En el arte, una sacra conversazione ( italiano: [ˈsaːkra koɱversatˈtsjoːne] ; plural: sacre conversazioni ), que significa "conversación santa (o sagrada)", es un género desarrollado en la pintura renacentista italiana , con una representación de la Virgen y el Niño (la Virgen María con el niño Jesús ) en medio de un grupo de santos en una agrupación relativamente informal, a diferencia de las composiciones más rígidas y jerárquicas de períodos anteriores. [2] También se pueden incluir retratos de donantes , generalmente arrodillados, a menudo su santo patrón los presenta a la Virgen, [3] y con frecuencia hay ángeles presentes.
El término se utiliza a menudo como título de pinturas para evitar enumerar todas las figuras individuales, aunque la tendencia actual en los museos y en la historia académica del arte es dar la lista completa. El nombre, que sólo aparece como título retrospectivamente en el siglo XVIII, se ha explicado con referencia a "su absorta quietud de humor, en la que los santos, apenas mirándose unos a otros, parecen comunicarse a un nivel espiritual más que material". ". [5] Al menos ese es el caso en ejemplos anteriores; los posteriores, a partir del siglo XVI, suelen dar la impresión de conversaciones más convencionales entre los personajes, que se inclinan unos hacia otros e interactúan más. [6]
En italiano, el término quizás se usa con más frecuencia y amplitud que en inglés, por ejemplo, abarcando composiciones de aria en la tradición de la Virgen Sixtina de Rafael , donde la Virgen y el Niño flotan en el aire muy por encima de los santos. [7]
La sacra conversazione se desarrolló a medida que los artistas reemplazaban los anteriores formatos hieráticos y compartimentados de trípticos o polípticos por retablos con composiciones en las que las figuras interactuaban dentro de un espacio de perspectiva unificado . [8] Mientras que los retablos tradicionales generalmente conservaban un formato vertical, la sacra conversazione tenía todas las figuras principales en un solo nivel, o casi. Por lo tanto, tendían a avanzar hacia un formato horizontal, ya que había poco más que ángeles y arquitectura para poner en la parte superior de un formato vertical, a menos que las figuras divinas estuvieran elevadas sobre un trono muy alto, como en la inusual composición de la Madonna de Castelfranco de Giorgione (hacia 1503). [9] Aquí, como en muchas obras, la Virgen y el Niño están sentados en un trono, [10] pero los santos están de pie, por lo que en ejemplos más típicos con el trono ligeramente elevado sobre un estrado , las cabezas de los adultos están aproximadamente al mismo nivel. nivel. La sacra conversazione fue uno de los tipos de imágenes que propició que el formato horizontal se hiciera común en las pinturas sobre tabla; antes del Renacimiento era raro en los retablos (mientras que el formato era ciertamente común en los murales ). A menudo, estas obras, especialmente si estaban en formato horizontal y de medio cuerpo o con figuras sentadas, fueron pintadas para los hogares de fieles adinerados (y a menudo coleccionistas), ya sea para una capilla privada o para ser colgadas en otras habitaciones, tratadas de manera no diferente. retratos o escenas profanas. [11]
Los primeros ejemplos son el Retablo de Annalena (c. 1438-1440), el Retablo de San Marco (c. 1438-43) y el Retablo de Fiesole de Fra Angelico y el Retablo Barbadori de Filippo Lippi (1437, Louvre ). Tener a la Virgen del mismo tamaño que las otras figuras a menudo se considera esencial para el tipo, lo que descalifica a la mayoría de las obras anteriores, donde la Virgen se muestra mucho más grande. Entre otros artistas que representan una escena de este tipo se encuentran Piero della Francesca , Giovanni Bellini , Paolo Veronese y Andrea Mantegna . [12] Algunos estudiosos han sugerido que la Maestà pintada por Duccio en 1308-11 para la catedral de Siena puede considerarse como la "prima conversazione sacra italiana" . [13]
