Sarah Berman (1895-1957) fue una artista autodidacta ucraniana [ 1] ingenua y realista social primitiva cuya carrera comenzó en la ciudad de Nueva York a finales de la década de 1910 y permaneció activa hasta su muerte en 1957. Las obras de Sarah se destacan por su estilo primitivo. escenas de fantasía humana junto con sus representaciones de realismo social y comentarios políticos ilustrativos. Las mejores obras de Berman son aquellas que muestran la fantasía social diferente e ingenua que ella fue capaz de articular. Aunque sus obras se encuentran en muchos museos, Sarah Berman decidió no vender nunca una obra de arte.
“No todos los días una exposición de arte hace que todos los hilos zumben en tu interior. Pero el programa de Sarah Berman... hace precisamente eso. Líneas fluidas, rápidas y expresivas transforman la vida doméstica común en algo raro y glorioso… ella pinta a estas personas con una reverencia y un amor que es casi sagrado… es un sentimiento maravilloso. Ella nunca tuvo una lección de arte. Encontró su santuario en su estudio de Union Square, lejos de sus compañeros artistas. Su arte se convirtió en una religión... Tan profundamente arraigada que olvida que rara vez vende un cuadro. Hay felicidad dentro y fuera"
como lo describió Elizabeth Sacartoff [1] en 1941 para The New York Times.
Sarah Berman , de soltera Ostrowsky (1895-1957), fue una artista autodidacta ucraniana [ 1] artista ingenua y pintora y grabadora realista social primitiva cuya carrera comenzó en la ciudad de Nueva York a finales de la década de 1910 y permaneció activa hasta su muerte en 1957. Durante su vida y carrera, Sarah fue muy criticada y aclamada por numerosos críticos de arte, colocando con entusiasmo sus obras junto a la familia "Maitres Populaires de la Realité" [2] [3] de artistas autodidactas europeos, que van desde Henri Rousseau y Camille Bombois , ya otros como Edward Hicks [3] y John Kane . [4] A pesar de su estética primitiva, Berman también ha sido comparada favorablemente con los artistas del siglo XIX Honoré Daumier [5] y Thomas Rowlandson [5] en sus representaciones de escenas de realismo social muy detalladas y comentarios políticos ilustrativos, principalmente en sus grabados y dibujos más pequeños. y bocetos.
Debido a su proximidad a muchos otros artistas formados en Nueva York en ese momento, junto con su exitoso dominio de la pintura de la memoria, a veces se piensa en Sarah como una discípula de la Escuela Ashcan en lugar de la artista ingenua mucho más profunda e imaginativa que era. Aunque numerosas obras de Berman sobre la mediana edad pueden parecerse a las de realistas sociales altamente capacitados del siglo XX como Reginald Marsh , John Sloan o Raphael Soyer , sus mejores obras son aquellas que muestran la fantasía humana inocente y diferente que ella era capaz de articular. Incluso con estas notables comparaciones y el éxito al mostrar su trabajo, Berman decidió no vender nunca una obra de arte, ya que sus creaciones provenían de un lugar intensamente personal impulsado por su “imaginación desenfrenada”, como describió Henry McBride [6] en 1932.
Sarah Berman nació Sasha Ostrovsky, la segunda de seis hijos y la única hija en un hogar judío en Romny, Ucrania . Su familia sufrió una violenta persecución religiosa durante los pogromos rusos de 1905, y Sasha descubrió el cuerpo desmembrado de su tío después de que la ola de violencia hubiera pasado por su ciudad. Huyó a Estados Unidos a los 12 años, primero a Filadelfia antes de mudarse a la ciudad de Nueva York dos años después. Allí se casó con el poeta yiddish Leivi Berman en 1919. No tuvieron hijos, donde vivieron en su estudio en las viviendas del Lower East Side y más tarde en Union Square, donde ella murió.
