Rhythm Killers es un álbum del dúo musical jamaiquino Sly and Robbie , lanzado en mayo de 1987 por Island Records . En el momento de la grabación del álbum, Sly y Robbie ya habían dejado atrás su prolífico trabajo en el género reggae . Pasaron la década de 1980 experimentando con sonidos electrónicos y tecnología de grabación contemporánea en proyectos internacionales que abarcaban varios géneros, lo que influyó en su dirección para Rhythm Killers .
Sly y Robbie contrataron al productor Bill Laswell y a un conjunto de músicos para grabar el álbum en el estudio Quad de la ciudad de Nueva York. Junto con sus instrumentos en vivo, el dúo utilizó equipos de grabación electrónicos como el sintetizador Fairlight CMI y baterías electrónicas . El álbum, predominantemente orientado al funk y al baile, está organizado en suites de canciones de dos caras sin pausas . Otros estilos que aparecen en el disco incluyen hip hop , hard rock , worldbeat y música del centro de la ciudad . La producción densamente estratificada de Laswell incorporó grooves electrónicos , ritmos duros, sintetizadores de cuerdas y ritmos cruzados producidos por scratches de tocadiscos , percusión con influencia africana y latina y raps percusivos .
Rhythm Killers apareció en las listas de cuatro países, incluido el Reino Unido, donde alcanzó el puesto número 35. Se promocionó con dos sencillos , incluido el éxito británico " Boops (Here to Go) ". El álbum recibió críticas positivas de los críticos y fue clasificado en las listas de fin de año por la revista NME y el crítico de Village Voice Robert Christgau , quien lo nombró el séptimo mejor disco de 1987. Alentados por su éxito, Sly y Robbie continuaron su dirección digital en álbumes posteriores. Rhythm Killers desde entonces ha estado fuera de impresión .
En medio de su prolífica producción de reggae como músicos de sesión, artistas solistas y dúo de producción, Sly y Robbie —el baterista Sly Dunbar y el bajista Robbie Shakespeare— abrieron su propio sello discográfico Taxi Records y lograron un acuerdo de distribución con Island Records a principios de la década de 1980. [1] Después de que el fundador y ejecutivo de Island, Chris Blackwell , los contratara para trabajar con la cantante Grace Jones , el dúo desarrolló un estilo de producción más escaso y robótico con influencias del funk y el dub . [1] Esto se desvió de su trabajo de reggae anterior, así como del sonido de las raíces del género y los ritmos ligeros. [2] Sly y Robbie grabaron principalmente en los estudios Compass Point de Blackwell en las Bahamas con equipos de última generación, lo que llevó a la experimentación de Dunbar con baterías electrónicas y cajas de ritmos . [2]
Después de su trabajo con Black Uhuru y el cambio de formación de ese grupo, Sly y Robbie persiguieron proyectos musicales más internacionales. [2] Se diversificaron en experimentos de género cruzado con un enfoque conceptual, orientado al conjunto, [3] mientras desarrollaban una mentoría con el productor de discos Bill Laswell , [4] a quien conocieron a través de Blackwell y al trabajar en el álbum de 1985 de Mick Jagger She's the Boss . [2] [4] En 1985, colaboraron con Laswell en su álbum Language Barrier , que tuvo contribuciones invitadas de Herbie Hancock , Bob Dylan , Afrika Bambaataa y Manu DiBango . [5] Su grabación se desarrolló a partir de una pista que el dúo había revisado de su trabajo en la banda sonora de la película de 1983 Never Say Never Again . [2] La pista se había hecho con batería electrónica en Compass Point Studios, pero se descartó como pista de ritmo para su uso posterior. [2]
Un álbum dub, [5] Language Barrier mostró un choque musical entre los ritmos característicos del dúo y el propio estilo de producción de Laswell, [1] con influencias de jazz africano, [6] uso predominante del sintetizador de muestreo Fairlight CMI y experimentaciones con técnicas de tempo y dub. [7] Dunbar estaba entusiasmado con la tecnología de grabación más nueva y, en una entrevista de 1987 para The Sydney Morning Herald , dijo que quería "ser parte de ella, no quedarse fuera". [8] Aunque tuvo una recepción tibia por parte de los críticos musicales , [4] Language Barrier fue el primer trabajo de Sly y Robbie en recibir exposición internacional. [8] Para su próximo álbum, buscaron grabar un álbum de ideas afines para expandir su audiencia. [9]
