Una miniatura (del verbo latino miniare , «colorear con minio », un plomo rojo [1] ) es una pequeña ilustración utilizada para decorar un manuscrito iluminado antiguo o medieval ; las ilustraciones sencillas de los primeros códices habían sido miniadas o delineadas con ese pigmento . La escala generalmente pequeña de tales imágenes medievales ha llevado a una confusión etimológica con la minuciosidad y a su aplicación a pinturas pequeñas, especialmente miniaturas de retratos , [2] que sin embargo surgieron de la misma tradición y al menos inicialmente utilizaron técnicas similares.
Además de las tradiciones occidentales, bizantinas y armenias [3] , existe otro grupo de tradiciones asiáticas, que generalmente son de naturaleza más ilustrativa y que, a partir de sus orígenes en la decoración de libros manuscritos, también se desarrollaron en pequeñas pinturas de una sola hoja para guardar en álbumes, que también se denominan miniaturas, ya que los equivalentes occidentales en acuarela y otros medios no lo son. Estas incluyen miniaturas árabes y sus ramificaciones persas , mogoles , otomanas y de otras Indias .
Las miniaturas más antiguas que se conservan son una serie de dibujos a pluma sin colorear en el Cronógrafo de 354 , que se perdió después del Renacimiento, pero del que se tienen datos a partir de copias. Hasta nuestros días han sobrevivido fragmentos de algunos manuscritos de lujo profusamente ilustrados de antes de 450 aproximadamente. El Génesis de Cotton fue destruido en su mayor parte por un incendio en Londres en 1731 y el fragmento de Itala de Quedlinburg fue destruido en su mayor parte en la Edad Media, el pergamino utilizado en las encuadernaciones.
También hay miniaturas coloreadas recortadas de la Ilíada ambrosiana , un manuscrito ilustrado de la Ilíada del siglo V. En estas imágenes hay una considerable variedad en la calidad del dibujo, pero hay muchos ejemplos notables de finos dibujos de figuras, de sentimiento bastante clásico, que muestran que el arte anterior todavía ejercía su influencia. Las indicaciones de paisajes que se encuentran también son del tipo clásico, no convencionales en el sentido del convencionalismo medieval, pero aún así intentan seguir la naturaleza, aunque de manera imperfecta; tal como en los frescos pompeyanos y otros de la época romana. [2]
De mayor valor artístico son las miniaturas del manuscrito vaticano de Virgilio , conocido como Vergilius Vaticanus , de principios del siglo V. Están en un estado de conservación más perfecto y a mayor escala que los fragmentos ambrosianos, por lo que ofrecen una mejor oportunidad para examinar el método y la técnica. El dibujo es de estilo bastante clásico y transmite la idea de que las miniaturas son copias directas de una serie más antigua. Los colores son opacos: de hecho, en todas las miniaturas de los manuscritos antiguos el empleo del color de cuerpo era universal. El método seguido para colocar las diferentes escenas en la página es muy ilustrativo de la práctica seguida, como podemos suponer, por los artistas de los primeros siglos. Parece que primero se pintaba el fondo de la escena en su totalidad, cubriendo toda la superficie de la página; luego, sobre este fondo se pintaban las figuras y objetos más grandes; y sobre estos, nuevamente, se superponían los detalles más pequeños que se encontraban frente a ellos. (El algoritmo del pintor .) Nuevamente, con el propósito de asegurar algo así como la perspectiva , se adoptó una disposición de zonas horizontales, conteniendo las superiores figuras en una escala más pequeña que las inferiores. [2]
La escuela bizantina tuvo que romper más decididamente con la presentación natural de las cosas y desarrollar las convenciones artísticas. Sin embargo, en los mejores ejemplos tempranos de esta escuela, el sentimiento clásico aún perdura, como lo atestiguan las reliquias de las miniaturas del Génesis de Cotton y las mejores miniaturas del Dioscórides de Viena ; y en las miniaturas de los manuscritos bizantinos posteriores, que fueron copiadas de ejemplos anteriores, la reproducción de los modelos es fiel. Pero al comparar las miniaturas de la escuela bizantina en general con sus predecesoras clásicas, uno tiene la sensación de haber pasado del aire libre al claustro . Bajo la restricción de la dominación eclesiástica, el arte bizantino se volvió cada vez más estereotipado y convencional. La tendencia crece a pintar los tonos de la carne en tonos morenos, a alargar y demacrar las extremidades y a endurecer el andar. Los tonos marrones, azul grisáceos y neutros están a la orden del día. En este caso, encontramos por primera vez el tratamiento técnico de la pintura de la carne, que más tarde se convirtió en la práctica especial de los miniaturistas italianos, es decir, la aplicación de los tonos de la carne real sobre un fondo de color oliva, verde u otro tono oscuro. El paisaje, tal como era, pronto se convirtió en algo bastante convencional, dando ejemplo de esa notable ausencia de la verdadera representación de la naturaleza que es un atributo tan llamativo de las miniaturas de la Edad Media . [2]
