La cerámica de Pueblo son objetos cerámicos elaborados por los pueblos indígenas y sus antecesores, los pueblos ancestrales y las culturas mogollones en el suroeste de los Estados Unidos y el norte de México. [1] Durante siglos, la cerámica ha sido fundamental para la vida de los pueblos como una característica del uso ceremonial y utilitario. La arcilla es de origen local, con mayor frecuencia hecha a mano (no arrojada en un torno de alfarero ni fundida en un molde) y cocida tradicionalmente en un pozo de barro . [1] [2] Estos artículos toman la forma de jarras de almacenamiento, cantimploras, cuencos para servir, frascos de semillas y cucharones. Algunas piezas de uso utilitario no estaban decoradas, excepto por simples ondulaciones o marcas hechas con un palo o una uña, sin embargo, muchos ejemplos durante siglos fueron pintados con motivos abstractos o figurativos. Algunos pueblos hicieron vasijas efigie , fetiches o figurillas. Durante los tiempos modernos, la cerámica de los pueblos se produjo específicamente como una forma de arte para cumplir una función económica. Este papel no es muy diferente al de los tiempos prehistóricos, cuando la cerámica se comercializaba en todo el suroeste, y en tiempos históricos posteriores al contacto con los colonialistas españoles. [3]
En la década de 1880, la llegada del ferrocarril transcontinental trajo antropólogos y etnógrafos , así como turistas, a las tierras de los pueblos. Esto dio como resultado que decenas de miles de objetos de cerámica fueran transferidos, a veces misteriosamente, a museos y coleccionistas de la Costa Este. Comenzó a ocurrir el saqueo de cerámica y artefactos de sitios históricos. [4] [5] [6] A principios de siglo, comenzó a surgir una sensibilidad moderna en el trabajo de un alfarero Hopi-Tewa, Nampeyo de Hano , y unos años más tarde, en el trabajo de María Martínez de San Ildefonso Pueblo. [7] En el siglo XX, la cerámica de los pueblos ingresó al mercado comercial con sus "intermediarios" principalmente anglosajones de galeristas y comerciantes independientes que actuaban como representantes de los artistas, quienes vendían estas mercancías a museos y coleccionistas privados. [2] Esto aumentó el valor de las obras modernas y contemporáneas y creó un mercado negro para objetos históricos y prehistóricos; Incluso importantes galerías vendían cerámica indígena de dudosa procedencia en los años 90. Estas actividades llevaron a una aplicación más estricta de la Ley de Antigüedades de 1906 , la Ley de Protección de Recursos Arqueológicos de 1979 y la Ley de Protección y Repatriación de Tumbas de Nativos Americanos de 1990. [ 8] [9]
Los alfareros modernos y contemporáneos de los pueblos tienden a trabajar dentro de su tradición familiar, aunque algunos han desarrollado estilos únicos que rompen con la tradición sin perder de vista su ascendencia. Estos artistas citan a sus abuelas y bisabuelas como influencias tempranas. [10] Actualmente, hay 21 pueblos reconocidos a nivel federal en el suroeste, todos los cuales tienen una variedad de estilos distintivos de cerámica producida en el período colonial histórico y en la actualidad. Diecinueve pueblos están en Nuevo México, [11] uno está en Arizona y uno en Texas. [12] Muchos habitantes de los pueblos son multilingües y hablan también lenguas indígenas, inglés y español. Nunca renunciaron por completo a sus costumbres y forma de vida, y se han aferrado a sus culturas, idiomas y creencias y prácticas religiosas. [13] Los pueblos tewa modernos y contemporáneos de Kha'po Owingeh (pueblo de Santa Clara) y P'ohwhóge Owingeh (pueblo de San Ildefonso) preferían trabajar con cerámica negra, mientras que los pueblos de habla keresana del pueblo de Acoma y los pueblos de habla shiwiʼma del pueblo de Zuni trabajan con una amplia variedad de colores y motivos de diseño. [14] [15]
La cerámica tradicional de los pueblos se elabora a mano con arcilla extraída localmente y limpiada a mano de materias extrañas. Luego, la arcilla se trabaja utilizando técnicas de enrollado para formar vasijas que se utilizan principalmente con fines utilitarios, como ollas, recipientes para almacenar alimentos y agua, cuencos y platos. Las técnicas de losa y olla de presión se utilizan para figuras de animales o humanos. Se añaden a la arcilla agentes de templado como arena, trozos viejos de cerámica rota y molida o ceniza volcánica para endurecerla durante la cocción. Las vasijas suelen estar decoradas con patrones incisos, bruñidas, pintadas con pinturas minerales o engobes de colores que se fijan durante el proceso de cocción. Las vasijas se endurecen en loza en un pozo de fuego excavado en el suelo . Se utilizan varios materiales de origen local como combustible, incluida la madera, el estiércol o el carbón. [1] [16]
Se han encontrado cerámicas en las regiones ocupadas por los pueblos ancestrales ; estos artefactos han sido datados hasta el año 200 d. C. [17] Gran parte de la cerámica prehistórica en el área que ahora es Nuevo México fue producida por pueblos que parecen estar relacionados, hasta cierto punto, con los pueblos modernos. [18]
Se cree que la cerámica cocida llegó al suroeste por dos vectores principales: una ruta a lo largo de la costa oeste de México adyacente al Golfo de California y que ingresaba al área que ahora es Arizona. La otra es una ruta interior, a lo largo de la cordillera de la Sierra Madre Occidental que ingresa al área que ahora es Nuevo México. Las técnicas y tecnologías de cerámica se trasladaron hacia el norte, siguiendo aproximadamente la línea de lo que ahora es la frontera entre Nuevo México y Arizona; continuando hacia el norte hacia Colorado, Utah y el área del Gran Cañón. Una tercera ruta puede haber llegado desde México siguiendo el Río Grande hacia el norte a través de El Paso y hacia Nuevo México. [1]
