Georges Pierre Seurat ( Reino Unido : / ˈsɜːrɑː , -ə / SUR - ah , -ə ; Estados Unidos : / sʊˈrɑː / suu - RAH ; [1] [ 2] [3] [4] [ 5] Francés: [ʒɔʁʒ pjɛʁ sœʁa ] ; [6] 2 de diciembre de 1859 - 29 de marzo de 1891) fue un artista postimpresionista francés . Ideó las técnicas de pintura conocidas como cromoluminarismo y puntillismo y utilizó crayón conté para dibujos sobre papel con una superficie rugosa.
La personalidad artística de Seurat combinaba cualidades que habitualmente se consideran opuestas e incompatibles: por un lado, su extrema y delicada sensibilidad, por el otro, una pasión por la abstracción lógica y una precisión mental casi matemática. [7] Su obra de gran formato Una tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte (1884-1886) alteró la dirección del arte moderno al iniciar el neoimpresionismo , y es uno de los iconos de la pintura de finales del siglo XIX . [8]
Seurat nació el 2 de diciembre de 1859 en París, en el 60 de la rue de Bondy (hoy rue René Boulanger). La familia Seurat se mudó al 136 del boulevard de Magenta (hoy 110 del boulevard de Magenta) en 1862 o 1863. [9] Su padre, Antoine Chrysostome Seurat, originario de Champaña , era un ex funcionario judicial que se había enriquecido especulando con propiedades, y su madre, Ernestine Faivre, era de París. [10] Georges tenía un hermano, Émile Augustin, y una hermana, Marie-Berthe, ambos mayores. Su padre vivía en Le Raincy y visitaba a su esposa e hijos una vez por semana en el boulevard de Magenta. [11]
Georges Seurat estudió arte en la Escuela Municipal de Escultura y Diseño, cerca de la casa de su familia en el bulevar Magenta, que estaba dirigida por el escultor Justin Lequien. [12] [13] En 1878, se trasladó a la Escuela de Bellas Artes , donde recibió clases de Henri Lehmann , y siguió una formación académica convencional, dibujando a partir de moldes de esculturas antiguas y copiando dibujos de viejos maestros. [12] Los estudios de Seurat dieron como resultado una teoría de contrastes bien meditada y fértil: una teoría a la que se sometió a partir de entonces todo su trabajo. [14] Su educación artística formal llegó a su fin en noviembre de 1879, cuando dejó la Escuela de Bellas Artes para un año de servicio militar. [13]
Después de un año en la Academia Militar de Brest , regresó a París, donde compartió un estudio con su amigo Aman-Jean , a la vez que alquilaba un pequeño apartamento en el número 16 de la rue de Chabrol. [10] Durante los dos años siguientes, trabajó para dominar el arte del dibujo monocromo. Su primera obra expuesta, mostrada en el Salón de 1883, fue un dibujo a lápiz Conté de Aman-Jean. [15] También estudió cuidadosamente las obras de Eugène Delacroix , tomando notas sobre su uso del color. [12]
Pasó 1883 trabajando en su primera pintura importante: un lienzo de gran tamaño titulado Bañistas en Asnières , [16] una obra monumental que muestra a hombres jóvenes relajándose junto al Sena en un suburbio de clase trabajadora de París. [17] Aunque influenciado en su uso del color y el tono claro por el impresionismo, la pintura con sus texturas suaves y simplificadas y figuras cuidadosamente delineadas, más bien escultóricas, muestra el impacto continuo de su formación neoclásica; el crítico Paul Alexis lo describió como un "falso Puvis de Chavannes ". [18] Seurat también se apartó del ideal impresionista al prepararse para la obra con una serie de dibujos y bocetos al óleo antes de comenzar con el lienzo en su estudio. [18]
Bañistas en Asnières fue rechazada por el Salón de París y, en su lugar, la presentó en el Groupe des Artistes Indépendants en mayo de 1884. Sin embargo, pronto desilusionado por la mala organización de los Indépendants, Seurat y algunos otros artistas que había conocido a través del grupo, incluidos Charles Angrand , Henri-Edmond Cross , Albert Dubois-Pillet y Paul Signac , crearon una nueva organización, la Société des Artistes Indépendants . [16] Las nuevas ideas de Seurat sobre el puntillismo tendrían una influencia especialmente fuerte en Signac, quien posteriormente pintó en el mismo idioma.
En el verano de 1884, Seurat comenzó a trabajar en Una tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte .
La pintura muestra a miembros de cada una de las clases sociales participando en varias actividades del parque. Los diminutos puntos yuxtapuestos de pintura multicolor permiten que el ojo del espectador mezcle los colores ópticamente, en lugar de que los colores se mezclen físicamente en el lienzo. Seurat tardó dos años en completar esta pintura de 10 pies de ancho (3,0 m), gran parte de los cuales pasó en el parque dibujando en preparación para la obra. Hay alrededor de 60 estudios para la gran pintura, incluida una versión más pequeña, Estudio para una tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte (1884-1885), que ahora se encuentra en la colección del Instituto de Arte de Chicago . La obra completa también forma parte de la colección permanente del Instituto de Arte de Chicago. [19]
La pintura fue la inspiración para el musical de James Lapine y Stephen Sondheim Sunday in the Park with George [20] [21] [22] y jugó un papel simbólico significativo en Ferris Bueller's Day Off de John Hughes . [23]
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Seurat ocultó su relación con Madeleine Knobloch (o Madeleine Knoblock, 1868-1903), modelo de un artista a quien retrató en su cuadro Jeune femme se poudrant . En 1889, ella se mudó con Seurat a su estudio en el séptimo piso del 128 bis Boulevard de Clichy . [24]
Cuando Madeleine quedó embarazada, la pareja se trasladó a un estudio en el número 39 del Passage de l'Élysée-des-Beaux-Arts (actualmente rue André Antoine), donde dio a luz a su hijo, al que llamaron Pierre-Georges, el 16 de febrero de 1890. [24]
Seurat pasó el verano de 1890 en la costa de Gravelinas , donde pintó cuatro lienzos, entre ellos El canal de Gravelinas, Petit Fort Philippe , así como ocho paneles al óleo, e hizo algunos dibujos. [25]
Seurat murió en París en casa de sus padres el 29 de marzo de 1891 a la edad de 31 años . [9] La causa de su muerte es incierta y se ha atribuido a una forma de meningitis , neumonía , angina infecciosa y difteria . Su hijo murió dos semanas después por la misma enfermedad. [26] Su última obra ambiciosa, El circo , quedó inacabada en el momento de su muerte.
El 30 de marzo de 1891 se celebró una ceremonia conmemorativa en la iglesia de Saint-Vincent-de-Paul . [9] Seurat fue enterrado el 31 de marzo de 1891 en el cementerio del Père-Lachaise . [11]
En el momento de la muerte de Seurat, Madeleine estaba embarazada de un segundo hijo que murió durante o poco después del parto. [27]
Durante el siglo XIX, escritores científicos como Michel Eugène Chevreul , Ogden Rood y David Sutter escribieron tratados sobre el color, los efectos ópticos y la percepción . Adaptaron la investigación científica de Hermann von Helmholtz e Isaac Newton a un formato accesible para el público en general. [28] Los artistas siguieron con gran interés los nuevos descubrimientos en el campo de la percepción. [28]
Chevreul fue quizás la influencia más importante en los artistas de la época; su gran contribución fue producir una rueda de colores de tonos primarios e intermedios. Chevreul fue un químico francés que restauró tapices . Durante sus restauraciones, se dio cuenta de que la única forma de restaurar una sección correctamente era tener en cuenta la influencia de los colores alrededor de la lana faltante ; no podía producir el tono correcto a menos que reconociera los tintes circundantes . Chevreul descubrió que dos colores yuxtapuestos, ligeramente superpuestos o muy juntos, tendrían el efecto de otro color cuando se los ve desde la distancia. El descubrimiento de este fenómeno se convirtió en la base de la técnica puntillista de los pintores neoimpresionistas. [28]
Chevreul también se dio cuenta de que el "halo" que uno ve después de mirar un color es el color opuesto (también conocido como color complementario ). Por ejemplo: después de mirar un objeto rojo, uno puede ver un eco/halo cian del objeto original. Este color complementario (por ejemplo, cian para rojo) se debe a la persistencia retiniana . Los pintores neoimpresionistas interesados en la interacción de colores hicieron un uso extensivo de colores complementarios en sus pinturas. En sus obras, Chevreul aconsejó a los artistas que pensaran y pintaran no solo el color del objeto central, sino que agregaran colores y hicieran los ajustes apropiados para lograr una armonía entre los colores. Parece que la armonía sobre la que escribió Chevreul es lo que Seurat llegó a llamar "emoción". [28]
No está claro si Seurat leyó todo el libro de Chevreul sobre el contraste de color, publicado en 1859, pero sí copió varios párrafos del capítulo sobre la pintura y había leído la Grammaire des arts du dessin (1867) de Charles Blanc , [12] que cita la obra de Chevreul. El libro de Blanc estaba dirigido a artistas y conocedores del arte. Debido al significado emocional del color para él, hizo recomendaciones explícitas que se acercaban a las teorías adoptadas más tarde por los neoimpresionistas. Dijo que el color no debería basarse en el "juicio del gusto", sino que debería ser cercano a lo que experimentamos en la realidad. Blanc no quería que los artistas usaran intensidades iguales de color, sino que planificaran y comprendieran conscientemente el papel de cada tono en la creación de un todo. [28]
