Paul Jackson Pollock ( / ˈ p ɒ l ə k / ; 28 de enero de 1912 - 11 de agosto de 1956) fue un pintor estadounidense. Pollock , una figura importante del movimiento expresionista abstracto , fue ampliamente conocido por su " técnica de goteo " de verter o salpicar pintura doméstica líquida sobre una superficie horizontal, lo que le permitía ver y pintar sus lienzos desde todos los ángulos. Se le llamó pintura all-over y pintura de acción , ya que cubría todo el lienzo y utilizaba la fuerza de todo su cuerpo para pintar, muchas veces en un estilo de baile frenético. Esta forma extrema de abstracción dividió a los críticos: algunos elogiaron la inmediatez de la creación, mientras que otros se burlaron de los efectos aleatorios. En 2016, se informó que la pintura de Pollock titulada Número 17A se vendió por 200 millones de dólares en una compra privada.
Pollock, de personalidad solitaria y volátil, luchó contra el alcoholismo durante la mayor parte de su vida. En 1945 se casó con el artista Lee Krasner , quien se convirtió en una influencia importante en su carrera y en su legado. Pollock murió a los 44 años en una colisión de un solo coche relacionada con el alcohol mientras conducía. En diciembre de 1956, cuatro meses después de su muerte, Pollock recibió una exposición retrospectiva conmemorativa en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de la ciudad de Nueva York. En 1967 se celebró allí una exposición más amplia y completa de su obra. En 1998 y 1999, su obra fue honrada con exposiciones retrospectivas a gran escala en el MoMA y en la Tate de Londres. [1] [2]
Paul Jackson Pollock nació en Cody, Wyoming , en 1912, [3] el menor de cinco hermanos. Sus padres, Stella May (de soltera McClure) y LeRoy Pollock, nacieron y crecieron en Tingley, Iowa , y fueron educados en Tingley High School. La madre de Pollock está enterrada en el cementerio de Tingley, condado de Ringgold, Iowa . Su padre había nacido con el apellido McCoy, pero tomó el apellido de sus padres adoptivos, vecinos que lo adoptaron después de que sus propios padres murieran con un año de diferencia. Stella y LeRoy Pollock eran presbiterianos ; eran de ascendencia irlandesa y escocesa-irlandesa , respectivamente. [4] LeRoy Pollock fue agricultor y más tarde agrimensor para el gobierno, y se mudó para diferentes trabajos. [3] Stella, orgullosa de la herencia de su familia como tejedoras, confeccionaba y vendía vestidos cuando era adolescente. [5] En noviembre de 1912, Stella llevó a sus hijos a San Diego; Jackson tenía solo 10 meses y nunca volvería con Cody. [5] Posteriormente creció en Arizona y Chico, California .
Mientras vivía en el barrio de Vermont Square de Los Ángeles, se matriculó en Manual Arts High School , [6] de la que fue expulsado. Ya en 1928 había sido expulsado de otro instituto. Durante sus primeros años de vida, Pollock exploró la cultura nativa americana mientras realizaba viajes de reconocimiento con su padre. [3] [7] También estuvo fuertemente influenciado por los muralistas mexicanos , particularmente José Clemente Orozco , [8] [9] cuyo fresco Prometeo más tarde llamaría "la pintura más grande de América del Norte". [10]
En 1930, siguiendo a su hermano mayor Charles Pollock , se mudó a la ciudad de Nueva York, donde ambos estudiaron con Thomas Hart Benton en la Art Students League . Los temas rurales americanos de Benton tuvieron poca influencia en el trabajo de Pollock, pero su uso rítmico de la pintura y su feroz independencia fueron más duraderos. [3] A principios de la década de 1930, Pollock pasó un verano recorriendo el oeste de los Estados Unidos junto con Glen Rounds , un compañero de estudios de arte, y Benton, su profesor. [11] [12]
Pollock conoció el uso de pintura líquida en 1936 en un taller experimental en la ciudad de Nueva York por el muralista mexicano David Alfaro Siqueiros . En el verano, fue al Dartmouth College para estudiar el mural de 3200 pies cuadrados de José Clemente Orozco , “ La epopeya de la civilización estadounidense ”. [13] Más tarde utilizó el vertido de pintura como una de varias técnicas en lienzos de principios de la década de 1940, como Masculino y femenino y Composición con vertido I. Después de mudarse a Springs, Nueva York , comenzó a pintar con sus lienzos dispuestos en el piso del estudio y desarrolló lo que más tarde se llamó su técnica de " goteo ".