La rama Mimbres de la cultura Mogollón de Oasisamérica en la región conocida hoy como el suroeste de Estados Unidos floreció en su dominio de la cerámica durante el 1000-1130 d. C. Muchos de sus motivos de diseño todavía se utilizan en la cerámica de los pueblos contemporáneos. [19] Los pueblos contemporáneos creen que son descendientes de los Mogollón; los antropólogos creen que los pueblos Zuni y Hopi también están potencialmente relacionados. Las historias orales de los Acoma, Hopi y Zuni afirman un linaje de los Mimbres y Mogollón. [20]
La cerámica prehistórica de los pueblos se puede agrupar en dos categorías o tradiciones principales: cerámica texturizada intencionalmente para fines funcionales y utilitarios, como cocinar y almacenar alimentos; y cerámica más duradera que estaba bien terminada y a menudo pintada para servir comida y transportar agua. [1] [18]
La colonización del suroeste por parte de España tuvo un impacto en las vidas de los alfareros indígenas, en particular los que vivían en el valle del Río Grande . Comenzaron a producir cerámica para los españoles católicos, como candelabros, incensarios y cálices. Durante la Rebelión de los Pueblos de 1680, los españoles fueron expulsados de las tierras de los pueblos por los indígenas; en ese momento, los dos estilos principales de cerámica eran los fabricados por los pueblos Keres y por los algo más aislados Zuni , quienes usaban técnicas de esmaltado mineral "acuoso" con diseños lineales negros o marrones. Los alfareros Tewa en ese momento cubrían sus vasijas con engobe de color crema y pintaban diseños con esmalte negro, produciendo cerámica con una calidad de línea más fina y precisa. Después de que los españoles reconquistaran el área en 1692, esencialmente todos los pueblos dejaron de producir cerámica esmaltada y, en su lugar, comenzaron a producir una cerámica con acabado mate utilizando pinturas vegetales y minerales que se aplicaban antes de la cocción. Durante doce años (entre 1680 y 1692) los pueblos indígenas estuvieron libres de la influencia europea. [21]
Otro cambio de sensibilidad se produjo con la llegada del ferrocarril, que se completó en Nuevo México en 1880. Esto trajo viajeros, antropólogos, arqueólogos y turistas a las tierras del pueblo, y junto con ellos vinieron las expediciones de recolección, la comercialización y el saqueo de cerámica histórica. [21]
La cerámica de Pueblo ha sido clasificada en períodos o eras históricas según la nomenclatura de Clasificación Pecos , desarrollada por el antropólogo Alfred V. Kidder en la década de 1920. [22]
La cerámica del Período Pueblo I (750-900 d. C.) siguió la tradición de fabricación de cerámica de la Cultura de los Cesteros en el Suroeste. Las formas simples de cerámica gris con bandas para el cuello fueron los tipos más comunes encontrados en los sitios de Pueblo I, aunque las formas de cerámica roja y negro sobre blanco también se desarrollaron durante la era Pueblo I. [1] [23] La cerámica gris utilitaria se encontró en todas las regiones ocupadas por los mogollones, hokomas y los pueblos ancestrales (antes conocidos como anasazi). Los alfareros de Pueblo I experimentaron con varios materiales, más comúnmente arena o arenisca triturada , para templar su arcilla para obtener dureza. En los últimos años del período Pueblo I y principios del período Pueblo II, los alfareros de las áreas de Chaco Canyon y Chuska en lo que ahora es Nuevo México comenzaron a templar su arcilla con tiestos triturados . A mediados del siglo VII d. C., surgió un tipo de cerámica llamada "Lino Grey, Fugitive Red Variety", en la que se pintaba con óxido de hierro rojo en las superficies exteriores después de la cocción; puede que se haya producido o no una segunda cocción para fijar el pigmento, sin embargo, era fugaz y a menudo se descascaraba o se lavaba. [1]
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La cerámica del período Pueblo II (900-1150 d. C.) era más comúnmente del tipo gris corrugado utilitario, así como cerámica negra sobre blanco. En menores cantidades se ha encontrado cerámica comercial negra sobre naranja. [1] [23] Durante esta era, la gente comenzó a vivir en comunidades más grandes, algunas de las cuales tenían una arquitectura que era para uso público compartido, como plazas. [24] Se han encontrado muchos tipos de objetos además de jarras y cuencos, como cucharones, jarras, cantimploras, ollas efigie y otros. Parte de esta cerámica se usaba para el comercio. [25] La cerámica negra sobre blanco de Red Mesa se produjo en abundancia en una gran extensión de tierra, que abarcaba desde las áreas de Chaco Canyon y Chuska al norte, al oeste hasta el área donde ahora existe la actual ciudad de Holbrook, Arizona , y al este hasta el Valle del Río Grande. La cerámica abierta de Red Mesa, como los cuencos, se pintaba con un engobe blanco brillante en el interior y, por lo general, con finas líneas negras en zigzag. Las jarras se pintaban con engobe y se pintaban en el exterior. Algunos arqueólogos han propuesto que el área de producción de la cerámica de Red Mesa se limitaba al Cañón del Chaco y se distribuía o comercializaba con personas de áreas periféricas donde también se veía la influencia de la arquitectura de estilo Chaco. [1]
