El grito , 1959, Parque de esculturas del Museo Kröller-Müller , Otterlo, Países Bajos- Zwillingsplastik Múnich
- Mesa de centro icónica diseñada por Noguchi
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Isamu Noguchi (野口 勇, Noguchi Isamu , inglés: / n ə ˈ ɡ uː tʃ i / ; [2] 17 de noviembre de 1904 - 30 de diciembre de 1988) fue un artista, diseñador de muebles y arquitecto paisajista estadounidense cuya carrera abarcó seis décadas a partir de la década de 1920. [3] Conocido por sus esculturas y obras de arte públicas, Noguchi también diseñó escenografías para varias producciones de Martha Graham y varias lámparas y muebles producidos en masa, algunos de los cuales todavía se fabrican y venden.
En 1947, Noguchi comenzó una colaboración con la empresa Herman Miller , cuando se unió a George Nelson , Paul László y Charles Eames para producir un catálogo que contenía lo que a menudo se considera el conjunto más influyente de muebles modernos jamás producido, incluida la icónica mesa Noguchi que sigue en producción en la actualidad. [4] Su trabajo se exhibe en la Fundación Isamu Noguchi y el Museo del Jardín en la ciudad de Nueva York.
Isamu Noguchi nació en Los Ángeles, hijo de Yone Noguchi , un poeta japonés aclamado en Estados Unidos, y Léonie Gilmour , una escritora estadounidense que editó gran parte de la obra de Noguchi.
Yone había terminado su relación con Gilmour a principios de ese año y planeaba casarse con la periodista del Washington Post Ethel Armes . Después de proponerle matrimonio a Armes, Yone se fue a Japón a fines de agosto, se instaló en Tokio y esperó su llegada; su compromiso fracasó meses después cuando Armes se enteró de Léonie y su hijo recién nacido. [1]
En 1906, Yone invitó a Léonie a ir a Tokio con su hijo. Al principio ella se negó, pero el creciente sentimiento antijaponés tras la guerra ruso-japonesa finalmente la convenció de aceptar la oferta de Yone. [5] Los dos partieron de San Francisco en marzo de 1907 y llegaron a Yokohama para encontrarse con Yone. Al llegar, su hijo finalmente recibió el nombre de Isamu (勇, "coraje"). Sin embargo, Yone se había casado con una mujer japonesa cuando llegaron y estuvo ausente durante la infancia de su hijo. Después de separarse nuevamente de Yone, Léonie e Isamu se mudaron varias veces por todo Japón.
En 1912, mientras los dos vivían en Chigasaki , nació la media hermana de Isamu, pionera del movimiento de danza moderna estadounidense, Ailes Gilmour , hija de Léonie y un padre japonés desconocido. Allí, Léonie mandó construir una casa para los tres, un proyecto que hizo que Isamu, de 8 años, "supervisara". Para fomentar la capacidad artística de su hijo, lo puso a cargo de su jardín y lo puso como aprendiz de un carpintero local. [6] Sin embargo, se mudaron una vez más en diciembre de 1917 a una comunidad de habla inglesa en Yokohama.
En 1918, Noguchi fue enviado de regreso a los EE. UU. para estudiar en Rolling Prairie, Indiana . Después de graduarse, se fue con el Dr. Edward Rumely a LaPorte , donde encontró alojamiento con un pastor swedenborgiano , Samuel Mack. Noguchi comenzó a asistir a la escuela secundaria La Porte, graduándose en 1922. Durante este período de su vida, fue conocido con el nombre de "Sam Gilmour". [7]
Después de la escuela secundaria, Noguchi le explicó a Rumely su deseo de convertirse en artista; [8] aunque Rumely prefería que Noguchi se convirtiera en médico, reconoció la solicitud de Noguchi y lo envió a Connecticut para trabajar como aprendiz con su amigo Gutzon Borglum . Mejor conocido como el creador del Monumento Nacional del Monte Rushmore , Borglum estaba trabajando en ese momento en el grupo llamado Wars of America para la ciudad de Newark, Nueva Jersey, una obra de arte que incluye cuarenta y dos figuras y dos esculturas ecuestres . Como uno de los aprendices de Borglum, Noguchi recibió poca formación como escultor; sus tareas incluían arreglar los caballos y modelar para el monumento como el general Sherman . Sin embargo, adquirió algunas habilidades en fundición de los asistentes italianos de Borglum, y más tarde diseñó un busto de Abraham Lincoln . [9] Al final del verano, Borglum le dijo a Noguchi que nunca se convertiría en escultor, lo que lo impulsó a reconsiderar la sugerencia anterior de Rumely. [10]
Luego viajó a la ciudad de Nueva York, reuniéndose con la familia Rumely en su nueva residencia, y con la ayuda financiera del Dr. Rumely se inscribió en febrero de 1922 como estudiante de premedicina en la Universidad de Columbia . [11] Poco después, conoció al bacteriólogo Hideyo Noguchi , quien lo instó a reconsiderar el arte, así como al bailarín japonés Michio Itō , cuyo estatus de celebridad más tarde ayudó a Noguchi a encontrar conocidos en el mundo del arte. [12] Otra influencia fue su madre, quien en 1923 se mudó de Japón a California, luego más tarde a Nueva York.
