Bridget Louise Riley CH CBE (nacida el 24 de abril de 1931) es una pintora inglesa conocida por sus pinturas de op art . [1] Vive y trabaja en Londres, Cornwall y Vaucluse en Francia. [2]
Riley nació el 24 de abril de 1931 [3] en Norwood , Londres. [1] Su padre, John Fisher Riley, originario de Yorkshire , había sido oficial del ejército. Era impresor de profesión y tenía su propio negocio. En 1938, trasladó la imprenta, junto con su familia, a Lincolnshire . [4]
Al comienzo de la Segunda Guerra Mundial , su padre, miembro del Ejército Territorial, fue movilizado y Riley, junto con su madre y su hermana Sally, se mudaron a una cabaña en Cornualles . [5] Compartieron la cabaña con una tía que había estudiado en Goldsmiths' College , Londres y Riley asistió a charlas impartidas por una variedad de profesores jubilados y no profesionales. [6] Asistió al Cheltenham Ladies' College (1946-1948) y luego estudió arte en Goldsmiths' College (1949-52), y más tarde en el Royal College of Art (1952-55). [7]
Entre 1956 y 1959 cuidó a su padre, que había estado involucrado en un grave accidente automovilístico. Sufrió una crisis nerviosa debido al deterioro de la salud de su padre. Después de esto trabajó en una cristalería. Con el tiempo se unió a la agencia de publicidad J. Walter Thompson , como ilustradora, donde trabajó a tiempo parcial hasta 1962. La exposición de Jackson Pollock en la Whitechapel Gallery en el invierno de 1958 tuvo un impacto en ella. [6]
Sus primeros trabajos fueron figurativos y semiimpresionistas. Entre 1958 y 1959, su trabajo en la agencia de publicidad mostró su adopción de un estilo de pintura basado en la técnica puntillista . [8]
En 1959, Riley conoció al pintor y educador artístico Maurice de Sausmarez en una escuela de verano residencial que dirigía con Harry Thubron y Diane Thubron. [9] Se convirtió en su amigo y mentor, inspirándola a mirar más de cerca el futurismo y el divisionismo y a artistas como Klee y Seurat . [10] Riley y de Sausmarez comenzaron una intensa relación romántica más tarde ese año [11] y pasaron el verano de 1960 juntos pintando en Italia, donde visitaron la Bienal de Venecia , que albergaba una gran exposición de arte futurista . [10] Riley pintó Paisaje rosa (1960), un estudio puntillista del paisaje cerca de Radicofani durante estas vacaciones. [12] Cuando la relación terminó en otoño del mismo año, Riley sufrió una crisis personal y artística, creando pinturas que darían lugar a obras de Op Art en blanco y negro , como Kiss (1961). [10] Comenzó a desarrollar su estilo característico Op Art, que consiste en patrones geométricos en blanco y negro que exploran el dinamismo de la vista y producen un efecto desorientador en el ojo y producen movimiento y color. [7] Riley y de Sausmarez mantuvieron una amistad profesional hasta su muerte en 1969. [13] Riley ha citado a menudo su papel como uno de sus primeros mentores [14] y la monografía de Sausmarez sobre Riley y su trabajo se publicó después de su muerte en 1970. [13]
Al principio de su carrera, Riley trabajó como profesora de arte para niños de 1957 a 1958 en el Convento del Sagrado Corazón, Harrow (ahora conocido como Sacred Heart Language College). En el Convento del Sagrado Corazón inició un curso básico de diseño. Posteriormente trabajó en la Escuela de Arte de Loughborough (1959), el Hornsey College of Art y el Croydon College of Art (1962-1964). [15]
En 1961, ella y su socio Peter Sedgley visitaron la meseta de Vaucluse en el sur de Francia y adquirieron una granja abandonada que finalmente transformaron en un estudio. De regreso a Londres, en la primavera de 1962, Victor Musgrave de Gallery One realizó su primera exposición individual. [6]
En 1968, Riley, con Sedgley y el periodista Peter Townsend, crearon la organización de artistas SPACE (Space Provision Artistic Cultural and Educational), con el objetivo de proporcionar a los artistas un espacio de estudio grande y asequible. [16] [17]