La cerámica de la Era Pueblo III (1150-1350 d. C.) era principalmente de cerámica gris corrugada lisa y cerámica negra sobre blanco con elementos de diseño geométrico. La clave de esta era es la aparición de vasijas ornamentadas policromadas en la última parte de la era, con diseños negros, rojos y naranjas sobre blanco. [1] [26] El uso de pigmentos minerales hechos de cobre, hierro y manganeso comenzó alrededor de 1050-1200 d. C. tan al norte como la cuenca de San Juan y tan al sur como Zuni y las provincias de Cibola. Si bien la mayor parte de la policromía de San Juan se produjo en esta zona occidental, hubo un caso aislado, tal vez un solo alfarero, en el área que ahora es Kewa Pueblo (antes llamado Santo Domingo Pueblo) en el Valle del Río Grande. Puede ser que este caso aislado obtuviera pigmentos de los Zuni. [1]
Durante el período Pueblo IV (1350-1600 d. C.) se produjo una desaparición progresiva del tipo corrugado de cerámica utilitaria, y los estilos policromados altamente ornamentados y la cerámica roja, amarilla y naranja eventualmente reemplazaron a la cerámica negra sobre blanco como el estilo dominante. Las pinturas minerales (en lugar de pinturas a base de plantas) y los esmaltes surgieron durante este período. [1] [27] Algunas vasijas estaban ornamentadas con diseños y símbolos Kachina . La cerámica esmaltada de Río Grande se fabricó tan al norte como Santa Fe, y tan al sur como Elephant Butte , y al este a lo largo del río Puerco . El esmaltado se utilizó a menudo durante este período; las ollas se cocían a altas temperaturas antes de pintarlas con pigmentos minerales a base de plomo hasta que los españoles cortaron el uso de mineral de plomo por parte de los pueblos indígenas. [28]
En Pottery Mound, un antiguo poblado a orillas del río Puerco que estuvo habitado entre 1350 y 1500 d. C., se han encontrado numerosas vasijas y fragmentos de cerámica del período Pueblo IV. La cerámica policromada de Pottery Mound solía tener un engobe de un color diferente en el interior de la vasija que en el exterior. [29] Luego se decoraba con diversas pinturas minerales antes de hornearla, en rojo, negro y ocres. La cerámica encontrada en Pottery Mound no solo se producía allí, sino que se importaba desde tierras tan lejanas como las de los hopi, los acoma y los zuni. [30] [31]
Durante el período Pueblo V (1600 d. C.-presente), la cultura de los pueblos fue influenciada por el colonialismo español . Una disminución en las poblaciones de los pueblos se debió en gran parte a la introducción de enfermedades europeas y otros efectos del colonialismo que tuvieron un efecto en la cultura material indígena , en particular durante los primeros años de la era. Más tarde, el establecimiento de reservas por parte del gobierno federal hizo que algunas personas abandonaran sus antiguas tierras de origen y migraran a otros pueblos. [1] [32] Algunos arqueólogos creen que los alfareros de los pueblos comenzaron a cocer sus vasijas con estiércol de ganado y oveja durante este período, ya que los españoles mantenían al ganado en corrales, produciendo grandes cantidades de estiércol en un espacio contenido. La cocción con estiércol también disminuiría el uso de madera para la cocción; madera que podría usarse para fines arquitectónicos. Esto llevó a los alfareros, especialmente en los pueblos de Santa Clara y San Ildefonso, a experimentar con técnicas de cerámica negra cocida por reducción y cubierta con estiércol que se perfeccionaron aún más a principios del siglo XX. Los esmaltes a base de plomo desaparecieron durante 150 años durante el período colonial español, ya que los recursos de plomo cerca de Santa Fe estaban bajo el control de los españoles. Con la interrupción del suministro de pigmentos para esmaltes, algunos pueblos del área del Río Grande dejaron de producir cerámica pintada por completo, mientras que otros pasaron a utilizar pinturas vegetales para la ornamentación. [1]
En general, este tipo de cerámica utilitaria se ejecutaba en una arcilla rica en hierro que da como resultado un color marrón cocido. Se ha encontrado en lugares tan al sur como Sonora y Chihuahua, México , y al norte en las áreas que ahora son Nuevo México y Arizona. Hay una decoración mínima en esta cerámica, limitada a marcas incisas producidas con cañas que produjeron pequeños círculos y ligeras líneas incisas cerca de los cuellos de las vasijas. [1]
El pueblo mogollón producía un tipo de cerámica en la que la cerámica marrón común se cubría con engobe producido mezclando arcilla roja finamente molida con agua hasta formar una pasta suave y fina. El engobe se usaba para cubrir toda la olla, o solo el interior o el exterior antes de la cocción. Las áreas engobe se podían pulir hasta obtener un brillo fino, sin embargo, esta capa a veces era fugaz y se descascarillaba durante la cocción; los alfareros aprendieron a pintar diseños de forma selectiva en sus ollas. [1]
Después del año 600 d. C., se produjo un tipo de cerámica negra pulida en el área del centro-sur de Nuevo México que estaba hecha de arcilla marrón con interiores negros iridiscentes muy pulidos. Este tipo de cerámica se siguió fabricando hasta aproximadamente el año 1400 d. C. Los arqueólogos han determinado que los interiores ennegrecidos se produjeron mediante cocción por reducción (reduciendo el oxígeno durante el proceso de cocción), lo que transformó la hematita de la arcilla en magnetita negra. La misma técnica fue utilizada por los alfareros tewa de la era moderna en San Ildefonso Pueblo y Santa Clara Pueblo. [1]
