Enter the Void es una película artística en inglés de 2009 [8] escrita y dirigida por Gaspar Noé y protagonizada por Nathaniel Brown , Paz de la Huerta y Cyril Roy. Un drama psicológico de fantasía ambientado en los ambientes de los clubes nocturnos iluminados con luces de neón de Tokio , la historia sigue a Oscar, un joven traficante de drogas estadounidense que recibe un disparo fatal de la policía, pero continúa observando los eventos posteriores durante una experiencia extracorporal . La película está filmada desde un punto de vista en primera persona , que a menudo flota sobre las calles de la ciudad, y ocasionalmente presenta a Oscar mirando por encima del hombro mientras recuerda momentos de su pasado. Noé califica la película de " melodrama psicodélico ". [9]
El proyecto soñado por Noé durante muchos años, la producción fue posible gracias al éxito comercial de su anterior largometraje Irréversible (2002). Enter the Void fue financiada principalmente por Wild Bunch , mientras que Fidélité Films dirigió la producción real. Con una mezcla de profesionales y recién llegados, la película hace un uso intensivo de imágenes inspiradas en el cine experimental y las experiencias con drogas psicodélicas . La fotografía principal se llevó a cabo en Tokio e incluyó muchas tomas de grúa complicadas. Entre los coproductores se encontraba el estudio de efectos visuales BUF Compagnie , que también proporcionó las imágenes generadas por ordenador . La banda sonora de la película es un collage de pop electrónico y música experimental .
Un primer montaje se estrenó en el Festival de Cine de Cannes de 2009 , pero el trabajo de postproducción continuó y la película no se estrenó en Francia hasta casi un año después. En septiembre de 2010 se estrenó una versión reducida en los Estados Unidos y el Reino Unido. La respuesta de la crítica estuvo muy dividida: las críticas positivas describieron la película como cautivadora e innovadora, mientras que las críticas negativas la calificaron de tediosa y pueril. La película tuvo un mal desempeño en taquilla .
Los hermanos estadounidenses Oscar ( Nathaniel Brown ) y Linda ( Paz de la Huerta ) viven en un apartamento en Tokio y han prometido permanecer juntos tras la muerte accidental de sus padres. Oscar vende drogas mientras Linda trabaja como stripper en un club de striptease de Tokio . La mayor parte de la película se desarrolla en la perspectiva en primera persona de Oscar, con flashbacks de su pasado y el de Linda que tienen lugar desde una perspectiva exterior.
Una noche, después de que Linda se fue a trabajar, Oscar fuma DMT y se entrega a un viaje alucinógeno hasta que su amigo Victor ( Olly Alexander ) lo cita para un negocio de drogas en el bar " The Void ". El otro amigo de Oscar, Alex (Cyril Roy), lo visita espontáneamente y lo acompaña al bar. En el camino, Alex analiza El libro tibetano de los muertos , una escritura budista sobre la reencarnación, y anticipa los acontecimientos venideros describiendo el proceso de la muerte. Oscar entra solo en The Void y descubre que ha caído en una trampa; La policía allana el bar cuando Oscar saluda a Víctor angustiado. Oscar se escapa a un cubículo del baño e intenta en vano tirar las drogas al inodoro . Mientras los oficiales intentan derribar la puerta de una patada, Oscar finge que está armado, pero recibe un disparo mortal a través de la puerta. El alma de Oscar –así como la perspectiva en primera persona– surge de su cuerpo y va en busca de Linda, intentando cumplir su promesa de no abandonarla nunca. Durante el resto de la película, el alma de Oscar viaja por Tokio, cuidando de sus amigos y hermana, además de recordar recuerdos de su infancia y su vida anterior en Tokio que lo llevaron a convertirse en traficante de drogas.
Las vidas de Oscar y Linda se presentan en breves flashbacks no cronológicos; En medio de una infancia feliz, sus padres murieron en un violento accidente automovilístico. Antes de ser enviados a diferentes hogares de acogida, los hermanos juraron estar siempre juntos el uno para el otro. Años más tarde, Oscar vivió como traficante de drogas de poca monta en Tokio y pronto pudo permitirse un billete de avión para que Linda viviera con él. Linda encontró trabajo como stripper para el dueño del club nocturno Mario. A medida que el negocio de Oscar se expandía, Víctor descubrió que Oscar había tenido relaciones sexuales con su madre para conseguir fondos adicionales para el billete de avión de Linda. Esto lo llevó a montar el allanamiento que acabó con la vida de Oscar.