En 1924, mientras todavía estaba inscrito en Columbia, Noguchi siguió el consejo de su madre de tomar clases nocturnas en la Escuela de Arte Leonardo da Vinci . El director de la escuela, Onorio Ruotolo , quedó inmediatamente impresionado por el trabajo de Noguchi. Solo tres meses después, Noguchi realizó su primera exposición, una selección de obras de yeso y terracota . Pronto abandonó la Universidad de Columbia para dedicarse a la escultura a tiempo completo, cambiando su nombre de Gilmour (el apellido que había usado durante años) a Noguchi.
Después de instalarse en su propio estudio, Noguchi encontró trabajo a través de encargos de bustos de retratos y ganó la Medalla Logan de las Artes . Durante este tiempo, frecuentó muestras de vanguardia en las galerías de modernistas como Alfred Stieglitz y JB Neuman, y se interesó especialmente en una muestra de las obras del escultor nacido en Rumania Constantin Brâncuși . [13]
A finales de 1926, Noguchi solicitó una beca Guggenheim . En su carta de solicitud, se proponía estudiar el tallado de piedra y madera y adquirir "una mejor comprensión de la figura humana" en París durante un año, para luego pasar otro año viajando por Asia, exponer su obra y regresar a Nueva York. [14] Se le concedió la beca a pesar de que le faltaban tres años para cumplir con el requisito de edad.
Noguchi llegó a París en abril de 1927 y poco después conoció al autor estadounidense Robert McAlmon , quien lo llevó al estudio de Constantin Brâncuși para que lo presentara. A pesar de la barrera lingüística entre los dos artistas (Noguchi apenas hablaba francés y Brâncuși no hablaba inglés [15] ), Noguchi fue contratado como asistente de Brâncuși durante los siguientes siete meses. Durante este tiempo, Noguchi se hizo un hueco en la escultura en piedra , un medio con el que no estaba familiarizado, aunque más tarde admitiría que una de las mayores enseñanzas de Brâncuși fue apreciar "el valor del momento". [16] Mientras tanto, Noguchi se encontró en buena compañía en Francia, con cartas de presentación de Michio Itō que lo ayudaron a conocer a artistas como Jules Pascin y Alexander Calder , que vivían en el estudio de Arno Breker . Se hicieron amigos y Breker hizo un busto de bronce de Noguchi.
Noguchi sólo produjo una escultura –su Sección Esfera en mármol– en su primer año, pero durante su segundo año se quedó en París y continuó su formación en el trabajo de la piedra con el escultor italiano Mateo Hernandes, produciendo más de veinte abstracciones más de madera, piedra y chapa metálica . El siguiente destino importante de Noguchi fue la India , desde donde viajaría al este; llegó a Londres para leer sobre escultura oriental, pero se le negó la extensión de la beca Guggenheim que necesitaba.
En febrero de 1929, partió hacia la ciudad de Nueva York. Brâncuși le había recomendado a Noguchi que visitara el café de Romany Marie en Greenwich Village . [17] Noguchi lo hizo y allí conoció a Buckminster Fuller , con quien colaboró en varios proyectos, [18] [19] [20] [21] incluido el modelado del automóvil Dymaxion de Fuller . [22]
A su regreso, las esculturas abstractas de Noguchi hechas en París se exhibieron en su primera muestra individual en la galería Eugene Schoen. Después de que ninguna de sus obras se vendiera, Noguchi abandonó por completo el arte abstracto por los bustos de retratos para poder mantenerse. Pronto se encontró aceptando encargos de clientes ricos y famosos. Una exhibición de 1930 de varios bustos, incluidos los de Martha Graham y Buckminster Fuller , cosechó críticas positivas, [23] y después de menos de un año de esculturas de retratos, Noguchi había ganado suficiente dinero para continuar su viaje a Asia.