La carrera de Sarah fue extensa. Sus obras son mejor conocidas por capturar la fantasía humana ingenua con la que soñaba y al mismo tiempo representar escenas de realismo social "primitivas" [7] centradas en Nueva York. Su trabajo abarca desde 1912 hasta 1957, desde la vida de viviendas del Lower East Side y sus alrededores. estudio de toda la vida en Union Square , en Harlem . [8] Había sido amiga personal cercana de Raphael y Moses Soyer , a menudo pintaban juntos en los estudios de cada uno mientras obtenían apoyo entusiasta para desarrollar su estilo primitivo, en lugar de seguir su proceso convencional. Estrechó asociaciones de trabajo con un puñado de otros artistas de la época, pero principalmente se mantuvo reservada para sí misma y su pasión.
El abanico autodidacta de Berman fue mucho más amplio que los grabados y litografías que a primera vista la definen. En algunos casos incluye acuarelas y dibujos detallados que representan la cultura afroamericana de Harlem , mientras que diferentes selecciones de grandes óleos sobre lienzo representan sus primeros recuerdos folclóricos al estilo Chagall de la vida judía ilusoria y espiritual en Ucrania. Otras pinturas evocan una perspectiva similar sobre los paisajes urbanos del realismo social. Hay más retratos, naturalezas muertas y otras pinturas basadas en su fuerte y duradera conexión etérea con el artista Henri Rousseau , con quien soñaba tener una asociación directa y que influyó en sus fantásticas pinturas de la vida a lo largo de su carrera.
Si bien exhibió su amplia gama de pinturas en innumerables ocasiones a lo largo de la primera mitad del siglo XX, cuando murió en 1957 permaneció al margen del mundo del arte moderno que se desarrolló lejos de ella. Las obras de Sarah permanecieron intactas en su estudio de Union Square durante más de 20 años, exactamente como estaban en el momento de su muerte, mientras su marido Leivi luchaba por mantenerlas a salvo. Entre 1978 y 1984, su obra de unas 300 pinturas al óleo y miles de dibujos y grabados fue empaquetada, trasladada y sepultada detrás de una serie de paredes falsas en el ático de la casa de su sobrina en Long Island . A pesar de su estilo primitivo bien recibido y su larga lista de obras en colecciones notables en todo Estados Unidos, a medida que las tendencias se alejaron de su estética ingenua, Sarah quedó sin clasificación y dejada de lado. A partir de 1960, la carrera de Berman permaneció inactiva, donde permaneció prácticamente oculta hasta que su obra fue redescubierta detrás de esas paredes falsas dentro de la casa familiar en 2012.
Sarah Berman era una verdadera "forastera", aparentemente demasiado hábil como artista autodidacta y demasiado marginada como humana para ser notada en el verdadero formato al que pertenece, cruzando entre el de una artista transformadora, realista social ingenua y folk . [9]
Sarah Berman se instaló en las viviendas del Lower East Side de Nueva York y trabajó como costurera en el duro ambiente de las fábricas de ropa de 1912 a 1918. A la edad de 16 años y durante estos años, Berman superó las graves condiciones y el trauma de sus trágicos primeros años y comenzó a perseguir su decidido interés en la creación de obras de arte.
Inspirándose en los diversos diseños, estilos y métodos textiles con los que trabajaría en las fábricas clandestinas y en la etapa más temprana de su carrera, Sarah desarrolló su propio estilo único e idiosincrásico, produciendo una visión de la vida que vivía. Al vivir en condiciones de pobreza pero con esperanza y altos ideales, se vio afectada por las mismas condiciones que pintó en sus primeras escenas sociales ingenuas . Crear arte para Berman era simplemente un acto de comunicar visualmente sobre la vida que llevaba y las personas que conocía y observaba.