Linda queda embarazada, pierde su trabajo como stripper y aborta. Alex se ve obligado a esconderse en las calles después de que Bruno, el traficante de Oscar, desmantela la red de narcotraficantes. Linda desearía haberse involucrado con Alex en lugar de con Mario como quería Oscar. En una ocasión, Linda desea que Oscar vuelva a la vida; Luego, Oscar entra en la cabeza de Linda y experimenta su sueño en el que se despierta en la morgue, de donde sacan su cuerpo para ser incinerado. Muy angustiada por la presencia de los restos cremados de sus hermanos fallecidos en su casa, y constantemente plagada de pesadillas sobre su pérdida, arroja las cenizas por el desagüe del fregadero de la cocina. Mientras tanto, Víctor discute con su madre por su relación con Oscar y lo echan de la casa. Visita a Linda para disculparse por su papel en la muerte de Oscar. Sin embargo, cuando Víctor acusa a Linda de complicidad en la muerte de su hermano, ella, enojada, ahuyenta a Víctor y le exige que se suicide.
Oscar sobrevuela Tokio y aterriza en un avión, en el que la madre de Oscar amamanta a un bebé Oscar. Linda y Alex toman un taxi hasta un love hotel de Tokio y tienen relaciones sexuales. Oscar se mueve entre habitaciones de hotel y observa a otras parejas teniendo sexo en diversas posiciones. Cada pareja emana destellos de luz desde sus genitales. Oscar entra en la cabeza de Alex y presencia el sexo con Linda desde la perspectiva de Alex. Luego viaja dentro de la vagina de Linda para presenciar cómo el pene de Alex se introduce en ella, luego observa su eyaculación y sigue el canal de esperma hasta la fertilización del óvulo de su hermana. La escena final está filmada desde la perspectiva del nacimiento de un bebé de la madre de Oscar, con el enfoque de la cámara muy borroso, lo que no deja claro quién es la mujer en la escena. [a]
La experiencia cinematográfica en sí es el foco principal de la película, pero también hay un tema central: el vacío. Noé describe el tema de la película como "el sentimentalismo de los mamíferos y la brillante vacuidad de la experiencia humana". [9] La dramaturgia posterior al disparo de Oscar se basa libremente en El libro tibetano de los muertos y termina con la búsqueda del espíritu de una forma de reencarnar. [11] El director, que se opone a todas las creencias religiosas, dice que "toda la película es el sueño de alguien que leyó El Libro Tibetano de los Muertos y escuchó sobre él antes de ser [disparado con un arma de fuego]. No es la historia de Alguien que muere, vuela y reencarna, es la historia de alguien que se droga cuando le disparan y que tiene una entonación de su propio sueño." [12] Noé describe el final de la película como el recuerdo de Oscar del "momento más traumático de su vida: su propio nacimiento". [13] El director también deja abierta la posibilidad de que la vida de Oscar comience de nuevo en un bucle sin fin , debido a la percepción del tiempo por parte del cerebro humano. [10]
La idea de la película había ido creciendo desde la adolescencia de Noé, cuando comenzó a interesarse por cuestiones de muerte y existencia. Cuando tenía poco más de veinte años, mientras estaba bajo la influencia de hongos psilocibina , vio La dama del lago de Robert Montgomery , una película de 1947 filmada íntegramente en perspectiva en primera persona. Entonces decidió que, si alguna vez hacía una película sobre el más allá, esa sería la forma en que se filmaría. Noé había estado trabajando en diferentes versiones del guión durante quince años antes de que la película entrara en producción. Inicialmente, la historia había sido más lineal y los borradores se desarrollaron en diferentes lugares, incluidos los Andes , Francia y la ciudad de Nueva York. [9] Se eligió Tokio porque podía proporcionar los entornos coloridos necesarios para los aspectos alucinógenos de la película y porque las represivas leyes sobre drogas de Japón añaden dramatismo, lo que explica la intensidad del miedo del personaje principal a la policía. [10]
