El hombre que nunca estuvo allí es una película policiaca neo-noir de 2001 escrita, dirigida, producida y coeditada por Joel y Ethan Coen . Está protagonizada por Billy Bob Thornton , Frances McDormand , Michael Badalucco , Richard Jenkins , Scarlett Johansson , Jon Polito , Tony Shalhoub y James Gandolfini . La película está ambientada en 1949 y cuenta la historia de Ed Crane, un barbero retraído que lleva una vida normal en un pequeño pueblo de California con su esposa, de quien sospecha que tiene un romance con su jefe. La situación de Crane cambia cuando un extraño llega a la barbería y le ofrece la oportunidad de unirse a él como socio en un nuevo negocio prometedor, a cambio de una inversión de diez mil dólares. Atraído por la idea, Crane planea chantajear al amante de su esposa para obtener el dinero.
La película es en blanco y negro y emplea narración en off, en honor al cine negro clásico . Se diferencia por incluir música clásica , ambientar la trama en un pequeño pueblo y presentar a un protagonista ajeno al submundo criminal. Los Coen comenzaron a desarrollar la idea a partir de un póster de corte de pelo de los años 40 que vieron mientras filmaban The Hudsucker Proxy . La trama estuvo influenciada por las novelas policiales de James M. Cain , principalmente Double Indemnity , The Postman Always Rings Twice y Mildred Pierce . Estéticamente, The Man Who Wasn't There se inspiró en películas de los años 40 y 50, incluida La sombra de una duda , junto con películas de ciencia ficción y documentales de la época.
El rodaje se llevó a cabo en locaciones de California. Se rodó en color y posteriormente se convirtió a blanco y negro. La película se estrenó y participó en la selección oficial del Festival de Cine de Cannes de 2001 , donde Joel Coen ganó el premio a mejor director . Su respuesta en salas fue tibia, aunque fue bien recibida por los críticos de cine, que elogiaron la fotografía de Roger Deakins y las actuaciones, especialmente la de Thornton. Los críticos de medios de comunicación en The Guardian , la BBC y The Austin Chronicle se refirieron a ella como una de las mejores películas del año. La National Board of Review la incluyó entre sus diez mejores películas del año y le otorgó a Thornton el premio a mejor actor . Deakins recibió una nominación al premio Óscar a la mejor fotografía y la película logró múltiples nominaciones y premios de otros organismos.
En 1949, en Santa Rosa, California , Ed Crane está casado con Doris, una contable con problemas de bebida, y trabaja en una barbería propiedad de su cuñado, Frank. Un cliente llamado Creighton Tolliver le dice a Ed que es un hombre de negocios que busca inversores para invertir 10.000 dólares en una nueva tecnología llamada tintorería . Ed decide recaudar dinero chantajeando anónimamente al jefe de Doris, "Big Dave" Brewster, de quien sospecha que tiene una aventura con ella. Brewster malversa dinero de su tienda departamental para pagar el chantaje. Sin embargo, Brewster pronto descifra el plan y golpea a Tolliver hasta la muerte después de que implica a Ed. Brewster se enfrenta a Ed en la tienda e intenta matarlo, pero Ed apuñala fatalmente a Brewster con un cuchillo para puros en defensa propia .
Después de que se encuentran irregularidades en los libros de contabilidad de la tienda, la policía arresta a Doris bajo la suposición de que ella malversó el dinero y asesinó a Brewster. Ed es persuadido para contratar a Freddy Riedenschneider, un abogado defensor de Sacramento , que llega y se instala en el hotel más caro de la ciudad. Procede a vivir lujosamente con el fondo de defensa de Doris, que Frank obtuvo hipotecando la barbería. En la mañana del primer día del juicio, Doris se ahorca en su celda. Más tarde se revela que estaba embarazada cuando se ahorcó, pero que no había tenido relaciones sexuales con Ed durante años. Frank, ahora profundamente endeudado, comienza a beber en exceso. Ed visita regularmente a Rachel "Birdy" Abundas, la hija adolescente de un amigo, para escucharla tocar el piano. Atormentado por la soledad, se imagina ayudándola a comenzar una carrera musical y convirtiéndose en su manager. La fantasía se aplasta cuando un profesor de música le dice que Birdy no tiene talento. En el camino de regreso de visitar a la maestra, Birdy hace un pase increíblemente directo a Ed, provocando que Ed pierda el control del auto y se estrelle.