Noguchi partió hacia París en abril de 1930, y dos meses después recibió su visa para viajar en el Ferrocarril Transiberiano . Optó por visitar Japón primero en lugar de la India, pero después de enterarse de que su padre Yone no quería que su hijo lo visitara usando su apellido, Noguchi, conmocionado, partió hacia Pekín . En China, estudió pintura con pincel con Qi Baishi , permaneciendo allí seis meses antes de zarpar finalmente hacia Japón. [24] Incluso antes de su llegada a Kobe , los periódicos japoneses habían recogido la supuesta reunión de Noguchi con su padre; aunque negó que esa fuera la razón de su visita, los dos se conocieron en Tokio. Más tarde llegó a Kioto para estudiar cerámica con Uno Jinmatsu. Aquí tomó nota de los jardines zen locales y de los haniwa , figuras funerarias de arcilla del período Kofun que inspiraron su terracota La reina .
Noguchi regresó a Nueva York en medio de la Gran Depresión , encontrando pocos clientes para sus bustos-retratos. Sin embargo, esperaba vender sus esculturas y pinturas con pincel recién producidas en Asia. Aunque se vendieron muy pocas, Noguchi consideró esta exposición individual (que comenzó en febrero de 1932 y recorrió Chicago, la costa oeste y Honolulu ) como su "más exitosa". [25] Además, su siguiente intento de incursionar en el arte abstracto , una gran figura aerodinámica de la bailarina Ruth Page titulada Miss Expanding Universe , fue mal recibida. [26] En enero de 1933 trabajó en Chicago con Santiago Martínez Delgado en un mural para la Exposición del Siglo de Progreso de Chicago , luego nuevamente encontró un negocio para sus bustos-retratos . Se mudó a Londres en junio con la esperanza de encontrar más trabajo, pero regresó en diciembre justo antes de la muerte de su madre Leonie.
A partir de febrero de 1934, Noguchi comenzó a presentar sus primeros diseños de espacios públicos y monumentos al Programa de Obras Públicas de Arte. Uno de esos diseños, un monumento a Benjamin Franklin , permaneció sin realizarse durante décadas. Otro diseño, una gigantesca obra de tierra piramidal titulada Monument to the American Plow , fue rechazado de manera similar, y su "paisaje escultórico" de un patio de juegos, Play Mountain , fue rechazado personalmente por el Comisionado de Parques Robert Moses . Finalmente fue expulsado del programa y nuevamente se mantuvo esculpiendo bustos de retratos. A principios de 1935, después de otra exposición individual, Henry McBride del New York Sun etiquetó la Muerte de Noguchi , que representa a un afroamericano linchado , como "un pequeño error japonés". [27] Ese mismo año produjo el decorado para Frontier , el primero de muchos diseños de decorados para Martha Graham.
Después de que se pusiera en marcha el Proyecto Federal de Arte , Noguchi volvió a presentar diseños, uno de los cuales fue otra obra de tierra elegida para el aeropuerto de la ciudad de Nueva York titulada Relief Seen from the Sky (Relieve visto desde el cielo) ; tras un nuevo rechazo, Noguchi se fue a Hollywood , donde volvió a trabajar como escultor de retratos para ganar dinero para una estancia en México . Aquí, Noguchi fue elegido para diseñar su primera obra pública, un mural en relieve para el mercado Abelardo Rodríguez en la Ciudad de México . La Historia vista desde México de 20 metros de largo en 1936 tenía una gran conciencia política y social, y presentaba símbolos modernos como la esvástica nazi , una hoz y un martillo y la ecuación E = mc² . Noguchi también conoció a Frida Kahlo durante esta época y tuvo un breve pero apasionado romance con ella; siguieron siendo amigos hasta su muerte. [28]
Noguchi regresó a Nueva York en 1937. Diseñó el Zenith Radio Nurse , el icónico monitor de bebés original que hoy se conserva en muchas colecciones de museos. El Radio Nurse fue el primer encargo de diseño importante de Noguchi y lo calificó como "mi único diseño estrictamente industrial". [29]
Volvió a producir bustos y, tras varias propuestas, fue seleccionado para dos esculturas. La primera de ellas, una fuente construida con piezas de automóviles para la exposición de la Ford Motor Company en la Feria Mundial de Nueva York de 1939 , fue considerada desfavorablemente por los críticos y por Noguchi [30] [31], pero, no obstante, le introdujo en la construcción de fuentes y la magnesita . Por el contrario, su segunda escultura, un bajorrelieve de acero inoxidable de nueve toneladas titulado News , se inauguró sobre la entrada del edificio de Associated Press en el Rockefeller Center en abril de 1940 y recibió muchos elogios. [32] Tras más rechazos a sus diseños de patios de recreo, Noguchi se fue de viaje por carretera por todo el país con Arshile Gorky y la prometida de Gorky en julio de 1941, y finalmente se separó de ellos para ir a Hollywood.