Y, sin embargo, si bien el tratamiento ascético de las miniaturas se impuso con tanta fuerza en el arte bizantino, al mismo tiempo el sentido oriental del esplendor se manifiesta en el brillo de gran parte del colorido y en el empleo profuso del oro. En las miniaturas de los manuscritos bizantinos se ven por primera vez esos fondos de oro brillante que luego aparecen con tanta profusión en las producciones de todas las escuelas de pintura occidentales. [2]
La influencia del arte bizantino en el de la Italia medieval es evidente. Los mosaicos antiguos de las iglesias de Italia, como los de Rávena y Venecia , también ofrecen ejemplos de la influencia bizantina dominante. Pero la Alta Edad Media ofrece pocos puntos de referencia para orientar al estudiante; y sólo cuando éste llega al siglo XII, con sus frescos y miniaturas que aún llevan la impronta de la tradición bizantina, puede estar convencido de que la conexión ha existido siempre durante los siglos intermedios. [2]
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La pintura en miniatura armenia destaca por su variedad de estilos y escuelas. Cuando en el año 405 Mesrop Mashtots creó las letras armenias , aparecieron los manuscritos armenios y, con ellos, se desarrolló la pintura en miniatura armenia. La mayoría de los 25.000 manuscritos armenios de diferentes siglos están decorados con miniaturas. [4]
Los libros de contenido religioso eran en su mayoría decorados, sin embargo, los artistas de miniaturas, o “floreros”, como se les llamaba en la época, supieron expresar sus emociones y sentimientos y reflejar escenas de la vida real a través de temas religiosos. Sobre todo en las letras mayúsculas al principio del texto, en los adornos colocados antes del título o en las imágenes realizadas en los márgenes, en las letras bellamente decoradas, introdujeron diversas imágenes y elementos de la flora y la fauna. [5]
En las miniaturas armenias se pueden encontrar escenas que representan la caza, peleas de animales, representaciones teatrales, otras escenas de la vida urbana y rural, retratos de personajes famosos de la época, encargos de manuscritos . [6] Estas miniaturas son de gran importancia para el estudio de la vida y el estilo de vida de la Armenia medieval, los trajes, las costumbres, la artesanía, la naturaleza armenia. Algunos pintores de miniaturas también dejaron sus autorretratos .
En Armenia, en diferentes épocas, funcionaron numerosos centros de pintura en miniatura. Entre ellos, destacan los de Ani , Gladzor , Tatev , Nakhichevan , Artsaj y Vaspurakan , cada uno de los cuales, además de las características generales típicas del arte nacional, se caracteriza por un estilo único de pintura en miniatura y tradiciones locales. Más tarde, también se establecieron centros de pintura en miniatura en las colonias armenias. [7]
El arte de la miniatura armenia floreció en el siglo XIII, especialmente en la Armenia de Cilicia , donde las miniaturas eran más lujosas y elegantes. Las obras de talentosos artistas de la miniatura de diferentes épocas y centros como Toros Roslin , Grigor, Ignatius, Sargis Pitsak, Toros Taronetsi, Avag, Momik, Simeon Archishetsi, Vardan Artsketsi, Kirakos, Hovhannes, Hakob Jughayetsi y tal vez más han resistido el paso del tiempo hasta ahora. [8] Sin embargo, no se han conservado los nombres de muchos otros artistas de la miniatura.
La pintura armenia en miniatura ha recorrido largos y difíciles caminos históricos y es testigo del incomparable celo creativo de los armenios, que ni los innumerables desastres provocados por los invasores extranjeros ni las difíciles y tortuosas rutas de migración pudieron extinguir. Con su originalidad, maestría en la ejecución, extraordinario colorido, riqueza y variedad de joyas, ocupa un lugar único y honorable no solo en el tesoro del arte nacional, sino también en el arte mundial.
Los evangelios fueron los más ilustrados, seguidos por la Biblia y otras colecciones religiosas. Las primeras miniaturas que nos han llegado son muestras de los siglos VI-VII. Los tipos de personajes y pintura en ellas recuerdan a los frescos de Lmbat y Aruch del siglo VII. El "Evangelio de la reina Mlke", "El evangelio de Kars", "El evangelio de Trabzon" han sobrevivido del período de los reinos de Bagratuni y Artsruni. [9] Estos manuscritos contienen las características principales del desarrollo posterior de la pintura en miniatura armenia: • tabernáculos en forma de columnas, • hojas doradas con letras mayúsculas, • imágenes del Señor, es decir, los eventos de la vida de Cristo, que se mencionan en las fiestas de la iglesia, • miniaturas adjuntas al texto. En ellos se puede encontrar una combinación orgánica de arte bizantino y cristiano, en las representaciones de los arcos de los tabernáculos del "Evangelio de la Reina Mlke", motivos egipcios, decoración arquitectónica de pinturas evangélicas y elementos del arte helenístico.
