El señor y la señora Andrews es unretrato al óleo sobre lienzo de alrededor de 1750 de Thomas Gainsborough , ahora en la National Gallery de Londres. Hoy es una de sus obras más famosas, pero permaneció en la familia de los retratados hasta 1960 y era muy poco conocida antes de aparecer en una exposición en Ipswich en 1927, después de lo cual fue solicitada regularmente para otras exposiciones en Gran Bretaña y en el extranjero, y elogiada por los críticos por su encanto y frescura. En los años de posguerra se estableció su estatus icónico, y fue una de las cuatro pinturas elegidas para representar al arte británico en una exposición en París que celebraba la coronación de la reina Isabel II en 1953. Pronto la pintura comenzó a recibir un escrutinio hostil como paradigma de la sociedad paternalista y capitalista de la Inglaterra del siglo XVIII, pero sigue siendo una firme favorita popular. [1]
La obra es una combinación inusual de dos tipos comunes de pintura de la época: un retrato doble, en este caso de una pareja recién casada, Robert y Frances Andrews, así como una vista de paisaje de la campiña inglesa. La obra de Gainsborough se componía principalmente de estos dos géneros diferentes, pero su sorprendente combinación lado a lado en este formato horizontal extendido es única en la obra de Gainsborough y extremadamente rara para otros pintores. Pieza de conversación era el término para un retrato de grupo que contenía otros elementos y actividades, [2] pero estos normalmente mostraban más figuras, vistas participando en alguna actividad o en un interior, en lugar de un paisaje vacío de personas.
Más tarde, Gainsborough se hizo famoso por quejarse de que los trabajos de retrato bien pagados lo alejaban de su verdadero amor por la pintura de paisajes, y su interés probablemente se combinó con el de sus clientes, una pareja de dos familias cuyos ingresos principales probablemente no provenían de la propiedad de tierras, para hacer -de manera más prominente de lo normal en un retrato- una exhibición de la propiedad rural que había formado parte de la dote de la Sra. Andrews . [3]
Thomas Gainsborough tenía unos veintitrés años cuando pintó El señor y la señora Andrews en 1750. Se había casado con Margaret Burr, que estaba embarazada, y había regresado a Sudbury, Suffolk , su ciudad natal y la de los Andrews, después de un aprendizaje en Londres con el artista francés Hubert-François Gravelot , de quien aprendió el estilo rococó francés . Allí también adquirió su afición por los paisajes de estilo holandés . Sin embargo, la pintura de paisajes era mucho menos prestigiosa y estaba mal pagada que el trabajo de retratos, y Gainsborough se vio obligado (ya que el negocio familiar, una tienda de ropa en Sudbury, había quebrado en 1733) a "pintar caras", como él decía. El señor y la señora Andrews contiene el paisaje más amplio de los retratos de Gainsborough, y no volvería a este tipo de composiciones. Las pinturas futuras se situarían en entornos rococó neutros o típicos. Se ha especulado que Gainsborough deseaba mostrar su habilidad paisajística a clientes potenciales, para satisfacer sus preferencias personales o los deseos de sus modelos. [4]
El tamaño relativamente pequeño de la pintura, de apenas 69 cm de alto, es típico de los retratos y paisajes de Gainsborough en este período temprano. Más tarde pintó retratos más grandes, que se aproximaban al tamaño natural, para una clientela londinense más importante que sus primeras representaciones de la nobleza local, y los fondos de paisajes que utilizó eran en su mayoría de bosques y muy generales. Tanto sus fondos de paisajes para retratos como sus paisajes puros tienden a mostrar bosques, y la vista abierta de tierras de cultivo que se ve aquí es inusual, especialmente porque comienza tan cerca del espectador. [5] Como la mayoría de las pinturas de paisajes puros, Gainsborough normalmente mostraba una vista vista desde cierta distancia, y que este paisaje se aleje de un primer plano muy cercano al espectador es una característica necesaria y típica del retrato, aunque una que contribuye en gran medida al éxito de la pintura. Como sucedió con casi todos los artistas de la época, Gainsborough no tenía por costumbre pintar al aire libre, y la señora Andrews en realidad no tenía que caminar con su ropa de seda por los campos para posar, uno de los aspectos de la obra que algunos escritores modernos comentaron con desaprobación. [6]