Tras el ataque a Pearl Harbor , el sentimiento antijaponés se avivó en los Estados Unidos y, en respuesta, Noguchi formó " Nisei Writers and Artists for Democracy". Noguchi y otros líderes del grupo escribieron a funcionarios influyentes, incluido el comité del Congreso encabezado por el representante John H. Tolan , con la esperanza de detener el internamiento de estadounidenses de origen japonés ; Noguchi asistió más tarde a las audiencias, pero tuvo poco efecto en su resultado. Más tarde ayudó a organizar un documental sobre el internamiento, pero abandonó California antes de su estreno; como residente legal de Nueva York, se le permitió regresar a casa. Esperaba demostrar su lealtad a los estadounidenses de origen japonés contribuyendo de alguna manera al esfuerzo bélico, pero cuando otros departamentos gubernamentales lo rechazaron, Noguchi se reunió con John Collier , director de la Oficina de Asuntos Indígenas , quien lo convenció de viajar al campo de internamiento ubicado en una reserva india en Poston, Arizona , para promover las artes y la artesanía y la comunidad. [33]
Noguchi llegó al campo de Poston en mayo de 1942, convirtiéndose en su único internado voluntario. [33] Noguchi primero trabajó en un taller de carpintería, pero su esperanza era diseñar parques y áreas recreativas dentro del campo. Aunque creó varios planes en Poston, entre ellos diseños para campos de béisbol, piscinas y un cementerio, [34] descubrió que la Autoridad de Reubicación de Guerra no tenía intención de implementarlos. Para los administradores del campo de la WRA era un intruso problemático de la Oficina de Asuntos Indígenas, y para los internados era un agente de la administración del campo. [35] Muchos no confiaban en él y lo veían como un espía. No había encontrado nada en común con los nisei , que lo consideraban un extraño forastero.
En junio, Noguchi solicitó su liberación, pero los agentes de inteligencia lo etiquetaron como "persona sospechosa" debido a su participación en "Nisei Writers and Artists for Democracy". Finalmente se le concedió un permiso de un mes el 12 de noviembre, pero nunca regresó; aunque se le concedió un permiso permanente después, poco después recibió una orden de deportación. La Oficina Federal de Investigaciones, acusándolo de espionaje, inició una investigación completa de Noguchi que concluyó solo gracias a la intervención de la Unión Estadounidense por las Libertades Civiles . [36] Noguchi volvería a contar más tarde sus experiencias en tiempos de guerra en la serie documental de televisión británica sobre la Segunda Guerra Mundial The World at War .
A su regreso a Nueva York, Noguchi se instaló en un nuevo estudio en Greenwich Village. A lo largo de la década de 1940, la escultura de Noguchi se inspiró en el movimiento surrealista en curso; estas obras incluyen no solo varias construcciones de medios mixtos y relieves de paisajes, sino también lunares (relieves autoiluminados) y una serie de esculturas biomórficas hechas de losas entrelazadas. La más famosa de estas obras de losas ensambladas, Kouros , se mostró por primera vez en una exposición en septiembre de 1946, lo que ayudó a cimentar su lugar en la escena artística de Nueva York. [37]
En 1947 inició una relación de trabajo con Herman Miller de Zeeland, Michigan. Esta relación resultó muy fructífera, dando como resultado varios diseños que se han convertido en símbolos del estilo modernista , incluida la icónica mesa Noguchi , que sigue en producción en la actualidad. Noguchi también desarrolló una relación con Knoll , diseñando muebles y lámparas. Durante este período continuó su participación en el teatro, diseñando decorados para Appalachian Spring de Martha Graham y la producción de The Seasons de John Cage y Merce Cunningham . Cerca del final de su estancia en Nueva York, también encontró más trabajo diseñando espacios públicos, incluido un encargo para los techos de la sede de Time-Life .