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La loza gris o de uso general es la más antigua de las tradiciones en las regiones del norte de lo que hoy es el suroeste de Estados Unidos. Se trata de una loza gris de superficie rugosa que se utilizaba para almacenar alimentos y cocinar. Las formas más comunes que se han encontrado son ollas, aunque también se han desenterrado cuencos, cantimploras, pipas de fumar y cucharones o palas. Es posible que los alfareros de esta época descubrieran la cocción por reducción, ya que se han encontrado numerosas ollas que muestran que se cocían en una atmósfera oxidante, lo que les daba un aspecto gris oscuro a negro (no causado por el hollín de la cocción). Muchos de estos alfareros templaban la arcilla mezclándola con arena o, más comúnmente, con arenisca molida para endurecerla. [1]
A la cerámica gris simple a veces se la denomina "cerámica blanca sin decorar". [33] Se la encuentra en el área del Bosque Petrificado de Arizona, el área de Zuni y el área de Cebolleta Mesa en el oeste de Nuevo México, las áreas de Río Grande y al norte hacia la meseta de Colorado . [34]
La cerámica corrugada gris para uso general varía de color gris claro a gris oscuro. Se han encontrado muchas vasijas con restos de hollín, lo que indica que se utilizaban para cocinar al fuego. Este tipo de cerámica se hacía enrollando la arcilla y luego estampando las bobinas juntas con un palo o una uña. A veces, las corrugaciones formaban un patrón, pero no se raspaban, pulían, engobaban ni ornamentaban. [35]
Los pueblos ancestrales que vivían en áreas occidentales como lo que hoy es el norte de Arizona desarrollaron pigmentos a base de plantas con los que adornar su cerámica. [36] Algunos alfareros de Mesa Verde y de las regiones del Alto San Juan de lo que hoy es Colorado también usaban pigmentos vegetales además de pinturas minerales. [1] Las plantas que se usaban para estas pinturas incluían la alga marina y la mostaza tanaceta. [37]
En la zona que hoy es el sureste de Arizona, se desarrolló la cerámica roja Roosevelt , que utilizaba pigmentos de origen vegetal en lugar de pigmentos minerales. Inicialmente fue producida por el pueblo Kayenta y sus descendientes a partir de aproximadamente el año 1280 d. C. Se han encontrado cuencos muy grandes, que datan de alrededor del año 1350 d. C., que los arqueólogos creen que se utilizaban para banquetes; como no se encuentran en ningún lugar de enterramiento, la evidencia apunta a la primera finalidad. A menudo, estos cuencos tenían una línea pintada en el interior del cuenco que puede haber sido una "línea de llenado máximo". La cerámica roja Roosevelt se intercambiaba con otras personas en el suroeste. [36] Se encuentra principalmente en la cuenca Roosevelt, el valle de San Pedro, la cuenca de Gila y el valle Verde del este de Arizona, pero debido a que se comercializaba o intercambiaba, se puede encontrar en lugares tan lejanos de Arizona como Flagstaff, Winslow, Nogales y Gila Bend, así como en el área alrededor de El Paso, Texas y también en Casas Grandes , en México. [38]
Los pueblos ancestrales desarrollaron un tipo de cerámica de color negro sobre blanco que se produjo ampliamente en todo el suroeste, abarcando áreas que ahora son Nuevo México, Colorado y Arizona. Hubo numerosas variaciones de esta tradición, incluidas las culturas La Plata, White Mound, Lino, Kiatuthlanna, Chaco, Mesa Verde, Red Mesa y otras. Los motivos de diseño incluyen líneas paralelas, triángulos sólidos, volutas entrelazadas y diseños dentados o en zigzag. Se utilizó hematita molida para el pigmento negro. Los pigmentos rojizos-negros y granates se hicieron a partir de óxido de hierro molido y rocas que contenían manganeso para producir cerámica de color rojo sobre blanco. [1]
En los inicios de la tradición de la pintura esmaltada, se desarrolló una cerámica roja esmaltada con base mineral que implicaba la aplicación de engobe rojo a la vasija. El engobe se fabricaba a partir de fuentes minerales como el hierro, el cobre y el manganeso. En el caso de las vasijas abiertas, como los cuencos, a veces solo se aplicaba engobe la superficie interior o exterior. A veces, el engobe se pulía o bruñía antes de la cocción. Este tipo de cerámica se comercializaba ampliamente. A menudo se introducía otro color para producir cerámica negra sobre rojo que llegó a ser muy apreciada en las regiones media y alta del Río Grande. [1] Los cuencos de cerámica manchada de Showlow tienen exteriores que son de engobe rojo pulido e interiores que son de negro pulido manchado. Estas personas también produjeron un tipo de cerámica roja manchada corrugada. [34]
La cerámica amarilla Jeddito es un tipo de cerámica específica del pueblo Hopi y sus aldeas periféricas en el norte de Arizona, aunque se comerciaba con los navajos y los pueblos de Nuevo México. La razón de su color amarillo único se debe al tipo de arcilla local con bajo contenido de hierro y, lo que es aún más importante, a que a partir de aproximadamente el año 1300 d. C., los Hopi cocieron su cerámica con carbón en lugar de madera o estiércol. Hay grandes depósitos de carbón en Black Mesa entre las tierras Hopi y Navajo. Este método de cocer arcilla con bajo contenido de hierro a altas temperaturas en una atmósfera oxidante produjo una cerámica vitrificada muy duradera y dura, casi como la porcelana. El cuerpo de arcilla no se templaba con aditivos. Las superficies se pulían antes de la cocción, pero no se esmaltaban ni se engobaban; a menudo, las vasijas se pintaban con varios pigmentos minerales para producir un producto final policromado. [39] [40] La cultura Sinagua de Tuzigoot en el centro de Arizona también produjo cerámica amarilla; Algunas personas Hopi remontan sus raíces a los Sinagua, y también pueden tener vínculos culturales y lingüísticos con el pueblo Zuni. [41]