Noé intentó por primera vez conseguir financiación para la película a principios de la década de 2000. Varios productores respondieron positivamente al guión, y estuvo brevemente en desarrollo para la empresa alemana X-Filme Creative Pool de Tom Tykwer . Se consideró demasiado caro y los productores lo abandonaron. [14] [15] Las perspectivas cambiaron cuando Irréversible (2002) se convirtió en un éxito comercial. Noé había escrito y dirigido Irréversible para StudioCanal y fue vendido internacionalmente por su filial, Wild Bunch . Cuando los productores de Wild Bunch le preguntaron a Noé qué quería hacer a continuación, respondió Enter the Void . Una vez más, el proyecto se consideró demasiado caro en relación con su potencial comercial, pero cuando Wild Bunch descubrió que Noé había empezado a desarrollar la película para Pathé en lugar de ellos, dijeron que estaban dispuestos a financiarlo. Dado que el desarrollo fue lento en Pathé, Noé decidió no renovar su contrato con el estudio y aceptó la oferta de Wild Bunch. [15]
Enter the Void es una producción de Fidélité Films y Wild Bunch ha invertido el 70% del presupuesto. Los coproductores franceses incluyeron la compañía de Noé Les Cinémas de la Zone y el estudio de efectos visuales BUF Compagnie . Recibió inversión de preventa de Canal+ y financiación de Eurimages . Essential Filmproduktion de Alemania y BIM Distribuzione de Italia brindaron apoyo adicional para la coproducción. [16] [17] El presupuesto total fue de 12,38 millones de euros . [16] En retrospectiva, Noé calificó a Irréversible como un robo a un banco, una película realizada para financiar Enter the Void . También lo vio como un ejercicio técnico útil. [18]
La decisión de utilizar actores de habla inglesa se tomó pronto. Dado que la película sería muy visual, el director quería que el público pudiera concentrarse en las imágenes y no tener que depender de los subtítulos. Más tarde expresó su aprobación del uso de pistas de voz dobladas en países de habla no inglesa. [19]
El papel de Linda fue el primero en ser elegido. Noé encontró a Paz de la Huerta después de realizar audiciones en la ciudad de Nueva York. [9] "Conocí a Paz y me gustó mucho. Ella tenía el perfil del personaje porque le gusta gritar, llorar, mostrarse desnuda, todas las cualidades para ello". [18] Debido al deseo de que Linda y Oscar fueran creíbles como hermanos, Nathaniel Brown , un no profesional, fue elegido debido a su parecido con Huerta. Noé temía que un actor profesional se sintiera frustrado al verse casi exclusivamente desde atrás, pero sentía que a Brown, un aspirante a director, le resultaría estimulante simplemente estar presente en el set. [9] Se llevaron a cabo audiciones para occidentales que vivían en Japón para otros papeles con sede en Tokio. Cyril Roy fue a una audición con un amigo sólo porque quería hablar con el director, cuyas películas anteriores admiraba. Roy fue elegido para interpretar a Alex, ya que Noé encontró que su personalidad locuaz era adecuada para el papel. Noé dijo sobre Brown y Roy:
La idea de actuar en una película ni siquiera se les había pasado por la cabeza. Son personas tranquilas, se lo pasan bien delante de la cámara y no creo que haya un solo momento en el que ninguno de los dos sintiera que estaba trabajando. Paz, sin embargo, era definitivamente consciente de que estaba interpretando un papel. [9]
Noé había probado varios alucinógenos en su juventud y utilizó esas experiencias como inspiración para el estilo visual. Más tarde, cuando el director ya estaba planeando la película, probó el brebaje psicoactivo ayahuasca , cuyo principio activo es el DMT. Esto se hizo en la selva peruana, donde la bebida es legal debido a su uso tradicional como enteógeno . [20] Noé describió la experiencia como muy intensa y dijo que la consideraba "casi como una investigación profesional". [10] Dado que pocos miembros del equipo de diseño habían consumido alguna vez un alucinógeno, fue necesario que Noé recopilara y proporcionara referencias visuales en forma de pinturas, fotografías, vídeos musicales y extractos de películas. [21] Una referencia utilizada fueron las obras del biólogo Ernst Haeckel , cuyos dibujos influyeron en los patrones orgánicos vistos durante las visiones de Oscar. [22]
Otra influencia estilística importante fue la obra experimental de Kenneth Anger y, en particular, la inauguración del Pleasure Dome . Noé vio las películas de Anger a principios de los años 1990, mientras promocionaba el cortometraje Carne , y rápidamente se convirtió en un fan. Otras influencias del cine experimental incluyeron las obras de Jordan Belson y Peter Tscherkassky . [24] La película favorita de Noé, 2001: Una odisea en el espacio , fue la influencia más destacada entre las películas convencionales; Noé quiso convertirse en cineasta después de verla a los siete años. [25] Snake Eyes de Brian De Palma y otras películas que presentan tomas suspendidas inspiraron a Noé a hacer una película en gran medida desde esa perspectiva. [18]