Ed se despierta en una cama de hospital donde la policía lo arresta por asesinato. El cuerpo golpeado de Tolliver ha sido encontrado con el contrato de inversión de Ed. La policía especula que Ed coaccionó a Doris para que malversara el dinero de la inversión y mató a Tolliver cuando se enteró. Ed hipoteca su casa y contrata a Riedenschneider para su defensa. Durante la declaración de apertura de Riedenschneider, Frank ataca a Ed y se declara un juicio nulo . Sin medios restantes para su defensa, Ed se arroja a merced de la corte. La táctica falla y el juez lo sentencia a muerte . Mientras espera en el corredor de la muerte, Ed escribe su historia para venderla a una revista pulp . Poco antes de su ejecución, Ed ve un OVNI fuera de la cárcel. Mientras Ed es electrocutado, reflexiona sobre su destino, no lamenta ninguna de sus decisiones y espera ver a Doris en el más allá, ambos libres de las imperfecciones del mundo mortal.
La idea de escribir una película protagonizada por un barbero surgió de un cartel que los hermanos Coen vieron durante el rodaje de The Hudsucker Proxy (1994). "Filmamos una escena en una barbería y había un cartel en la pared que mostraba todos los diferentes cortes de pelo al estilo de los años 40", recordó Joel Coen. "Era un elemento fijo en el plató y siempre lo mirábamos. Así que empezamos a pensar en el tipo que realmente hacía los cortes de pelo y la historia empezó a tomar forma. Realmente evolucionó a partir de ese cartel de corte de pelo". [4] Los directores tomaron el título de la película del poema de 1899 escrito por William Hughes Mearns titulado " Antigonish " y lo eligieron en referencia al personaje del barbero, para reflejar su vacío emocional. [5] [6]
Ayer, en la escalera,
me encontré con un hombre que no estaba allí .
¡Hoy ya no estaba,
quisiera, quisiera que se fuera!
Ayer, subiendo la escalera,
vi a un hombre que no estaba allí.
¡Hoy tampoco lo volví a ver, quiero
verlo desaparecer!—Primeras líneas del poema «Antigonish» (1899) de William Hughes Mearns
Ambientada en 1949, la trama, según Joel Coen, "está fuertemente influenciada" por la obra del escritor James M. Cain , en particular, las novelas Double Indemnity , The Postman Always Rings Twice y Mildred Pierce . [7] A pesar de ser una historia neo-noir, los Coen reemplazaron el escenario del inframundo con un típico pueblo estadounidense con gente común. "El elemento criminal aquí es algo involuntario. El héroe se tropieza con él", explicó Ethan Coen. Este recurso narrativo era un homenaje a Cain, cuyas historias generalmente presentaban personajes con trabajos convencionales que, motivados por la necesidad o la codicia, terminaban involucrados en un crimen. Otras convenciones estaban presentes en El hombre que nunca estuvo allí , como el plan para obtener dinero rápidamente, las desventuras sexuales y las coincidencias del destino. El fracaso de un "plan perfecto" para recaudar dinero aparece en Double Indemnity y The Postman Always Rings Twice , ambas novelas narradas por hombres de clase trabajadora marginados durante la Gran Depresión . [8] [9]
Los hermanos Coen nombraron La sombra de una duda como una referencia a la película y tenían en mente el género de ciencia ficción de la década de 1950. [9] [10] La estética de la película estuvo influenciada por el cine de ciencia ficción y los "documentales baratos de los años 50". El director de fotografía Roger Deakins se inspiró para su trabajo en películas de las décadas de 1940 y 1950 como This Gun for Hire , The Blue Dahlia , Kiss Me Deadly y Sed de mal . [9] [11] Del mismo modo, Christopher Orr de The Atlantic comparó la voz en off y el carácter reservado de Crane con el personaje de Robert Mitchum en la película Out of the Past (1947). [7] Los Coen hacían referencia a otras obras a través de los nombres de los personajes, como en el caso de los grandes almacenes Nirdlinger o Dietrichson —apellidos utilizados en Double Indemnity— , Riedenschneider —el apellido de un personaje de La jungla de asfalto— o el nombre del hotel de Tolliver, "The Hobart Arms", un homenaje a la novela El sueño eterno de Raymond Chandler . [9] [12]
