Jennifer Bartlett ( née Losch; 14 de marzo de 1941 - 25 de julio de 2022) fue una artista y novelista estadounidense. Fue más conocida por sus pinturas y grabados que combinan la estética basada en sistemas del arte conceptual con el enfoque pictórico del neoexpresionismo . Muchas de sus piezas fueron ejecutadas en pequeñas placas de acero cuadradas recubiertas de esmalte que se combinan en formaciones de cuadrícula para crear obras de gran tamaño.
Bartlett nació como Jennifer Losch en 1941 en Long Beach, California , una de cuatro hijos. [1] Su padre era dueño de una empresa de construcción y su madre era una ilustradora de moda que dejó el campo para criar a sus hijos. [1] [2] Creció en los suburbios de Long Beach, lo suficientemente cerca del océano como para desarrollar una afinidad por el agua, que reaparecería en su trabajo maduro. [1] Asistió al Mills College en Oakland, California , graduándose con una licenciatura en 1963. [3] Durante sus años universitarios, conoció a Elizabeth Murray , quien se convirtió en una amiga de toda la vida. [4] Luego se mudó a New Haven para estudiar en la Escuela de Arte y Arquitectura de Yale [3] en una época en la que el minimalismo era el estilo dominante. Estudió con Josef Albers , Jack Tworkov , Jim Dine y Richard Serra , recibiendo su MFA en 1965. [5] [6]
Bartlett describió la experiencia de estudiar en Yale como su mayor influencia: "Había entrado en mi vida". [7] En una entrevista de 2005 con la pintora Elizabeth Murray , dio esta lista de cosas que dijo que habían estado en su mente cuando era estudiante de arte de primer año: [7]
Entre las primeras influencias de Bartlett se encuentran Arshile Gorky , Piet Mondrian y Sol LeWitt ; [5] particularmente los Párrafos sobre arte conceptual de LeWitt . [8]
Bartlett era más conocida por sus pinturas y grabados en los que temas familiares, que van desde casas y jardines hasta océanos y cielos, se ejecutan en un estilo que combina elementos tanto del arte figurativo como del abstracto; de hecho, comentó que no aceptaba una distinción entre arte figurativo y abstracto. [7] Las "reglas" de LeWitt para el arte conceptual y la exactitud de su método y su uso definitivo de estrategias y formas programáticas se manifiestan en su devoción de toda la vida a la forma geométrica . A menudo trabajaba en forma serial o creaba polípticos , y con frecuencia ideaba sistemas de reglas que guiaban las variaciones dentro de un grupo dado de obras, [7] requiriendo que los espectadores se centraran en "la percepción, en el proceso, en el efecto del cambio de perspectiva y en los saltos que tienen lugar en nuestras mentes sin importar cuán racionales podamos pensar que somos". [9] A fines de la década de 1960, influenciada por el trabajo de John Cage , comenzó a incorporar elementos aleatorios a su trabajo. [5]
Sus obras realistas favorecían temas mundanos, como casas modestas. [10] Sus instalaciones a menudo consistían en múltiples lienzos, así como objetos tridimensionales. Casa con puerta abierta de 1988, en la colección del Museo de Arte de Honolulu , consiste en un díptico de pintura al óleo sobre lienzo y la misma casa construida con madera. El Museo de Arte de Dallas , el Museo de Arte de Honolulu , el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles , el Museo Metropolitano de Arte , el Museo de Bellas Artes de Houston , el Museo de Arte Moderno (Nueva York), el Museo de Arte de Filadelfia , el Museo de Arte Moderno de San Francisco , la Tate Modern y el Museo Whitney de Arte Estadounidense (Nueva York) se encuentran entre las colecciones públicas que albergan su obra. [11]
La mayoría de los críticos percibieron el trabajo de Bartlett como inventivo, enérgico, de amplio alcance y ambicioso, [1] [9] [12] y fue considerada una de las dos mejores pintoras de la generación del posminimalismo . [9] Un escritor señaló que una paradoja central de su trabajo era que Bartlett tomó la cuadrícula racionalista controlada a menudo favorecida por los artistas conceptuales y la usó para liberar un torrente evocador de imágenes que tenía mucho en común con el trabajo neoexpresionista de la década de 1980. [9] Algunos críticos encontraron su trabajo superficial, demasiado centrado en la superficie y debilitado por su eclecticismo. [9] [13] Tuvo varias retrospectivas y exposiciones de revisión, la primera en 1985 originada en el Museo de Brooklyn (Nueva York) y con otras más recientes en 2011 en el Museo de Arte Moderno (Nueva York) y 2014 en el Museo de Arte Parrish (Nueva York). [14]
