Emily Kame Kngwarreye (también escrita Emily Kam Kngwarray ) (1910 - 3 de septiembre de 1996) fue una artista aborigen australiana de la comunidad Utopía en el Territorio del Norte . Después de comenzar a pintar como septuagenario , Kngwarreye se convirtió en uno de los artistas más destacados y exitosos en la historia del arte indígena australiano .
.jpg/1280px-Qantas_%E2%80%93_VH-ZND_(25943274397).jpg)
Emily Kame Kngwarreye, también escrita Emily Kam Kngwarray, [1] nació c. 1910 en Alhalkere en Utopia Homelands, una comunidad aborigen ubicada aproximadamente a 250 kilómetros al noreste de Alice Springs (Mparntwe). [2] [3] [4] [5]
Su familia era Anmatyerre , y ella era la menor de tres. No tuvo hijos biológicos propios. [6] Era cuñada de la artista Minnie Pwerle [7] y tía de la hija de Pwerle, la artista Barbara Weir . [8] Kngwarreye fue custodio parental de Weir durante siete años hasta que Weir fue expulsada por la fuerza de su tierra natal en virtud de un programa gubernamental para asimilar a los niños mestizos (ver Generaciones robadas ). [8] La sobrina nieta de Kngwarreye es la pintora Jeannie Pwerle. [9] Los hijos de su hermano son Gloria Pitjana Mills y Dolly Pitjana Mills. [10]
Kngwarreye creció trabajando en estaciones ganaderas . En junio de 1934 se mudó a MacDonald Downs Homestead, ubicada aproximadamente a 100 km (62 millas) al este de Alhalkere, para trabajar en la casa y reunir ganado. [11]
Kngwarreye murió en Alice Springs en septiembre de 1996. [3]
Como anciano y custodio ancestral del pueblo Anmatyerre , Kngwarreye había pintado durante décadas con fines ceremoniales en la región de Utopía. [12] Trabajó en batik durante 11 años [13] hasta 1988, cuando conoció los acrílicos . [3] Creó más de 3.000 pinturas acrílicas durante los siguientes ocho años, [14] y se convirtió en una de las artistas más destacadas y exitosas en la historia del arte indígena australiano . [15] Es particularmente notable también por ser una artista femenina, por haber comenzado a pintar cuando tenía 70 años y por su prolificidad: durante sus ocho años como artista, produjo más de 3.000 pinturas, alrededor de una por día. [13]
Vivió y trabajó en varios lugares de la región de Sandover . [6]
En la década de 1970, Kngwarreye realizó un breve curso de educación para adultos que incluía diversas prácticas creativas, como el teñido anudado y el batik . [13] En 1977, comenzó a aprender batik bajo la guía inicial de un artista pitjantjatjara de Ernabella llamado Yipati y las instructoras Suzanne Bryce, Jenny Green y Julia Murray. [16] Según Bryce, las mujeres aborígenes de la región querían aprender artesanías porque eran especialmente adecuadas para un estilo de vida tradicional. [17] Bryce y Green habían importado el medio de batik a los Territorios del Norte desde Indonesia en 1974. [18] [19]
Cuando Kngwarreye conoció la técnica, los artistas aborígenes habían adaptado partes clave del proceso para adaptarlas a sus propias preferencias. La técnica indonesia de aplicar cera con un instrumento parecido a un bolígrafo llamado canting , por ejemplo, había sido reemplazada por pinceles, que a menudo producían patrones más amplios y animados en la tela. [20]
La introducción del batik marcó una nueva era para las mujeres aborígenes en los Territorios del Norte. Hasta ese momento, su función había sido ayudar a los pintores masculinos, y sólo unas pocas mujeres creaban sus propias obras. [21] [22] En 1978, Kngwarreye y otros destacados artistas aborígenes fundaron el Utopia Women's Batik Group, [23] [24] [13] compuesto por alrededor de 21 mujeres. [25] Inicialmente un proyecto comunitario, el programa evolucionó hasta convertirse en un marco donde los artistas podían desarrollar sus propios estilos individuales. [2] [26] El trabajo de batik de Kngwarreye muestra elementos que se repiten en sus pinturas posteriores, incluido el awelye ( pintura corporal ), emúes, goannas y otra flora y fauna de su país. [13]