Además de las novelas de Cain y el cine negro, la historia tomó prestadas ideas de la literatura existencialista, como El extranjero de Albert Camus . Además de notar las similitudes en ambas obras, autores y críticos compararon la desconexión con la realidad y la actitud de Ed con la del protagonista de la novela de Camus. [9] [13] A través de su personaje principal, El hombre que nunca estuvo allí explora la visión existencialista de la desesperación, un tema que recuerda al filósofo Søren Kierkegaard . [14] Los autores Jean-Pierre Boulé y Enda McCaffrey compararon el intento de Crane de escapar de su vida rutinaria con la idea de Jean-Paul Sartre de una "búsqueda de la trascendencia". La película representó la relación del protagonista con el negocio de la tintorería, Abundas y los ovnis . [15] Aunque El hombre que nunca estuvo allí , catalogada como posmoderna, heredó elementos temáticos y narrativos del cine negro, al mismo tiempo exploró conceptos del período posterior a la Segunda Guerra Mundial , retratando los primeros años de posguerra de Estados Unidos. La historia fue contextualizada por eventos como los ovnis , referencias a los bombardeos de Hiroshima y Nagasaki , las reflexiones de Werner Heisenberg sobre la humanidad y la idea de triunfar en una era de oportunidades. La trama alude al principio de incertidumbre de Heisenberg a través del personaje del abogado defensor Riedenschneider, quien hace referencia a dicho principio más de una vez. [16]
Los hermanos Coen comenzaron a escribir el guion a mediados de los años 1990, tras el rodaje de El gran Lebowski . Los hermanos se mudaron a Irlanda —donde trabajaba Frances McDormand— para seguir escribiendo. Los Coen enviaron el guion a los productores Eric Fellner y Tim Bevan , de Working Title ; pretendían iniciar la producción en 1999, pero aprovechando la disponibilidad de George Clooney , se dedicaron a O Brother, Where Art Thou? Después continuaron con El hombre que nunca estuvo allí . El proyecto fue financiado de forma independiente por Working Title que recaudó un presupuesto aproximado de 20 millones de dólares.
Los Coen escribieron los personajes de Doris y Frank para McDormand y Michael Badalucco , respectivamente. Los directores eligieron a Thornton, un actor con el que no habían trabajado antes, para el papel principal. Aceptó el papel antes de leer el guion: "Sabía que sería bueno. Hay ciertas personas con las que sabes que no puedes equivocarte". Los Coen convencieron a James Gandolfini para que fuera el jefe. Jon Polito y Tony Shalhoub , otros dos actores ya conocidos por los Coen, se unieron al reparto, seguidos por Adam Alexi-Malle , Katherine Borowitz, Richard Jenkins y Johansson. Jenkins inicialmente rechazó la oportunidad de protagonizar porque había sido rechazado en tres producciones anteriores de los Coen. Sin embargo, los directores finalmente lo eligieron para el papel. Bill Murray fue considerado para el papel que finalmente sería de Thornton.
El rodaje comenzó el 26 de junio de 2000 en California y finalizó el 1 de septiembre, tras diez semanas. La cinematografía de Deakins era sencilla y tradicional. La mayoría de las tomas se realizaron con la cámara a la altura de los ojos, con lentes normales y una gran profundidad de campo. En comparación con el cine negro estadounidense más antiguo, Deakins utilizó una amplia gama de grises e intentó crear un bajo contraste sin muchas sombras fuertes, utilizando menos luces y de mayor tamaño. Utilizó tecnologías contemporáneas y quería que la película reflejara la época en la que se hizo: "No estamos tratando de hacer una película antigua", dijo Deakins. Se filmó en formato de 35 mm en color y se convirtió a blanco y negro durante la posproducción. Este procedimiento se debió, en parte, a razones técnicas ya que en las últimas décadas la disponibilidad de rollos de película en blanco y negro se había vuelto escasa. Sin embargo, debido a requisitos contractuales y de marketing, se estrenó en color en algunos países. "La película no fue hecha para ser vista en color", afirmó Joel Coen, mencionando que en color se vería "terriblemente fuera de lugar" debido a que la escala de grises neutraliza los colores fuera del marco temporal de la trama.