De 1938 a 1942 Pollock trabajó para el Proyecto de Arte Federal WPA . [14] Durante este tiempo Pollock estaba tratando de lidiar con su alcoholismo establecido; de 1938 a 1941 se sometió a psicoterapia junguiana con el Dr. Joseph L. Henderson y más tarde con la Dra. Violet Staub de Laszlo en 1941-1942. Henderson lo involucró a través de su arte y animó a Pollock a hacer dibujos. En sus pinturas se expresaron conceptos y arquetipos de Jung. [15] [16] Algunos psiquiatras han planteado la hipótesis de que Pollock podría haber tenido trastorno bipolar . [17] Pollock firmó un contrato de galería con Peggy Guggenheim en julio de 1943. Recibió el encargo de crear el mural de 8 por 20 pies (2,4 por 6,1 m) (1943) [18] para la entrada a su nueva casa. Por sugerencia de su amigo y asesor Marcel Duchamp , Pollock pintó la obra sobre lienzo, en lugar de sobre la pared, para que fuera portátil. Después de ver el gran mural, el crítico de arte Clement Greenberg escribió: "Le eché un vistazo y pensé: 'Eso sí que es un gran arte', y supe que Jackson era el pintor más grande que este país había producido". [19] El catálogo que presentaba su primera exposición describía el talento de Pollock como "volcánico. Tiene fuego. Es impredecible. Es indisciplinado. Se derrama fuera de sí mismo en una prodigalidad mineral, aún no cristalizada". [20]
Las pinturas más famosas de Pollock se realizaron durante el "período de goteo" entre 1947 y 1950. Se hizo famoso después de un artículo de cuatro páginas del 8 de agosto de 1949 en la revista Life que preguntaba: "¿Es él el pintor vivo más grande de los Estados Unidos?" Gracias a la mediación de Alfonso Ossorio , íntimo amigo de Pollock, y del historiador del arte Michel Tapié , el joven galerista Paul Facchetti, a partir del 7 de marzo de 1952, logró realizar la primera exposición de las obras de Pollock de 1948 a 1951 [21] en su Estudio Paul Facchetti en París y en Europa. [22] En la cima de su fama, Pollock abandonó abruptamente el estilo goteo. [23] Las pinturas de goteo de Pollock fueron influenciadas por la artista Janet Sobel ; El crítico de arte Clement Greenberg informaría más tarde que Pollock "admitió" ante él que el trabajo de Sobel "le había impresionado". [24]
La obra de Pollock posterior a 1951 era de colores más oscuros, incluida una colección pintada en negro sobre lienzos sin imprimación . Estas pinturas han sido denominadas sus "Derrames negros" y cuando las exhibió en la Galería Betty Parsons de Nueva York, ninguna se vendió. Más tarde, Parsons vendió uno a un amigo a mitad de precio. Estas obras muestran a Pollock intentando encontrar un equilibrio entre la abstracción y las representaciones de la figura . [25]
Posteriormente volvió al uso del color y continuó con elementos figurativos. [26] Durante este período, Pollock se había trasladado a la Sidney Janis Gallery , una galería más comercial; la demanda de su obra por parte de los coleccionistas fue grande. En respuesta a esta presión, junto con la frustración personal, su alcoholismo se profundizó. [27]
Pollock y Lee Krasner se conocieron mientras ambos exponían en la Galería McMillen en 1942. Krasner no estaba familiarizado pero estaba intrigado con el trabajo de Pollock y fue a su apartamento, sin previo aviso, para encontrarse con él después de la exposición de la galería. [28] En octubre de 1945, Pollock y Krasner se casaron en una iglesia con dos testigos presentes en el evento. [29] En noviembre, se mudaron fuera de la ciudad al área de Springs en East Hampton en la costa sur de Long Island . Con la ayuda de un préstamo para el pago inicial de Peggy Guggenheim, compraron una casa con estructura de madera y un granero en 830 Springs Fireplace Road. Pollock convirtió el granero en un estudio. En ese espacio perfeccionó su técnica del gran "goteo" de trabajo con pintura, con la que quedaría identificado permanentemente. Cuando la pareja se vio libre del trabajo, disfrutaron pasar su tiempo juntos cocinando y horneando, trabajando en la casa y el jardín y entreteniendo a sus amigos. [30]