Kngwarreye comenzó a pintar sobre lienzo en el verano de 1988, con un proyecto de pintura iniciado por CAAMA Shop en asociación con Utopia Art Sydney. Titulado A Summer Project , finalmente fue adquirido por Holmes à Court Collection en West Perth , que luego patrocinó un programa para permitir a los artistas de Utopia pintar durante un período de tiempo sin imperativos comerciales. [2] Rodney Gooch, director de la Asociación de Medios Aborígenes de Australia Central (CAAMA), distribuyó 100 lienzos y pinturas a las mujeres de Utopía, donde instruyeron a las artistas en el nuevo medio. [18] Durante las vacaciones de verano (4 semanas) 80 pintores realizaron 81 obras. Rodney Gooch vio esto como una nueva era para las mujeres. La Colección Holmes à Court compró las 81 pinturas y, a través de su curadora Anne Marie Brody, se exhibieron en abril en la Galería SH Ervin de Sydney. [27]
Kngwarreye describió una vez su transición a la pintura acrílica como un proceso menos laborioso que se adaptaba mejor a sus años de avanzada:
Al principio hice batik, y después de hacerlo aprendí más y más y luego cambié a la pintura para siempre... Luego fue el lienzo. Renuncié a... la tela para evitar que hirviera para sacar la cera. Me volví un poco vago; lo dejé porque era demasiado trabajo duro. Finalmente me cansé... No quería continuar con el arduo trabajo que requería el batik: hervir la tela una y otra vez, encender fuegos y usar todo el jabón en polvo, una y otra vez. Por eso dejé el batik y cambié al lienzo: era más fácil. Mi vista se deterioró a medida que crecí y por eso dejé el batik sobre seda; era mejor para mí simplemente pintar. [28]
Su método consistía en colocar grandes trozos de lona en el suelo y sentarse sobre ellos con las piernas cruzadas. Aplicó pintura con un pincel largo para abarcar la creación. [29] [30] En un relato, un comerciante explicó la presencia de huellas de perros dentro de una pintura específica como una parte natural de su método a nivel del suelo: "El perro caminó sobre ella", dijo, "y no pudo Me ha importado menos." [31]
En 1995, en el último año de su vida, pintó Anwerlarr anganenty ("Big yam Dreaming"), en un enorme lienzo que medía más de 8 m (26 pies) por casi 3 m (9,8 pies). [13]
En las dos últimas semanas de su vida, Kngwarreye le pidió materiales a su sobrino Fred Torres para producir una serie conocida hoy como My Country - Final Series, 1996 . Una galerista de arte indígena en Sydney describió una vez el período como un impulso enérgico para crear: "Sin otros materiales, sumergió su pincel de yeso de una pulgada en un bote de pintura. Durante los días siguientes, Emily pintó 24 lienzos como si nada Lo había hecho antes." [32]
Las obras de Kngwarreye surgen de una profunda conexión con su tierra natal tribal, Alhalkere. El Museo de Arte Contemporáneo de Australia describe su tema como la "esencia" de esa región, con referencias a la flora, la fauna y las figuras de Dreamtime de su entorno. Éstas incluyen:
El ñame lápiz , o anwerlarr , una enredadera con hojas en forma de corazón y vainas que se asemejan a los frijoles, [13] era una importante fuente de alimento para los aborígenes del desierto. [34] Pintó muchas obras sobre este tema; A menudo, sus primeras acciones al comienzo de una pintura eran dejar las líneas de seguimiento del ñame. [34] Esta planta era especialmente significativa para ella: su segundo nombre, Kame, significa la flor amarilla y las semillas del ñame lápiz. [35] [13]
Las obras de Kngwarreye tienen sus raíces en marcas pintadas en la arena y el cuerpo durante las experiencias de Anmatyere dentro de The Dreaming , [36] un código moral basado en "héroes ancestrales cuyos viajes pioneros dieron forma y significado a la tierra, los mares y los cielos en una era creativa hace mucho tiempo." [37] Estas marcas ceremoniales son, por lo tanto, más que diseños visuales básicos. Son una "recreación ritual del viaje en el tiempo de los sueños (sic) de los Ancestros que, en la mitología aborigen, es sinónimo de la creación del mundo". [38]