Se han encontrado vasijas policromadas minerales, vegetales y vidriadas que datan al menos del año 1300 d. C. [1] Sin embargo, se ha encontrado vasija negra sobre rojo de Showlow en el área de Show Low, Arizona , que data de antes del año 1200 d. C. Este tipo de vasijas estaba cubierta con engobe rojo y pintadas con una pintura negra pizarrosa. [34] Muchas de estas vasijas se comercializaban entre los pueblos indígenas del valle del Río Grande y más allá. [1]
La pintura de esmalte apareció en el área que ahora es el suroeste de Colorado ya en la Era de los Cestero III, entre el 500 y el 750 d. C., justo antes de la Era de los Pueblos I. Carlson y otros han propuesto que los alfareros que vivían en el área donde ahora se encuentra Durango, Colorado, desarrollaron accidentalmente un pigmento a partir de un mineral que contenía plomo que produjo un esmalte de color negro azulado, negro verdoso o granate. [1] [42] [43] Los alfareros que vivían en las regiones de Chaco-Puerco, Mesa Verde y Cibola producían esmaltes de sílice sin base de plomo. [1]
La demanda de cerámica ancestral de los pueblos como objetos de estudio u objetos estéticos coleccionables llevó a que la mayoría de los sitios importantes fueran saqueados para su venta a instituciones y coleccionistas privados en la era moderna. [44] [4] Las excavaciones arqueológicas, que comenzaron a fines del siglo XIX, como el estudio de reconocimiento de J. Walter Fewkes del Instituto Smithsonian, llevaron a que los artefactos cerámicos se transfirieran, a veces en grandes cantidades, al Museo Smithsonian en Washington, DC, y su Museo de Arte Indio Americano en la ciudad de Nueva York, y otras instituciones. Estas prácticas descontextualizaron estos objetos de su procedencia en tierras tribales y entre comunidades tribales para recontextualizarlos dentro de colecciones académicas o de museos. Más tarde, en la década de 1960, los particulares comenzaron a utilizar equipos pesados, como excavadoras y retroexcavadoras, para excavar en busca de ollas y artefactos, lo que provocó que una gran cantidad de artefactos se rompieran o destruyeran sin posibilidad de reparación. Muchos sitios fueron arrasados en el proceso, incluidas las tumbas. [5] Algunas publicaciones arqueológicas incitaron a los saqueadores a explorar las zonas descritas en ellas y a robar vasijas que luego se vendían en el mercado ilícito de antigüedades. En la actualidad existen penas severas, incluida la cárcel, por saquear objetos históricos de terrenos públicos y algunos tipos de terrenos privados. [6] [45]
Los turistas y los cazadores de marihuana recreativos también son responsables del saqueo, al igual que algunos propietarios de tierras que saquean artefactos en su propia propiedad para obtener ganancias. Un sitio de la Era Pueblo III en un terreno privado, conocido como la subdivisión Indian Camp Ranch , en el suroeste de Colorado cerca de Mesa Verde , se vende en lotes donde los compradores ricos, en su mayoría blancos, pueden construir una casa y también excavar su propiedad en busca de artefactos. Este tipo de saqueo y destrucción del registro histórico es una pérdida para la comunidad científica, así como una "pérdida espiritual" para los descendientes de los Ancestrales Puebloans. [6] [45]
A pesar de su riguroso trabajo científico, algunos de los antropólogos y etnógrafos que estudiaron a los Zuni, como Frank Hamilton Cushing , James Stevenson y Matilda Coxe Stevenson , participaron directa e indirectamente en la apropiación cultural y el saqueo. [46] Cushing "se volvió nativo" durante varios años, apropiándose de la vestimenta y las costumbres tradicionales Zuni; se le atribuye ser el primer antropólogo observador participante estadounidense . Stevenson, un antropólogo autodidacta y su esposa etnógrafa Matilda (Tilly) se encontraron con Cushing en Zuni, y más tarde se embarcaron en expediciones a los pueblos Zia, San Ildefonso, Cochiti, Jemez, Santa Clara, San Juan, Nambe, Taos y Picarus. Tilly escribió extensamente sobre los Zuni, y si bien fue un modelo a seguir para las mujeres en las ciencias, especialmente la antropología, organizó el traslado misterioso de miles de objetos a la Costa Este. Entre los tres, 23.000 objetos de cerámica de los pueblos indígenas fueron separados (saqueados) de sus tribus entre 1879 y 1884. [47]
En una operación encubierta en 2005, 100 agentes federales irrumpieron en ocho casas en Blanding, Utah , para arrestar a 32 personas no nativas y recuperar miles de artefactos, en su mayoría saqueados de la región de Four Corners . De los 32 detenidos, 24 fueron acusados de violar leyes federales, incluida la Ley de Protección y Repatriación de Tumbas de Nativos Americanos y la Ley de Protección de Recursos Arqueológicos , sin embargo, ninguno de los acusados fue encarcelado. Además de cerámica Mogollón, Hohokam y Anasazi, se recuperaron puntas de proyectil y matates, algunos de ellos tan antiguos como el 6000 a. C. Algunos de los artefactos fueron robados del interior de viviendas en los acantilados y estaban en muy buenas condiciones. Los artefactos están siendo repatriados por la Oficina de Administración de Tierras . [9] Forest Cuch, miembro de la tribu Ute y entonces director de la División de Asuntos Indígenas de Utah, ha dicho que el saqueo "es una deshumanización de la cultura nativa por parte de gente ignorante. Es esencialmente muy egoísta y codicioso". [48]