La influencia de Krasner en el arte de su marido fue algo que los críticos comenzaron a reevaluar en la segunda mitad de la década de 1960 debido al auge del feminismo en ese momento. [31] El amplio conocimiento y la formación de Krasner en arte y técnicas modernas la ayudaron a actualizar a Pollock sobre lo que debería ser el arte contemporáneo. A menudo se considera que Krasner instruyó a su marido en los principios de la pintura modernista. [32] [33] Pollock pudo entonces cambiar su estilo para adaptarse a un género de arte moderno más organizado y cosmopolita, y Krasner se convirtió en el único juez en el que podía confiar. [32] [34] Al comienzo del matrimonio de los dos artistas, Pollock confiaba en las opiniones de sus pares sobre lo que funcionaba o no en sus piezas. [34] Krasner también fue responsable de presentarle a muchos coleccionistas, críticos y artistas, incluido Herbert Matter , que le ayudarían a avanzar en su carrera como artista emergente. [35] El marchante de arte John Bernard Myers dijo una vez que "nunca habría existido un Jackson Pollock sin un Lee Pollock", mientras que su colega pintor Fritz Bultman se refirió a Pollock como la "creación de Krasner, su Frankenstein", reconociendo ambos hombres la inmensa influencia que Krasner tuvo. sobre la carrera de Pollock. [36]
Los historiadores del arte suelen discutir la influencia de Jackson Pollock en la obra de arte de su esposa. Mucha gente pensó que Krasner comenzó a reproducir y reinterpretar las caóticas salpicaduras de pintura de su marido en su propia obra. [37] Hay varios relatos en los que Krasner pretendía utilizar su propia intuición como una forma de avanzar hacia la técnica Soy naturaleza de Pollock para reproducir la naturaleza en su arte. [38]
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En 1955, Pollock pintó Scent and Search , sus dos últimos cuadros. [39] No pintó en absoluto en 1956, pero estaba haciendo esculturas en la casa de Tony Smith : construcciones de alambre, gasa y yeso. [26] Formados mediante fundición en arena, tienen superficies muy texturizadas similares a las que Pollock solía crear en sus pinturas. [40]
La relación de Pollock y Krasner comenzó a desmoronarse en 1956, debido al continuo alcoholismo y la infidelidad de Pollock con otra artista, Ruth Kligman . [41] El 11 de agosto de 1956, a las 22:15 horas, Pollock murió en un accidente automovilístico en su Oldsmobile convertible mientras conducía bajo los efectos del alcohol. En ese momento, Krasner estaba visitando a unos amigos en Europa; Regresó abruptamente al escuchar la noticia de un amigo. [41] Uno de los pasajeros, Edith Metzger, también murió en el accidente, que ocurrió a menos de una milla de la casa de Pollock. La otra pasajera, Ruth Kligman, sobrevivió. [42] En diciembre de 1956, cuatro meses después de su muerte, Pollock recibió una exposición retrospectiva conmemorativa en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de la ciudad de Nueva York. En 1967 se celebró allí una exposición más amplia y completa de su obra. En 1998 y 1999, su obra fue honrada con exposiciones retrospectivas a gran escala en el MoMA y en la Tate de Londres. [1] [2]
Durante el resto de su vida, su viuda Lee Krasner administró su patrimonio y se aseguró de que la reputación de Pollock se mantuviera sólida a pesar de las cambiantes tendencias del mundo del arte. La pareja está enterrada en el cementerio Green River en Springs con una gran roca marcando su tumba y una más pequeña marcando la de ella.