Hubo dos razones para mostrar la cabeza y los hombros de Oscar dentro del encuadre durante las escenas de flashback, en lugar de dejar que la cámara fueran los ojos del personaje. La primera fue que así es como Noé suele verse a sí mismo en sueños y cuando recuerda hechos pasados. También pensó que sería más fácil para el espectador preocuparse por un personaje visible, ya que, en su opinión, muchas películas desde puntos de vista parecen involuntariamente divertidas. [18]
El equipo filmó en Tokio del 19 de octubre al 15 de diciembre de 2007. Las escenas de flashback se filmaron en Montreal durante el transcurso de cuatro semanas la primavera siguiente, hasta el 16 de mayo de 2008. [9] [26] El equipo regresó a Tokio dos veces para obtener imágenes adicionales , una vez antes de la sesión de Montreal y otra cuando se completó la fotografía principal. [18] Sólo cuatro personas en el set de Tokio eran franceses; el resto de la tripulación era japonesa. [27] Marc Caro trabajó como supervisor de escenografía en Tokio. Según Noé, Caro tenía tres meses libres tras terminar Dante 01 , su primer trabajo como director solista, por lo que Noé le pidió que viniera a Japón. [28]
El guión de 100 páginas detallaba el desarrollo de la trama y muchos de los rasgos visuales, pero se escribía muy poco diálogo, por lo que se pidió a los actores que improvisaran sus líneas. [9] Noé explicó este enfoque: "Para mí, dirigir actores es simplemente encontrar a las personas adecuadas y ponerlas en el estado de ánimo adecuado en el set y dejarlas ir... Creo que la energía tiene que llegar al set en el momento adecuado". último momento." [18] Se utilizaron ubicaciones en Kabukichō y otras partes de Shinjuku . [29] Dado que gran parte de la película se desarrolló en vecindarios conocidos por el juego y la prostitución, los productores hicieron acuerdos con los sindicatos del crimen Yakuza antes de filmar algunas de las escenas en el lugar. Las organizaciones criminales no participaron en la producción real. [12] Las escenas de estudio ambientadas en Tokio se filmaron en Toho Studios . [30] Se tuvieron que filmar en el estudio más escenas de las previstas originalmente debido a los complicados arreglos de las grúas. Algunas de las secuencias generales tardaron todo un día en organizarse y filmarse. [23] Las escenas en las que Oscar está vivo se rodaron principalmente en exteriores, pero las tomas con grúa se tomaron exclusivamente en el estudio; esto incluyó visitas repetidas a algunas de las ubicaciones anteriores, que se replicaron como grandes decorados interiores. [27] Otras tomas fueron tomadas desde helicópteros que sobrevolaban la ciudad. [23] Se prestó mucha atención a la continuidad de la geografía y el rodaje fue supervisado por un supervisor del equipo de efectos visuales. [22]
La película se rodó principalmente con película Kodak Vision3 250D. Las escenas en las que Oscar está vivo fueron rodadas en formato super 35 con cámaras Arricam LT, y el resto en super 16 con una Aaton XTR Prod. [31] El director de fotografía fue Benoît Debie , quien también rodó Irréversible . Como en Irréversible , Noé se mostró reacio a utilizar iluminación artificial que destruiría la ilusión si se giraba la cámara. Gracias a los numerosos carteles de neón de Tokio, se necesitó muy poca iluminación adicional para las escenas exteriores, a pesar de que muchas de ellas se rodaron a altas horas de la noche. Para las escenas interiores, Debie utilizó principalmente prácticas fuentes de luz enmarcadas. Se hicieron algunas excepciones. Una era que los estados de ánimo de los personajes debían indicarse mediante diferentes colores, que iban del naranja al morado, con ocasionales verdes. Para ello, Debie utilizó un conjunto de luces de discoteca programables de color rojo, verde y azul , que permitían todos los tonos diferentes. Las luces de la discoteca eran fáciles de ocultar. También se utilizaron para simular destellos de neón y para agregar un tinte rojo a las escenas del camerino. Otra excepción fue el uso de luces estroboscópicas , que se programaban junto con las luces de colores. Se evitó en todo momento el color azul, ya que los realizadores no lo asociaban con los sueños. [31] Noé fue el operador de cámara de la película, excepto en algunas tomas de Oscar corriendo por las calles, ya que requerían un camarógrafo más alto. En esas escenas, Debie sostenía la cámara. [32]