Norman Nelson, arqueólogo de segunda generación y oriundo de Nuevo México, estima que el 95% de los yacimientos han sido saqueados y que la cerámica prehistórica de estilo blanco sobre negro de Mimbres alcanza precios elevados en el mercado, en particular entre coleccionistas de "Escandinavia, Suecia, Alemania, Japón y China". En 2009, estimó que el comercio en el mercado negro de artefactos nativos americanos suponía una industria ilícita de entre 5.000 y 6.000 millones de dólares al año. Afirma que a muchos coleccionistas "no les importa cruzar la línea" y entrar en el mercado negro de objetos comercializados. [8] El arqueólogo Phil Young, que también es agente especial retirado del Servicio de Parques Nacionales, recuerda que en los años 1990 una serie de importantes galerías de Santa Fe vendían objetos obtenidos ilegalmente. [8]
La cerámica de los nativos americanos ha sido considerada durante mucho tiempo una forma de arte "tradicional", pero son las innovaciones de los alfareros individuales las que han guiado el desarrollo de materiales, estilos, métodos y formas. A lo largo de la historia se han observado piezas "excéntricas" que no encajan en las tipologías establecidas. Se pensaba que eran excepciones malformadas o raras a las normas culturales. [3] Harold Gladwin escribió sobre estos casos atípicos: "Estos especímenes transicionales o limítrofes se destacan como evidencia tangible de la continuidad en el desarrollo de la cerámica. Sin ellos, la historia evolutiva de la cerámica... sería mucho menos convincente". [49] En varias colecciones de museos en todo el país hay un grupo distintivo de objetos de cerámica que provienen de Laguna Pueblo en el centro oeste de Nuevo México, [3] todos ellos fueron producidos entre 1890 y 1920, y parecen haber sido hechos por el mismo artista. Lo que hace interesante a este grupo es que los materiales y técnicas son Laguna, sin embargo las formas son tanto Acoma como Laguna, y lo más sorprendente, los diseños ornamentales son claramente Zuni. [3] La antropóloga estadounidense, Ruth Bunzel y también Kenneth M. Chapman escribieron sobre el trabajo único de un notable alfarero Laguna de la época, Arroh-ah-och , a quien Chapman describió como un "famoso hermafrodita Laguna". Sea o no ese el caso, lo que está claro es que los artistas de dos espíritus eran comunes en las culturas de los pueblos y entre los alfareros y tejedores en particular. Los ancianos Laguna hablaban de Arroh-ah-och como un "alfarero magnífico". [50] Otros han sugerido que eran originalmente de Zuni, pero que luego se establecieron en Laguna. Lo que es extraordinario es su experimentación e innovación y su contribución a las influencias estéticas inter-pueblo en la cerámica del Suroeste a principios de la Era Moderna. [3]
El período moderno de la alfarería de los pueblos comenzó alrededor de 1900, después de un período estancado en el siglo XIX, causado por la pérdida de tierras indígenas a manos de colonos no indígenas y la tendencia dentro de los internados administrados por el gobierno a condicionar a los pueblos nativos a ser más como los blancos y abandonar sus formas tradicionales, idioma y culturas. [13] [51] El saqueo de sus productos por parte de los arqueólogos para museos y colecciones privadas también puede haber sido un factor. [4]
Los alfareros de principios del siglo XX de seis pueblos de habla tewa en el norte de Nuevo México: Kha'po Owingeh (Santa Clara), P'ohwhóge Owingeh (San Ildefonso), Ohkey Owingeh (San Juan), P'osuwaege Owingeh (Pojoaque), Nambe Owingeh (Nambé) y Tetsuge Owingeh (Tesuque), junto con un séptimo grupo de Hopi Hano en Arizona, desarrollaron innovaciones de diseño utilizando técnicas de fabricación tradicionales que iniciaron enfoques modernos y contemporáneos para las artes cerámicas indígenas. [52] La necesidad de ingresos en el mundo moderno junto con el aumento del turismo en tren y más tarde en automóvil pueden haber sido factores en el renacimiento de la cerámica de los pueblos a principios del siglo XX. Si bien el turismo alteró algunas tradiciones culturales, también permitió a los pueblos vender su cerámica y otros artículos artesanales como joyas, muñecas kachina y cestas. [51]
Los legados de familias de alfareros que abarcan muchas generaciones son un patrón frecuente en el marco histórico de las culturas de los pueblos. Los alfareros enseñan a sus hijos y a los miembros de su familia extendida a través de la observación directa y la enseñanza oral. [53] A menudo, ciertos diseños se convierten en el estilo característico de un artista, y existe un sentido de "propiedad familiar" de estos diseños. Dillingham ha escrito que "los alfareros suelen reconocer el trabajo realizado por los miembros de la familia y otros alfareros por la forma y el diseño de la vasija". Por ejemplo, la familia Lewis, con sede en el pueblo de Acoma, es conocida por sus diseños de líneas finas que tienen raíces en la cultura Chacoana, así como por sus motivos de "ciervos en la línea del corazón" que se han convertido en una marca registrada de la familia Lewis. [3]