Después de lanzar The Sting (1986) y Electro Reggae (1987) como miembros de su banda Taxi Gang, Sly y Robbie reclutaron a Laswell nuevamente para trabajar en Rhythm Killers . [1] Grabaron el álbum durante un período de tres meses en Quad Recording en la ciudad de Nueva York. [6] [10] Antes de ingresar al estudio, Sly y Robbie originalmente habían planeado música y demos con los que trabajar, pero los descartaron después de que Chris Blackwell de Island desalentara la idea. [6] Blackwell quería que el dúo creara material original en el estudio, como se sabía que hacían desde sus primeros años en Jamaica. [6]
En un esfuerzo por cruzarse con los oyentes de música fuera del mercado del reggae, Sly y Robbie intensificaron su experimentación con otros sonidos musicales, particularmente el funk y ocasionalmente la música hip hop . [4] A pesar de su producción ecléctica, el propio Laswell había comenzado como bajista en grupos de funk, una experiencia que lo inspiró a componer sus arreglos musicales con una base rítmica. [11] Dunbar explicó su enfoque para el álbum en una entrevista para Musician en ese momento, diciendo que "Estamos tratando de conseguir nuevos fanáticos. Una vez que entren al funk, tendrán que entrar en el reggae, porque ahí es donde los vamos a llevar". [6] La dirección de Sly y Robbie también estuvo influenciada por la supervisión de Blackwell quien, según Dunbar, "quería que hiciéramos dos pistas, de 17 minutos de duración. Entonces cortamos dos pistas y las ampliamos, cada lado constaba de tres canciones. Bailar sin parar, esa es la idea". [8]
En la primera etapa de la grabación, Sly y Robbie se centraron principalmente en la construcción de ritmos difíciles para las canciones. [6] Para grabar sus pistas de ritmo, Dunbar trabajó solo en el estudio y cortó una parte de batería sin tener una melodía en mente. [6] Contó su enfoque para el álbum a Musician , diciendo que "simplemente toqué lo que sentí, trabajando desde un sentido de 'ahora haré 103 golpes por minuto'. Y Robbie vendría la noche siguiente y pondría una parte de bajo". [6] A diferencia de la mayoría de los bajistas de reggae o funk, Shakespeare abordó su forma de tocar como un solista de jazz e intentó numerosas variaciones sutiles de su riff . [6] Dijo que su inspiración "viene de Dios. A veces, las ideas infinitas siguen viniendo a mí. A veces cambio el patrón de batería a una línea de bajo y Sly toca la línea de bajo en la batería". [6] Junto con la percusión en vivo, Dunbar tocó la batería de Simmons , y el dúo integró tecnología de música electrónica contemporánea como el sintetizador Fairlight CMI en la grabación del álbum. [8] [10] Dunbar usó su batería en vivo grabada para activar los sonidos de batería muestreados del sintetizador. [6]
Sly y Robbie trabajaron con un conjunto de músicos, [12] incluyendo a los artistas de funk Bootsy Collins , Bernie Worrell y Gary "Mudbone" Cooper , el vocalista de reggae Shinehead , los músicos de jazz de vanguardia Karl Berger y Henry Threadgill , el artista de hip hop Rammellzee , el turntablista DST y el guitarrista Nicky Skopelitis . [10] [13] Rhythm Killers fue producido por Laswell con su banda Material , que incluía a Shakespeare, el vocalista Bernard Fowler y el percusionista Aïyb Dieng , entre otros. [10] Sly y Robbie grabaron canciones en tomas individuales y cortaron aproximadamente 20 pistas al día con Laswell y el ingeniero Robert Musso , quien utilizó grabación en cinta de carrete a carrete . [6] [14] Laswell también contrató al violinista Mark Feldman , que estaba trabajando en un teatro restaurante en Connecticut en ese momento. [15] Hizo que Feldman leyera los diagramas en la sección de cuerdas y tocara líneas sincopadas , que le parecieron "un poco más funky" que el teatro. [15] El álbum fue mezclado en The Power Station y masterizado por Howie Weinberg en Masterdisk en la ciudad de Nueva York. [10]
Este disco trata de puntos de contacto, no tanto de los estilos que ofrece sino de los conflictos y acuerdos impredecibles que surgen en su intersección. Al superponer incesantemente los fragmentos en la mezcla, Laswell mantiene un estado constante de yuxtaposición. La música nunca se define a sí misma de manera estática; siempre ha evolucionado a partir de algo y está en camino de evolucionar hacia algo más.