Las miniaturas de mayor tamaño de los Evangelios de la Pequeña Armenia, relacionadas con el arte de la miniatura paleocristiana de 1038 (Matenadaran según Mesrop Mashtots, Ereván, manuscrito N 6201), que conservan las antiguas reglas estilísticas y pictóricas, contienen novedades que formaron la base de toda la iconografía armenia posterior, por ejemplo, la representación de Cristo desnudo en la cruz. El desarrollo gráfico del estilo del grupo de manuscritos es evidente en la Escuela Vaspurakan de Pintura en Miniatura. Un grupo de manuscritos de finales del siglo XI, encabezado por el Evangelio de Moghni, formó la escuela de Ani , cuyas formas estilísticas guardan similitudes con las miniaturas pregóticas, que muestran el origen oriental de estas últimas. Las miniaturas de ese grupo se destacan por el estilo de fresco monumental. En los manuscritos del siglo XII se desarrollaron las tradiciones del arte en miniatura de los siglos X y XI, dotadas de acentos trágicos y emocionales, y se concedió una gran importancia a los motivos vegetales y animales. En la primera mitad del siglo XIII, antes de las invasiones mongolas, la pintura en miniatura floreció en la Gran Armenia ("Evangelio de Haghpat", "Evangelio de los traductores"). La pintura en miniatura adquirió una calidad nueva sin precedentes en la Armenia de Cilicia. Se coleccionaron manuscritos exquisitos tanto en los monasterios como en la corte real, y además del clero, los manuscritos fueron encargados por miembros de la corte real y los consejeros. [10]
El significado ritual eclesiástico de los manuscritos disminuyó, y a menudo se encargaban para uso personal, para satisfacer el gusto refinado de los consejeros y sus sentimientos religiosos. El tamaño de los libros disminuyó, y los pintores de miniaturas se volcaron más en la representación de la realidad y de los países vecinos (Bizancio y países europeos). Los famosos pintores de miniaturas Grigor Mlichetsi, Toros Roslin, Sargis Pitsak y otros aparecieron creando elegantes manuscritos reales ("La cena del rey Hetum II", "El evangelio de la reina Keran"). [11] Una situación política relativamente estable en algunas regiones de la Gran Armenia contribuyó al desarrollo de la pintura en miniatura. Mientras que los representantes de la Escuela de Pintura en Miniatura de Gladzor se destacan con personalidades destacadas, los artistas de Vaspurakan (Simeon Artchishetsi, Zakaria Akhtamartsi, Rstakes, Kirakos Aghbaketsi y otros) regresaron a tradiciones pictóricas más unificadas. El centro más famoso de la pintura en miniatura fue la Escuela Tatev de Pintura en Miniatura, dirigida por Grigor Tatevatsi, después de quien el arte armenio en miniatura continuó en las colonias de Crimea, Nueva Dzhulfa, Constantinopla y otros lugares. En los siglos XVII y XVIII, la pintura armenia de libros en miniatura dio paso gradualmente al arte de la impresión de ilustraciones de libros. [12]
En las escuelas de iluminación autóctonas de Europa occidental, el motivo principal era únicamente la decoración. En los manuscritos del período merovingio , en la escuela que conectaba a los francos con el norte de Italia y que se conoce como lombarda o franco-lombarda, en los manuscritos de España , en las producciones del arte insular de las Islas Británicas , el dibujo de figuras era poco conocido, sirviendo más como un elemento decorativo que como una representación de la forma humana. [2]
La escuela anglosajona , que se desarrolló sobre todo en Canterbury y Winchester , probablemente tomó su característico dibujo a mano alzada de los modelos romanos clásicos, apenas influida por el elemento bizantino. Las cualidades más altas de las miniaturas de los siglos X y XI de esta escuela residen en el fino dibujo de contornos, que ejerció una influencia duradera en la miniatura inglesa de los siglos posteriores. Pero la escuela anglosajona meridional se aparta más bien de la línea general de desarrollo de la miniatura medieval occidental. [2]
Bajo los monarcas carolingios se desarrolló una escuela de pintura derivada de modelos clásicos, principalmente de tipo bizantino. En esta escuela, que debe su origen al estímulo de Carlomagno , se ve que la miniatura aparece en dos formas. En primer lugar, está la miniatura verdaderamente convencional que sigue el modelo bizantino, siendo los temas generalmente los retratos de los Cuatro Evangelistas , o retratos de los propios emperadores: las figuras formales; las páginas brillantemente coloreadas y doradas, generalmente ambientadas en entornos arquitectónicos de un tipo fijo, y desprovistas de paisaje en el verdadero sentido de la palabra. Acompañado como estaba con profusa decoración en el borde y la inicial, sentó el modelo para las posteriores escuelas continentales de Occidente. Por otro lado, también está la miniatura en la que hay un intento de ilustración, como, por ejemplo, la representación de escenas de la Biblia . Aquí hay más libertad; y rastreamos el estilo clásico que copia los modelos romanos, a diferencia de los bizantinos. [2]