El proceso de postproducción de Enter the Void duró más de un año. [23] El trabajo sobre los efectos digitales estuvo a cargo de Pierre Buffin de BUF Compagnie. Cada escena de la película incluye imágenes generadas por computadora (CGI), incluso las escenas de flashback, donde los fondos fueron alterados digitalmente. [18] Escenas de estudio, tomas de helicópteros y CGI se forjaron juntas en las secuencias flotantes con la intención de que el espectador no pudiera determinar cuál es cuál. [23] Para tomas desde grandes altitudes, el equipo comenzó con imágenes de helicópteros a partir de videos y luego creó modelos por computadora de los vecindarios con texturas a partir de fotografías. Las luces de neón, los reflejos y las zonas oscuras se acentuaron constantemente. Los parpadeos se crearon mediante una mezcla de desenfoque de movimiento , aberración cromática y efectos de enfoque. Para escenas vistas a través de una lente ojo de pez , el equipo recreó los decorados digitalmente y aumentó progresivamente los valores de reflexión de los entornos junto con el efecto de la lente. [22]
Inicialmente, Noé le pidió al miembro de Daft Punk , Thomas Bangalter , que había compuesto la música de Irréversible , que creara una banda sonora original para Enter the Void . Bangalter estaba ocupado trabajando en Tron: Legacy y tuvo que declinar. Como compromiso, le proporcionó a Noé un arreglo de sonidos ambientales y muestras de música experimental existente, a partir de las cuales Noé compiló lo que imaginó como "una vorágine de sonidos". [33] Bangalter aparece en los créditos como director de efectos de sonido, y la película presenta su tema "Désaccords" compuesto originalmente para Irréversible . Una de las fuentes de inspiración para la banda sonora fue " Revolution 9 " de The Beatles , un collage sonoro que Noé describe como una obra "donde captas el comienzo de una nota, o de una melodía y luego ya está en otra parte". [33] Los dos temas musicales principales de la película son "Freak" del artista electro británico LFO , que se reproduce durante los créditos iniciales, y una grabación de Delia Derbyshire de " Air on the G String " de Johann Sebastian Bach . que sirve como tema de la infancia de Oscar y su relación con Linda. El comienzo de " ANS " de la banda británica Coil se escucha durante el primer viaje DMT de Oscar. La canción de Throbbing Gristle "Hamburger Lady" suena mientras Oscar intenta entregarle drogas a Víctor en el bar. La banda sonora incluye extractos de casi todas las partes de las dos composiciones de Jean-Claude Éloy , Shânti y Gaku-no-Michi . Otras canciones de la banda sonora incluyen "Music for Baby" de Toshiya Tsunoda, "Music for Gamelan Instruments, Microphones, Amplifiers and Loudspeakers" de Alvin Lucier y obras de Denis Smalley , Lullatone y Zbigniew Karkowski . [33]
Cuando la película se estrenó en festivales de cine, inicialmente se proyectó en una versión sin créditos. Como varios asistentes a las proyecciones se quejaron de la duración de la película, Noé decidió que si la versión final tuviera títulos iniciales, tendrían que ser "lo más rápidos y gráficos posible". [34] El cineasta experimental alemán Thorsten Fleisch fue contratado para crear el logotipo del título. Noé descubrió a Fleisch a través de su película Energie! de 2007. , para lo cual se había desarrollado la técnica de las chispas animadas. [35]
Una versión de 163 minutos de la película compitió en la competición principal del Festival de Cine de Cannes de 2009 . [36] El montaje de Cannes carecía de gran parte del diseño de sonido de la película terminada y algunos efectos visuales no estaban completamente en su lugar. [37] Noé dijo sobre la versión: "la película era como un bebé de tres meses. La saqué de mi vientre para mostrarla, halagado por la invitación de [el general del festival] Thierry Frémaux , pero todavía estaba en gestación. Entonces tuve que volver a ponérmelo en la barriga, es decir, retocar muchos detalles". [38]