— John Leland ( Spin , 1987) [16]
Rhythm Killers es caracterizado como un trabajo de música funk por Alan di Perna de la revista Musician , [6] mientras que el crítico de Stereo Review Phyl Garland lo llamó un álbum de baile . [17] Las canciones del álbum presentan elementos musicales contrastantes . [16] El escritor y musicólogo Robert Palmer lo vio como un intento de "una ambiciosa síntesis de música de baile, con el funk como denominador común estilístico", agregando que el "espíritu funk -menos es más, el ritmo es la melodía- subyace en todo el trabajo del Sr. Laswell". [11] Aunque no es un álbum de reggae, Rhythm Killers exhibe la estética de producción de Taxi Records de Sly y Robbie, [13] que se basó en su conexión cultural con los salones de baile jamaicanos y su interés colectivo en los sonidos electrónicos experimentales . [1] Dunbar estaba particularmente fascinado con el instrumento Syndrum , y Rhythm Killers es uno de los últimos álbumes en presentar su batería en vivo. [1] Incorporando ritmos mecanizados, tempos rocksteady y bajos sinuosos, la estética presagiaba la música ragga y el auge de la instrumentación digital en el reggae durante la década de 1980. [1] Similar a Language Barrier , Rhythm Killers tiene un sonido denso y contundente y un tono pesado y sin humor, pero presenta ganchos más reconocibles . [18]
Las canciones de Rhythm Killers se caracterizan por bajos profundos, ritmos impactantes, [19] grooves de baja frecuencia, [3] [13] ritmos improvisados, [17] percusión electrónica, [8] sintetizadores de cuerdas de la era disco , [16] riffs de guitarra agresivos, [20] e influencias estilísticas del reggae, [16] hip hop temprano, [21] música del downtown , [13] hard rock y géneros worldbeat . [9] Están densamente estratificados de una manera similar a la producción Wall of Sound de Phil Spector . [22] Bud Kliment de Trouser Press dijo que comprenden un " ciclo de canciones " orientado al groove que es "de fondo pesado de principio a fin". [23] Similar a la instrumentación funk del álbum, los raperos invitados tienen tonos exclamativos, [17] confrontativos y voces percusivas. [7] [11] Las voces se complementan con improvisaciones de scratches de platos y percusión con influencias africanas y latinas, lo que dio como resultado ritmos cruzados durante las canciones. [11] Carl Matthews de Baltimore Afro-American observó "una notable soltura en las voces y una especie de calidad P-Funk en las pistas rítmicas". [24] Mat Smith de Melody Maker dijo que la música entusiasta estaba impulsada por un "arte esquizofrénico de ataque de ruido, todo ello atado alrededor de un ritmo ininterrumpido que golpea cada pista de punta a punta". [25]
Según la Spin Alternative Record Guide (1995), Rhythm Killers "realmente rompió moldes" después de la experimentación en Language Barrier y sirvió como "la historia de la música negra de finales del siglo XX hecha como sinfonía ". [7] El periodista musical Peter Shapiro notó "una sorprendente colisión de sonidos urbanos " en la música del álbum, [26] mientras que Robert Hilburn lo llamó un "saludo impredecible a la vivacidad y el carácter de la música pop urbana en su sentido más amplio". [27] Mike Joyce de The Washington Post lo encontró "más contundente y elástico" que Language Barrier y sintió que "el acento todavía está en los ritmos electrónicos, pero el estado de ánimo es vibrante y expansivo". [28] Robert Christgau llamó al álbum la "declaración de art -funk Laswellizada" de Sly y Robbie . [29] Caracterizó al dúo como una sección rítmica de "world pop" y dijo que su estilo se complementa con "una variación chovinista de la brigada internacional habitual de Bill Laswell". [30] John Leland argumentó que el álbum es "la síntesis continua que Laswell prometió en ' Rockit ' de Herbie Hancock", "extendida tanto en duración como en alcance", ya que presenta "un talento especial para las yuxtaposiciones inesperadas y ningún respeto por los límites artificiales". [16] Según The Nation , los sonidos del disco iban desde Ludwig van Beethoven hasta Jimi Hendrix . [31]