El estilo maduro de Riley, desarrollado durante la década de 1960, fue influenciado por fuentes [20] como el artista neoimpresionista francés Georges Seurat . En 2015-6, la Courtauld Gallery , en su exposición Bridget Riley: Learning from Seurat , defendió cómo el puntillismo de Seurat influyó en ella hacia la pintura abstracta. [19] [21] Cuando era un joven artista en 1959, Riley vio El puente de Courbevoie , propiedad de Courtauld, y decidió pintar una copia. La obra resultante ha estado colgada en el estudio de Riley desde entonces, salvo su préstamo a la galería para la exposición, lo que demuestra, en opinión del crítico de arte Jonathan Jones , "cuán crucial" fue Seurat en su enfoque del arte. [18] Riley describió su copia de la pintura de Seurat como una "herramienta", interpretada por Jones en el sentido de que ella, como Seurat, practicaba el arte "como una ciencia óptica"; En su opinión, Riley "realmente forjó su estilo óptico estudiando a Seurat", haciendo de la exposición un verdadero encuentro entre lo antiguo y lo nuevo. [18] Jones comenta que Riley investigó el puntillismo de Seurat pintando a partir de una ilustración de un libro del Puente de Seurat en una escala ampliada para descubrir cómo su técnica hacía uso de colores complementarios , y pasó a crear sus propios paisajes puntillistas, como Pink Landscape. (1960), [18] pintó poco después de su estudio de Seurat [21] y retrata las "colinas soleadas de la Toscana " (y que se muestran en el cartel de la exposición) que, según Jones, podría tomarse fácilmente como un original postimpresionista. [18] En su opinión, Riley comparte la "alegría por la vida" de Seurat, un deleite simple pero radical por el color y la vista. [18]
Fue durante este período que Riley comenzó a pintar las obras en blanco y negro por las que se hizo conocida por primera vez. Presentan una gran variedad de formas geométricas que producen sensaciones de movimiento o color. A principios de la década de 1960, se decía que sus obras inducían una variedad de sensaciones en los espectadores, desde mareos hasta la sensación de hacer paracaidismo . De 1961 a 1964 trabajó con el contraste de blanco y negro, introduciendo ocasionalmente escalas tonales de grises. Las obras de este estilo comprendieron su primera exposición individual de 1962 en la Galería Uno de Musgrave, así como numerosas exposiciones posteriores. Por ejemplo, en Fall , se repite una única curva perpendicular para crear un campo de frecuencias ópticas variables. [22] Visualmente, estas obras se relacionan con muchas preocupaciones de la época: una necesidad percibida de participación del público (esto las relaciona con los Happenings , que eran comunes en esta época), desafíos a la noción de la dualidad mente-cuerpo que llevó a Aldous Huxley experimentará con drogas alucinógenas ; [23] se refiere a una tensión entre un futuro científico que podría ser muy beneficioso o podría conducir a una guerra nuclear ; y temores sobre la pérdida de una experiencia individual genuina en un mundo feliz. [24] Sus pinturas desde 1961, han sido ejecutadas por asistentes. [5] Planifica meticulosamente el diseño de su composición con dibujos preparatorios y técnicas de collage; sus asistentes pintan los lienzos finales con gran precisión bajo sus instrucciones. [25]
Riley comenzó a investigar el color en 1967, año en el que realizó su primera pintura a rayas. [26] Después de una importante retrospectiva a principios de la década de 1970, Riley comenzó a viajar mucho. Después de un viaje a Egipto a principios de la década de 1980, donde se inspiró en la colorida decoración jeroglífica , Riley comenzó a explorar el color y el contraste. [27] En algunas obras, se utilizan líneas de color para crear un efecto brillante, mientras que en otras el lienzo está lleno de patrones teselado . Un ejemplo típico de estas coloridas obras posteriores es Shadow Play .