A lo largo del año se realizaron proyecciones en festivales de versiones posteriores, incluidos los festivales internacionales de cine de Toronto , Sitges , Londres y Estocolmo . [39] El corte final de 154 minutos se estrenó en el Festival de Cine de Sundance de 2010 . [18] En el estreno en Cannes, la película había sido catalogada alternativamente con el título francés Soudain le vide , que significa "De repente el vacío". [37]
Cuando se estrenó en Francia, utilizó el título en inglés. Se estrenó en Francia el 5 de mayo de 2010 a través de Wild Bunch Distribution. [40] El lanzamiento japonés se produjo diez días después. [41]
Los derechos de distribución para Estados Unidos fueron adquiridos en Sundance por IFC Films . [42] Trinity Filmed Entertainment fue el distribuidor británico. [43] La película se estrenó en los Estados Unidos y el Reino Unido el 24 de septiembre de 2010. [44] [45] En ambos países, la película se distribuyó sin el séptimo de sus nueve carretes. Por lo tanto, la duración de la película fue de 137 minutos a 25 fotogramas por segundo, a la que el director había indicado que debía reproducirse la película, o 142 minutos a los 24 fotogramas por segundo más habituales. [43] [46] Noé dice que nada del material cortado es esencial para la película. Lo describe como "algunas visiones astronómicas, una escena de orgía con Linda y la chica japonesa, la escena en la que ves a [Oscar] despertarse en la morgue y cree que está vivo pero no lo está, y luego la cámara se va por el desagüe". donde ella está vertiendo sus cenizas." [13] La razón por la que se hizo la versión más corta fue que Noé había prometido a los inversores hacer una edición alternativa si la película terminaba durando más de dos horas y 20 minutos. [47] La película se estrenó en DVD y Blu-ray Disc en Francia el 1 de diciembre de 2010. Cada edición incluye tanto la versión completa como el corte más corto. [32] [48]
Thomas Sotinel, de Le Monde, comienza su reseña recordando la irritación que provocó la película en su estreno mundial en Cannes, y compara el montaje que vio allí con la versión final: "Honestamente, la diferencia no salta a mis ojos. Por supuesto, la película parece más consistente, pero eso puede deberse a que ya hemos recorrido este laberinto una vez. Al salir, podemos permanecer más tranquilos, pero todavía asombrados por la mezcla de invención exuberante y puerilidad". [49] Una crítica positiva vino de L'Express , escrita por Laurent Djian, quien comparó la película con 2001: Una odisea en el espacio . Aplaudió cómo encontró que las luces estroboscópicas hipnotizaban de una manera que influía en la percepción del tiempo. "En 2010, ningún otro cineasta [en Francia] como Gaspar Noé puede rodar con tanta maestría, ni arrastrarnos a un torbellino de sensaciones tan vertiginosas." [50] El crítico de Ouest-France , por el contrario, estaba inmensamente aburrido con la película y la calificó de "un relleno de ideas simples, estereotipos y clichés en un montón de imágenes artificiales y vanas que se creen proezas técnicas". . Cine soporífero." [51]
Tras su estreno en Japón, el crítico que escribió para The Japan Times reflexionó: "Si Lost in Translation es la película que harías cuando todo lo que sabes sobre Japón son las mimadas ruedas de prensa en los hoteles de 5 estrellas de Shinjuku , entonces Enter the Void es lo que harías si nunca fueras más allá del recorrido por los pubs de Roppongi ". Si bien la crítica fue en gran medida negativa, el autor aún quedó impresionado por la representación visual de la capital japonesa: "Visualmente, gran parte de la película es impresionante... y el diseño artístico de Marc Caro ( Delicatessen ) lleva el amor de Tokio por el brillo del neón a un extremo surrealista". [41]
Enter the Void tiene un índice de aprobación del 72% en el sitio web de recopilación de reseñas Rotten Tomatoes , basado en 94 reseñas en inglés, con una calificación promedio de 6,9/10. El consenso de los críticos del sitio web dice: "Sucio y psicodélico, Enter the Void conduce al público a través de una experiencia extracorporal con el ojo para las extremidades y la magia técnica que los fanáticos de Gaspar Noé esperan". [52] En Metacritic , la película tiene una puntuación de 69 sobre 100, basada en 19 críticas, lo que indica "críticas generalmente favorables". [53]
