Pieter Cornelis Mondriaan ( en neerlandés: [ˈpitər kɔrˈneːlɪs ˈmɔndrijaːn] ; 7 de marzo de 1872 - 1 de febrero de 1944), conocido después de 1906 como Piet Mondrian ( / p iː t ˈm ɒ nd r i ɑː n / , también en inglés : /- ˈm ɔː n - / , en neerlandés: [pit ˈmɔndrijɑn] ), fue un pintor y teórico del arte holandés considerado uno de los más grandes artistas del siglo XX. Fue uno de los pioneros del arte abstracto del siglo XX , ya que cambió su dirección artística de la pintura figurativa a un estilo cada vez más abstracto, hasta llegar a un punto en el que su vocabulario artístico se redujo a simples elementos geométricos.
El arte de Mondrian era altamente utópico y se preocupaba por la búsqueda de valores y estéticas universales. En 1914 proclamó: "El arte está por encima de la realidad y no tiene relación directa con la realidad. Para acercarse a lo espiritual en el arte, uno hará el menor uso posible de la realidad, porque la realidad se opone a lo espiritual. Nos encontramos en presencia de un arte abstracto. El arte debería estar por encima de la realidad, de lo contrario no tendría ningún valor para el hombre".
Fue colaborador del movimiento y grupo artístico De Stijl , que cofundó con Theo van Doesburg . Desarrolló una forma no figurativa a la que denominó neoplasticismo . Se trataba del nuevo «arte plástico puro» que, en su opinión, era necesario para crear una «belleza universal». Para expresarlo, Mondrian decidió finalmente limitar su vocabulario formal a los tres colores primarios (rojo, azul y amarillo), los tres valores primarios (negro, blanco y gris) y las dos direcciones primarias (horizontal y vertical). La llegada de Mondrian a París procedente de los Países Bajos en 1911 marcó el inicio de un período de profundos cambios. Se encontró con experimentos en el cubismo y, con la intención de integrarse en la vanguardia parisina, eliminó una «a» de la ortografía holandesa de su nombre (Mondriaan).
La obra de Mondrian tuvo una enorme influencia en el arte del siglo XX , influyendo no solo en el curso de la pintura abstracta y numerosos estilos y movimientos artísticos importantes (por ejemplo, la pintura de campos de color , el expresionismo abstracto y el minimalismo ), sino también en campos fuera del dominio de la pintura, como el diseño , la arquitectura y la moda . El historiador del diseño Stephen Bayley dijo: "Mondrian ha llegado a significar modernismo . Su nombre y su obra resumen el ideal del alto modernismo. No me gusta la palabra 'icónico', así que digamos que se ha vuelto totémico, un tótem para todo lo que el modernismo se propuso ser".
Mondrian nació en Amersfoort , provincia de Utrecht en los Países Bajos, el segundo de sus padres. [1] Descendía de Christian Dirkzoon Monderyan, que vivió en La Haya en 1670. [2] La familia se mudó a Winterswijk cuando su padre, Pieter Cornelius Mondriaan, fue nombrado director de una escuela primaria local. [3] Mondrian se familiarizó con el arte desde muy joven. Su padre era profesor de dibujo cualificado y, con su tío, Frits Mondriaan (alumno de Willem Maris de la Escuela de artistas de La Haya), el joven Piet solía pintar y dibujar a lo largo del río Gein. [4]
Tras una estricta educación protestante , en 1892, Mondrian entró en la Academia de Bellas Artes de Ámsterdam . [5] Ya estaba cualificado como profesor. [3] Comenzó su carrera como profesor de educación primaria , pero también practicó la pintura . La mayor parte de su obra de este periodo es naturalista o impresionista , y consiste principalmente en paisajes . Estas imágenes pastorales de su país natal representan molinos de viento , campos y ríos, inicialmente al estilo impresionista holandés de la Escuela de La Haya y luego en una variedad de estilos y técnicas que dan fe de su búsqueda de un estilo personal. Estas pinturas son figurativas , e ilustran la influencia que tuvieron varios movimientos artísticos en Mondrian, incluido el puntillismo y los colores vivos del fauvismo . En 1893 realizó su primera exposición. [6]
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En el Kunstmuseum Den Haag se exhiben varias pinturas de este período, incluidas obras postimpresionistas como El molino rojo y Árboles a la salida de la luna . Otra pintura, Atardecer ( Avond ) (1908), que representa un árbol en un campo al anochecer, incluso augura desarrollos futuros al usar una paleta compuesta casi en su totalidad de rojo, amarillo y azul. Aunque Avond es solo limitadamente abstracta , es la primera pintura de Mondrian que enfatiza los colores primarios .