Algunas obras llevan títulos según fechas concretas, otras según lugares específicos (por ejemplo, Les Bassacs, el pueblo cerca de Saint-Saturnin-lès-Apt en el sur de Francia donde Riley tiene un estudio). [28]
Tras una visita a Egipto en 1980-1981, Riley creó colores en lo que ella llamó su "paleta egipcia" [29] y produjo obras como las series Ka y Ra , que capturan el espíritu del país, antiguo y moderno, y reflejan los colores del paisaje egipcio. [8] Invocando la memoria sensorial de sus viajes, las pinturas producidas entre 1980 y 1985 exhiben la reconstrucción libre de Riley de la paleta cromática restringida descubierta en el extranjero. En 1983, por primera vez en quince años, Riley regresó a Venecia para estudiar una vez más las pinturas que forman la base del colorismo europeo. Hacia finales de la década de 1980, la obra de Riley experimentó un cambio dramático con la reintroducción de la diagonal en forma de una secuencia de paralelogramos utilizados para alterar y animar las franjas verticales que habían caracterizado sus pinturas anteriores. [30] En Delos (1983), por ejemplo, los tonos azul, turquesa y esmeralda se alternan con ricos amarillos, rojos y blancos. [31]
Riley ha pintado murales temporales para la Tate , el Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris y la National Gallery . En 2014, la Colección de Arte Benéfico de Atención Médica del Imperial College le encargó la realización de un mural permanente de 56 metros para el Hospital St Mary's de Londres ; La obra se instaló en el décimo piso del ala Reina Madre Reina Isabel del hospital, uniéndose a otras dos que había pintado más de 20 años antes. [32] Entre 2017 y 2019, Riley completó una gran pintura mural para la Fundación Chinati , Marfa, Texas . Este fue el trabajo más grande que había realizado hasta ahora, cubriendo seis de las ocho paredes del edificio. El mural hacía referencia a su Bolt of Color de 1983, para el Royal Liverpool University Hospital , y hacía uso de una paleta similar de colores egipcios. [33]
Riley hizo los siguientes comentarios sobre el trabajo artístico en su conferencia Painting Now , 23rd William Townsend Memorial Lecture, Slade School of Fine Art , Londres, 26 de noviembre de 1996:
Beckett interpreta a Proust como convencido de que tal texto no puede crearse ni inventarse, sino que sólo puede descubrirse dentro del propio artista, y que es, por así decirlo, casi una ley de su propia naturaleza. Es su posesión más preciada y, como explica Proust, la fuente de su felicidad más íntima. Sin embargo, como puede verse en la práctica de los grandes artistas, aunque el texto puede ser fuerte y duradero y capaz de soportar el trabajo de toda una vida, no puede darse por sentado y no hay garantía de posesión permanente. Puede extraviarse o incluso perderse, y recuperarlo es muy difícil. Puede permanecer latente y descubrirse tarde en la vida, después de una larga lucha, como ocurrió con Mondrian o el propio Proust. Por qué algunas personas tienen este tipo de texto mientras que otras no, y qué "significado" tiene, no es algo que se preste a discusión. Tampoco le corresponde al artista decidir qué tan importante es o qué valor tiene para otras personas. Determinar esto tal vez esté más allá incluso de las capacidades de la propia época de un artista. [34] [35]
Riley ha escrito sobre artistas desde Nicolas Poussin hasta Bruce Nauman . Fue co-curadora de Piet Mondrian: De la naturaleza a la abstracción (con Sean Rainbird ) en la Tate Gallery en 1996. [36] Junto al historiador del arte Robert Kudielka, Riley también fue curadora de la exposición de 2002 " Paul Klee : La naturaleza de la creación". , una exposición en la Hayward Gallery de Londres en 2002. [37] En 2010, fue comisaria de una exposición de artistas seleccionados en la National Gallery de Londres, eligiendo pinturas de grandes figuras de Tiziano , Veronés , El Greco , Rubens , Poussin y Paul Cézanne. . [38] [39]
En 1965, Riley expuso en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York la muestra The Responsive Eye (creada por el curador William C. Seitz); la exposición que atrajo por primera vez la atención mundial sobre su trabajo y el movimiento Op Art. Su cuadro Actual , 1964, fue reproducido en la portada del catálogo de la muestra. La ausencia de protección de derechos de autor para los artistas en los Estados Unidos en ese momento hizo que su trabajo fuera explotado por empresas comerciales, lo que la desilusionó de tales exposiciones. Finalmente se aprobó la legislación, tras una iniciativa de artistas radicados en Nueva York, en 1967. [6]