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Robert Andrews, el retratado, era miembro de la nobleza terrateniente , [7] y esto es muy evidente en el trabajo de Gainsborough. Aunque es probable que el dinero de la familia viniera de ser terrateniente, el padre de Robert también prestó cantidades sustanciales de dinero, particularmente a otra nobleza, a tasas de interés significativas. Esto incluyó la suma de £ 30,000 a Federico, Príncipe de Gales en 1743, por la que se convirtió en Remembrancer . Tenía una casa en Londres en Grosvenor Square en Mayfair , y también poseía barcos y se dedicaba al comercio con las colonias del Imperio Británico . El propio Robert nació en Bulmer, Essex en 1725, y después de asistir a la Sudbury Grammar School al mismo tiempo que Gainsborough (dos años más joven), fue al University College, Oxford . Su padre le compró una propiedad y consiguió una novia , en un intento exitoso de integrar aún más a Robert en las clases altas. En 1763, tras la muerte de su padre, se haría cargo del negocio familiar. [4] [8] En 1750 poseía casi 3.000 acres , incluida la mayor parte de la tierra visible en la pintura. [9]
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Su esposa sentada a su lado es Frances Mary Carter, que se crió en la misma parroquia de Bulmer y que "no era exactamente la chica de al lado, pero probablemente la chica casadera más cercana de su propia clase". [10] Se comprometió con Andrews a los 15 o 16 años. Se casaron en Sudbury, el 10 de noviembre de 1748: él tenía 22 años, ella 16. Su padre también poseía negocios, así como propiedades, y tenía una "parte de una casa en la ciudad de Londres ", así como una base rural en Ballingdon Hall, justo al otro lado del río Stour desde Sudbury, y por tanto en Essex . [10] Su familia había ganado su dinero en el negocio de las cortinas, y al comprar la propiedad evitó el colapso de la industria textil.
La finca de los Andrews, Auberies, en Bulmer Tye , al norte de Essex, está a sólo cuatro millas de Sudbury y linda con la finca de Ballingdon del padre de Frances. Probablemente formaba parte de su dote o se había comprado con ella, y se había comprado entre su matrimonio y cuando se hizo la pintura. La iglesia que se vislumbra en el medio de la obra es All Saints, Sudbury, donde se había casado la pareja. La pequeña torre del fondo a la izquierda es la de la iglesia de la Santísima Trinidad en Long Melford . En el lado derecho se pueden ver los graneros de la granja de la casa de la infancia de Frances en Ballington Hall; una ubicación tan identificable y representada con tanta precisión es inusual en la obra de Gainsborough, y probablemente fue una petición específica de los retratados. [11] Su casa, también llamada Auberies, estaría a la vista en el retrato, detrás del espectador a su derecha, y mucho más cerca de lo que implica la imagen. [12] La pareja tuvo nueve hijos, y cuando Frances Andrews murió a los 48 años en 1780, Robert se volvió a casar; murió en 1806 a los 80 años. [13]
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La pareja está enterrada en el cementerio de la iglesia de San Andrés en Bulmer, mientras que en la propia iglesia hay un monumento en su memoria.
Los Andrews llevan vestidos diferentes, pero ambos son más iguales en su informalidad de lo que muchos observadores han pensado. Robert es tan informal como era probable que se viera a un hombre en su posición, incluso en su propia finca, con un abrigo de caza holgado con bolsas colgantes para la pólvora y las municiones. Frances lleva un atuendo que, de hecho, es un traje informal de verano (como lo llamaríamos ahora) con una falda y una chaqueta separadas, no un vestido, de un azul claro similar a los que Gainsborough solía dar a sus primeras modelos femeninas, incluida su madre, y que pueden no representar ninguna prenda real de ese color. Lleva mules informales y un sombrero de paja. Sin embargo, sus poses son ciertamente diferentes, ya que la pose despreocupada de Robert no coincide con la de Frances, que está "sentada muy erguida". Aparte de las consideraciones de corsetería y el aplomo que se espera de las damas, su figura probablemente fue pintada a partir de un maniquí de artista vestido . El banco rococó en el que ella se sienta debe estar hecho de madera en esta fecha, y se cree que fue una invención de Gainsborough, inspirada en su período con Gravelot. [14]