La influencia que ejerció la escuela carolingia sobre las miniaturas de los artistas anglosajones meridionales se manifiesta en el uso extendido del color de cuerpo y en el empleo más elaborado del oro en la decoración. Un manuscrito como el Benedictional de San Æthelwold , obispo de Winchester , 963 a 984, con su serie de miniaturas dibujadas en el estilo nativo pero pintadas con pigmentos opacos, exhibe la influencia del arte extranjero. Pero el dibujo real siguió siendo esencialmente nacional, marcado por su propio tratamiento de la figura humana y por la disposición de los drapeados con pliegues ondulantes. El estilo era refinado, tendiendo a la exageración y la desproporción de los miembros. Con la conquista normanda, esta notable escuela nativa murió. [2]
Con el despertar del arte en el siglo XII, la decoración de manuscritos recibió un poderoso impulso. Los artistas de la época sobresalieron en la orla y la inicial, pero en la miniatura también hubo un dibujo vigoroso, con líneas amplias y atrevidas y un estudio cuidadoso de los drapeados. Los artistas se volvieron más expertos en el dibujo de figuras y, aunque todavía existía la tendencia a repetir los mismos temas de la misma manera convencional, el esfuerzo individual produjo en este siglo muchas miniaturas de un carácter muy noble. [2]
La conquista normanda había llevado a Inglaterra directamente al redil del arte continental; y ahora comenzó esa agrupación de las escuelas francesa, inglesa y flamenca , que, fomentada por un intercambio creciente y movida por impulsos comunes, dio como resultado las magníficas producciones de los iluminadores del noroeste de Europa desde la última parte del siglo XII en adelante. [2]
Pero de paisaje natural no hay nada, a menos que se puedan considerar como tales rocas y árboles de carácter estereotipado. De ahí que el fondo de la miniatura del siglo XII y de los inmediatamente siguientes se convirtiera en campo de decoración para resaltar más a fondo las figuras de la escena. Y así surgió la práctica de rellenar todo el espacio con una lámina de oro, a menudo bruñida: un brillante método de ornamentación que ya hemos visto en la escuela bizantina. También hay que destacar el tratamiento convencional de las figuras sagradas, que a partir de entonces, por un sentido de veneración, siguen vestidas con las vestiduras tradicionales de los primeros siglos, mientras que las demás figuras de la escena llevan la vestimenta habitual de la época. [2]
Entrando en el siglo XIII, llegamos al período en el que se puede decir que la miniatura justifica la falsa etimología moderna que ha asociado el título con la minuciosidad. El estilo amplio y audaz del siglo XII da paso a lo preciso y minucioso. Los libros en general cambiaron su forma del gran folio al octavo y a tamaños más pequeños. Hubo una mayor demanda de libros; y el pergamino se limitó en cantidad y tuvo que ir más allá. La escritura a mano se hizo más pequeña y perdió la redondez del siglo XII. Las contracciones y abreviaturas en los textos aumentaron en gran medida en número. En todas partes hay un esfuerzo por ahorrar espacio. Y lo mismo ocurre con la miniatura. Las figuras eran pequeñas, con trazos delicados en los rasgos y con cuerpos y miembros esbeltos y prolijos. Los fondos resplandecen con color y oro bruñido; y abundan los delicados patrones de pañales de oro y color alternados. Con frecuencia, y especialmente en los manuscritos ingleses, los dibujos están simplemente teñidos o lavados con colores transparentes. En este siglo, también, la miniatura invade lo inicial. Mientras que en los períodos anteriores estaban de moda los llamativos pergaminos floreados, ahora se introduce una pequeña escena en los espacios en blanco de la letra. [2]
Si comparamos el trabajo de las tres escuelas, el dibujo de la miniatura inglesa, en su mejor momento, es quizás el más elegante; el francés es el más limpio y preciso; el flamenco, incluido el de Alemania occidental, es menos refinado y de líneas más duras y fuertes. En cuanto a los colores, el artista inglés utiliza tonos más claros que los de las otras escuelas: se observa una preferencia por el verde claro, el azul grisáceo y la laca. El artista francés prefería los tonos más profundos, especialmente el ultramar. El flamenco y el alemán pintaban, por regla general, con colores menos puros y con tendencia a la pesadez. Una característica notable en los manuscritos franceses es el oro rojo o cobrizo utilizado en sus iluminaciones, en fuerte contraste con el metal más pálido de Inglaterra y los Países Bajos. [2]