Sarah Berman tenía poco dinero para materiales de arte, coleccionó todos los materiales que pudo encontrar y la mayoría de sus primeras obras durante este período se completaron en papel o cartón quebradizo y vulnerable. Estas obras evocan profundos vínculos visuales con las características de la ingenuidad autodidacta, rozando el Art Brut y cayendo agudamente en lo que más tarde se consideraría como " arte outsider ", mucho después de su muerte.
Las características del arte ingenuo tienen una relación incómoda con las cualidades formales de la pintura, especialmente si no se respetan las tres reglas de la perspectiva (como las definidas por los pintores progresistas del Renacimiento ):
Los resultados son:
Sarah luchó por sobrevivir como una joven inmigrante soltera que apenas hablaba inglés, mientras trabajaba a diario como costurera en talleres clandestinos. Durante este tiempo y mientras se sentía más cómoda con el lápiz y el papel, tomó una clase nocturna en la Escuela Moderna del Centro Ferrer de Harlem en 1915 con Robert Henri. Esta breve lección de dibujo natural fue la única instrucción que Sarah recibió. Recibió poca instrucción técnica formal más allá de este proceso simplista de dibujo natural; lo que resonó en ella fue el concepto de "Pintura de la memoria". Esta sencilla idea le abrió un mundo y llevó a Berman a abordar su trabajo con este método.
Además de continuar su desarrollo autodidacta en el arte, Sarah Berman se convirtió en una entusiasta seguidora de Clara Lemlich Shavelson , "la joven agitadora cuyo apasionado discurso yiddish desencadenó el Levantamiento de los 20.000 de 1909, la mayor huelga de trabajadoras en los Estados Unidos hasta ese momento". . Galvanizó al incipiente Sindicato Internacional de Trabajadoras de la Confección y desató una ola de huelgas de mujeres entre 1909 y 1915 que se extendió desde Nueva York a Filadelfia, Cleveland, Chicago, Iowa y Kalamazoo, Michigan. [10] "Pero también preparó el escenario para la tragedia cuando los negociadores sindicales no lograron promover la demanda de las mujeres jóvenes de condiciones de trabajo más seguras. Ese lapso volvería a atormentar al sindicato el 25 de marzo de 1911, cuando se produjo el incendio Triangle Shirtwaist en Nueva York. La ciudad mató a 146 trabajadores, en su mayoría mujeres inmigrantes judías e italianas". [10]
Sarah Berman acababa de mudarse de Filadelfia a Nueva York y quedó profundamente influenciada por el liderazgo del decidido Lemlich. Entre 1911 y 1916, la adolescente Sarah se relacionaba frecuentemente con muchas de sus jóvenes compañeras dentro de los talleres en los que trabajaba. Desarrollarían su gran atención por el activismo en todo lo relacionado con la justicia social, encarnando los ideales del socialismo y preparando el escenario para la siguiente. fase de lo que vendría en la vida de Berman.
A medida que la década llegaba a su fin, las actividades creativas de Sarah pasaron a un segundo plano a medida que el panorama político a su alrededor comenzó a cambiar dinámicamente. En 1918, Sarah dejó atrás su carrera de fábrica de explotación y se embarcó en iniciar un nuevo negocio como fundadora y operadora del "Tea Room" en el edificio que albergaba la Escuela Rand de Manhattan , con sus conexiones con el Partido Socialista de América . [11] Aunque no produjo muchas obras de arte durante este corto período de gestión del café, fue muy activa en el creciente movimiento socialista que la rodeaba.
En el verano de 1919, la Escuela Rand se vio envuelta en una serie de violentos incidentes de turbas civiles y nuevas redadas policiales por parte de la Oficina de Investigaciones . Apenas unas semanas después de que J. Edgar Hoover se convirtiera en jefe de la recién creada División de Inteligencia General , Berman se encontró cara a cara con oficiales de su "División Radical" mientras asaltaban su salón de té junto con la escuela en uno de los incidentes. Vio cómo muchos de sus compañeros eran golpeados violentamente y algunos detenidos. Todos los registros comerciales y el dinero se llevaron junto con algunos de los documentos personales de Berman. Berman se convirtió en una posible sospechosa por poderes y fue vigilada por su presunta conexión con las investigaciones en curso en torno al Movimiento Socialista y los Radicales.