En marzo de 1949, Noguchi realizó su primera exposición individual en Nueva York desde 1935 en la galería Charles Egan . [38] En septiembre de 2003, la galería Pace realizó una exposición de la obra de Noguchi en su galería de la calle 57. La exposición, titulada 33 MacDougal Alley: The Interlocking Sculpture of Isamu Noguchi , presentó once de las esculturas entrelazadas del artista. Esta fue la primera exposición que ilustró la importancia histórica de la relación entre MacDougal Alley y la obra escultórica de Isamu Noguchi. [39]
Tras el suicidio de su amigo artista Arshile Gorky en 1948 y una relación romántica fallida con Nayantara Pandit (la sobrina del nacionalista indio Jawaharlal Nehru ), Noguchi solicitó una beca Bollingen para viajar por el mundo, proponiendo estudiar el espacio público como investigación para un libro sobre el "entorno del ocio". No fue hasta 15 años después de su muerte que este proyecto se hizo realidad como una exposición itinerante internacional [40] y una publicación de lujo de edición limitada, [41] organizada por la asistente y curadora de Noguchi durante mucho tiempo en el Museo Noguchi, Bonnie Rychlak .
En sus últimos años, Noguchi ganó prominencia y reconocimiento, instalando sus obras a gran escala en muchas de las principales ciudades del mundo.
Estuvo casado con el ícono étnico-japonés de la canción y el cine chino Yoshiko Yamaguchi , entre 1952 y 1957. [42] : 115 [43] : 131, 148 [3]
Entre 1959 y 1988, Noguchi mantuvo una larga amistad con Priscilla Morgan, una agente de talentos y mecenas del arte de Nueva York que se esforzó por proteger el legado artístico de Noguchi después de su muerte. [44] [45]
En 1955, diseñó los decorados y el vestuario para una controvertida producción teatral de El Rey Lear, protagonizada por John Gielgud . [46]
En 1962, fue elegido miembro de la Academia Estadounidense de Artes y Letras . [47]
En 1971, fue elegido miembro de la Academia Estadounidense de las Artes y las Ciencias . [48]
En 1986, representó a los Estados Unidos en la Bienal de Venecia, mostrando varias de sus esculturas de luz Akari. [49]
En 1987 fue galardonado con la Medalla Nacional de las Artes .
Isamu Noguchi murió el 30 de diciembre de 1988, a la edad de 84 años, en el Centro Médico de la Universidad de Nueva York a causa de una neumonía. [50] En su obituario para Noguchi, The New York Times lo llamó "un escultor versátil y prolífico cuyas piedras terrosas y jardines meditativos que unen Oriente y Occidente se han convertido en puntos de referencia del arte del siglo XX". [3]
Su último proyecto fue el diseño del parque Moerenuma, un parque de 160 hectáreas en Sapporo, Japón. Diseñado en 1988, poco antes de su muerte, fue completado por el socio de Noguchi, Shoji Sadao, y el estudio de arquitectura 5. Se inauguró al público en 2004.
Noguchi recibió la Medalla Edward MacDowell por su destacada contribución a las artes en 1982; la Medalla Nacional de las Artes en 1987; y la Orden del Tesoro Sagrado del gobierno japonés en 1988. [75]
En 2004, el Servicio Postal de Estados Unidos emitió un sello de 37 centavos en honor a Noguchi. [76]
La Fundación y el Museo del Jardín Isamu Noguchi se dedican a la preservación, documentación, presentación e interpretación de la obra de Isamu Noguchi. Cuentan con el apoyo de una variedad de organismos de financiación públicos y privados. [77] El representante de derechos de autor en Estados Unidos de la Fundación y el Museo del Jardín Isamu Noguchi es la Artists Rights Society . [78] En 2012, se anunció que, para reducir la responsabilidad, el catálogo razonado de Noguchi se publicaría como un trabajo en progreso exclusivamente en línea y siempre modificable. Comenzó en 1979 con la publicación por Nancy Grove y Diane Botnick para Grove Press. Después de 1980, Bonnie Rychlak continuó la investigación y se convirtió en la editora gerente del catálogo hasta 2011. Después de 2011, Shaina Larrivee continuó el proyecto y en 2015, Alex Ross se convirtió en el editor gerente. [79] [80]
M+, en asociación con la Fundación Isamu Noguchi y el Museo del Jardín, organizó una exposición de Isamu Noguchi y Danh Võ . [81] La exposición tuvo lugar en el Pabellón M+, Hong Kong, del 16 de noviembre de 2018 al 22 de abril de 2019.