Las canciones del álbum están organizadas en una suite sin espacios en cada lado, las cuales comienzan con versiones de canciones de R&B de principios de la década de 1970. [16] Garland escribe que cada lado se "deriva" estilísticamente de su respectiva pista de apertura y distingue las dos pistas de apertura laterales como "canciones de anclaje [que] sirven como puntos de partida para improvisaciones ininterrumpidas en el ritmo que se construyen hasta múltiples clímax mientras se nutren de estilos musicales tremendamente dispares". [17] "Fire", una versión de la canción de 1974 de Ohio Players del mismo nombre , fue reelaborada como un vampiro extendido con una muestra no acreditada de la canción de 1983 de Liquid Liquid "Cavern", [22] y letras que proclaman que el "bajo" es " la última frontera ". Cuenta con las voces de Shinehead, [32] cuyo rap comienza con una imitación de Howard Cosell , [22] y Bootsy Collins, quien aconseja a los oyentes que "tienes un deseo y es bailar hasta caer rendido". [16] "Boop" es un término del argot patois jamaicano para un hombre que gasta dinero en beneficio de una mujer más joven. [33] Tanto "Fire" como "Boops (Here to Go)" tocan temas populares del dancehall . [34]
Abriendo el segundo lado, [35] "Yes, We Can Can" es una versión de la canción de Pointer Sisters de 1973 del mismo nombre , [18] escrita originalmente por Allen Toussaint . [22] Evita la influencia del jazz de la canción original por elementos de hip hop, [36] dub áspero y ritmos tipo Art of Noise . [22] [24] Coescrita por Shinehead , "Rhythm Killer" presenta percusión agresiva, brindis frenético de Shinehead, cuerdas descendentes y frases de saxofón en el centro de Henry Threadgill. [11] [17] [19] Apareció en la película Colors de 1988. [37] El ritmo de la canción se transforma en "Bank Job", [22] que tiene un estilo relajado, [38] producción lujosa y ritmos electrónicos acentuados . [28]
Rhythm Killers fue lanzado por Island Records en mayo de 1987, [42] en formatos de CD , LP y casete . [12] Alcanzó las listas de éxitos en los Países Bajos, Suecia y Nueva Zelanda, donde alcanzó su posición general más alta en el número 12 y se mantuvo en las listas durante ocho semanas. [43] En el Reino Unido, pasó cinco semanas en la lista de álbumes , alcanzando el puesto número 35. [44] No llegó a las listas de Estados Unidos. [45] El sencillo principal del álbum , «Boops (Here to Go)», alcanzó el puesto número 22 en el Billboard Dance Club Play Singles de Estados Unidos . [46] Fue un éxito en el Reino Unido, [4] donde se mantuvo en las listas durante 11 semanas y alcanzó el puesto número 12 en el UK Singles Chart . [44] «Fire», el segundo sencillo, alcanzó el puesto número 14 en Nueva Zelanda, donde se mantuvo en las listas durante nueve semanas. [47] También alcanzó el puesto número 60 y se mantuvo en las listas durante cuatro semanas en el Reino Unido. [44]
Rhythm Killers fue bien recibido por los críticos contemporáneos. [4] En una reseña para The Philadelphia Inquirer , Ken Tucker comentó que habiendo dominado el reggae, Sly y Robbie demostraron que podían interpretar música funk igual de bien. [48] Steve Hochman de Los Angeles Times lo aclamó como uno de los mejores discos de 1987 de cualquier género debido a cómo Sly y Robbie se inspiraron en los últimos 20 años del funk, "desde Sly & the Family Stone hasta George Clinton , en el camino arrojando reggae, rap e incluso un poco de Rossini ". [40] En Rolling Stone , Gavin Edwards lo llamó "una fiesta de baile de treinta y cinco minutos llena de sorpresas y ruidos extraños", escribiendo que "suena como el Gran DJ Set Perdido, aunque tocado por músicos en vivo con perfecta telepatía". [21] Simon Witter de la revista iD dijo que era el álbum de baile más entretenido y excepcionalmente concebido del año, [49] mientras que Garland de Stereo Review lo llamó uno de los mejores discos de baile en mucho tiempo porque la música de baile urbana creativa pero accesible del dúo mostró cómo combinar las mejores partes de la música antigua con técnicas de grabación contemporáneas. [17]
