese momento aparecieron en la lista. Days of Being Wild (1990) se ubicó en el número tres, la posición más alta para una película posterior a la década de 1980; otras películas clasificadas fueron Chungking Express (22), Ashes of Time (35), As Tears Go By (88), Happy Together (89) y In the Mood for Love (90). [170] En la encuesta Sight & Sound de 2012 , mediante la cual los profesionales de la industria envían votos para determinar las mejores películas de todos los tiempos, In the Mood for Love ocupó el puesto 24, la película mejor clasificada desde 1980 y la sexta mejor película de un director vivo. [171] Chungking Express y Days of Being Wild se clasificaron entre las 250 mejores; Happy Together y 2046 se encuentran entre las 500 mejores; y Ashes of Time y As Tears Go By también aparecen (todas menos dos de las películas de Wong en ese momento). [172]
La influencia de Wong ha impactado a directores contemporáneos como Quentin Tarantino , Sofia Coppola , Lee Myung-se , Alejandro González Iñárritu , Tom Tykwer , The Daniels , Zhang Yuan , Tsui Hark , [173] y Barry Jenkins . [174] En 2018, la Universidad de Harvard le otorgó un Doctorado Honoris Causa en Artes . [175]
La obra de Wong consta de diez largometrajes dirigidos, 16 películas en las que solo aparece acreditado como guionista, una serie de televisión y siete películas de otros directores que ha producido. También ha dirigido comerciales, cortometrajes y videos musicales, y contribuyó a dos películas antológicas. Ha recibido premios y nominaciones de organizaciones en Asia, Europa, América del Norte y América del Sur. En 2006, Wong aceptó la Orden Nacional de la Legión de Honor: Caballero (Grado más bajo) del Gobierno francés. En 2013, el ministro de Asuntos Exteriores francés Laurent Fabius le otorgó el título de Comendador de la Orden de las Artes y las Letras , la orden más alta . [176] El Festival Internacional de Cine de la India le otorgó a Wong un Premio a la Trayectoria en 2014. [177]
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