Gainsborough había pintado (probablemente en Londres) a los padres de Frances en su cuadro El señor y la señora Carter de Bullingdon House, Bulmer, Essex, hacia 1747-1748 (hoy Tate Britain ). Esta pintura establece una comparación interesante con la de los Andrews en muchos aspectos. Frances Jamineau, que se convirtió en la señora Carter, era de ascendencia francesa, y se desconoce si ella y su marido eran realmente tan desproporcionados en tamaño como los pinta Gainsborough. [10]
Las ordenadas hileras paralelas de maíz producidas por la revolucionaria y controvertida sembradora de Jethro Tull muestran que se trata de una granja completamente moderna y eficiente. Robert era un granjero entusiasta, cuya carta de 1768 al agricultor Arthur Young "Sobre el tizón en el trigo" se publicó en los Anales de agricultura de Young . Como estos detalles no son típicos de los paisajes de Gainsborough, sino que anticipan el trabajo de John Constable, que nació cerca unos 25 años después, [15] parece probable que fueran idea de Robert Andrews. De hecho, todo el campo de trigo ha sido llevado mucho más cerca de la casa de lo que realmente habría sido; es "inventado o trasladado desde más lejos. Si se lee literalmente, las gavillas de maíz estarían atravesando el porche de Auberies". [16]
La pintura ha sido descrita como inusual, como una pieza de conversación al aire libre que muestra a los sujetos contra un fondo agrícola en lugar de en los jardines de sus propias casas, [17] pero esto también se ve en otros Gainsboroughs tempranos. Un retrato grupal suyo de alrededor de 1754 muestra a los padres y dos hijas de la familia Gravenor (ilustrado a continuación) con una versión cuadrada de una composición similar con dos robles a la izquierda detrás del padre de pie y la madre sentada, y las hijas a su derecha, cerca del borde del maíz en pie. Se puede ver una vista lejana sobre el maíz, aunque el Sr. Gravenor era un " boticario exitoso " en Ipswich , que acababa de ingresar a la política local, y parece que no fue dueño ni del maíz ni de la vista. [18] Esto ahora se encuentra en el Centro de Arte Británico de Yale , que también posee Major Dade in Shooting Dress (c. 1755) de Gainsborough , de otro caballero de Suffolk muy relajado disparando en su tierra de cultivo con dos perros y pájaros muertos. [19]
El roble frente al cual se encuentran los Andrews tiene varias connotaciones más allá de la elección del lugar: inglesidad, estabilidad y continuidad, y una sensación de generaciones sucesivas que se hacen cargo del negocio familiar. La nobleza terrateniente había sido comparada con el roble, que mantenía unida a Gran Bretaña. [4] El roble todavía sobrevive, ahora considerablemente más grande. [20]
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Una zona del regazo de la señora Andrews está "reservada", es decir, no pintada con el azul de su vestido. Una pincelada marrón ha sugerido "una idea muy popular" de que se iba a colocar allí un faisán macho , a pesar de que la pintura probablemente (por el estado del maíz) se realizó antes del inicio legal de la temporada del faisán el 1 de septiembre. Tal vez sea más probable que se trate de una bolsa de trabajo para bordar , "hacer frivolité o hacer nudos", como se ve a menudo en retratos, un libro, un abanico , un perro faldero o incluso un bebé que aún no había nacido: su primer hijo fue una niña nacida en 1751. [21]
Tras llamar la atención de la crítica en 1927, la pintura fue en un principio una de las favoritas de los críticos y los historiadores del arte. Aunque Lord Duveen seguía consiguiendo precios enormes por los últimos retratos de Grand Manner que vendía a los plutócratas estadounidenses, el gusto de la crítica apreciaba cada vez más los primeros retratos de Gainsborough, más pequeños y frescos. Para Sir John Rothenstein en 1947 "hay pocas interpretaciones del hombre civilizado en sus relaciones con la naturaleza cultivada más hermosas o psicológicamente profundas", [22] y otros escritores han desarrollado el análisis de los temas de la fertilidad, la abundancia y el interés por la naturaleza en la obra. Kenneth Clark lo elogió en Landscape into Art (1949): "esta encantadora obra está pintada con tanto amor y maestría...", [23] lo que a su vez fue citado con desprecio por el crítico de arte marxista John Berger en su Ways of Seeing (1972) quien continuó comentando que el Sr. y la Sra. Andrews "no son una pareja en la naturaleza como Rousseau imaginó la naturaleza. Son terratenientes y su actitud de propiedad hacia lo que los rodea es visible en su postura y expresiones". [24]