La obra de Thomas Hart Benton , Pablo Picasso y Joan Miró influyeron en Pollock. [43] [44] [45] Pollock comenzó a utilizar pinturas a base de resinas sintéticas llamadas esmaltes alquídicos , que en ese momento era un medio novedoso. Pollock describió este uso de pinturas domésticas, en lugar de pinturas de artista, como "un crecimiento natural surgido de una necesidad". [46] Usó pinceles endurecidos, palos e incluso jeringas para rociar como aplicadores de pintura. Se cree que la técnica de Pollock de verter y gotear pintura es uno de los orígenes del término pintura de acción . Con esta técnica, Pollock pudo lograr su propio estilo característico de pinturas palimpsesto , con pinturas fluyendo desde la herramienta elegida hacia el lienzo. Al desafiar la convención de pintar sobre una superficie vertical, añadió una nueva dimensión al poder ver y aplicar pintura a sus lienzos desde todas las direcciones. [47]
En 1936, Pollock participó en un taller experimental dirigido por el muralista mexicano David Alfaro Siqueiros. [48] Fue allí donde utilizó por primera vez pinturas de esmalte líquido, que continuó incorporando en sus pinturas desde principios hasta mediados de la década de 1940, mucho antes de encontrar el trabajo de la artista ucraniana estadounidense Janet Sobel (1894-1968) (nacida como Jennie Lechovsky). [49] Peggy Guggenheim incluyó el trabajo de Sobel en su galería The Art of This Century en 1945. [50] Jackson Pollock y el crítico de arte Clement Greenberg vieron el trabajo de Sobel allí en 1946 y más tarde Greenberg señaló que Sobel fue "una influencia directa en el goteo de Jackson Pollock". técnica pictórica". [51] En su ensayo "American-Type Painting", Greenberg señaló que esas obras eran las primeras pinturas integrales que había visto y dijo: "Pollock admitió que estas imágenes le habían impresionado". [52]
Mientras pintaba de esta manera, Pollock se alejó de la representación figurativa y desafió la tradición occidental de utilizar caballete y pincel. Utilizó la fuerza de todo su cuerpo para pintar, que se expresó en los grandes lienzos. En 1956, la revista Time apodó a Pollock "Jack el Gotero" debido a su estilo pictórico. [53]
Mi cuadro no proviene del caballete. Prefiero fijar el lienzo sin estirar a la pared dura o al suelo. Necesito la resistencia de una superficie dura. En el suelo estoy más a gusto. Me siento más cerca, más parte del cuadro, ya que así puedo caminar alrededor de él, trabajar desde los cuatro lados y estar literalmente en el cuadro.
Sigo alejándome de las herramientas habituales del pintor, como caballete, paleta, pinceles, etc. Prefiero palos, paletas, cuchillos y pintura fluida que gotea o un empaste pesado con arena, vidrios rotos u otras materias extrañas añadidas.
Cuando estoy en mi pintura, no soy consciente de lo que estoy haciendo. Sólo después de una especie de período de "familiarizamiento" comprendo lo que he estado haciendo. No tengo miedo de hacer cambios, destruir la imagen, etc., porque el cuadro tiene vida propia. Intento dejarlo pasar. Sólo cuando pierdo el contacto con la pintura el resultado es un desastre. Por lo demás, hay pura armonía, un fácil toma y daca, y la pintura sale bien.
— Jackson Pollock, Mi pintura , 1947 [54]
Pollock observó demostraciones de pintura con arena de nativos americanos en la década de 1940. Refiriéndose a su estilo de pintar sobre el suelo, Pollock afirmó: "Me siento más cerca, más parte de la pintura, ya que de esta manera puedo caminar alrededor de ella, trabajar desde los cuatro lados y estar literalmente en la pintura. Esto es similar a los métodos de los pintores de arena indios de Occidente." [55] Otras influencias en su técnica de goteo incluyen los muralistas mexicanos y el automatismo surrealista . Pollock negó confiar en "el accidente"; por lo general tenía una idea de cómo quería que apareciera una obra en particular. Su técnica combinaba el movimiento de su cuerpo, sobre el que tenía control, el flujo viscoso de la pintura, la fuerza de la gravedad y la absorción de la pintura en el lienzo. Era una mezcla de factores controlables e incontrolables. Arrojando, goteando, vertiendo y salpicando, se movía enérgicamente alrededor del lienzo, casi como en un baile, y no paraba hasta ver lo que quería ver.
