El Concierto en fa es una composición de George Gershwin para piano solo y orquesta que se acerca más a un concierto tradicional que su obra anterior, Rhapsody in Blue, con influencias del jazz . Fue escrita en 1925 por encargo del director de orquesta Walter Damrosch . Una interpretación completa dura alrededor de media hora.
Damrosch había estado presente en el concierto del 12 de febrero de 1924 organizado y dirigido por Paul Whiteman en el Aeolian Hall de la ciudad de Nueva York titulado Un experimento en música moderna que se hizo famoso por el estreno de Rhapsody in Blue de Gershwin , en el que el compositor interpretó el solo de piano. [1] Al día siguiente del concierto, Damrosch se puso en contacto con Gershwin para encargarle un concierto para piano a gran escala para la Orquesta Sinfónica de Nueva York , más cercano en forma a un concierto clásico y orquestado por el compositor.
Debido a obligaciones contractuales para tres musicales diferentes de Broadway, no pudo comenzar a esbozar ideas hasta mayo de 1925. Comenzó la partitura para dos pianos el 22 de julio, después de regresar de un viaje a Londres , y los borradores originales se titulaban "New York Concerto". El primer movimiento fue escrito en julio, el segundo en agosto y el tercero en septiembre, gran parte del trabajo se realizó en una caseta de ensayo en la Chautauqua Institution . Esto había sido organizado a través del compositor y profesor australiano Ernest Hutcheson , quien ofreció aislamiento para Gershwin en Chautauqua, donde sus habitaciones estaban prohibidas para todos hasta las 4 p. m. todos los días. Gracias a esto, Gershwin pudo completar la orquestación completa del concierto el 10 de noviembre de 1925. Más tarde ese mes, Gershwin contrató una orquesta de 55 piezas, a su propio costo, para ejecutar su primer borrador en el Globe Theatre. Damrosch asistió y le dio consejos a Gershwin, quien hizo algunos cortes y revisiones.
Según un periodista que estaba presente, la pipa "entró y salió de su boca durante todo el ensayo. En particular, la utilizó para señalar acusadoramente a los miembros de la orquesta que no estaban resolviendo sus problemas de jazz con éxito". [2] [3]
El Concierto en fa muestra un desarrollo considerable en la técnica compositiva de Gershwin, en particular porque él mismo orquestó toda la obra, a diferencia de la Rapsodia en azul, cuya orquestación estuvo a cargo de Ferde Grofé , pianista de sección y orquestador principal de Paul Whiteman . El compositor y orquestador inglés William Walton comentó que adoraba la orquestación del concierto que hizo Gershwin.
Además del piano solo, la obra requiere 2 flautas , flautín , 2 oboes , corno inglés , 2 clarinetes en si bemol, clarinete bajo , 2 fagotes , 4 trompas en fa, 3 trompetas en si bemol, 3 trombones , tuba , timbales , 3 percusionistas (primer músico: bombo , glockenspiel , xilófono y triángulo ; segundo músico: caja , woodblock , látigo ; tercer músico: platillos (crash y suspendidos), triángulo y gong ) y cuerdas .
El concierto consta de los tres movimientos tradicionales:
Existen fuertes vínculos temáticos entre los tres movimientos, todos ellos fuertemente influenciados por el jazz . Sin embargo, existe en cada movimiento una integridad estructural muy sutil que, aunque quizás no sea inmediatamente evidente para el oyente, tiene sus raíces en la tradición clásica.
El primer movimiento comienza con ráfagas de timbales que introducen elementos del material temático principal. Después de una extensa introducción orquestal, el piano entra con una sección solista que introduce otra melodía que se encuentra a lo largo del movimiento. A partir de aquí, la música se alterna con secciones contrastantes de grandiosidad y delicadeza. El clímax se alcanza en el Grandioso , en el que la orquesta hace resonar la melodía original del piano, acompañada por una gran figura de tresillo en el solista. Hay una cadencia de rápidos ostinatos de tresillo que conduce a la sección final: octavas y acordes acelerados, que culminan en una gran carrera del ostinato de tresillo por el teclado a lo largo de un acorde de fa mayor 6, que pone fin al movimiento.