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Es notable cómo el arte de la miniatura a lo largo del siglo XIII mantiene su alta calidad tanto en el dibujo como en el color sin ningún cambio muy llamativo. A lo largo del siglo, la Biblia y el Salterio estuvieron en auge; y naturalmente, los mismos temas y las mismas escenas se repitieron a lo largo del período y fueron repetidos por un artista tras otro; y el propio carácter de esos libros sagrados tendía a restringir la innovación. Pero hacia el final del período, obras profanas como los romances crecieron en popularidad y brindaron un campo más amplio para la invención del artista ilustrador. Por lo tanto, con la apertura del siglo XIV sobreviene un cambio palpable de estilo. Pasamos a líneas más fluidas; no a los trazos audaces y amplios y curvas del siglo XII, sino a un estilo elegante, delicado y flexible que produjo las hermosas figuras oscilantes de la época. De hecho, la miniatura ahora comienza a liberarse del papel de miembro integral del esquema decorativo de la iluminación y a convertirse en un cuadro, dependiendo de su propio mérito artístico para la posición que ha de mantener en el futuro. Esto queda demostrado por el lugar más destacado que ahora ocupa la miniatura y por su creciente independencia del borde decorativo y de la inicial. [2]
Pero, al mismo tiempo, mientras la miniatura del siglo XIV se esfuerza por desvincularse del resto de los detalles iluminados del manuscrito, en su interior florece en la decoración. Además de la mayor elasticidad del dibujo de las figuras, hay un desarrollo paralelo en los diseños de los fondos. Los pañales se vuelven más elaborados y más brillantes; la belleza del oro bruñido se realza con los patrones punteados que se trabajan con frecuencia sobre él; los baldaquinos góticos y otros elementos arquitectónicos que se empezaron a introducir siguieron naturalmente el desarrollo de la arquitectura de la época. En una palabra, la gran expansión del sentimiento artístico en la decoración del mejor tipo, que es tan prominente en la obra superior del siglo XIV, es igualmente notoria en la miniatura iluminada. [2]
En la primera parte del siglo, el dibujo inglés es muy gracioso, las figuras se inclinan con un movimiento ondulante que, si no fuera tan simple, sería una afectación. Tanto en los ejemplos de contorno, lavados con color transparente, como en los ejemplos completamente pintados, la mejor obra inglesa de esta época es insuperable. El arte francés todavía mantiene su pulcra precisión, los colores más vivos que los de Inglaterra y los rostros delicadamente indicados sin mucho modelado. Las producciones de los Países Bajos, que todavía se mantienen en el estilo más pesado de dibujo, parecen toscas al lado de las obras de las otras escuelas. Tampoco el arte alemán de la miniatura de este período ocupa una posición alta, siendo generalmente mecánico y de carácter rústico. A medida que avanza el tiempo, la miniatura francesa casi monopoliza el campo, sobresaliendo en brillantez de colorido, pero perdiendo gran parte de su pureza de dibujo, aunque el nivel general sigue siendo alto. La escuela inglesa retrocede gradualmente y, debido sin duda a causas políticas y a las guerras con Francia, parece no haber producido ninguna obra de mucho valor. Sólo hacia finales del siglo XIV se produce un resurgimiento. [2]
Este resurgimiento se ha atribuido a una conexión con la floreciente escuela de Praga , una escuela que en el esquema de color sugiere una influencia sureña posterior al matrimonio de Ricardo II con Ana de Bohemia en 1382. El nuevo estilo de la pintura inglesa en miniatura se distingue por la riqueza del color y por el cuidadoso modelado de los rostros, que se compara favorablemente con el tratamiento más ligero de los artistas franceses contemporáneos. Una atención similar a los rasgos también caracteriza a la escuela flamenca del norte o la escuela holandesa en este período y a principios del siglo XV; y, por lo tanto, puede considerarse como un atributo del arte germánico a diferencia del estilo francés. [2]
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Sin embargo, la promesa del nuevo desarrollo de la pintura en miniatura inglesa no se cumpliría. En el primer cuarto del siglo XV se produjeron ejemplos de gran mérito, pero en un estancamiento en el dibujo y encadenados por las convenciones medievales. El arte autóctono prácticamente llegó a su fin hacia mediados de siglo, justo cuando la mejor apreciación de la naturaleza estaba rompiendo la antigua representación convencional del paisaje en el arte europeo y estaba transformando la miniatura en la pintura moderna. Cualquier pintura en miniatura que se produjera en Inglaterra después de esa época tenía que ser obra de artistas extranjeros o de artistas que imitaban un estilo extranjero. La situación del país durante las Guerras de las Dos Rosas explica suficientemente el abandono del arte. Por lo tanto, la historia de la miniatura en el siglo XV debe buscarse en los manuscritos de las escuelas continentales. [2]