Las primeras pinturas de Mondrian que muestran cierto grado de abstracción son una serie de lienzos de 1905 a 1908 que representan escenas borrosas de árboles y casas indistintas reflejadas en el agua quieta. Aunque el resultado lleva al espectador a empezar a centrarse en las formas en lugar del contenido, estas pinturas siguen estando firmemente enraizadas en la naturaleza, y es sólo el conocimiento de los logros posteriores de Mondrian lo que lleva a uno a buscar en estas obras las raíces de su futura abstracción.
El arte de Mondrian estaba íntimamente relacionado con sus estudios espirituales y filosóficos. En 1908, se interesó en el movimiento teosófico iniciado por Helena Petrovna Blavatsky a finales del siglo XIX, y en 1909 se unió a la rama holandesa de la Sociedad Teosófica . El trabajo de Blavatsky y un movimiento espiritual paralelo, la Antroposofía de Rudolf Steiner , afectaron significativamente el desarrollo posterior de su estética. [7] Blavatsky creía que era posible alcanzar un conocimiento más profundo de la naturaleza que el proporcionado por medios empíricos , y gran parte del trabajo de Mondrian durante el resto de su vida estuvo inspirado por su búsqueda de ese conocimiento espiritual. En 1918, escribió "Obtuve todo de la Doctrina Secreta", refiriéndose a un libro escrito por Blavatsky. En 1921, en una carta a Steiner, Mondrian argumentó que su neoplasticismo era "el arte del futuro previsible para todos los verdaderos antropósofos y teósofos". Siguió siendo un teósofo comprometido en los años siguientes, aunque también creía que su propia corriente artística, el neoplasticismo, acabaría formando parte de una espiritualidad ecuménica más amplia. [8]
Mondrian y su obra posterior estuvieron profundamente influenciados por la exposición de cubismo del Moderne Kunstkring de 1911 en Ámsterdam . Su búsqueda de la simplificación se muestra en dos versiones de Naturaleza muerta con tarro de jengibre ( Stilleven met Gemberpot ). La versión de 1911, [9] es cubista; en la versión de 1912, [10] los objetos se reducen a una forma redonda con triángulos y rectángulos .
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En 1911, Mondrian se mudó a París y cambió su nombre, eliminando una "a" de "Mondriaan", para enfatizar su salida de los Países Bajos y su integración dentro de la vanguardia parisina . [12] [13] Mientras estaba en París, la influencia del estilo cubista de Pablo Picasso y Georges Braque apareció casi inmediatamente en la obra de Mondrian. [14] Pinturas como El mar (1912) y sus diversos estudios de árboles de ese año todavía contienen una medida de representación, pero, cada vez más, están dominadas por formas geométricas y planos entrelazados. Si bien Mondrian estaba ansioso por absorber la influencia cubista en su trabajo, parece claro que vio el cubismo como un "puerto de escala" en su viaje artístico, más que como un destino. El período cubista de Piet Mondrian duró de 1912 a 1917.