María Martínez (1887-1980), matriarca y ceramista tewa , y su marido, Julián Martínez (1879-1943), de P'ohwhóge Owingeh , eran alfareros talentosos que comenzaron a asistir a ferias a principios del siglo XX, algo que no hacía la mayoría de la gente de Pueblo en ese momento. [51] En 1915, María era conocida como una de las mejores alfareras de Nuevo México, y en 1920 comenzó a firmar sus vasijas; se cree que fue la primera alfarera de Pueblo en hacerlo. El director anglosajón de la Escuela Indígena de Santa Fe le advirtió que eso aumentaría su valor comercial, aunque María misma no le daba ningún valor a la firma porque la calidad de las vasijas en sí era más importante que la firma. [54]
La alfarera matriarca tewa Margaret Tafoya (1904-2001) de Kha'po Owingeh era muy conocida por sus grandes ollas de cerámica negra, cerámica tallada en negro sobre negro y cerámica roja, producidas tradicionalmente. A menudo utilizaba motivos como una pata de oso o una serpiente de agua Avanyu . [52]
En Ohkay Owingeh (antes San Juan Pueblo), en la década de 1930 surgió el movimiento "San Juan Revival" entre ocho mujeres alfareras, entre ellas Regina Albarado de Cata, Reyecita A. Trujillo, Tomasita Montoya y otras. Cata organizó el "Club de Artesanías de San Juan" y dirigió viajes de campo a sitios arqueológicos, como el sitio del siglo XV Potsuwi'i, en la meseta de Pajarito , donde estudiaron los diseños incisos en cerámica roja policromada. Su trabajo incorporó algunas de las tendencias de diseño, como unas anchas bandas de color rojo en la parte superior e inferior de las vasijas con los patrones incisos en una banda central. [55]
El arte de los pueblos de habla keresana tiene sus propias sensibilidades únicas. La cerámica del pueblo Acoma fue apreciada durante mucho tiempo por sus vasijas de paredes delgadas con engobe blanco brillante y ornamentación geométrica abstracta de líneas finas y tablero de ajedrez. Durante la era moderna, Acoma, así como el vecino pueblo de Laguna, refinaron aún más la calidad de las líneas, además de introducir motivos de aves. [51] Lucy M. Lewis es considerada la alfarera matriarca de Acoma que influyó en generaciones de sus descendientes y sus familias extendidas. [53] En el período moderno, los artistas del pueblo Zia comenzaron a transformar sus tradicionales motivos de remolinos de aves en diseños de aves y flores más realistas y, a veces, elaborados. También se usaban comúnmente imágenes de bailarines y el símbolo del sol Zia . Los artistas del pueblo Santo Domingo (entre Albuquerque al sur y Santa Fe al norte) también usan motivos florales y de aves junto con líneas y patrones geométricos, generalmente en rojo. Los artistas Zuni del extremo centro-oeste de Nuevo México comenzaron a ornamentar su cerámica en el siglo XX con libélulas, ciervos, búhos y ranas, y patrones florales inspirados en la influencia española. [51]
En el norte de Nuevo México, los artistas de San Juan Pueblo tallan profundamente su cerámica en formas elegantes; y son conocidos por su trabajo rojo sobre bronceado. Los artistas modernos y contemporáneos de Santa Clara Pueblo se hicieron famosos por su cerámica negra y cerámica negra sobre negro profundamente incisa o tallada. La alfarera matriarca, Margaret Tafoya , hizo un trabajo que fue ampliamente coleccionado por museos y personas privadas como lo fueron el trabajo de varias generaciones de su familia y su familia extendida. Otros artistas de Santa Clara son conocidos por sus esculturas figurativas de arcilla. [51] Los artistas de los pueblos Jemez y Cochiti también hacen trabajo figurativo y figurativo y figurillas de narradores de cuentos. A mediados de la década de 1960, las esculturas de narradores de cuentos de la artista Cochiti Helen Cordero se convirtieron en objetos coleccionables populares entre el público. Las figurillas de tambores de Cochiti y los belenes de Cochiti son más buscados que los objetos funcionales como cuencos y ollas. [51]
Los hopi de Arizona, algunos de los cuales hablan hopi-tewa y otros hopi, una lengua uto-azteca , también son conocidos por su trabajo figurativo; kachina de arcilla y efigies de animales. Sin embargo, su trabajo más conocido son vasijas bajas y rechonchas, a menudo producidas en cerámica amarilla, como las popularizadas por la artista moderna de principios del siglo XX, Nampayo de Hano y sus descendientes. [56] La sensibilidad del diseño hopi se caracteriza por pájaros geométricos estilizados en espiral y otros motivos que siguen las formas de las vasijas. [57] Nampeyo fue considerada una alfarera matriarca de los hopi, que "fue más allá de los confines culturales y las expectativas percibidas de la cerámica hopi por los antropólogos". Su trabajo e inventiva empujaron los límites y las técnicas de maneras que resonaron a través de las generaciones posteriores de alfareros hopi. Fue singularmente la primera alfarera nativa en ser reconocida a nivel nacional e internacional. Su influencia tuvo efecto sobre otros pueblos y artistas, y aunque no hablaba inglés, era buscada por eruditos y dignatarios. [7]
Los pueblos de Taos y Picuris, en el extremo norte de Nuevo México, producen cerámica de arcilla micácea con superficies brillantes. A menudo no están ornamentadas; las partículas de mica doradas y reflectantes sirven como ornamentación natural. [51] El pueblo más al sur, Ysleta del Sur (Pueblo Tigua), ubicado cerca de El Paso, Texas, no es muy conocido por su trabajo de cerámica, sin embargo, sus alfareros produjeron, hasta la década de 1930, artículos utilitarios como cuencos y planchas para tortillas (aplanadoras). [58]