Estos acontecimientos tuvieron un efecto profundo en Sarah, sumándose al trauma acumulativo que sufrió por la persecución política, religiosa e idealista en sus primeros años de vida en Ucrania. Ella fue testigo de cómo varios de sus amigos cercanos y asociados fueron detenidos en las redadas y finalmente enfrentaron un severo procesamiento dentro de las investigaciones del Comité Lusk . A algunos incluso los deportamos. A partir de ese momento, Sarah rehuyó el reconocimiento público del partido socialista y prefirió vacilar hacia los márgenes más alejados de la sociedad de viviendas. Ella cargaría con este trauma a lo largo de su vida y, en última instancia, sería la causa fundamental para que ella permaneciera recluida durante la cima de su carrera artística.
La obra de arte de Sarah estaría influenciada para siempre por el efecto que los Palmer Raids tuvieron en ella. El salón de té de Berman se había convertido en un lugar de moda para la actividad socialista a medida que el panorama político se intensificaba durante 1919 y donde había conocido a muchos de sus queridos amigos y familiares elegidos. Más tarde pintó personas y acontecimientos de memoria como telón de fondo de fantasía en muchas de sus escenas sociales interiores maravillosamente representadas. A pesar de su ansiedad en torno a esta historia, Berman continuaría describiendo los mismos eventos que presenció en las turbas violentas, las redadas y las investigaciones posteriores, particularmente en sus dibujos a tinta muy detallados de escenas judiciales de etapas posteriores de su carrera.
Los Berman estaban involucrados en otras ideas políticas de su época. Uno de los movimientos más fuertes que afectó a los judíos a finales del siglo XIX fue el del sionismo moderno. En la década de 1920 hubo un fuerte resurgimiento de este movimiento, especialmente entre los inmigrantes judíos que eran socialistas, como lo eran Sarah y Leivi. El sentimiento de "regreso a la tierra" del movimiento influyó en Leivi y Sarah para que pusieran en práctica su celo idealista.
En 1923, los Berman compraron una granja abandonada en Albany, Nueva York, por 800 dólares. No podrían haber elegido un peor momento para convertirse en agricultores. Los altos impuestos, los altos aranceles extranjeros y una depresión mundial estaban comenzando a paralizar a la comunidad agrícola, haciendo imposible vender los cultivos básicos estadounidenses. Después de dos años viviendo en un estado de pobreza mientras intentaban ganarse la vida "con la tierra", se vieron obligados a darse por vencidos y regresar a la ciudad de Nueva York.
Berman no había dejado de pintar y dibujar durante estos años en la granja. Sarah comenzó a utilizar acuarelas, sus obras se volvieron instantáneamente vibrantes y más refinadas, pero aún evocan muchas de las características de una perspectiva ingenua y primitiva. También comenzó a explorar con pinturas al óleo, aunque su acceso a los suministros adecuados era limitado. La mayoría de estas obras al óleo de principios de este período son sobre madera, tablero o en algunos casos sobre cualquier cosa que ella pudiera encontrar y reutilizar. Sarah aprovecharía esta temprana experimentación con el óleo y, a mediados de la década de 1920, comenzó a desarrollar obras de arte con la estética y el estilo por los que llegaría a ser reconocida.