Los elementos visuales relacionados con The Dreaming fueron partes importantes del Movimiento de Arte del Desierto en Papunya Tula , donde Kngwarreye comenzó a desarrollar sus habilidades como pintora. Formada por ancianos de la comunidad en 1971 con el apoyo de Geoffey Bardon , [39] [40] la escuela alentó a los artistas a desarrollar sus propias ideas al pintar sobre lienzo. Un estilo familiar era superponer masas de pequeños puntos para crear el efecto óptico de un brillo térmico , que aparece en las obras de Kngwarreye y en las de Johnny Warangkula Tjupurrula . [41] [42] La influencia del Arte del Desierto también aparece en su uso de la perspectiva aérea. [41]
Sus primeras obras de finales de la década de 1980 utilizaron colores tradicionales como el ocre rojo y amarillo , el blanco y el negro. En 1990, había ampliado su paleta para incluir también gris, morado y marrón, lo que amplificaba las cualidades atmosféricas de su trabajo. [43]
En 1992, Kngwarreye comenzó a unir sus puntos para formar líneas, creando franjas horizontales y verticales paralelas multicolores que sugerían ríos y terrenos desérticos. [44] También comenzó a utilizar pinceles más grandes durante este período, que producían puntos más pesados y menos intrincados en el lienzo. [ cita necesaria ]
En 1993, Kngwarreye añadió parches de color junto con los puntos, lo que creó el efecto de anillos de colores. Un ejemplo es Alaqura Profusion , que se hizo con una brocha de afeitar en lo que ella llamó su estilo "dump dump", usando colores muy vivos. Esa técnica también aparece en My Mothers Country y Emu Country (1994). [ cita necesaria ] La Suite Alhalkere (1993) fue una enorme instalación que comprendía 22 lienzos, que representaban su país después de las inundaciones y la regeneración, en un estilo similar al arte expresionista . [13]
A mediados de la década de 1990, comenzó a trabajar con gruesas franjas de pintura acrílica sobre papel y lienzo, que parecen abstractas pero que en realidad derivan de awelye , los diseños pintados en los cuerpos de las mujeres Anmatyerr para las ceremonias . [13] Las líneas entrelazadas con frecuencia hacen referencia a las líneas de ñame dentro de las comunidades del Desierto Central . [45]
Durante muchos años, su variado estilo atrajo etiquetas del mundo del arte como el modernismo y la abstracción , ubicándolas en las tradiciones del arte occidental . Sin embargo, los curadores indígenas australianos sostienen que su trabajo está profundamente arraigado en las tradiciones aborígenes australianas, en particular, en su conexión con el país . [13]
En 1992/3, Kngwarreye recibió una beca creativa para artistas australianos otorgada por el primer ministro Paul Keating y el Consejo de Australia . [6] [46]
En 1993, Kngwarreye, Yvonne Koolmatrie y Judy Watson fueron elegidas para representar a Australia en la Bienal de Venecia . [6]
Fue incluida en el Cuadro de Honor de Mujeres de Victoria en 2001. [47]
La primera exposición pública de los batiks de seda de Kngwarreye tuvo lugar en 1980, junto con las obras de Mona Byrne, una artista de Hermannsberg . Al año siguiente, Bosques flotantes de seda se estrenó en el Adelaide Festival Center , comisariada por Silver Harris. En 1982, su trabajo se exhibió en la Sydney Craft Expo y la Exposición de los Juegos de la Commonwealth de Brisbane , seguidas de exhibiciones en el Adelaide Festival Centre y el Alice Springs Craft Council en 1983. [16]
La primera exposición individual de Kngwarreye se llevó a cabo en 1990 en Utopia Art Sydney. [48]
Su trabajo se incluyó en una exposición de 1996 en la Galería de la Universidad de Monash llamada Mujeres sostienen la mitad del cielo: la orientación del arte en el Pacífico de posguerra . [49]