A diferencia de los cubistas, Mondrian intentó reconciliar su pintura con sus búsquedas espirituales y en 1913 comenzó a fusionar su arte y sus estudios teosóficos en una teoría que marcó su ruptura definitiva con la pintura figurativa. Mientras Mondrian estaba de visita en los Países Bajos en 1914, comenzó la Primera Guerra Mundial , lo que lo obligó a permanecer allí mientras duró el conflicto. Durante este período, se alojó en la colonia de artistas de Laren , donde conoció a Bart van der Leck y Theo van Doesburg , quienes estaban realizando sus propios viajes personales hacia la abstracción. El uso de Van der Leck de solo colores primarios en su arte influyó mucho en Mondrian. Después de un encuentro con Van der Leck en 1916, Mondrian escribió: "Mi técnica, que era más o menos cubista y, por lo tanto, más o menos pictórica, cayó bajo la influencia de su método preciso". [15] Con Van Doesburg, Mondrian fundó De Stijl ( El Estilo ), una revista del Grupo De Stijl , en la que publicó por primera vez ensayos que definían su teoría, a la que llamó neoplasticismo.
Mondrian publicó " De Nieuwe Beelding in de schilderkunst " ("La nueva visualización en la pintura"), [16] en doce entregas durante 1917 y 1918. Éste fue su primer intento importante de expresar su teoría artística por escrito. Sin embargo, la mejor expresión de esta teoría de Mondrian y la más citada proviene de una carta que escribió a H. P. Bremmer en 1914:
Construyo líneas y combinaciones de colores sobre una superficie plana para expresar la belleza general con la máxima conciencia. La naturaleza (o lo que veo) me inspira, me pone, como a cualquier pintor, en un estado emocional tal que surge el deseo de hacer algo, pero quiero acercarme lo más posible a la verdad y abstraer todo de ella, hasta llegar a la base (¡todavía sólo una base externa!) de las cosas... Creo que es posible que, a través de líneas horizontales y verticales construidas con conciencia, pero no con cálculo, guiadas por una alta intuición, y llevadas a la armonía y al ritmo, estas formas básicas de belleza, complementadas si es necesario con otras líneas rectas o curvas, puedan convertirse en una obra de arte, tan fuerte como verdadera. [17]
Durante las siguientes dos décadas, Mondrian desarrolló metódicamente su estilo característico abrazando la visión de mundo clásica, platónica y euclidiana, donde simplemente se centró en sus, ahora icónicas, líneas negras horizontales y verticales que forman cuadrados y rectángulos llenos de tonos primarios. [18]
Cuando terminó la Primera Guerra Mundial en 1918, Mondrian regresó a Francia , donde permanecería hasta 1938. Inmerso en la cultura de innovación artística del París de posguerra, floreció y abrazó por completo el arte de la abstracción pura durante el resto de su vida. Mondrian comenzó a producir pinturas basadas en cuadrículas a fines de 1919 y, en 1920, comenzó a aparecer el estilo por el que se hizo famoso.
Mondrian creía que "el arte abstracto puro se vuelve completamente emancipado, libre de apariencias naturalistas. Ya no es armonía natural sino que crea relaciones equivalentes. La realización de relaciones equivalentes es de la mayor importancia para la vida". [19]
En las primeras pinturas de este estilo, las líneas que delimitan las formas rectangulares son relativamente delgadas y son de color gris, no negro. Las líneas también tienden a desvanecerse a medida que se acercan al borde de la pintura, en lugar de detenerse abruptamente. Las formas en sí, más pequeñas y numerosas que en pinturas posteriores, están llenas de colores primarios, negro o gris, y casi todas son de color; solo unas pocas son blancas.
A finales de 1920 y en 1921, las pinturas de Mondrian alcanzan lo que para el observador casual es su forma definitiva y madura. Gruesas líneas negras separan ahora las formas, que son más grandes y menos numerosas, y una mayor parte de las formas quedan en blanco. Sin embargo, esta no fue la culminación de su evolución artística. Aunque los refinamientos se hicieron más sutiles, la obra de Mondrian continuó evolucionando durante sus años en París.
En las pinturas de 1921, muchas de las líneas negras, aunque no todas, terminan a una distancia aparentemente arbitraria del borde del lienzo, aunque las divisiones entre las formas rectangulares permanecen intactas. Aquí también, las formas rectangulares siguen siendo en su mayoría de color. A medida que pasaron los años y la obra de Mondrian siguió evolucionando, comenzó a extender todas las líneas hasta los bordes del lienzo y comenzó a utilizar cada vez menos formas de color, favoreciendo en su lugar el blanco.