En sus inicios, Bartlett realizó una serie de obras tridimensionales que sometió a condiciones extremas, como congelación y aplastamiento. [7] También se dio cuenta de que quería algo sobre lo que dibujar que fuera borrable pero que tuviera una cuadrícula como el papel cuadriculado que ella y muchos otros artistas conceptuales usaban en ese momento. [7] Se le ocurrió lo que ahora es uno de sus materiales característicos: placas de acero de un pie cuadrado con una superficie de esmalte blanco cocido liso sobre la que se serigrafió una cuadrícula de un cuarto de pulgada. [7] Las fabricó en grandes cantidades y más tarde trabajó también con otros tamaños. [7]
Con su primera obra conocida, Rhapsody , Bartlett reinventó la forma mural para el arte conceptual . [7] [12] Rhapsody es una pintura ejecutada en baldosas de acero revestidas de esmalte de 987 pies cuadrados dispuestas en una cuadrícula de 7 placas de alto por aproximadamente 142 de ancho, que se extienden a lo largo de múltiples paredes. El tema consiste en variaciones sobre lo que Bartlett sintió que eran los elementos básicos del arte: cuatro motivos universales (casa, árbol, océano, montaña), formas geométricas (línea, círculo, triángulo, cuadrado) y color (25 tonos). [7] [12] Las siete secciones se titulan "Introducción", "Montaña", "Línea", "Casa", "Árbol", "Forma" y "Océano". [15]
Se ha dicho que Rhapsody es un «mural portátil extendido» [1] y una «pintura post-pintura» [12] que «tomó por asalto al mundo del arte estadounidense». [1] Según la crítica Roberta Smith , Rhapsody es un logro épico que reunió elementos del fotorrealismo , la abstracción geométrica y la pintura de patrones, al tiempo que prefiguraba el neoexpresionismo de los años 80. [12] Es tan grande que Bartlett comentó que nunca vio la pieza en su totalidad hasta su primera exhibición pública. [5] Bartlett dijo de Rhapsody que «abrió la pared en lugar de cerrarla. Parece más grande de lo que realmente es... Es mi manera de hacer pinturas sin bordes». [5] Ha sido adquirida por el Museo de Arte Moderno (Nueva York). [16] [17] Series posteriores como In the Garden y Amagansett se han vuelto más pictóricas, aunque aún conservan su rigor sistematizador. [9]
En 1980, Bartlett comenzó a trabajar en un complejo proyecto de impresión en colaboración con maestros impresores de Japón. El resultado fue At Sea, Japan , un paisaje acuático impreso en papel cuyos 6 paneles abarcan 8 pies de ancho. La imagen está formada por 96 serigrafías y 86 xilografías en color . [18]
En el jardín es una serie de más de 200 dibujos (y posteriormente pinturas y grabados) que toman como tema el jardín detrás de una villa en Niza , Francia, donde Bartlett se quedó en el invierno de 1979-1980. Bartlett utilizó algunos motivos principales (una vieja piscina, una estatua de un niño orinando, una hilera de cipreses) para explorar la perspectiva, la escala y las condiciones cambiantes de la luz. [19] Los dibujos varían desde bocetos a lápiz hasta pasteles y gouaches ejecutados en una variedad de estilos, y muchos son dípticos o trípticos . [20] [19] Más tarde hizo de su jardín trasero en Brooklyn, Nueva York, el foco de una serie similar de dípticos. [19]
Con Sea Wall , Bartlett unió la pintura al óleo y la escultura. La pieza consiste en un gran cuadro de casas y barcos sobre un fondo oscuro, frente al cual se colocan versiones escultóricas de esos mismos objetos. [9]
En 1987, la BBC invitó a Bartlett a trabajar digitalmente en una Quantel Paintbox junto con seis artistas internacionales, entre ellos David Hockney y Sidney Nolan . La serie se llamó Painting With Light [21] y, aunque al principio se mostró reticente, empezó a disfrutar de su primer intento de pintura digital y a analizar las implicaciones de este nuevo medio mientras trabajaba.