Kngwarreye representó a Australia en la Bienal de Venecia de 1997 junto a Yvonne Koolmatrie y Judy Watson . [50] [51] Su exposición, titulada "Fluent", fue un espectáculo multigeneracional, elegido "para resaltar el espectro de la experiencia y la práctica artística aborigen en Australia en ese momento". [51] Una reseña contemporánea describió el programa como una "afirmación de la influencia continua de las matriarcas aborígenes en una sociedad que a menudo se define como un patriarcado... con preocupaciones entrelazadas sobre la naturaleza de la tierra y sus conexiones con ella". [52]
En 1998, sus batiks estuvieron expuestos en la Galería Nacional de Victoria (NGV), Melbourne , en una exposición titulada Raiki Wara: Long Cloth from Aboriginal Australia and the Torres Strait . [53]
Queensland Art Gallery celebró la primera retrospectiva del trabajo de Kngwarreye en 1998. Fue comisariada por Margo Neale y presentó una obra encargada por Kngwarreye para la inauguración. [54] [6] La exposición fue la primera gran retrospectiva itinerante nacional de un artista indígena en Australia, [55] viajando a la Galería de Arte de Nueva Gales del Sur , la NGV y la Galería Nacional de Australia (NGA) en Canberra .
De junio a noviembre de 2000, la NGA presentó Aboriginal Art in Modern Worlds: World of Dreamings , que consta de obras de Kngwarreye, Nym Bandak, Rover Thomas , John Mawurndjul , Fiona Foley , Tracey Moffatt y artistas de las comunidades Ramingining y Wik . Antes de su inauguración en Canberra, la exposición también viajó al Museo del Hermitage en San Petersburgo , Rusia. [56] [57]
Su segunda retrospectiva, Utopia: The Genius of Emily Kame Kngwarreye, se llevó a cabo en 2008. También comisariada por Neale, se inauguró en el Museo Nacional de Arte de Osaka , Japón, antes de trasladarse al Centro Nacional de Arte de Tokio y luego a el Museo Nacional de Australia , Canberra. [58]
De noviembre de 2010 a marzo de 2011, el Museo Ludwig de Colonia, Alemania , presentó "Recordando hacia adelante: pintura de aborígenes australianos desde 1960". La muestra contó con obras de Kngwarreye y otros ocho artistas aborígenes, incluidos Paddy Bedford , Queenie McKenzie y Dorothy Napangardi . [59]
En 2013, se inauguró en Cheltenham, Victoria , el Museo Emily , [60] el primer museo que presenta a un solo artista aborigen. [61] Cerró permanentemente tres años después. [62]
Wild Yam and Emu Food (1990), Kame Yam Awelye (1996) y Alhakere (1996) se exhibieron en Gagosian Beverly Hills en 2019 junto con obras de otros diez artistas indígenas, la mayoría del Territorio del Norte. [63] [64]
Utopia Art Sydney organizó un importante estudio de la carrera de Kngwarreye en marzo de 2020. La exposición se tituló FUERTE . [65] También a principios de 2020, D'Lan Contemporary organizó una exposición de su trabajo en la ciudad de Nueva York en la galería High Line Nine en Chelsea . [66]
En 2022, Gagosian Paris organizó la primera exposición individual de sus pinturas en Francia, en colaboración con D'Lan Contemporary, Melbourne. El título de la exposición fue Emily: pintora del desierto de Australia . Funcionó del 21 de enero al 26 de marzo. [67]
En enero de 2023, una gran retrospectiva en la NGA, co-curada por los curadores aborígenes Kelli Cole y Hetti Perkins , se centrará en el país , la comunidad y el conocimiento ancestral en las obras de arte de Kngwarreye. En consulta con la familia del artista y los ancianos de la comunidad, se seleccionaron 89 obras para mostrar el vínculo entre las pinturas de Kngwarray y su país, Alhalker . La exposición tiene como objetivo revertir la lente occidental que veía su arte como abstracto y moderno, y ubicarlo dentro de las antiguas prácticas artísticas aborígenes, que miran una y otra vez el paisaje, la flora y la fauna, y las historias ancestrales de las tierras tradicionales. [13] [68]
Kngwarreye era parte del Batik de mujeres de Utopia. En 1987, se pidió a Rodney Gooch, gerente de la tienda CAAMA en Alice Springs, que los representara, y lo hicieron hasta 1991.