Estas tendencias son particularmente obvias en las obras en forma de rombo que Mondrian comenzó a producir con regularidad a mediados de la década de 1920. Las pinturas en forma de rombo son lienzos cuadrados inclinados 45 grados, de modo que tienen forma de diamante. Un ejemplo típico de ellas es Schilderij No. 1: Rombo con dos líneas y azul (1926). Esta pintura, uno de los lienzos más minimalistas de Mondrian, consta únicamente de dos líneas perpendiculares negras y una pequeña forma triangular azul. Las líneas se extienden hasta los bordes del lienzo, dando casi la impresión de que la pintura es un fragmento de una obra más grande.
Aunque la visión del cuadro se ve obstaculizada por el cristal que lo protege y por el desgaste que el paso del tiempo y la manipulación han causado en el lienzo, un examen minucioso de esta pintura comienza a revelar algo del método del artista. La pintura no está compuesta por planos de color perfectamente planos, como cabría esperar. Se aprecian pinceladas sutiles en toda la obra. El artista parece haber utilizado diferentes técnicas para los distintos elementos. [20] Las líneas negras son los elementos más planos, con menos profundidad. Las formas coloreadas tienen las pinceladas más evidentes, todas en una misma dirección. Sin embargo, lo más interesante son las formas blancas, que claramente han sido pintadas en capas, utilizando pinceladas que se extienden en diferentes direcciones. Esto genera una mayor sensación de profundidad en las formas blancas, de modo que parecen abrumar las líneas y los colores, lo que de hecho ocurría, a medida que las pinturas de Mondrian de este período se volvían cada vez más dominadas por el espacio blanco.
En 1926, Katherine Dreier , cofundadora de la Sociedad de Artistas Independientes de la ciudad de Nueva York (junto con Marcel Duchamp y Man Ray ), visitó el estudio de Piet Mondrian en París y adquirió una de sus composiciones de diamantes, Pintura I. Esta se mostró durante una exposición organizada por la Sociedad de Artistas Independientes en el Museo de Brooklyn , la primera gran exposición de arte moderno en Estados Unidos desde el Armory Show . Ella declaró en el catálogo que "Holanda ha producido tres grandes pintores que, aunque eran una expresión lógica de su propio país, se elevaron por encima de él a través del vigor de su personalidad: el primero fue Rembrandt , el segundo fue Van Gogh y el tercero es Mondrian". [21]
A medida que transcurrieron los años, las líneas comenzaron a tener prioridad sobre las formas en las pinturas de Mondrian. En la década de 1930, comenzó a utilizar líneas más delgadas y líneas dobles con mayor frecuencia, puntuadas con algunas pequeñas formas de color, si es que alguna. Las líneas dobles entusiasmaron particularmente a Mondrian, ya que creía que ofrecían a sus pinturas un nuevo dinamismo que estaba ansioso por explorar. La introducción de la línea doble en su obra estuvo influenciada por el trabajo de su amigo y contemporáneo Marlow Moss . [22] [ página necesaria ]
Entre 1934 y 1935, tres pinturas de Mondrian se exhibieron como parte de las exposiciones "Abstracto y Concreto" en el Reino Unido en Oxford, Londres y Liverpool . [23]
En septiembre de 1938, Mondrian abandonó París ante el avance del fascismo y se trasladó a Londres. Tras la invasión de los Países Bajos y la caída de París en 1940, abandonó Londres para trasladarse a Manhattan , en la ciudad de Nueva York, donde permanecería hasta su muerte. Algunas de las obras posteriores de Mondrian son difíciles de ubicar en términos de su desarrollo artístico, ya que hubo bastantes lienzos que comenzó en París o Londres y que solo completó meses o años después en Manhattan. Las obras terminadas de este último período son visualmente intensas, con más líneas que cualquier otra obra suya desde la década de 1920, colocadas en una disposición superpuesta que tiene un aspecto casi cartográfico. Pasó muchas horas pintando solo hasta que se le ampollaron las manos y, a veces, lloraba o se enfermaba. [ cita requerida ]