En primer lugar, debemos considerar el norte de Francia y los Países Bajos. A medida que se va saliendo del siglo XIV y se entra en el XV, la miniatura de ambas escuelas comienza a exhibir una mayor libertad en la composición; y hay una tendencia adicional a apuntar más al efecto general mediante el colorido que a la pulcritud en el dibujo. Esto fue fomentado por el campo más amplio abierto al miniaturista. Se ilustraron libros de todo tipo, y los libros sagrados, Biblias , Salterios y libros litúrgicos , ya no eran los principales, si no los únicos, manuscritos que se iluminaban. Y, sin embargo, hubo una clase de manuscrito que alcanzó la mayor prominencia y que al mismo tiempo era litúrgica. Se trataba de las Horas , o Libro de Horas , libros devocionales para uso individual, que se multiplicaron en gran número y contenían algunas de las mejores obras de los miniaturistas. La decoración de estos pequeños volúmenes escapó en gran medida de las restricciones convencionales que su carácter religioso podría haber impuesto. Además, la demanda de manuscritos iluminados había establecido en esta época un comercio regular; y su producción no se limitó, como antes, al claustro. [2] Entre los artistas seculares notables de manuscritos iluminados se incluye al Maestro Honoré de la escuela parisina.
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A principios de siglo, el antiguo tratamiento convencional del paisaje todavía se mantenía vigente; tampoco los fondos dorados y con pañales pasaron de moda. De hecho, en algunos de los mejores ejemplos franceses de la época, los motivos con pañales son más brillantes que nunca. Pero en el segundo cuarto de siglo, el paisaje natural se impone con más decisión, aunque con fallas en la perspectiva. No fue hasta que surgió otra generación que hubo una verdadera apreciación del horizonte y del efecto atmosférico. [2]
Las miniaturas de las escuelas francesa y flamenca se desarrollan en paralelo durante un tiempo, pero después de mediados de siglo las características nacionales se hacen más marcadas y divergentes. La miniatura francesa comenzó a deteriorarse, aunque los artistas más dotados de la escuela produjeron algunos ejemplos muy buenos. El dibujo de las figuras era más descuidado y la pintura tendía a la dureza sin profundidad, que el artista se esforzó por aliviar con un exceso de sombreado dorado. [2]
La escuela flamenca alcanzó su máxima excelencia en la última parte del siglo XV. La miniatura flamenca se caracterizó por una extrema suavidad y profundidad de color, así como por un cuidado cada vez mayor en el tratamiento de los detalles, de los ropajes, de la expresión de los rasgos: el tipo flamenco del rostro de la Virgen, por ejemplo, con su frente alta y llena, es inconfundible. En las mejores miniaturas flamencas de la época, el artista logró presentar una maravillosa suavidad y resplandor de color; el alto nivel no cesó con el siglo XV, pues todavía quedan muchos ejemplares excelentes que dan fe del favor que se le tuvo durante algunas décadas más. [2]
En las observaciones anteriores, lo dicho con respecto al tratamiento cuidadoso de los detalles se aplica aún más a las miniaturas ejecutadas en grisalla , en las que la ausencia de color invitaba a una acentuación aún más fuerte de ese tratamiento. Esto es quizás más observable en las miniaturas en grisalla del norte de Flandes , que a menudo sugieren, particularmente en las fuertes líneas angulares de los draperías, una conexión con el arte del grabador de madera. [2]
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Sin embargo, la miniatura flamenca no logró mantener el favor de la Europa occidental sin un rival. Ese rival había surgido en el sur y había llegado a la perfección al mismo tiempo que la miniatura de los Países Bajos en el siglo XV. Se trataba de la miniatura italiana, que pasó por las mismas etapas que las miniaturas de Inglaterra, Francia y los Países Bajos. La intercomunicación entre los países de Europa estaba demasiado bien establecida para que la situación fuera de otra manera. En los manuscritos italianos del tipo normal, la influencia del arte bizantino es muy manifiesta durante los siglos XIII y XIV. El antiguo sistema de pintar los tonos de la carne sobre verde oliva o algún pigmento similar, que se deja expuesto en las líneas de los rasgos, obteniendo así una tez morena, continuó practicándose en una forma más o menos modificada hasta el siglo XV. Por regla general, los pigmentos utilizados son más opacos que los empleados en las escuelas del norte; y el artista confiaba más en el color solo para obtener el efecto deseado que en la mezcla de color y oro que dio resultados tan brillantes en los patrones de pañales de Francia. El intenso color escarlata de los miniaturistas italianos es peculiar de ellos. El dibujo de las figuras es menos realista que el arte contemporáneo de los manuscritos ingleses y franceses, y la forma humana suele ser de formas gruesas. En general, la miniatura italiana, antes de su gran expansión en el siglo XIV, está muy por detrás de las miniaturas del norte. Pero con el siglo XV, bajo la influencia del Renacimiento , avanzó a la vanguardia y rivalizó con las mejores obras de la escuela flamenca. El uso de pigmentos más espesos permitió al miniaturista obtener la superficie dura y pulida tan característica de su obra y mantener la nitidez del contorno, sin perder la profundidad y la riqueza del color que se comparan con las mismas cualidades de la escuela flamenca. [2]