A medida que avanzaba la década hasta mediados de la década de 1920, Sarah Berman se centró por completo en su arte. A partir de ese momento y con la ayuda de su esposo Leivi, quien fue su singular sistema de apoyo en su duro mundo, comenzó a avanzar hacia un enfoque más maduro. Aprovechó su propio proceso de "Pintura de la Memoria" y comenzó a capturar a las personas y los lugares que encontraría en sus frecuentes viajes por el Lower East Side y los vecindarios de Harlem. De 1925 a 1927, Sarah comenzó el primer período prolífico de su carrera, produciendo numerosas obras sobre lienzo mientras comenzaba a mostrar signos de una artista madura, aunque con su estilo y enfoque primitivos. En una de estas obras que produjo Berman, llamada "Boda en la Segunda Avenida", representa una perspectiva sesgada pero emite un aura de calidez y cariño de las figuras representadas en la escena. Si bien se encuentra entre sus primeras piezas de óleo sobre lienzo, también se considera una de las mejores. [9]
A pesar de ser clasificada como una artista “primitiva” pobre, marginada y autodidacta, ella prosperó en un contexto de cohortes altamente capacitadas y educadas, que comenzaban a encontrar su camino hacia el éxito percibido dentro del mundo del arte convencional. Casi a diario, Berman se aventuraba por las calles del Lower East Side y el centro de Manhattan para observar y estudiar a las personas en sus diversas actividades. Cuando Leivi la acompañaba visitaba barrios donde encontraba gitanos, bares de obreros, cafeterías, casas de burlesque, "peep-shows" y galerías de tiro. Siendo una persona algo tímida y mientras desarrollaba su formación anterior, nunca dibujaba en público, sino que estudiaba a sus modelos y luego recordaba sus observaciones una vez en su estudio. Grabó todos los aspectos de la vida de la clase trabajadora, incluido el suyo.
Aunque conocía las filosofías de la Escuela Ashcan , nunca se consideró una discípula. Sus pinturas nunca adquirieron un aspecto sofisticado y nunca glorificaron a la gente de los barrios de clase trabajadora. Ella nunca pintó con un estilo calculado. Pintó para sí misma con la esperanza de que la gente encontrara su trabajo agradable y expresivo en sus propios términos. En 1927, Berman envió algunas de las pinturas al óleo que produjo durante su período agrícola a una exposición en la ciudad de Nueva York en el Grand Central Palace , patrocinada por la Sociedad de Independientes .
Si bien es cierto que la estética de Berman fue autodidacta, ganó seguidores críticos en estos primeros años. Las primeras exposiciones importantes de Berman fueron en el New Art Circle de JB Neumann [12] en 1928. Allí realizaría otras exposiciones, incluida una exposición individual en 1932. Son estos primeros trabajos de Sarah los que preceden e impulsan su proceso autodidacta de su carrera de grabado, antes de la WPA.
Como testimonio de su talento y determinación, y a pesar de ser completamente autodidacta como grabadora, contra todo pronóstico, Sarah se ganó un lugar en la División de Artes Gráficas de la WPA de The New Deal . Allí comenzó a producir una prolífica gama de grabados [13] y litografías , [14] que son quizás los más conocidos y difundidos, y muchos ejemplos notables han llegado a las colecciones permanentes de museos de todo Estados Unidos, incluido el Museo Metropolitano de Arte . Museo Smithsonian de Arte Americano , Museo de Arte de Filadelfia , SFMOMA y Museo de Arte de Baltimore entre otros.
Fue durante estos años que Berman también experimentó con técnicas tempranas y primitivas de serigrafía en color , que aplicó en su bien recibida entrada que se incluyó en la exposición del MoMA de 1940 American Color Prints Under $10 . [15] [16] La exposición se organizó como un vehículo para llevar impresiones artísticas asequibles al público en general. [17]
Después de convertirse en una de las primeras mujeres miembros contribuyentes de la National Serigraph Society , sus obras de serigrafía en color viajaron con exposiciones por todo Estados Unidos, incluido el Museo de Artes de Dallas [18] en 1944, varias exposiciones del MoMA y la propia galería de la Serigraph Society en 57th St. junto a Anthony Velonis , Ruth Gikow , Harry Gottlieb y Robert Gwathmey . Sarah expuso en varias otras galerías regionales durante este tiempo, especialmente en la década de 1940.