Mondrian produjo Composición de rombos con cuatro líneas amarillas (1933), una pintura sencilla que innovaba con líneas gruesas y de color en lugar de negras. Después de esa pintura, esta práctica permaneció latente en la obra de Mondrian hasta que llegó a Manhattan, momento en el que comenzó a adoptarla con abandono. En algunos ejemplos de esta nueva dirección, como Composición (1938) / Place de la Concorde (1943), parece haber tomado pinturas inacabadas de líneas negras de París y haberlas completado en Nueva York añadiendo líneas cortas perpendiculares de diferentes colores, que corren entre las líneas negras más largas, o desde una línea negra hasta el borde del lienzo. Las áreas recién coloreadas son gruesas, casi uniendo la brecha entre las líneas y las formas, y es sorprendente ver color en una pintura de Mondrian que no está limitada por el negro. Otras obras mezclan largas líneas de rojo en medio de las conocidas líneas negras, creando una nueva sensación de profundidad mediante la adición de una capa de color sobre la negra. Su pintura Composición n.º 10 , 1939-1942, caracterizada por colores primarios, fondo blanco y líneas de cuadrícula negras, definió claramente el enfoque radical pero clásico de Mondrian sobre el rectángulo. [ cita requerida ]
El 23 de septiembre de 1940, Mondrian abandonó Europa rumbo a Nueva York a bordo del barco RMS Samaria (1920) de la Cunard White Star Line , que partió desde Liverpool. [25] Los nuevos lienzos que Mondrian comenzó en Manhattan son aún más sorprendentes e indican el comienzo de un nuevo idioma que se vio truncado por la muerte del artista. New York City (1942) es una compleja red de líneas rojas, azules y amarillas, que ocasionalmente se entrelazan para crear una mayor sensación de profundidad que sus obras anteriores. [26] Una versión inacabada de esta obra de 1941, titulada New York City I , utiliza tiras de cinta de papel pintada, que el artista podía reorganizar a voluntad para experimentar con diferentes diseños. En octubre de 2022 se reveló que la obra, que se exhibió por primera vez en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York en 1945, había estado expuesta al revés, al menos desde 1980, en la Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen de Alemania, donde se conserva actualmente. La galería explicó que seguiría exhibiéndola al revés para evitar dañarla. [27] [28]
Su cuadro Broadway Boogie-Woogie (1942-1943) en el Museo de Arte Moderno fue muy influyente en la escuela de pintura geométrica abstracta . La pieza está formada por una serie de cuadrados brillantes de colores que saltan del lienzo y luego parecen brillar, atrayendo al espectador hacia esas luces de neón. En este cuadro y en el inacabado Victory Boogie Woogie (1942-1944), Mondrian reemplazó las líneas sólidas anteriores por líneas creadas a partir de pequeños rectángulos de color contiguos, creados en parte utilizando pequeños trozos de cinta de papel de varios colores. Rectángulos de color más grandes e ilimitados marcan el diseño, algunos con rectángulos concéntricos más pequeños en su interior. Si bien las obras de Mondrian de los años 1920 y 1930 tienden a tener una austeridad casi científica, estas son pinturas brillantes y animadas, que reflejan la música alegre que las inspiró y la ciudad en la que fueron realizadas.
En estas últimas obras, las formas han usurpado el papel de las líneas, abriendo otra puerta nueva para el desarrollo de Mondrian como abstraccionista. Las pinturas Boogie-Woogie fueron claramente un cambio revolucionario más que evolutivo, y representan el desarrollo más profundo en la obra de Mondrian desde su abandono del arte figurativo en 1913.
En 2008, el programa de televisión holandés Andere Tijden encontró el único metraje cinematográfico conocido con Mondrian. [29] El descubrimiento del metraje cinematográfico se anunció al final de un programa de investigación de dos años sobre el Victory Boogie Woogie . La investigación descubrió que la pintura estaba en muy buenas condiciones y que Mondrian pintó la composición en una sola sesión. También se descubrió que Mondrian cambió radicalmente la composición poco antes de su muerte utilizando pequeños trozos de cinta de color.