El segundo movimiento recuerda al blues : comienza con una elegante melodía interpretada por una trompeta solista acompañada por un trío de clarinetes. Sigue una sección más rápida en la que interviene el piano, que va aumentando gradualmente hasta casi el final, momento en el que la pieza vuelve engañosamente a la melodía original, ahora en manos de la flauta. El movimiento termina con una cadencia tranquila e introspectiva.
El movimiento final es vibrante y enérgico, con varias referencias al ragtime , que incluye tanto material nuevo como melodías de los movimientos anteriores. Se encuentra un clímax falso en una sección Grandioso idéntica a la del primer movimiento, que a su vez evoluciona hacia otra construcción hasta el verdadero pináculo del concierto, nuevamente dominado por el acorde F Major 6, que cierra la pieza.
En sus propias palabras, Gershwin escribió una descripción del concierto: [4] [5]
El primer movimiento emplea el ritmo del Charleston. Es rápido y palpitante, y representa el espíritu joven y entusiasta de la vida americana. Comienza con un motivo rítmico dado por los timbales... El tema principal lo anuncia el fagot. Más tarde, el piano introduce un segundo tema. El segundo movimiento tiene una atmósfera poética y nocturna que ha llegado a denominarse blues americano, pero en una forma más pura que la que se suele utilizar. El último movimiento vuelve al estilo del primero. Es una orgía de ritmos, que comienza violentamente y mantiene el mismo ritmo durante toda la obra.
El primer movimiento entrelaza tres ritmos y temas: charlestón, escalas pentatónicas y sensualidad. Los timbales comienzan el movimiento con golpes de wham-bok, luego la orquesta introduce una melodía pentatónica acompañada por el charlestón en los instrumentos de viento y la percusión. Treinta segundos después, los timbales y la orquesta alternan los golpes de wham-bok con la melodía pentatónica. [6] Después de que las cuerdas se calman, el piano introduce el tema sensual principal utilizado a lo largo de la pieza. Se repite nuevamente con una contramelodía orquestal tocada por los violonchelos y las cuerdas al mismo tiempo, seguida de escalas pentatónicas en el piano y un acompañamiento continuo en la orquesta. Llega a su clímax con una escala cromática en el piano y resuelve con una síncopa de sonido español en la orquesta. La síncopa del charlestón de piano reintroduce el tema sensual que se escucha al principio de la pieza. Esta vez, el piano toca la contramelodía mientras la orquesta toca el tema sensual. Una "microcadencia" [6] de arpegios en el piano une lo sensual de la orquesta con otra variación de acompañamiento de Charleston y melodía pentatónica. Gershwin juega con esta variante de lo sensual en Mi mayor mientras conduce al oyente a un clímax de la pieza. Después del clímax, Gershwin combina Charleston, melodía pentatónica y tresillos de ritmo rápido para modular de una tonalidad a otra antes de reintroducir otra variación sensual en Re bemol mayor. Los ritmos de Charleston pasan del sensual clímax al "Grandioso", seguido de ostinatos de tresillos, acordes de ritmo rápido, más ostinatos y una escala de Do dominante 7. Una coda termina los últimos dos minutos con Charleston y sensualidad en la orquesta y líneas pentatónicas en el piano antes de terminar finalmente el movimiento con un acorde de Fa mayor 6. [6]
En el segundo movimiento, Gershwin utiliza dos temas de blues, similares al tema del primer movimiento y prefigura el tema del tercer movimiento en un tema más rápido tocado entre las dos melodías de blues. Una progresión de acordes de blues abre el movimiento, y una trompeta solista toca el primer tema de blues. El tema se introduce alternando segundas mayores en las trompas francesas, [7] luego un solo de trompeta. En el primer minuto, el solo de trompeta suena muy similar al tema sensual escuchado en el primer movimiento. Gershwin continúa con temas improvisados y variantes de la melodía de blues. La trompeta luego repite el tema tocado al principio. Cuando el solo de trompeta termina, el piano entra