El artículo del artista austriaco Wolfgang Paalen sobre el arte tótem de los pueblos indígenas de la Columbia Británica, en el que se considera el concepto de espacio en el arte totemista desde el punto de vista de un artista, también influyó en Pollock; Pollock poseía una copia firmada y dedicada de la revista Amerindian Number de Paalen (DYN 4-5, 1943). También había visto las pinturas surrealistas de Paalen en una exposición en 1940. [56] Otra fuerte influencia debe haber sido la técnica surrealista del fumage de Paalen , que atraía a los pintores que buscaban nuevas formas de representar lo que se llamaba lo "invisible" o lo "posible". La técnica se demostró una vez en el taller de Matta, sobre lo cual Steven Naifeh informa: "Una vez, cuando Matta estaba demostrando la técnica surrealista Fumage [de Paalen], Jackson [Pollock] se volvió hacia (Peter) Busa y le dijo en un susurro escénico: 'Puedo hazlo sin humo. " [57] El amigo pintor de Pollock, Fritz Bultman , incluso afirmó: "Fue Wolfgang Paalen quien empezó todo". [58]
En 1950, Hans Namuth , un joven fotógrafo, quería tomar fotografías, tanto fijas como en movimiento, de Pollock en el trabajo. Pollock prometió comenzar una nueva pintura especialmente para la sesión fotográfica, pero cuando llegó Namuth, Pollock se disculpó y le dijo que la pintura estaba terminada.
Namuth dijo eso cuando entró al estudio:
Un lienzo mojado y goteante cubría todo el piso... Hubo un silencio total... Pollock miró el cuadro. Luego, inesperadamente, cogió la lata y el pincel y empezó a moverse por el lienzo. Fue como si de repente se diera cuenta de que el cuadro no estaba terminado. Sus movimientos, lentos al principio, gradualmente se volvieron más rápidos y más parecidos a una danza mientras arrojaba pintura negra, blanca y de color óxido sobre el lienzo. Se olvidó por completo de que Lee y yo estábamos allí; no parecía escuchar el clic del obturador de la cámara... Mi sesión de fotografía duró mientras él seguía pintando, tal vez media hora. En todo ese tiempo, Pollock no se detuvo. ¿Cómo se podría mantener este nivel de actividad? Finalmente, dijo: "Esto es todo".
Las mejores pinturas de Pollock... revelan que su línea completa no da lugar a áreas positivas o negativas: no nos hacen sentir que una parte del lienzo exige ser leída como una figura, ya sea abstracta o representativa, frente a otra parte. del lienzo leído como suelo. No hay un interior o un exterior de la línea de Pollock ni del espacio por el que se mueve. ... Pollock ha logrado liberar la línea no sólo de su función de representar objetos en el mundo, sino también de su tarea de describir o delimitar formas o figuras, ya sean abstractas o representativas, en la superficie del lienzo.
- Karmel, 132
Siguiendo evadiendo la búsqueda del espectador de elementos figurativos en sus pinturas, Pollock abandonó los títulos y comenzó a numerar sus obras. Dijo sobre esto: "[M]ira pasivamente y trate de recibir lo que la pintura tiene para ofrecer y no traer un tema o una idea preconcebida de lo que deben buscar". Su esposa dijo: "Solía dar a sus cuadros títulos convencionales... pero ahora simplemente los numera. Los números son neutrales. Hacen que la gente mire un cuadro tal como es: pintura pura". [46]
El trabajo de Pollock ha sido objeto de importantes debates críticos. El crítico Robert Coates se burló una vez de varias obras de Pollock como "meras explosiones desorganizadas de energía aleatoria y, por lo tanto, sin sentido". [59] Reynold's News , en un titular de 1959, decía: "Esto no es arte, es una broma de mal gusto". [60] El pintor abstracto francés Jean Hélion , por otro lado, comentó al ver por primera vez un Pollock: "Llenaba el espacio una y otra vez porque no tenía un comienzo ni un final". [61] Clement Greenberg apoyó el trabajo de Pollock por motivos formalistas. Encaja bien con la visión de Greenberg de la historia del arte como una purificación progresiva de la forma y eliminación del contenido histórico. Consideró que la obra de Pollock era la mejor pintura de su época y la culminación de la tradición occidental a través del cubismo y de Cézanne a Manet .