A mediados de la década de 1940, el estilo de Berman experimentó un cambio importante, como lo demuestra la forma en que pintó el óleo sobre lienzo "Amanecer". Ya no describía la vida en las calles de su vecindario con fidelidad al lugar o a la gente de clase trabajadora. Su trabajo adquirió un tono y un tema cada vez más místico y emocional a medida que poco a poco se desconectaba del mundo exterior. Comenzó a pintar escenas de su imaginación que le daban gran alegría y consuelo. Los temas de sus pinturas eran poetas y rabinos, madres y bebés, plantas fantasiosas y animales dóciles en entornos parecidos al Edén.
En una de las últimas representaciones de Berman llamada "Joe Gould & Friends", podemos ver el estilo que Berman adaptó para el resto de su vida. El escenario es confuso, una envoltura de atmósfera más que un lugar. Bandas de efímeros colores pastel se curvan alrededor Las figuras de una manera fluida indican contenido emocional más que físico. Mostrado como un anciano frágil con un fajo de papeles apretado contra su pecho, Gould está flanqueado por personas aparentemente atentas y reflexivas. Las figuras mismas son seres espectrales, su linealidad enfatiza su. naturaleza insustancial, en lugar de dibujar de la vida, Berman toma la escena desde lo que ella llamó el "ojo interior", donde podía inventar o imaginar un momento en lugar de simplemente registrarlo.
La última exposición de Berman mientras estaba viva fue una exposición individual en mayo de 1953 en The Artist's Gallery en la ciudad de Nueva York. En él, presentó veintiuna pinturas al óleo que combinaban sus representaciones de escenas callejeras con sus esfuerzos místicos más maduros. Esta pintura encarna su inocencia espiritual y fue una obra notable en la que sería su última exposición pública durante su vida.
Sarah Berman produjo un legado de obras de arte que constituye un diario visual de la vida urbana, inmigrante, judía y de viviendas en la ciudad de Nueva York a principios del siglo XX. Berman retrató un lado muy diferente de la vida cultural de Nueva York que muchas otras mujeres modernistas de la época. [11] Sarah era una mujer progresista y socialista , apoyaba las ideas de igualdad e integración racial y, a menudo, retrataba multitudes racialmente mixtas y reuniones multiculturales, familias afroamericanas y niños de Harlem. Sus pinturas transmiten una combinación de las difíciles luchas de la vida de los inmigrantes en Nueva York.
El uso que hace Berman del proceso de “pintura de memoria” es lo que a menudo genera comparaciones con la Escuela Ashcan , en la que a los artistas se les enseñaba a observar sus escenas en la vida real mientras tomaban cuenta detallada de lo que veían para luego expresar su visión dentro del medio dado. eligió. Si se mira más de cerca, la obra de arte y el estilo de Sarah parecen encajar mucho más en el ámbito del arte ingenuo o popular que en las escenas sociales tradicionales. Su trabajo habla de la perspectiva primitiva, inocente y de ambientes fantásticos similares a otros “ Artistas Forasteros ” dentro de la categoría Naive, quienes también trabajaron a partir de un proceso de pintura de memoria como Grandma Moses .