Por muchas razones intangibles que no son fáciles de explicar, el blanco y negro parecía apropiado para la trama. Es una película de un período histórico y el blanco y negro ayuda a transmitir la sensación de esa época. Es evocador para una historia como esta de un modo que la fotografía en color no lo es.
— Joel Coen
El diseño de escenografía y vestuario de Dennis Gassner y Mary Zophres, respectivamente, tuvo que adaptarse a la ausencia de color, evitando los altos contrastes que distraían. El blanco y negro también afectó a los actores, intensificando algunos elementos: "Solo un primer plano es muy llamativo por las sombras y la sensación de profundidad", dijo McDormand. Sin embargo, el equipo no perdió de vista la versión en color y diseñó las locaciones evitando colores brillantes y prefiriendo marrones y grises. La vestimenta de Ed Crane consistió en chaquetas deportivas, camisas de gabardina y rayón . Típico de esos años, las medias de McDormand no tenían elástico en la parte superior y, al igual que las extras, usó ligas para sujetarlas. La ropa de las mujeres incluyó medias con costura, fajas y sujetadores puntiagudos. El traje cruzado con solapas de pico del abogado defensor Freddy Riedenschneider estaba inspirado en Salvador Dalí , según la diseñadora de vestuario Mary Zophres: "Es un poco inusual para la época y sugiere opulencia".
Para componer el look de su personaje, Thornton miró imágenes de figuras de esa década y tomó prestados algunos elementos de Raymond Burr y Frank Sinatra . El actor comentó: "Una vez que consigues el look adecuado, todo en tu actitud cambia". Cuando Ed aparece en pantalla, casi siempre se le ve fumando un Chesterfield . Thornton y Badalucco fueron formados por barberos profesionales.
El rodaje comenzó en la abandonada cárcel de Lincoln Heights en Los Ángeles para montar una celda en la cárcel de la ciudad de Santa Rosa. Más tarde, el equipo se trasladó al este de Los Ángeles y luego al restaurante Musso & Frank Grill en Hollywood Boulevard, donde Ed Crane conoce a su abogado por primera vez. El rodaje continuó en Thousand Oaks durante dos días para grabar las escenas de la boda campestre. Antes de sus escenas, Michael Badalucco tuvo que practicar con cerdos para la escena en la que monta uno. La producción luego regresó a Los Ángeles para filmar en una iglesia presbiteriana en Wilshire Boulevard y en el centro de Los Ángeles, donde se filmó en un complejo de apartamentos que se utilizó para hacer las escenas del vestíbulo del hotel. Un Bank of America abandonado ubicado también en el centro se utilizó para las escenas en las que Ed va al banco. El edificio Nirdlingers, donde Doris trabaja como contable, se creó a partir de una tienda de muebles abandonada ubicada en Glendale, recordó el diseñador de producción Dennis Gassner:
Tuvimos que modernizarlo de cierta manera, manteniendo lo que ya había en la arquitectura y haciéndolo funcionar para el estilo moderno de 1949. Ese espacio era como una cantera de donde podía extraer lo que necesitaba. De hecho, utilicé algunos diseños de baluartes art déco cromados que se habían mantenido en las paredes y en varias molduras de pared.
Una parte importante del rodaje se realizó durante un día en la ciudad de Orange, que se utilizó para representar los exteriores del pueblo de Santa Rosa, donde se ambienta la mayor parte de la película. Aunque sólo se rodó un día en Orange, el equipo trabajó durante más de dos semanas ambientando las calles según el año 1949: se reemplazaron las señales de tráfico, se modificaron las fachadas y se hicieron pequeñas reparaciones en la calle. Las escenas exteriores de la casa de Ed Crane se filmaron en el barrio de Bungalow Heaven en Pasadena, una ubicación popular y asequible a mediados del siglo XX. Los Coen eligieron la casa con el techo más bajo para lograr la impresión de un espacio más pequeño y representar así la situación económica del barbero. Las escenas en la habitación del profesor de piano también se rodaron en Pasadena, concretamente en el complejo de edificios del Green Hotel. Se utilizaron localizaciones para filmar casi toda la película a excepción de unas pocas escenas, como las de la barbería —las últimas antes de terminar el rodaje— en un set construido por Gassner en los estudios Paramount.