En un artículo de 1952 en ARTnews , Harold Rosenberg acuñó el término " pintura de acción " y escribió que "lo que iba a plasmarse en el lienzo no era un cuadro sino un acontecimiento. El gran momento llegó cuando se decidió pintar 'sólo por pintar'. ... El gesto en el lienzo fue un gesto de liberación del valor político, estético, moral". Mucha gente [ ¿quién? ] asumió que había inspirado su paradigma de "pintor de acción" en Pollock. [62]
El Congreso para la Libertad Cultural , una organización para promover la cultura y los valores estadounidenses, respaldada por la Agencia Central de Inteligencia (CIA), patrocinó exposiciones de la obra de Pollock. Algunos académicos de izquierda, incluida Eva Cockcroft , han argumentado que el gobierno de Estados Unidos y la élite rica abrazaron a Pollock y el expresionismo abstracto para colocar a Estados Unidos a la vanguardia del arte global y devaluar el realismo socialista . [60] [63] Cockcroft escribió que Pollock se convirtió en un "arma de la Guerra Fría ". [64]
Pollock describió su arte como "el movimiento hace recuerdos visibles, detenidos en el espacio". [sesenta y cinco]
La tinción de Pollock sobre lienzos en bruto fue adaptada por los pintores de Color Field Helen Frankenthaler y Morris Louis . Frank Stella hizo de la "composición integral" un sello distintivo de sus obras de los años sesenta. Joseph Glasco conoció a Pollock por Alfonso Ossorio en 1949. [66] A lo largo de su vida, Glasco continuó reflexionando sobre la influencia artística de Pollock, particularmente desde principios hasta mediados de la década de 1970, cuando su estilo cambió a pinturas de collage con énfasis en ritmo y proceso. [67] El artista de The Happenings Allan Kaprow , los escultores Richard Serra y Eva Hesse y muchos artistas contemporáneos han conservado el énfasis de Pollock en el proceso de creación; fueron influenciados por su enfoque del proceso, más que por el aspecto de su trabajo. [68]
En 2004, One: Number 31, 1950 ocupó el octavo lugar como obra de arte moderno más influyente en una encuesta de 500 artistas, curadores, críticos y marchantes. [69]
A principios de la década de 1990, tres grupos de cineastas estaban desarrollando proyectos biográficos de Pollock, cada uno basado en una fuente diferente. El proyecto que al principio parecía más avanzado era una empresa conjunta entre Barwood Films de Barbra Streisand y TriBeCa Productions de Robert De Niro (los padres de De Niro eran amigos de Krasner y Pollock). El guión, de Christopher Cleveland, se basaría en la biografía oral de Jeffrey Potter de 1985, To a Violent Grave , una colección de reminiscencias de los amigos de Pollock. Streisand interpretaría el papel de Lee Krasner y De Niro interpretaría a Pollock. Un segundo se basaría en Love Affair (1974), una memoria de Ruth Kligman , que fue la amante de Pollock en los seis meses previos a su muerte. Esta iba a ser dirigida por Harold Becker , con Al Pacino interpretando a Pollock. [70]
En 2000, se estrenó la película biográfica Pollock , basada en la biografía ganadora del premio Pulitzer , Jackson Pollock: An American Saga , dirigida y protagonizada por Ed Harris . Marcia Gay Harden ganó el Premio de la Academia a la Mejor Actriz de Reparto por su interpretación de Lee Krasner. La película fue proyecto de Harris, quien fue nominado al Premio de la Academia al Mejor Actor . El propio Harris pintó las obras que se ven en la película. [71] La Fundación Pollock-Krasner no autorizó ni colaboró con ninguna producción. [70]