El estilo italiano se siguió en los manuscritos de Provenza en los siglos XIV y XV. Tuvo su efecto, también, en la escuela del norte de Francia, de la que a su vez también recibió influencia. En los manuscritos del sur de Alemania también se evidencia. Pero los principios que hemos analizado como guías del desarrollo de la miniatura en las escuelas más importantes se aplican por igual a todas. Al igual que la miniatura de la escuela flamenca, la miniatura italiana todavía se trabajaba en cierta medida con éxito, bajo patrocinio especial, incluso en el siglo XVI; pero con la rápida sustitución del manuscrito por el libro impreso, la ocupación del miniaturista llegó a su fin. [2]
A pesar de las objeciones del Islam al arte figurativo , Persia y el mundo persa continuaron con lo que parece haber sido una tradición preexistente de ilustración de libros, mientras que la miniatura figurativa árabe era relativamente poco común, salvo las figuras en imágenes prácticas como diagramas. Sin embargo, en el arte islámico , los manuscritos de lujo, incluidos los del Corán (que nunca se ilustró con imágenes figurativas), a menudo estaban decorados con diseños muy elaborados de patrones geométricos, arabescos y otros elementos, a veces como borde del texto. Esto se conoce como "iluminación".
Las miniaturas árabes ( árabe : الْمُنَمْنَمَات الْعَرَبِيَّة, Al-Munamnamāt al-ʿArabīyah ) son pequeñas pinturas sobre papel , generalmente ilustraciones de libros o manuscritos, pero también a veces obras de arte independientes que ocupan páginas enteras. El ejemplo más antiguo data de alrededor del 690 d. C., con un florecimiento del arte entre 1000 y 1200 d. C. en el califato abasí . La forma de arte pasó por varias etapas de evolución mientras presenciaba la caída y el ascenso de varios califatos islámicos . Los miniaturistas árabes absorbieron influencias chinas y persas traídas por las destrucciones mongolas y, finalmente, se asimilaron totalmente y posteriormente desaparecieron debido a la ocupación otomana del mundo árabe. Casi todas las formas de miniaturas islámicas ( miniaturas persas , miniaturas otomanas y miniaturas mogoles ) deben su existencia a las miniaturas árabes, ya que los mecenas árabes fueron los primeros en exigir la producción de manuscritos iluminados en el Califato, no fue hasta el siglo XIV que la habilidad artística llegó a las regiones no árabes del Califato. [13] [14] [15] [16] [17] [18]
A pesar de los considerables cambios en el estilo y la técnica de la miniatura árabe, incluso durante sus últimas décadas, todavía se podía notar la temprana influencia árabe omeya . Los artistas de miniaturas árabes incluyen a Ismail al-Jazari , quien ilustró su propio Libro del conocimiento de ingeniosos dispositivos mecánicos, [19] y el artista abasí, Yahya Al-Wasiti , que probablemente vivió en Bagdad en la era abasí tardía (siglos XII al XIII), fue uno de los exponentes preeminentes de la escuela de Bagdad. En 1236-1237, se sabe que transcribió e ilustró el libro Maqamat (también conocido como las Asambleas o las Sesiones ), una serie de anécdotas de sátira social escritas por Al-Hariri de Basora . [20] La narración trata de los viajes de un hombre de mediana edad que usa su encanto y elocuencia para abrirse camino a través del mundo árabe. [21]
Si bien la mayoría de los manuscritos árabes que sobreviven se encuentran en los museos occidentales, [22] las miniaturas árabes ocupan muy poco espacio en la cultura árabe moderna. [23]
El arte persa tiene una larga tradición en el uso de miniaturas, tanto para libros ilustrados como para piezas individuales, que se recopilaban en álbumes ( muraqqa ). La tradición de la miniatura mogol estuvo muy influenciada por Persia, y comenzó cuando un grupo de artistas fue reclutado para la India, ya que las miniaturas habían caído en desgracia en la corte persa de Tahmasp I. Reza Abbasi (1565-1635), considerado uno de los pintores persas más reconocidos de todos los tiempos, se especializó en la miniatura persa, con preferencia por los temas naturalistas. Hoy en día, sus obras supervivientes se pueden encontrar en muchos de los principales museos del mundo occidental , como el Smithsonian , el Louvre y el Museo Metropolitano de Arte .