A partir de la década de 1960, numerosos artistas, académicos y curadores comenzaron a exponer y escribir sobre el trabajo de artistas indígenas contemporáneos cuyas prácticas eran conscientes del pasado y sus tradiciones, al tiempo que innovaban con nuevos métodos, procesos y sensibilidades de diseño. Los museos y los particulares comenzaron a coleccionar estas nuevas formas de arte indígena y, en la década de 1980, comenzó a surgir un nuevo mercado. [53]
El conocimiento de este trabajo se desarrolló lentamente. En 1969, se organizó la innovadora exposición de cerámica contemporánea, Objects: USA , sin embargo, incluyó solo a tres nativos americanos. En el mismo año, una importante exposición de cerámica, American Craft Today: Poetry of the Physical, organizada por el Museo de Arte y Diseño , incluyó a 286 artistas, de los cuales solo uno era nativo americano. Una muestra de 1987 en el Museo de Arte Philbrook , The Eloquent Object: The Evolution of American Art in Craft Media since 1945 , tuvo un porcentaje mucho mayor de artistas nativos. El catálogo de la exposición presentó un ensayo de Lucy Lippard, quien durante mucho tiempo había sido una defensora de la conciencia de las artes multiculturales y una defensora del arte de las mujeres y las personas de color. Luego, en 2003, 2006 y 2012, el Museo de Arte y Diseño presentó una serie integral de exposiciones, Changing Hands: Art Without Reservation ; todos los artistas en estas muestras eran artistas nativos que estaban surgiendo o establecidos en sus carreras. [53]
Muchos artistas indígenas contemporáneos buscan trascender las interpretaciones antropológicas y etnográficas de su trabajo, o los estereotipos de cómo debería "verse" el arte cerámico indígena o cuál debería ser su marco conceptual. Esta diversidad de enfoques rompe con cualquier noción eurocéntrica o académica persistente de lo que constituye el modernismo , y derriba estos muros para revelar las complejidades de la indigeneidad en el mundo del arte posmoderno . Peter Held ha escrito que estos artistas cerámicos indígenas contemporáneos se han convertido en "productores transdisciplinarios de conocimiento" y que: "(e)stos paradigmas cambiantes son manifestaciones de condiciones sociales, políticas, tecnológicas, económicas, ecológicas y culturales. Los artistas indígenas contemporáneos incorporan el pensamiento del mundo real en sus prácticas". [53] Los coleccionistas de arte y los académicos tienden a crear divisiones dentro de la autenticidad del arte antiguo y el arte nuevo, ya que algunos creen que el trabajo indígena más antiguo y tradicional es "no adulterado por influencias externas" y, por lo tanto, más valioso. Bruce Bernstein, curador del Centro Ralph T. Coe para las Artes y oficial de preservación histórica tribal de Pojoaque Pueblo, escribe que "Medir la autenticidad de esta manera le quita la capacidad de acción a los nativos al negar su voz y reemplazarla con la 'tradición' o como una voz completamente independiente del 'arte indio'". [59] Al mismo tiempo, el crítico de arte comanche , Paul Chaat Smith, ha sugerido que esta trampa cultural es una "prisión ideológica" que es "capaz de convertirse en un elixir que [nosotros], los indios, encontramos irresistible". Las artes cerámicas en general y el arte nativo americano en particular a menudo han sido relegadas a la categoría de "artesanía" o "menos avanzada" que el arte de un marco histórico de ascendencia europea. La cerámica nativa americana contemporánea no siempre se analiza por sus propios méritos, sino que se la considera una "réplica de formas existentes" en lugar de arte contemporáneo por derecho propio. Bernstein plantea la pregunta: "¿Por qué en una fecha tan tardía como el siglo XXI deberíamos preocuparnos por si algo es tradicional o no?" [59]
El artista tewa Jason García (Oku Pin) de Santa Clara Pueblo desciende de alfareros tanto por el lado materno como por el paterno, y aprendió cerámica de su abuela, madre y tías; es nieto de la alfarera matriarca, Severa Tafoya. Su trabajo es ejemplar porque mezcla técnicas de cerámica tradicionales con tecnología, cómics, videojuegos y cultura pop del siglo XXI para representar a los guerreros históricos de Pueblo de la Rebelión Pueblo junto con los héroes de cómics de Marvel Thor y Loki . [60] [61] Rose Bean Simpson , otra artista de Santa Clara que trabaja frecuentemente en cerámica, cree que el arte puede generar cambios sistémicos al "crear conciencia en torno a la energía de la colonización, en torno a la cultura, los cuerpos y el lugar indígenas", y aliviar el "trastorno de estrés poscolonial". [62] El arte moderno y contemporáneo de los nativos americanos, así como la cerámica de los pueblos y otras "artesanías", enfrentan una especie de doble peligro porque en el pasado no sólo se han excluido los "medios basados en la artesanía" de la historia del arte estadounidense, sino que el campo ha marginado con frecuencia el arte de los nativos americanos y los artistas que realizan estas obras, relegándolos a los ámbitos de la antropología, el arte popular o géneros de nicho de interés especial. El arte de los pueblos nativos ha quedado fuera de la historia del arte estadounidense dominante porque las historias de los indios americanos se malinterpretan dentro de la historia estadounidense, como Paul Chaat Smith llama "una amnesia construida". [59]
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