En septiembre de 2009, el historiador del arte Henry Adams afirmó en la revista Smithsonian que Pollock había escrito su nombre en su famoso cuadro Mural (1943). [72] La pintura está ahora asegurada por 140 millones de dólares. En 2011, el representante republicano del estado de Iowa, Scott Raecker, presentó un proyecto de ley para forzar la venta de la obra de arte, en poder de la Universidad de Iowa, para financiar becas, pero su proyecto de ley generó tal controversia que fue rápidamente retirado. [18] [73]
En 1973, el gobierno australiano de Gough Whitlam compró el número 11, 1952 (también conocido como Blue Poles ) para la Galería Nacional de Australia por 2 millones de dólares (1,3 millones de dólares australianos en el momento del pago). Este fue el precio más alto jamás pagado por una pintura moderna y la pintura es ahora una de las exhibiciones más populares. [74] La obra de arte contiene sólo una referencia fugaz al mundo real y Blue Poles se ha convertido en el buque insignia del arte autónomo. [75] Blue Poles fue una pieza central de la retrospectiva del Museo de Arte Moderno de 1998 en Nueva York, la primera vez que la pintura se mostró en Estados Unidos desde su compra.
En noviembre de 2006, el número 5 de Pollock , 1948, se convirtió en la pintura más cara del mundo, cuando se vendió de forma privada a un comprador no revelado por la suma de 140 millones de dólares. Otro récord de artista se estableció en 2004, cuando No. 12 (1949), una pintura de goteo de tamaño mediano que se había exhibido en el Pabellón de Estados Unidos en la Bienal de Venecia de 1950 , se vendió por 11,7 millones de dólares en Christie's , Nueva York. [76] En 2012, Número 28, 1951 , una de las combinaciones del artista de goteo y pincelada en tonos de gris plateado con rojo, amarillo y toques de azul y blanco, también se vendió en Christie's, Nueva York, por 20,5 millones de dólares. 23 millones de dólares con honorarios, dentro de su rango estimado de 20 a 30 millones de dólares. [77]
En 2013, Christie's vendió Número 19 (1948) de Pollock por 58.363.750 dólares durante una subasta que finalmente alcanzó un total de 495 millones de dólares en una noche, lo que Christie's informa como un récord hasta la fecha como la subasta de arte contemporáneo más cara. [78]
En febrero de 2016, Bloomberg News informó que Kenneth C. Griffin había comprado el cuadro Número 17A de Jackson Pollock de 1948 por 200 millones de dólares a David Geffen . [79]
En 2023, se informó que se descubrió una pintura desconocida de Pollock en Bulgaria después de que las agencias policiales internacionales pudieran localizar a un grupo de contrabandistas internacionales de arte. Según se informa, el cuadro vale hasta 50 millones de euros. [80]
La Junta de Autenticación Pollock-Krasner fue creada por la Fundación Pollock-Krasner en 1990 para evaluar obras recién encontradas para un próximo suplemento del catálogo de 1978. [81] Sin embargo, en el pasado, la Fundación Pollock-Krasner se ha negado a participar en casos de autenticación. [82]
En 2006, se publicó un documental, ¿Quién diablos *$&% es Jackson Pollock? , se hizo sobre Teri Horton, una camionera que compró una pintura abstracta por cinco dólares en una tienda de segunda mano en California en 1992. Esta obra puede ser una pintura perdida de Pollock, pero se debate su autenticidad. Thomas Hoving aparece en el documental y afirma que la pintura está sobre un lienzo imprimado, que Pollock nunca usó.