Los primeros ejemplos, como el Bellini ilustrado, rara vez muestran una "conversación" real o mucha interacción, aunque esto puede verse a partir del siglo XVI, [14] como en La Virgen y el Niño con los santos Lucas y Catalina de Alejandría de Tiziano . En los primeros ejemplos, el entorno es normalmente arquitectónico, representando vagamente el cielo, pero también, hasta el Retablo de Pesaro de Tiziano (comenzado en 1519), continúa la arquitectura del marco arquitectónico y, por tanto, la del entorno original de la iglesia para la que fue pintado. Se trataba de un replanteamiento radical del tipo, aparentemente situado fuera del pórtico de algún templo con grandes columnas altísimas, vistas de manera oblicua. La Virgen y el Niño ya no están en el centro de la composición, sino a la derecha del espacio pictórico. [15]
Como en retablos anteriores, la elección de los santos la dictan en gran medida los santos patrones del donante y su familia, y los de la iglesia, ciudad, diócesis u orden religiosa en cuestión. La mezcla de personajes de distintas épocas, habitual en la tipografía, deja claro que no se representa ningún incidente histórico y, cualquiera que sea el escenario, el espacio debe entenderse como un lugar místico y no como un lugar real. [dieciséis]
También en la década de 1510, Tiziano y otros venecianos habían estado desarrollando la tradición, mayoritariamente norteña, de entornos exteriores en un jardín o, especialmente más tarde, en un paisaje abierto. La altura de la Madonna de Castelfranco de Giorgione de alrededor de 1503 había permitido que sobre la zona inferior se mostrara un paisaje con los santos. Palma Vecchio se convirtió en un especialista en sacre conversazioni fuertemente horizontal , con las figuras en su mayoría sentadas o arrodilladas en un grupo bastante apretado, combinando informalidad y un clasicismo monumental. [17] Estas composiciones también se basaron en grupos tradicionales al aire libre que presentaban a la Sagrada Familia , como el Descanso en la Huida a Egipto , la Adoración de los Pastores y composiciones de la Virgen y el Niño con ángeles y otras figuras. [18]
La Virgen colocada en un jardín cerrado se conoce como hortus conclusus , y cuando está rodeada de santas se la conoce como Virgo inter Virgines .Era una especialidad del norte, cuando varias de las figuras junto a la Virgen estaban sentadas, en un banco, banco o en el suelo, generalmente en un jardín dentro de algún tipo de recinto (originalmente una metáfora del útero de la Virgen, como el hortus). conclusus comenzó como una representación de la Anunciación , marcando la concepción de Cristo por parte de María. [19]
Estos grupos más relajados continuaron en las pinturas venecianas ambientadas en paisajes abiertos. A finales del siglo XVI, "las relaciones dominantes en un retablo como el de la Virgen y el Niño de Annibale Carracci con los santos Catalina y Juan Evangelista (1593, Pinacoteca Nazionale di Bolonia ) no eran entre las figuras del cuadro sino entre ellas". y el espectador." [20] En el " cuadro barroco la Virgen es retirada de la tierra siempre que el contexto lo permite", y las escenas suelen transcurrir entre las nubes celestiales. [21]
Los ejemplos en escultura son relativamente raros, aunque sólo sea por la cantidad de figuras involucradas. Miguel Ángel planeó una excepción para la Capilla de los Medici en Florencia , aunque abandonó el proyecto antes de que estuvieran terminados los dos santos patrones de los Medici que flanqueaban a la Virgen y el Niño ; estos fueron hechos por otros siguiendo sus diseños. [22]