En 2020, la UNESCO declaró el arte en miniatura de Azerbaiyán , Irán , Turquía y Uzbekistán como una de las obras maestras del patrimonio cultural inmaterial de la humanidad. [24]
Bajo el patrocinio de la dinastía Pala, la pintura en miniatura se introdujo en la India mediante la pintura sobre manuscritos budistas en hojas de palma . Uno de los primeros ejemplos supervivientes de manuscritos budistas ilustrados en hojas de palma es Aṣṭasāhasrikā Prajñāpāramitā, que data del año 985 d. C. y se conserva en la biblioteca de la Universidad de Cambridge. [25] El arte de los manuscritos iluminados Pala se desarrolló en los centros budistas de Bihar y Bengala . Las pinturas en miniatura Pala no solo inspiraron las pinturas en miniatura nepalesas y tibetanas, sino que también inspiraron al hinduismo y al jainismo a desarrollar sus propias tradiciones de pintura en miniatura en períodos posteriores. [26]
La pintura mogol se desarrolló durante el período del Imperio mogol (siglos XVI-XVIII) y generalmente se limitaba a miniaturas, ya sea como ilustraciones de libros o como obras individuales para guardar en álbumes. Surgió de la tradición de la pintura en miniatura persa introducida en la India por Mir Sayyid Ali y Abd al-Samad a mediados del siglo XVI. Pronto se alejó de sus orígenes safávidas ; con la influencia de los artistas hindúes, los colores se volvieron más brillantes y las composiciones más naturalistas. El tema era predominantemente secular, y consistía principalmente en ilustraciones de obras literarias o históricas, retratos de miembros de la corte y estudios de la naturaleza. En su apogeo, el estilo de pintura mogol representó una elegante unión del arte persa, europeo e hindi. [27]
En los sultanatos musulmanes del Decán surgieron estilos de pintura en miniatura con influencia directa de Persia y con algo de la pintura hindú existente. El estilo de pintura del Decán era más libre y extravagante que la pintura mogol, aunque no tan consistente en calidad o naturalismo. A medida que los mogoles conquistaron los sultanatos durante el siglo XVII, los artistas se dispersaron. Una versión del estilo mogol se extendió a las cortes principescas, en su mayoría hindúes, en el norte de la India, especialmente en la pintura rajput , donde se desarrollaron varios estilos diferentes. La pintura pahari cubre una serie de pequeñas cortes en las estribaciones del Himalaya, y el estilo bikaner llegó desde más al sur. En el siglo XVIII, las cortes rajput estaban produciendo la pintura india más innovadora.
La tradición del Imperio Otomano comenzó bajo la influencia persa, y los sultanes coleccionaban con entusiasmo miniaturas persas. Pronto se desarrolló un estilo otomano distintivo, con un mayor interés en la narrativa y en registrar la historia del imperio. La iluminación otomana también se utilizó ampliamente en los manuscritos de la corte.
La miniatura armenia se distingue por su variedad de estilos y escuelas. Cuando Mesrop Mashtots creó las letras armenias en el año 405 d. C. y comenzaron a escribirse libros manuscritos armenios, junto con la educación, se desarrolló la miniatura armenia iluminada. La mayoría de los 25.000 manuscritos armenios que nos han llegado de diferentes siglos están decorados con miniaturas. Los manuscritos armenios iluminados encarnan la cultura armenia ; ilustran sus valores espirituales y culturales.
El miniaturista armenio más famoso es Toros Roslin , que vivió en el siglo XIII. Esta forma de arte floreció en la Gran Armenia , la Pequeña Armenia y la diáspora armenia . Se han conservado muy pocos fragmentos de manuscritos iluminados de los siglos VI y VII. El manuscrito más antiguo que se conserva en su totalidad data del siglo IX.
Las miniaturas se falsifican por diversas razones. Los artesanos turcos fabrican miniaturas islámicas falsificadas que representan avances científicos como souvenirs y, a menudo, se pueden encontrar de forma inofensiva como fotografías de archivo en Internet o en materiales de aprendizaje formal. [28] Varias personas también falsificaron miniaturas europeas medievales para engañar a los coleccionistas, siendo uno de los falsificadores más notables el falsificador español .