La banda sonora de la película está compuesta por música clásica, principalmente sonatas para piano de Ludwig van Beethoven, intercaladas con siete nuevas composiciones de Carter Burwell. Además de Beethoven, la banda sonora incluye una composición de Mozart, " Sull'aria... che soave zeffiretto ". La inclusión de música clásica es un recurso que distingue a la película de otras del género negro. El editor musical Todd Kasow fue el encargado de seleccionar las sonatas adecuadas para la banda sonora mientras Burwell comenzaba a trabajar en una composición "pianocéntrica". Algunas de las composiciones presentan estructuras "cíclicas" que simbolizan la situación en la que se encuentra el protagonista y su dificultad para liberarse de ella, pero al mismo tiempo, los Coen sintieron que era esencial para el personaje que la música sugiriera "un vago anhelo". El periodista Dan Goldwasser describió la obra de Burwell como "oscura y solemne" y escribió que la composición principal, "El juicio de Ed Crane", tiene "una especie de romanticismo con solo un toque de esperanza". El hombre que nunca estuvo allí fue la novena película en la que Burwell colaboró con los hermanos Coen. El sello Decca Records lanzó el álbum de la banda sonora el 30 de octubre de 2001.
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La película se estrenó en el Festival de Cine de Cannes el 13 de mayo de 2001. Tras Cannes, la película llegó ese año a otros festivales de cine europeos como Edimburgo, Flandes, Varsovia y Viena. La distribuidora USA Films se encargó de su estreno en Estados Unidos, aunque su exhibición se limitó a salas seleccionadas. El 31 de octubre de 2001 se estrenó en Los Ángeles y Nueva York. Fue la primera película de los Coen en estrenarse en blanco y negro, algo que los directores habían intentado sin éxito con Sangre fácil (1984) y The Hudsucker Proxy (1994) ante las ventajas de la distribución en color.
La primera edición para el hogar estuvo disponible en DVD, editada por USA Home Entertainment en 2002. Los extras del DVD incluían comentarios de los hermanos Coen y Thornton, un making of de dieciséis minutos, una entrevista con Deakins, cinco escenas eliminadas, una galería de fotos y vídeos promocionales. Los Coen y Thornton comparten anécdotas detrás de escena, incluida la historia sobre el póster del corte de pelo que inspiró la idea de la película. En una entrevista en profundidad con Deakins, el director de fotografía analiza los pros y los contras de rodar en blanco y negro, sus influencias estéticas y su experiencia trabajando con los Coen. En una reseña del DVD, el sitio DVD Talk escribió que la fotografía en blanco y negro "está brillantemente capturada, evocando la historia del cine negro a la vez que permanece inmaculadamente limpia. Los negros son profundos y sólidos, lo que le da a la imagen un aspecto encantado". En septiembre de 2002 se lanzó en Francia una edición en DVD de tres discos: el primero con la película en blanco y negro, el segundo con la versión en color y el último con los extras, que como novedad incluía un documental de casi cincuenta minutos titulado "El universo del cine negro". En 2015, Universal Pictures Home Entertainment lanzó una versión regular en Blu-ray.
El hombre que nunca estuvo allí recaudó 7,5 millones de dólares en Estados Unidos y Canadá, y 11,4 millones en otros territorios, para un total mundial de 18,9 millones de dólares frente a su presupuesto de 20 millones de dólares. [3] La película fue la peor película de los hermanos Coen en taquilla desde The Hudsucker Proxy (1994). Algunos especularon que los bajos ingresos se debían a que la película es en blanco y negro. En su primer fin de semana en Estados Unidos, recaudó 664.404 dólares en treinta y nueve salas.