Las breves observaciones de Berger dieron inicio a una tradición de comentarios esencialmente hostiles en libros sobre geografía humana y otras áreas de las humanidades , que tienden a tratar las características normales del retrato histórico como algo siniestro, con el objetivo de enfatizar los aspectos negativos del siglo XVIII inglés. En 2004, se lo describió como "una pintura que ha sido tan ampliamente citada por los geógrafos humanos que sentimos que se ha convertido en el único artefacto cultural que ningún comentario que se precie sobre la práctica de la geografía humana puede permitirse el lujo de ignorar". [25] Según otro geógrafo: " El señor y la señora Andrews es, entonces, una imagen en la que los geógrafos están de acuerdo: es un síntoma de las relaciones de propiedad capitalistas que legitiman y son sancionadas por la vista panorámica de una perspectiva de paisaje". [26]
En esta tradición, el costoso medio del óleo sobre lienzo y la falta de trabajadores agrícolas en la imagen se citan como evidencia adicional, [27] [28] y se dice que la posición sentada algo rígida de la Sra. Andrews expresa su estatus inferior y pasivo, [29] ya que se la exhibe como otros bienes de su esposo. Se dicen cosas duras sobre la apariencia y las expresiones faciales de los dos modelos, su vestimenta y poses, y el Sr. Andrews portando un arma. Para algunos autores de esta tradición, la intención de Gainsborough al hacer el retrato era en parte satírica, [30] algo con lo que es poco probable que estén de acuerdo la mayoría de los historiadores del arte.
En cambio, Andrew Graham-Dixon considera que la pintura, «en su estilo tranquilo y sobrio, es una de las obras maestras de la pintura erótica»; «la ropa de Robert casi se le cae de las manos, está tan suelta y flácida», mientras que Frances «tiene un aspecto derretido y lánguido». [31] Para Erica Langmuir, es «el cuadro más ácidamente lírico de la historia del arte. La satisfacción del señor Andrew por sus tierras de cultivo bien cuidadas no es nada comparada con la intensidad del sentimiento del pintor por el oro y el verde de los campos y los bosquecillos, las suaves curvas de la tierra fértil que se encuentran con las majestuosas nubes». [11] Señala las «rimas y asonancias» visuales que vinculan elementos de la composición: la falda con el respaldo del banco, los zapatos de la señora Andrews con sus pies y los del señor Andrews con las raíces de los árboles, y «las líneas de la pistola, los muslos, el perro, la pantorrilla, el abrigo». La cola del abrigo que cuelga se relaciona con la cinta que cuelga del sombrero de su esposa. [32]
Tras ser redescubierta en la exposición de Ipswich de 1927 que celebraba el bicentenario del nacimiento de Gainsborough, la pintura se exhibió en Bruselas en 1929, Londres en 1930, Londres y Manchester en 1934, Ámsterdam en 1936, Londres en 1937 y en el Louvre de París en 1938. Después de la Segunda Guerra Mundial, se vio en Norwich en 1948, realizó una gira para el British Council en 1949-50, estuvo en Londres en el Festival of Britain en 1951, París y Londres en 1953, Fort Worth, Texas , en 1954, Róterdam y Bruselas en 1955, y Sudbury en 1958 para apoyar una apelación para comprar la casa de Gainsborough. Cuando era propiedad de la National Gallery, fue prestado a la Expo 67 en Montreal en 1967, a París en 1981, al Prado en Madrid en 1988-89, a la National Portrait Gallery de Londres en 1991-92, y estuvo de gira por Norwich y Newcastle upon Tyne en 1997. [8]
El cuadro permaneció en poder de la familia hasta que Gerald Willoughbury Andrews (nacido en 1896, tataranieto de los retratados) lo vendió en Sotheby's en Londres el 23 de marzo de 1960. Fue comprado por 130.000 libras por los comerciantes Thomas Agnew & Sons , aparentemente como agentes de la National Gallery, a la que pronto perteneció. Se compró con una "subvención especial del Tesoro" y contribuciones del Pilgrim Trust , The Art Fund , Associated Television Ltd y el Sr. y la Sra. WW Spooner. [8] [33] Esta cantidad todavía estaba por debajo de los 621.000 dólares que Henry Huntington pagó en 1921 a Joseph Duveen (unas 148.000 libras de la época) por The Blue Boy , y le pareció "barata" a Gerald Reitlinger , que escribió en 1970, antes de que los precios del arte comenzaran a escalar hasta sus niveles actuales. [34]
El cuadro se encuentra en buen estado y totalmente terminado, salvo el área reservada comentada anteriormente. [35]
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