Cuando Piet Mondrian, de 47 años, abandonó los Países Bajos para trasladarse a París por segunda y última vez en 1919, se propuso de inmediato convertir su estudio en un entorno propicio para las pinturas que tenía en mente y que expresarían cada vez más los principios del neoplasticismo sobre el que había estado escribiendo durante dos años. Para ocultar los defectos estructurales del estudio de forma rápida y económica, colocó grandes carteles rectangulares, cada uno de un solo color o de un tono neutro. Cuadrados y rectángulos de papel de colores más pequeños, compuestos juntos, acentuaban las paredes. Luego vino un intenso período de pintura. De nuevo se dirigió a las paredes, reposicionando los recortes de colores, aumentando su número, alterando la dinámica del color y el espacio, produciendo nuevas tensiones y equilibrios. En poco tiempo, había establecido un programa creativo en el que un período de pintura se alternaba con un período de reagrupación experimental de los papeles más pequeños en las paredes, un proceso que alimentaba directamente el siguiente período de pintura. Fue un patrón que siguió durante el resto de su vida, a través de mudanzas en tiempos de guerra, desde París a Hampstead, Londres, en 1938 y 1940, y cruzando el Atlántico hasta Manhattan.
A los 71 años, en el otoño de 1943, Mondrian se mudó a su segundo y último estudio en Manhattan, en el 15 de la calle 59 Este , y se dedicó a recrear el ambiente que había aprendido a lo largo de los años que era el más adecuado para su modesto estilo de vida y el más estimulante para su arte. Pintó las altas paredes del mismo blanco roto que utilizó en su caballete y en los asientos, mesas y cajas de almacenamiento que diseñó y fabricó meticulosamente a partir de cajas de naranjas y manzanas desechadas. Brilló la parte superior de un taburete de metal blanco con el mismo rojo primario brillante que aplicó a la funda de cartón que hizo para el radiofonógrafo que derramaba su amado jazz de discos muy viajados. Los visitantes de este último estudio rara vez veían más de uno o dos lienzos nuevos, pero se daban cuenta, a menudo con asombro, de que ocho grandes composiciones de trozos de papel de colores que había clavado y vuelto a clavar en las paredes en relaciones siempre cambiantes constituían en conjunto un entorno que, paradójicamente y simultáneamente, era a la vez cinético y sereno, estimulante y relajante. Era el mejor espacio, decía Mondrian, que había habitado. Estuvo allí sólo unos meses, ya que murió en febrero de 1944.
Tras su muerte, el amigo y patrocinador de Mondrian en Manhattan, el artista Harry Holtzman , y otro amigo pintor, Fritz Glarner , documentaron cuidadosamente el estudio en películas y fotografías antes de abrirlo al público para una exposición de seis semanas. Antes de desmantelar el estudio, Holtzman (que también era el heredero de Mondrian) trazó con precisión las composiciones de las paredes, preparó facsímiles portátiles exactos del espacio que había ocupado cada una y fijó en cada una de ellas los componentes originales recortados que se conservaban. Estas composiciones portátiles de Mondrian se conocen como "The Wall Works". Desde la muerte de Mondrian, sus obras han sido expuestas dos veces en el Museo de Arte Moderno de Manhattan (1983 y 1995-96), [30] una vez en SoHo en la Galería Carpenter + Hochman (1984), una vez en la Galerie Tokoro de Tokio, Japón (1993), la XXII Bienal de Sao Paulo (1994), la Universidad de Michigan (1995) y –la primera vez que se mostró en Europa– en la Akademie der Künste (Academia de las Artes), en Berlín (22 de febrero – 22 de abril de 2007). Su obra también se mostró en una exposición retrospectiva en la Whitechapel Gallery de Londres, que se realizó entre agosto y septiembre de 1955.