Air: 24 Hours , una colaboración entre Bartlett y la escritora de ficción Deborah Eisenberg , apareció por primera vez como un libro de 24 pinturas de Bartlett con texto de Eisenberg como acompañamiento. [22] Cada pintura muestra una escena en la casa de Bartlett a una hora particular del día. [19]
Alrededor de 2004, comenzó a incluir fragmentos de texto (frases, fragmentos de diálogo, sueños) en algunas de sus pinturas. [5] [16] Amagansett es una serie de pinturas al óleo que toman como tema el océano, el cielo y los paisajes costeros de Long Island . Están pintadas en un estilo distintivo de tramas cruzadas en una paleta limitada que favorece los azules, verdes, grises y marrones. Algunas piezas son dípticos en los que Bartlett explora los cambios visibles en un paisaje entre dos momentos del tiempo o visto desde dos ángulos de vista ligeramente diferentes. [23]
Después de su primera novela, Cleopatra I-IV (1971), publicada por The Poetry Project en una edición de 300 copias (sin paginar y sin encuadernar), la masiva novela experimental de Bartlett History of the universe: A novel fue publicada por Nimbus Books el 1 de enero de 1985. Al igual que The Andy Warhol Diaries (1989) , publicada más tarde por Andy Warhol , es un libro que mezcla, con un exceso de detalles, el flujo de conciencia y la narrativa tradicional; relata una serie de recuerdos, impresiones y descripciones de Bartlett de la familia, individuos del mundo del arte y conversaciones. Al igual que Cleopatra I-IV , el libro está dividido en secciones, y cada una está marcada por una de las fotografías de Bartlett. [24] Es a la vez banal y colorido: a veces representativo, a veces abstracto. En él, Bartlett alterna entre una voz en primera y tercera persona para abordar y relatar los temas de la familia, el matrimonio, la carrera, los amigos y la muerte. [8] Peter Schjeldahl , Ron Padgett y otros miembros de la comunidad poética que se reunieron en la Iglesia de San Marcos en Bowery alentaron a Bartlett a unirse a ellos para leer en voz alta su inventario preciso de eventos y hábitos personales, y allí encontró una audiencia receptiva a su trabajo de arte literario minimalista .
Un extracto de Historia del universo: Una novela fue incluida en el libro de 2014 Jennifer Bartlett: Historia del universo (1970-2011) que fue publicado por el Museo de Arte Parrish y contiene textos de Klaus Ottmann y Terrie Sultan .
En 1981, Bartlett creó Swimmers Atlanta , un mural multimedia de 200 pies para el Edificio Federal en Atlanta , Georgia. Posteriormente, realizó encargos para Volvo , AT&T , Saatchi & Saatchi , Information Sciences Institute y Battery Park . [3] [5]
Después de casarse con el estudiante de medicina Ed Bartlett en 1964, viajó entre el distrito Soho de la ciudad de Nueva York y New Haven , donde enseñó en la Universidad de Connecticut . [1] [7]
Después de su divorcio en 1972, Bartlett se mudó a la ciudad de Nueva York a tiempo completo y comenzó a enseñar en la Escuela de Artes Visuales . En 1983, se casó con el actor alemán Mathieu Carrière con quien tuvo una hija, Alice Carrière, autora de las memorias de Spiegel & Grau Everything/Nothing/Someone que relata la desafiante vida del autor en su hogar. [25] [26] Se divorciaron a principios de la década de 1990. [1] [27] Vivió tanto en la ciudad de Nueva York como en París . A partir de 2014, residió a tiempo completo en Amagansett en Long Island . [5] [28] [2] Bartlett murió de leucemia mieloide aguda en su casa de Amagansett el 25 de julio de 2022, a los 81 años . [14] [29]
Bartlett recibió el premio Francis J. Greenburger en 2019. [34] Bartlett recibió el premio de la Academia Estadounidense y el Instituto de Artes y Letras en 1983 y el premio del Instituto Estadounidense de Arquitectos en 1986. [1] Fue elegida miembro de la Academia Nacional de Diseño en 1990 y se convirtió en miembro de pleno derecho en 1994. [35]
La obra de Bartlett se encuentra en las colecciones del Museo Metropolitano de Arte (Nueva York), el Museo de Arte Moderno (Nueva York), el Museo Guggenheim (Nueva York), el Museo Whitney de Arte Estadounidense (Nueva York), la Galería Nacional de Arte (Washington, DC), la Galería Tate (Londres), el Museo Benesse (Naoshima) y otras instituciones. [36]
Su imagen está incluida en el icónico cartel de 1972 Algunas mujeres artistas estadounidenses vivas de Mary Beth Edelson . [37]