Christopher Hodges de Utopia Art Sydney representó a Kngwarreye desde 1988 hasta su muerte en 1996. [69] de 1988 a 1991 a través de CAAMA Shop y luego directamente a través de Rodney Gooch (Mulga Bore Artists)
En 1989, la Galería Delmore en la granja de Delmore Downs adyacente a Utopia encargó 1.500 obras a Kngwarreye. [70] [71] Los operadores de Delmore Downs, Donald y Janet Holt, vendieron el trabajo de Kngwarreye a galerías de élite en Australia y regalaron obras a instituciones. [70]
En 1991, estaba produciendo una variedad de trabajos para una variedad de galerías, incluida la Aboriginal Gallery of Dreamings en Melbourne [ cita necesaria ] y la DACOU Aboriginal Gallery - Dreaming Art Center of Utopia, Adelaide . [54]
Las obras anteriores de Kngwarreye procedentes de la Galería Delmore tienden a tener mejores resultados en las subastas, [72] [73] pero sus obras tardías con Rodney Gooch también han demostrado un importante potencial de mercado. [72]
Ocho pinturas de Kngwarreye en la subasta de invierno de 2000 de Sotheby's se vendieron por una cantidad combinada de 507.550 dólares australianos , y Awelye (1989) se vendió por 156.500 dólares australianos .
El 23 de mayo de 2007, Tim Jennings de Mbantua Gallery & Cultural Museum compró el cuadro de Kngwarreye de 1994 La creación de la Tierra I en una subasta por 1.056.000 dólares australianos . La venta estableció un récord para una artista australiana. [74] [75] En 2017, Earth's Creation I se vendió nuevamente por 2.100.000 dólares australianos en una subasta de Cooee Art Gallery, rompiendo su propio récord. [76]
En 2019, la Tate Gallery de Londres compró Untitled (Alhalkere) (1989), Untitled (1990) y Edunga (1990). [77] [78] [79]
El aumento de la demanda del mercado en la década de 1990 de obras de artistas indígenas estimuló el crecimiento de marchantes de arte inexpertos y, en algunos casos, fraudulentos. La utopía se volvió particularmente atractiva para los forasteros que buscaban dinero rápido mediante la adquisición de arte indígena sin comprender la cultura que lo producía. [80] Más tarde fue documentada diciendo que aquellos que buscaban un beneficio rápido del arte indígena estaban empleando una "estrategia de producir pinturas de mala calidad para gente mala". [81]
Durante su vida y después de su muerte, autores y periodistas informaron que muchas de las obras supuestamente pintadas por Kngwarreye eran, de hecho, falsificaciones. [82] En 1997, el Northern Territory News sugirió que una "escuela" organizada de pintores había creado obras en su estilo. [82]
En 2018, se alega que el artista británico Damien Hirst copió el estilo de Kngwarreye para su serie "Veil". La artista afirmó no haber tenido conocimiento previo de su trabajo, a pesar de que los observadores de la comunidad de Utopia consideraron que las similitudes eran demasiado cercanas para haber sido una coincidencia. Según Hirst, la serie tenía sus raíces en el puntillismo , el impresionismo y el postimpresionismo . Bronwyn Bancroft , artista indígena y miembro de la junta directiva del Arts Law Center, dijo: "En realidad, no se puede proteger el estilo... [pero] en muchos sentidos es lo que se llama un elemento moral de derecho de autor". [83] [84]