Peter Bradshaw incluyó la película entre las 50 mejores películas de la década de The Guardian hasta el momento, [54] y le otorgó cinco estrellas de cinco. Lo comparó con Irreversible , que no le había gustado:
Enter the Void es, a su manera, igual de provocativo, igual de extremo, igual de loco, igual de escandalosa experiencia[.] ... Pero a pesar de su quejoso melodrama y sus enloquecidas pedanterías freudianas , tiene un propósito humano: La película anterior carecía, y su brillantez trastornada es magnífica. ... Lo ames o lo odies (y yo he hecho ambas cosas en mi época), Gaspar Noé es uno de los pocos directores que realmente intenta hacer algo nuevo con el medio, luchando en los límites de lo posible. [55]
Andrew Male calificó la película con dos de cinco en Empire . Male lo calificó de "técnicamente impresionante", pero también "terriblemente interpretado, tediosamente 'profundo' y dolorosamente demasiado largo", y acusó al director de misoginia. [56] Karina Longworth de The Village Voice tenía varias reservas sobre la película. Pensó que a los personajes les faltaba profundidad emocional y calificó la historia como "una pobre fusión de estilo de vida fumeta, fetiche sexual e investigación filosófica", pero aun así terminó la reseña: "Podría mirar esta película durante días y no cansarme de la sensación". Una mezcla de lo sagrado, lo profano y la muerte cerebral, Enter the Void es adictivo". [57] Jen Chaney de The Washington Post pensó que la película tuvo éxito como "un intento de transportar a los cinéfilos a una versión alucinatoria del más allá diferente a todo lo que hayan presenciado en una película", pero agregó: "El problema es que también "La situación más insoportable en la memoria cinematográfica reciente. Y no, el hecho de que sea intencionalmente insoportable no lo hace menos insoportable". [58]
En una encuesta de críticos internacionales de 2016 realizada por la BBC , tres críticos incluyeron Enter the Void como una de las mejores películas desde 2000. [59]
La película fue un fracaso financiero ; según Wild Bunch en febrero de 2011, la película había devuelto el 1,25% de la inversión. [60] En Francia, se lanzó con 30 copias y vendió 51.126 entradas en total. [61] El productor Brahim Chioua dijo que la película había sido difícil de vender en el extranjero a un precio razonable debido a la crisis financiera de finales de la década de 2000 . [62] Los Números informaron que los ingresos teatrales a nivel mundial correspondieron a 1.467.278 dólares estadounidenses . [7]
Enter the Void ganó el Premio Especial del Jurado y el premio a la Mejor Fotografía en el Festival de Cine de Sitges 2009 . [63] Recibió el premio principal a la mejor película en el Festival de Cine de Neuchâtel de 2010 . [64] Esto agradó especialmente a Noé, ya que uno de los miembros del jurado en Neuchâtel era Douglas Trumbull , el supervisor de efectos especiales de 2001: Una odisea en el espacio . [47]
Una especie de contraparte artística de la película de Cameron,
Void
es un sueño febril que combina elementos de
2001
,
El libro tibetano de los muertos
y docenas de otras películas, libros y videojuegos para crear un viaje a una realidad alternativa, una que parece haber surgido de lo más profundo de la mente de un autor apasionadamente retorcido.
Il n'ya là rien de radicalement nouveau, j'ai pris des técnicas o des modos de narración que étaient déjà en lugar à droite à gauche dans des films, mais en les utilisant de manière obsessionnelle.
La película es como un bebé de tres meses. Je l'ai sorti de mon ventre pour l'exhiber, flatté par l'invitation de Thierry Frémaux, mais il était encore en gestation. J'ai donc dû le replacement dans mon ventre, c'est-à-dire fignoler una multitud de detalles.
En todos los casos, la diferencia no se saltea con los ojos. Bien seguro, la película parait plus cohérent, mais cela tient peut-être au fait qu'on a déjà parcouru unae fois ce labyrinthe. Y en orden, en resto peut-être plus calme, mais toujours aussi ébahi de ce mélange d'invention débordante et de puérilité.
En 2010, nul autre cinéaste hexagonal que Gaspar Noé ne sait filmer avec une telle maestria, ni même nous aspirer dans un vórtice de sensaciones también vertiginosas.
Un retraso de ideas simples, poncifs convenus y clichés rabattus dans un monceau d'images maniérées et vaines qui se prennent pour des prouesses técnicas. El cine soporifique