Mientras que Chevreul basaba sus teorías en las ideas de Newton sobre la mezcla de la luz, Ogden Rood basaba sus escritos en la obra de Helmholtz. Analizó los efectos de la mezcla y yuxtaposición de pigmentos materiales. Rood valoraba como colores primarios el rojo, el verde y el azul violeta. Al igual que Chevreul, decía que si se colocaban dos colores uno al lado del otro, desde la distancia parecían un tercer color distintivo. También señalaba que la yuxtaposición de tonos primarios uno al lado del otro crearía un color mucho más intenso y agradable, al ser percibido por el ojo y la mente, que el color correspondiente obtenido simplemente mezclando pintura. Rood aconsejaba a los artistas que fueran conscientes de la diferencia entre las cualidades aditivas y sustractivas del color, ya que los pigmentos materiales y los pigmentos ópticos (luz) no se mezclan de la misma manera:
Seurat también estuvo influenciado por Fenómenos de la visión (1880) de Sutter , en el que escribió que «las leyes de la armonía pueden aprenderse como se aprenden las leyes de la armonía y la música». [29] En la década de 1880, asistió a conferencias del matemático Charles Henry en la Sorbona , que discutía las propiedades emocionales y el significado simbólico de las líneas y el color. Sigue habiendo controversia sobre hasta qué punto las ideas de Henry fueron adoptadas por Seurat. [28]
Seurat tomó en serio la idea de los teóricos del color de un enfoque científico de la pintura. Creía que un pintor podía utilizar el color para crear armonía y emoción en el arte de la misma manera que un músico utiliza el contrapunto y la variación para crear armonía en la música. Teorizó que la aplicación científica del color era como cualquier otra ley natural, y se vio obligado a demostrar esta conjetura. Pensó que el conocimiento de la percepción y las leyes ópticas podrían usarse para crear un nuevo lenguaje del arte basado en su propio conjunto de heurísticas y se propuso mostrar este lenguaje utilizando líneas, intensidad del color y esquema de color. Seurat llamó a este lenguaje cromoluminarismo . [28]
En una carta al escritor Maurice Beaubourg en 1890 escribió: "El arte es armonía. La armonía es la analogía de los elementos contrarios y similares del tono, del color y de la línea. En el tono, lo más claro contra lo más oscuro. En el color, los complementarios, rojo-verde, naranja-azul, amarillo-violeta. En la línea, los que forman un ángulo recto. El marco está en una armonía que se opone a los de los tonos, colores y líneas del cuadro, estos aspectos se consideran según su predominio y bajo la influencia de la luz, en combinaciones alegres, tranquilas o tristes". [30] [31]
Las teorías de Seurat pueden resumirse de la siguiente manera: la emoción de alegría se puede lograr mediante el predominio de tonos luminosos, mediante el predominio de colores cálidos y mediante el uso de líneas dirigidas hacia arriba. La calma se logra mediante una equivalencia/equilibrio del uso de la luz y la oscuridad, mediante el equilibrio de colores cálidos y fríos y mediante líneas horizontales. La tristeza se logra mediante el uso de colores oscuros y fríos y mediante líneas que apuntan hacia abajo. [28]
Si bien la naturaleza dialéctica de la obra de Paul Cézanne había sido muy influyente durante la fase altamente expresionista del protocubismo , entre 1908 y 1910, la obra de Seurat, con sus estructuras más planas y lineales, capturaría la atención de los cubistas a partir de 1911. [32] Seurat, en sus pocos años de actividad, fue capaz, con sus observaciones sobre la irradiación y los efectos del contraste, de crear de nuevo sin ninguna tradición orientadora, de completar un sistema estético con un nuevo método técnico perfectamente adaptado a su expresión. [33]
"Con la llegada del cubismo monocromático en 1910-1911", escribe el historiador de arte Robert Herbert, "las cuestiones de forma desplazaron al color en la atención de los artistas, y por eso Seurat fue más relevante. Gracias a varias exposiciones, sus pinturas y dibujos se vieron fácilmente en París, y las reproducciones de sus principales composiciones circularon ampliamente entre los cubistas. El Chahut [Rijksmuseum Kröller-Müller, Otterlo] fue llamado por André Salmon 'uno de los grandes iconos de la nueva devoción', y tanto éste como el Circo ( Musée d'Orsay, París), según Guillaume Apollinaire , 'casi pertenecen al cubismo sintético'". [28]
Entre los artistas franceses estaba bien establecido el concepto de que la pintura podía expresarse matemáticamente, tanto en términos de color como de forma; y esta expresión matemática daba como resultado una "verdad objetiva" independiente y convincente, tal vez más que la verdad objetiva del objeto representado. [32]
De hecho, los neoimpresionistas habían logrado establecer una base científica objetiva en el campo del color (Seurat aborda ambos problemas en Circo y Bailarinas ). Pronto, los cubistas lo harían tanto en el campo de la forma como en el de la dinámica; el orfismo lo haría también con el color. [32]
El 2 de diciembre de 2021, Google honró a Seurat con un Google Doodle en su 162 cumpleaños. [34] [35] [36]
Desde 1883 hasta su muerte, Seurat expuso su obra en el Salón , el Salón de los Independientes , Les XX en Bruselas, la octava exposición impresionista y otras exposiciones en Francia y en el extranjero. [37]
Exposiciones póstumas:
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