Berman pintó escenas primitivas y fantásticas inspiradas en sus experiencias en el Lower East Side de Nueva York con "una franqueza distintiva", comentó un crítico. [19] El crítico de arte Henry McBride elogió su “imaginación desenfrenada”, algo que el historiador de arte Alfred Werner atribuyó a su propia marginalidad cultural como parte de una comunidad judía que, durante las décadas de 1920 y 1930, “formó un enclave curiosamente desfavorecido” como “ extraños incómodos en el establishment artístico mayoritariamente gentil de Nueva York”. [11] El artista trabajó en otros medios, incluidos el grabado y la litografía. Algunas de estas obras se pueden encontrar en las colecciones permanentes del Museo Metropolitano de Arte [20] y del Smithsonian American Art Museum. [21] En 1944, un crítico del New York Times, Howard Devree, se refirió a su pintura como “una de las pintoras más interesantes que la Artists' Gallery ha mostrado hasta ahora. [19]
En 1941 Elizabeth Sacartoff, ex editora de arte de la revista Time , afirmó para The New York Times :
“No todos los días una exposición de arte hace que todos los hilos zumben en tu interior. Pero el programa de Sarah Berman... hace precisamente eso. Líneas fluidas, rápidas y expresivas transforman la vida doméstica común en algo raro y glorioso… ella pinta a estas personas con una reverencia y un amor que es casi sagrado… es un sentimiento maravilloso. Ella nunca tuvo una lección de arte. Encontró su santuario en su estudio de Union Square, lejos de sus compañeros artistas. Su arte se convirtió en una religión... Tan profundamente arraigada que olvida que rara vez vende un cuadro”. [1]
El crítico de arte del New York Times , Howard Devree , también escribió en 1941:
“Sarah Berman… es una de las pintoras más interesantes que la Galería del Artista ha mostrado hasta ahora… Sus óleos de mayor tamaño contrastan sorprendentemente con sus pequeñas acuarelas realistas de interiores humildes con figuras”.
Devree también comentó favorablemente en 1943:
“Clasificada como 'primitiva'... sin embargo, ha alcanzado tal grado de sofisticación en color y composición... que se puede considerar que se ha graduado de las implicaciones del significado más restringido de 'primitiva'”.
En 1943, un crítico de Art News comparó:
"Sarah Berman en The Artist's Gallery presenta sus pinturas individualistas. Tiene su propio sentido del diseño, y es fresco; su enfoque es simple, directo y ligeramente tenue. Su Naturaleza muerta con revista es excelente y, tal vez, exhibe su parentesco lejano con Matisse . Ella está en su mejor momento en estos temas…” [60]
Bennett Schiff, crítico de arte, escribió para el New York Post en 1958:
“…Pertenece al pequeño y selecto número de artistas de la historia cuya vida y arte son indisolubles...cuyas vidas enteras, pasadas y presentes, son parte de su arte. Lo que hizo fue conectar los seres vivos con una visión creativa a veces primitiva… pero siempre simple, honesta y directa hasta la médula. Ella es tan importante a su manera para nuestra corriente de arte como lo es Rousseau para la suya, como lo es Redon y Chagall ”. [61]
John Canaday , crítico del New York Times, escribió después de su exposición retrospectiva conmemorativa de 1960:
“Berman… era una de esas rarezas, un inocente espiritual de toda la vida. Hay que llamarla primitiva a falta de un término mejor en inglés. Los "Maitres Populaires de la Realité" franceses no funcionan del todo en la traducción como "Maestros populares de la realidad", pero es mejor que "primitivo" describir a estos pintores autodidactas que nunca dominaron y habrían sido pintores menos expresivos. si hubieran dominado las técnicas convencionales de representación”. [3]
La crítica de arte del New York Times, Dore Ashton, también dijo en 1960:
“Sarah Berman fue una pintora tranquila, nacida en 1895 en Ucrania y criada en Estados Unidos, donde murió en 1957. Su obra, expuesta en The Graham Gallery, 1014 Madison Avenue en 78th Street, abarcaba desde delicada fantasía hasta impresiones realistas de Nueva York. El Lower East Side de York. Prestó profunda atención a las flores, los niños, los amantes, los panaderos, los poetas y los pájaros, y los pintó con una sencillez, una franqueza distintiva…. Esta muestra conmemorativa de pinturas de 1927 a 1955 muestra una visión clara que Alfred Werner, un crítico, compara con las de otros pintores llamados primitivos como John Kane , Joseph Pickett , Vivin , Bombois y Bauchant . [4]
En 1976, Alfred Werner escribe sobre Berman como "El artista olvidado" en The Jewish News :
"Señora. Berman, uno de los grandes pintores ingenuos de Estados Unidos, que tenía al menos tanto talento como la ampliamente conocida abuela Moses …” [62]
Al más puro estilo “Outsider” y a pesar de haber cumplido el papel real de “Ángel de la Guarda” en la vida de Joe Gould , el nombre y la imagen de Sarah Berman fueron lamentablemente eliminados de la película “ Joe Gould's Secret ”, una película dramática estadounidense dirigida por Stanley. Tucci y escrito por Howard A. Rodman . La película, basada en el artículo de la revista " Profesor Sea Gull " y el libro " El secreto de Joe Gould " de Joseph Mitchell , sustituyó a Berman por la artista más conocida Alice Neel , debido a que la carrera primitiva y sin clases de este último quedaba fuera del comprensión del mundo del arte convencional en ese momento. Esto injustamente dejó a Berman aún más alienado como artista outsider que siguió siendo tremendamente ignorado. El personaje de Neel, que recibió falsamente elogios por su papel en la historia de Joe Gould, fue interpretado por Susan Sarandon .
Joe Gould vagó por las calles de Greenwich Village entre los años 1920 y 1940, empobrecido y sin hogar. Frecuentó los clubes del Village donde fue aceptado por intelectuales y artistas y le dieron dinero. Siempre llevaba páginas de lo que llamaba su obra maestra, la "Historia oral de nuestros tiempos". " Joe Gould describió su trabajo como un compendio completo de entrevistas y comentarios sobre los cientos de personas que había conocido y que vivían en los sectores más sórdidos de la sociedad neoyorquina. Berman lo conoció en la década de 1930 en una fiesta donde le habló de este proyecto. que consumió su vida y que él estaba tratando de completar. Ella se hizo amiga de él y lo ayudó.
Después de perder contacto con él, no volvió a verlo hasta que, en la década de 1940, lo encontró desplomado en la puerta de una vivienda, ebrio y mortalmente enfermo. Ella lo llevó a casa, lo cuidó, le dio comida, ropa y dinero, y se convirtió en su defensora. Ella escribió muchas cartas en su nombre, una de las cuales fue inmortalizada en el libro posterior "El secreto de Joe Gould" de Joseph Mitchell para la revista The New Yorker en 1964. [63]
Sarah Berman es citada en un artículo de la revista Vanity Fair de 2014 sobre la conocida película y en este artículo se la describe como una pintora y amiga solidaria de Gould, más específicamente una comprensiva salvadora de Joe Gould. [64]
"...Gould siguió siendo un hombre de la calle. A menudo estaba sucio, mareado y borracho, frío, piojoso y hambriento. No tenía dientes y devoraba sus comidas, comiendo ketchup gratis a cucharadas en los restaurantes. Y cuando, En la primavera de 1944, una pintora que Gould conocía, Sarah Ostrowsky Berman, se topó con él sentado en las escaleras de un edificio de apartamentos en Bleecker Street, con un fuerte resfriado, resaca y llagas en las piernas; sólo tenía el corazón destrozado. Antes, los dos habían tenido largas conversaciones en fiestas." [64]
"No todos los días una exposición de arte hace que todos los hilos zumben dentro de ti. Pero la exposición de Sarah Berman... hace precisamente eso. Líneas fluidas, rápidas y expresivas transforman la vida doméstica común en algo raro y glorioso... ella pinta a estas personas con reverencia. y un amor que es casi sagrado... es un sentimiento maravilloso. Ella nunca tuvo una lección de arte. Encontró su santuario en su estudio de Union Square, lejos de sus compañeros artistas. Su arte se convirtió en una religión... TAN profundamente arraigado que lo olvida. rara vez vende una imagen. Hay felicidad por dentro y por fuera".
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