Otro tipo de composición desarrollada para adaptarse a las necesidades de los retablos de formato vertical con sacra conversacional . Aquí la Virgen y el Niño están colocados, generalmente sobre nubes, en el aire (en aria) sobre los santos en el suelo. Normalmente hay un fondo de paisaje. Además de llenar un espacio pictórico vertical, esto tenía otras ventajas, permitiendo referencias a la Coronación de la Virgen o la Asunción de María . Esta última doctrina todavía era un tema de controversia en la Reforma , y algunos patrocinadores pudieron haber preferido una conversación sacra que la insinuaba a una descripción completa, que más bien requería que la elección de los santos estuviera restringida a los Apóstoles , y a menudo tenía una Tumba vacía en el centro. María a veces es coronada por ángeles, mientras que una Coronación completa de la Virgen sería por al menos uno de la Santísima Trinidad . El tipo compositivo in aria comienza antes de 1500 y se vuelve cada vez más popular durante el siglo siguiente, convirtiéndose al final en "el tipo de retablo más común en Italia". [23]
La Virgen de Foligno de Rafael de 1511 y su Virgen Sixtina de 1512 son ejemplos destacados; en este último los dos santos también están arrodillados sobre las nubes, aunque las cortinas laterales y la repisa sobre la que se apoyan los famosos angelitos mantienen el escenario atado a la tierra. A partir de la década de 1520, Moretto da Brescia fue "probablemente el primer artista italiano importante en emplearlo repetidamente", pintando más de veinte. [24]
El término no aparece, refiriéndose al tema de un cuadro, antes de las referencias italianas de finales del siglo XVIII; en 1979 el primer uso encontrado fue en los inventarios de la familia Pucci de 1763 y 1797. Pero el término, en sus equivalentes latinos santa conversatio y pia conversatio , aparece varias veces en los textos clave de la iglesia, desde la Biblia Vulgata hasta la Padres de la Iglesia y liturgia católica. Pero en estos su significado es más bien "conducta piadosa" o "santa comunidad". El desarrollo del significado de la conversazione italiana también es bastante complejo; [25] como en inglés, pasó mucho tiempo antes de que la palabra llegara a significar simplemente personas hablando juntas (el séptimo significado enumerado en el OED ). El significado inglés más antiguo, de 1340, lo define el OED como "La acción de vivir o estar en un lugar o entre personas", muy cercano al latín.
Como descripción de una pintura, el término siguió siendo poco utilizado hasta mediados del siglo XIX, cuando aparentemente fue popularizado, al menos en inglés, por la Historia de la pintura en Italia (3 volúmenes, 1864-1866) de Crowe y Cavalcaselle . [26] Afirmaron "con notable entusiasmo " que Palma Vecchio fue "el inventor de la gran Sacra Conversazione en la que santos de cuerpo entero celebran la corte en presencia de la Virgen...", [27] sugiriendo una interpretación bastante más sentido más estrecho del término que el que prevalece hoy.
Los historiadores del arte posteriores suelen situar el origen del tipo en obras de Masaccio , Domenico Veneziano o Fra Angelico, aunque Jacob Burckhardt estuvo entre los que se quejaron de su uso. [28] Nigel Gauk-Roger dice que "la primera verdadera conversación sacra fue casi con certeza" el Retablo de Santa Lucía de' Magnoli de Domenico Veneziano de alrededor de 1445-47 (panel principal ahora Uffizi ). [29] Todos estos tienen santos de pie en un entorno arquitectónico. Rona Goffen rastrea el origen del tipo más atrás, en el Trecento , examinando varios ejemplos, muchos de ellos de la Basílica de San Francisco de Asís , y de medio cuerpo. [30]
La mayoría de los relatos del desarrollo se limitan a Italia, ignorando los paralelos del norte, a pesar de que la Virgen y el Niño con el canónigo van der Paele (y dos santos) de Jan van Eyck representan claramente el mismo tipo, ya en 1434-1436, como Otto Pächt. ha señalado. [31]
_nave_left_-_Altar_of_Madona_di_Ca'Pesaro.jpg/1280px-Frari_(Venice)_nave_left_-_Altar_of_Madona_di_Ca'Pesaro.jpg)
![Virgo inter Virgines, Gerard David, c. 1509, con dos retratos de donantes, en este caso el artista y su esposa.[32]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/ae/David_Virgin_among_the_Virgins.jpg/1280px-David_Virgin_among_the_Virgins.jpg)