Aunque las teorías de la abstracción de Mondrian han sido su legado perdurable, también fue un pintor de flores. Comenzó a pintar flores a principios del siglo XX, creando retratos de flores individuales que combinaban su estricta formación artística y sus poderes de observación con sus anhelos espirituales y románticos. [31] Mondrian continuó pintando flores de manera secreta hasta la década de 1920, afirmando a sus amigos que lo hacía solo por razones comerciales. [31] Las pinturas de flores fueron creadas bajo el tabú que se impuso a la pintura de género y figurativa tradicional por parte de toda una era arrastrada por el triunfo de la abstracción. Sin embargo, las flores de Mondrian contribuyen a una visión más amplia de la vida y la obra de Mondrian, una visión que diverge marcadamente de la lectura tradicional de su evolución artística. [31]
Piet Mondrian murió de neumonía el 1 de febrero de 1944 y fue enterrado en el cementerio Cypress Hills en Brooklyn, Nueva York .
El 3 de febrero de 1944 se celebró un homenaje a Mondrian en la Capilla Universal de la Avenida Lexington y la Calle 52 en Manhattan . Al servicio asistieron casi 200 personas, entre ellas Alexander Archipenko , Marc Chagall , Marcel Duchamp , Fernand Léger , Alexander Calder y Robert Motherwell . [32]
El Mondrian/Holtzman Trust funciona como el patrimonio oficial de Mondrian y "tiene como objetivo promover el conocimiento de las obras de arte de Mondrian y garantizar la integridad de su trabajo". [33]
Mondrian fue descrito por el crítico Robert Hughes , en su libro de 1980 The Shock of the New , como "uno de los artistas supremos del siglo XX". [34] Asimismo, en sus documentales televisivos de The Shock of the New , Hughes se refirió a Mondrian considerado nuevamente como "uno de los más grandes artistas del siglo XX (...) que fue uno de los últimos pintores que creyó que las condiciones de la vida humana podían cambiarse haciendo cuadros". [35] El historiador de arte holandés Carel Blotkamp , una autoridad en De Stijl , reafirmó la misma creencia de que era "uno de los grandes artistas del siglo XX". [36]
En 2022, el historiador del diseño Stephen Bayley escribió: "Mondrian ha llegado a significar modernismo . Su nombre y su obra resumen el ideal del alto modernismo. No me gusta la palabra 'icónico', así que digamos que se ha vuelto totémico, un tótem de todo lo que el modernismo se propuso ser". [37]
El 14 de noviembre de 2022, la Composición n.º II de Mondrian se vendió en una subasta de Sotheby 's por 51 millones de dólares, lo que batió un récord anterior de 50,6 millones de dólares por su obra. La Composición n.º II presenta un lienzo de 50 x 50 cm con un gran cuadrado rojo en la esquina superior derecha, un pequeño cuadrado azul en la esquina inferior izquierda y un bloque amarillo con todo delineado en negro. [38]
En octubre de 2020, los herederos de Mondrian presentaron una demanda en un tribunal estadounidense contra el Museo Kaiser Wilhelm en Krefeld, Alemania, para la devolución de cuatro pinturas de Mondrian. [39]
En diciembre de 2021, los herederos de Mondrian demandaron al Museo de Arte de Filadelfia para la devolución de la Composición con azul (1928) de Mondrian, que había sido confiscada por los nazis y pasó por los marchantes de arte Karl Buchholz y Curt Valentin antes de ser regalada al museo por Albert E. Gallatin . [40] [41] [42]
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Del 6 de junio al 5 de octubre de 2014, la Tate Liverpool exhibió la mayor colección de obras de Mondrian en el Reino Unido, en conmemoración del 70 aniversario de su muerte. Mondrian and his Studios incluía una reconstrucción a tamaño real de su estudio de París. Charles Darwent, en The Guardian , escribió: «Con su suelo negro y paredes blancas adornadas con paneles móviles de color rojo, amarillo y azul, el estudio de la Rue du Départ no era sólo un lugar para hacer Mondrians. Era un Mondrian y un generador de Mondrians». [12] Se le ha descrito como «el mayor geómetra abstracto del mundo». [64]
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