En una reseña negativa, Greg Taylor de The Sydney Morning Herald criticó la música como "papel tapiz" socavado por una llamativa producción de hip hop. [8] John Leland de Spin escribió que si bien Rhythm Killers puede ser ambicioso y exitoso como un "diálogo sobre la elasticidad intercultural del funk", carecía de vigor como música funk real y nunca fue más allá de su concepto y "entró en el funk". [16] En The New York Times , Palmer encontró las ideas musicales innovadoras y su concepto "digno" -que "el funk es la piedra Rosetta de la música de baile contemporánea"- pero observó un exceso de efectos desordenados y sonidos derivados del funk en lo que de otro modo serían pistas rítmicas expresivas. [11]
A finales de 1987, fue nombrado el octavo mejor álbum del año por la revista The Face , [50] y el 25º mejor álbum por NME , [51] que también nombró a «Boops (Here to Go)» el 18º mejor sencillo del año. [52] Rockdelux clasificó a Rhythm Killers en el 11º mejor, [53] y a «Boops (Here to Go)» como la sexta mejor canción de 1987. [54] El álbum también terminó en el puesto 25 en Pazz & Jop , una encuesta anual de críticos estadounidenses en todo el país, publicada en The Village Voice . [55] Christgau, el creador y supervisor de la encuesta, lo nombró el séptimo mejor álbum del año. [56]
Alentados por el éxito del disco, [4] Sly y Robbie grabaron The Summit (1988), un álbum instrumental de ragga con riddims digitales que fue criticado por los críticos de roots, [57] y Silent Assassin (1990), una colaboración con varios raperos estadounidenses. [4] La fusión de dub jamaicano y hip hop estadounidense de este último álbum fue un precursor del auge del dancehall en los EE. UU. a principios de la década de 1990. [4] Bootsy Collins, que había mantenido un perfil bajo durante gran parte de la década de 1980, siguió su aparición en Rhythm Killers con un álbum de regreso, What's Bootsy Doin'?, en 1988. [58] La propia aparición de Shinehead en el álbum reforzó su exposición en la corriente principal, ya que estaba recibiendo difusión en la radio estadounidense con su sencillo debut y actuando en una gira internacional. [59] [60] Rhythm Killers fue reeditado por Island el 4 de junio de 1990, [61] pero finalmente se agotó . [3]
En retrospectiva, el crítico cultural Mark Anthony Neal considera a Rhythm Killers un álbum esencial del funk underground de los 80, [20] mientras que el historiador de reggae Steve Barrow lo cita como uno de los proyectos más atractivos en los que participaron Sly y Robbie durante los 80. [34] El Estado escribe que en álbumes como Rhythm Killers , con frecuencia intentaron ampliar el papel de sus instrumentos y, en consecuencia, llevaron el bajo y la batería a "fronteras rítmicas inexploradas". [62] Mark Coleman, escribiendo en The New Rolling Stone Album Guide (2004), dijo que el álbum es "tan coherente y suave que podría confundirse con una suite si no fuera también tan completamente deprimente y sucio". [3] En The Rough Guide to Rock (2003), Peter Shapiro cita el álbum como la "mejor producción externa" de Laswell y una que "cumplió su concepto de fusión/fisión... en el que algunos de los mejores músicos de baile del mundo improvisan en dos grooves de dos lados que implican que el R&B de Nueva Orleans , el funk de los 70, el hip-hop y el ragga son todos parte del mismo continuo". [26] El editor de AllMusic, Stephen Cook, es menos entusiasta y lo llama "una valiente aventura que salió mal", creyendo que las canciones son monótonas y comprenden "un groove electrónico cansado tras otro". [13] En 2006, "Boops (Here to Go)" apareció como muestra en la canción de Robbie Williams " Rudebox ". [63]
Todas las pistas fueron producidas por Bill Laswell y Material . [10]
Los créditos están adaptados de las notas del álbum. [10]
{{cite AV media notes}}: CS1 maint: otros en cite AV media (notas) ( enlace ){{cite magazine}}: CS1 maint: URL no apta ( enlace )El álbum de baile más disfrutable y perfectamente formado del año .