En el sitio web de agregación de reseñas Rotten Tomatoes , el 81% de las 159 reseñas de los críticos son positivas, con una calificación promedio de 7,1/10. El consenso del sitio web dice: "Elegante pero emocionalmente distante, El hombre que nunca estuvo allí es un tributo inteligente al género del cine negro". [17] Metacritic , que utiliza un promedio ponderado , le asignó a la película una puntuación de 73 sobre 100, basada en 33 críticos, lo que indica críticas "generalmente favorables". [18]
Muchos críticos elogiaron la película por su técnica y sus actuaciones. Richard Schickel, de Time, escribió: "La capacidad de no mostrar emociones no es una cualidad muy apreciada en los protagonistas de películas, pero Thornton, ese espléndido actor, lo hace perfectamente como Ed Crane, un barbero taciturno de un pequeño pueblo, alrededor de 1949". Otros críticos también elogiaron el papel principal de Thornton, como Emanuel Levy , quien opinó que Thornton "se absuelve hermosamente en un papel desafiante que exige más reacción que acción" y agregó, "da la impresión de un Montgomery Clift atormentado". Variety escribió que el protagonista de la película "establece nuevos estándares de opacidad y pasividad".
Jonathan Rosenbaum del Chicago Reader señaló: «Joel y Ethan Coen se mantienen fieles a su inclinación por los héroes torpes y neo-noir, y a su firme creencia de que la vida normalmente resulta lujosamente horrorosa». Roger Ebert del Chicago Sun-Times comentó: «La película es efectiva y segura en su estilo, tan amorosa y tan intensa que si la ves a menudo, será como una fiesta». De la misma manera, Peter Travers de Rolling Stone la nombró una de las mejores películas del año y expresó que es «diabólicamente divertida» y destacó la fotografía y las actuaciones. Travers incluyó a El hombre que nunca estuvo allí en el puesto número ocho de su lista de las diez mejores películas independientes de 2001. Peter Bradshaw de The Guardian afirmó: «Es la mejor película estadounidense del año» y Philip French , en otra reseña para The Guardian , también afirmó que era la mejor película del año hasta ese momento. Asimismo, Marc Savlov, del Austin Chronicle, la calificó como “la película más hermosa del año” y añadió que “la interpretación de Billy Bob Thornton representa un diamante en bruto deslumbrante”. El crítico de la BBC, Nev Pierce, también la calificó como “una de las mejores películas del año” y añadió sobre su visionado que fue “una experiencia única, peculiar y cautivadora”.
La fotografía en blanco y negro de Deakins fue destacada por varios críticos. El Chicago Reader comparó la fotografía con 8½ de Federico Fellini y el crítico Matthew Turner de View London comentó que el blanco y negro "no había lucido tan espléndido desde la década de 1940". A pesar de escribir una crítica tibia, Todd McCarthy en Variety elogió el trabajo de Deakins, los decorados de Dennis Gassner y el vestuario de Mary Zophres para crear una "representación superior del período de posguerra en un pequeño pueblo". En cuanto al entorno rural, el historiador José María Caparrós señaló: "Pocas veces el cine americano ha aparecido de una manera tan sutil y contundente para dar testimonio del profundo vacío existencial y la mediocridad de la América profunda". La película no convenció a Michael Sragow de The Baltimore Sun , quien dijo: " El hombre que nunca estuvo allí es una producción de época intelectualizada, estilizada y completamente vacía. A pesar de su fastuosa y claustrofóbica apariencia en blanco y negro, tiene la fuerza de una pistola de juguete". De manera similar, David Denby de The New Yorker la calificó de "ejercicio académico fallido". [19]
Tras su estreno en el Festival de Cine de Cannes, Joel Coen se llevó a casa el tercer premio a Mejor Director y compartió el galardón con David Lynch por Mulholland Drive . La película también fue nominada a la Palma de Oro , el máximo galardón del festival, pero La habitación del hijo, de Nanni Moretti, se llevó el premio. La película formó parte de la selección de las diez mejores del año por parte del National Board of Review. [20]
La película fue nominada en la 74.ª edición de los Premios Óscar en la categoría de Mejor fotografía (Deakins), aunque el premio finalmente recayó en Andrew Lesnie por El señor de los anillos: La comunidad del anillo . La película recibió tres nominaciones a los Globos de Oro en las categorías de Mejor película dramática, Mejor guion y Mejor actor dramático (Thornton), pero no logró ganar ninguna.
Deakins ganó el premio a la mejor fotografía en los premios BAFTA . Además, Deakins recibió múltiples galardones de otras organizaciones, entre ellas la Sociedad Estadounidense de Cinematógrafos, la Sociedad de Críticos de Cine de Boston, la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles, la New York Film Critics Online, la Society Film Critics Online y los Satellite Awards, entre otros.