Sin título 1950 , que la Knoedler Gallery, con sede en Nueva York, había vendido en 2007 por 17 millones de dólares a Pierre Lagrange, un multimillonario de fondos de cobertura londinenses, fue objeto de una demanda de autenticidad ante el Tribunal de Distrito de los Estados Unidos para el Distrito Sur de Nueva York . Realizada en el estilo clásico de goteo y salpicadura del pintor y firmada "J. Pollock", se descubrió que la pintura de tamaño modesto (15 por 28 1/2 pulgadas) contenía pigmentos de pintura amarillos que no estuvieron disponibles comercialmente hasta aproximadamente 1970. [83] La demanda se resolvió mediante un acuerdo confidencial en 2012. [84]
En 1999, el físico y artista Richard Taylor utilizó análisis por computadora para mostrar similitudes entre los patrones pintados de Pollock y los fractales (patrones que se repiten en múltiples escalas de tamaño) que se encuentran en paisajes naturales, [85] reflejando las propias palabras de Pollock: "Yo soy la naturaleza". [86] Su equipo de investigación etiquetó el estilo de Pollock como expresionismo fractal . [87]
En 2003, se encontraron 24 pinturas y dibujos de Pollockesque en un casillero en Wainscott, Nueva York . En 2005, la Fundación Pollock-Krasner solicitó un análisis fractal para utilizarlo por primera vez en una disputa de autenticidad. [88] [89] [90] [91] [92] Investigadores de la Universidad de Oregon utilizaron la técnica para identificar diferencias entre los patrones en las seis pinturas en disputa analizadas y las de 14 Pollocks establecidos. [88] El análisis de pigmentos de las pinturas realizado por investigadores de la Universidad de Harvard mostró la presencia en una pintura de un pigmento sintético que no fue patentado hasta la década de 1980, y materiales en otras dos que no estaban disponibles en vida de Pollock. [93] [94]
En 2007, se montó una exposición itinerante de las pinturas en un museo que estuvo acompañada de un libro completo, Pollock Matters , escrito por Ellen G. Landau, una de los cuatro académicos en funciones del antiguo panel de autenticación de la Fundación Pollock Krasner de la década de 1990, y Claude Cernuschi, estudioso del expresionismo abstracto. En el libro, Landau demuestra las numerosas conexiones entre la familia propietaria de las pinturas y Jackson Pollock durante su vida para colocar las pinturas en lo que ella cree que es su contexto histórico adecuado. Landau también presenta los hallazgos forenses de la Universidad de Harvard y presenta posibles explicaciones a las inconsistencias forenses que se encontraron en tres de las 24 pinturas. [95] [96] Sin embargo, el científico que inventó uno de los pigmentos modernos descartó la posibilidad de que Pollock usara esta pintura como "improbable hasta el punto de la fantasía". [ cita necesaria ]
Posteriormente, más de 10 grupos científicos han realizado análisis fractales en más de 50 obras de Pollock. [97] [98] [99] [100] [101] [102] [103 ] [104] [105] [ 106] Un estudio de 2015 que utilizó el análisis fractal como una de sus técnicas logró una tasa de éxito del 93% al distinguir objetos reales. de Pollocks falsos. [107] La investigación actual sobre el expresionismo fractal se centra en la respuesta humana al ver fractales. Los neurocientíficos cognitivos han demostrado que los fractales de Pollock inducen la misma reducción del estrés en los observadores que los fractales generados por computadora y los fractales naturales. [108] [109]
Lee Krasner donó los artículos de Pollock a Archives of American Art en 1983. Posteriormente fueron archivados con sus propios artículos. Los Archives of American Art también albergan los documentos de Charles Pollock, que incluyen correspondencia, fotografías y otros archivos relacionados con su hermano Jackson. [ cita necesaria ]
En 1985 se estableció una organización separada, la Fundación Pollock-Krasner . La fundación funciona como patrimonio oficial tanto para Pollock como para su viuda, pero también, según los términos del testamento de Krasner, sirve "para ayudar a artistas individuales de mérito con necesidades financieras". ". [110] El representante de derechos de autor en Estados Unidos para la Fundación Pollock-Krasner es la Artists Rights Society . [111]
Pollock -Krasner House and Studio es propiedad y está administrado por la Stony Brook Foundation, una afiliada sin fines de lucro de la Stony Brook University . De mayo a octubre se realizan visitas periódicas a la casa y al estudio. [ cita necesaria ]
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