Participó en las documentas IV (1968) y VI (1977). En 1968, Riley representó a Gran Bretaña en la Bienal de Venecia , donde fue la primera pintora británica contemporánea, y la primera mujer, en recibir el Premio Internacional de Pintura. [26] Su trabajo disciplinado perdió terreno ante los gestos asertivos de los neoexpresionistas en la década de 1980, pero una exposición en 1999 en la Galería Serpentine de sus primeras pinturas desencadenó un resurgimiento del interés en sus experimentos ópticos. "Bridget Riley: Reconnaissance", una exposición de pinturas de las décadas de 1960 y 1970, se presentó en Dia:Chelsea en 2000. En 2001, participó en Site Santa Fe , [40] y en 2003 la Tate Britain organizó una importante retrospectiva de Riley. . En 2005, su trabajo se presentó en Gallery Oldham . [41] Entre noviembre de 2010 y mayo de 2011, se presentó su exposición "Pinturas y trabajos relacionados" en la National Gallery de Londres. [42]
En junio y julio de 2014, se presentó la exposición retrospectiva "Bridget Riley: The Stripe Paintings 1961-2014" en la David Zwirner Gallery de Londres. [43] [44] En julio y agosto de 2015, se presentó la muestra retrospectiva "Bridget Riley: The Curve Paintings 1961-2014" en el Pabellón De La Warr en Bexhill-on-Sea . [45]
En noviembre de 2015 se inauguró la exposición Bridget Riley en David Zwirner en Nueva York. La muestra presenta pinturas y obras sobre papel del artista desde 1981 hasta la actualidad; El catálogo completamente ilustrado incluye un ensayo del historiador del arte Richard Shiff y notas biográficas compiladas por Robert Kudielka. [46]
Una exposición retrospectiva en la Galería Nacional de Escocia , en asociación con la Galería Hayward , se llevó a cabo de junio a septiembre de 2019. [47] Mostró pinturas y dibujos tempranos, obras en blanco y negro de la década de 1960 y estudios que revelan sus métodos de trabajo. . [48] Esta importante exposición de su trabajo, que abarca sus 70 años de carrera, también se mostró en Hayward Gallery desde octubre de 2019 hasta enero de 2020. [49]
En mayo de 2023, se presentó la primera pintura del techo de Riley, Verve , en la Escuela Británica de Roma .
Los artistas Ross Bleckner y Philip Taaffe realizaron pinturas que rinden homenaje a la obra de Riley en los años 80. [55] [56] En 2013, Riley afirmó que una obra de tablero de ajedrez en blanco y negro del tamaño de una pared de Tobias Rehberger plagiaba su pintura Movimiento en cuadrados y pidió que la retiraran de la exhibición en la lectura de la Biblioteca Estatal de Berlín. habitación. [54] [57]
En 1963, Riley recibió el Premio de la Crítica AICA y el Premio John Moores de la Sección Abierta de Liverpool. Un año después, recibió una beca de viaje de la Fundación Peter Stuyvesant. En 1968 recibió el Premio Internacional de Pintura en la Bienal de Venecia . En 1974, fue nombrada Comandante de la Excelentísima Orden del Imperio Británico . [58] Riley ha recibido doctorados honoris causa por Oxford (1993) y Cambridge (1995). [59] En 2003, recibió el Praemium Imperiale , [60] y, en 1998, se convirtió en uno de los únicos 65 miembros de la Orden de los Compañeros de Honor en la Commonwealth. [58] Como miembro de la junta directiva de la Galería Nacional en la década de 1980, bloqueó el plan de Margaret Thatcher de ceder una propiedad contigua a los promotores y así ayudó a garantizar la eventual construcción del ala Sainsbury del museo . [5] Riley también recibió el Goslarer Kaiserring de la ciudad de Goslar en 2009 y el 12º Premio Rubens de Siegen en 2012. [61] También en 2012, se convirtió en la primera mujer en recibir el Premio Sikkens , el holandés Premio de arte que reconoce el uso del color. [62]
Riley es patrocinador de Paintings in Hospitals , una organización benéfica establecida en 1959 para proporcionar arte para la atención sanitaria y social en Inglaterra, Gales e Irlanda del Norte. [63]
Entre 1987 y 2014, creó tres murales en los pisos octavo, noveno y décimo del Queen Elizabeth Queen Mother Wing, St Mary's Hospital , Londres. [64]
En 2017, junto con Yoko Ono y Tracey Emin , Riley donó obras de arte a una subasta para recaudar dinero para Modern Art Oxford . [sesenta y cinco]
Desde 2016, la Bridget Riley Art Foundation ha financiado la beca Bridget Riley en The British School at Rome . [66] [67]
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