con una variante pentatónica del primer tema antes de pasar a un segundo tema más rápido y animado. Este tema prefigura la melodía del tercer movimiento a través de notas repetidas. Este tema también es una variante del que se escucha en el primer movimiento. Un solo de violín une este tema y reintroduce el primer tema tocado al principio. Luego, el piano toma el control con otra variación en una cadencia del tema y los arpegios que lo acompañan. Después de la cadencia, Gershwin pasa el tema original a la orquesta, luego de nuevo al piano y a una flauta. Luego construye hasta el clímax de la pieza, alternando entre el piano y la orquesta. El movimiento termina con el piano tocando el tema del principio, flauta suave y acompañamiento de cuerdas, y una cadencia en re bemol mayor. [6]
El tercer movimiento es un rondó de ritmo rápido y reintroduce el tema escuchado en el primer movimiento, a un ritmo más vigoroso. La orquesta comienza tocando el tema principal del movimiento en sol menor y luego el piano repite el tema en fa menor. Mientras el piano continúa tocando las notas de ritmo rápido, la orquesta toca una contramelodía. Un glissando del piano reintroduce el tema del primer movimiento tocado en la orquesta antes de volver al tema principal. Luego, la orquesta toca un segundo tema con un suave acompañamiento de piano. Regresan variantes de los temas principal y secundario. Después de una modulación en si bemol mayor, la orquesta toca el segundo tema de blues escuchado en el segundo movimiento y el piano responde con el tema secundario. El ritmo rat-a-tat regresa, uniendo el tema de blues y la melodía de notas repetidas del segundo movimiento, tocada por la orquesta. El tema secundario del movimiento regresa en el piano antes de tocar una progresión de acordes escuchada en el primer movimiento. Una serie de escalas de octavas de ritmo rápido que van creciendo hasta llegar al mismo "grandioso" que se escucha en el primer movimiento. El tema rat-a-tat regresa por última vez en el movimiento; progresiones de acordes pentatónicos y un trémolo final en fa mayor 6 y un acorde en fa mayor terminan la pieza. [6]
La obra fue estrenada por la Orquesta Sinfónica de Nueva York bajo la dirección de Damrosch (tres años más tarde la orquesta se fusionaría con la Sociedad Sinfónica Filarmónica para formar la Orquesta Filarmónica de Nueva York ) en el Carnegie Hall de Nueva York el 3 de diciembre de 1925, y contó con el compositor como solista. Las mismas fuerzas ofrecieron varias interpretaciones muy poco después: dos más en Nueva York, una en Filadelfia, otra en Baltimore y otra en Washington, precediendo a otra en la Academia de Música de Brooklyn el 16 de enero de 1926. [8] Las entradas se agotaron y el concierto fue muy bien recibido por el público en general. Sin embargo, las críticas fueron mixtas, y muchos críticos no pudieron clasificarlo como jazz o clásico. De hecho, hubo una gran variedad de opiniones entre los contemporáneos de Gershwin. Sergei Prokofiev lo encontró "amateur". [9] Arnold Schoenberg , uno de los compositores más influyentes de la época, elogió el concierto de Gershwin en un homenaje póstumo en 1938: [10] [11]
Gershwin es un artista y un compositor: expresó ideas musicales, y eran nuevas, como lo es también la forma en que las expresó. … Para mí, un artista es como un manzano. Cuando llega el momento, quiera o no, florece y empieza a producir manzanas. … Sea serio o no, es un compositor, es decir, un hombre que vive en la música y expresa todo, serio o no, sonoro o superficial, por medio de la música, porque es su lengua materna. … Lo que ha hecho con el ritmo, la armonía y la melodía no es meramente estilo. Es fundamentalmente diferente del manierismo de muchos compositores serios [que escriben] una unión superficial de recursos aplicados a un mínimo de ideas. … La impresión es de una improvisación con todos los méritos y defectos propios de este tipo de producción. … Él sólo siente que tiene algo que decir y lo dice.
El propio Damrosch proporcionó una nota elogiando el trabajo de Gershwin: [11]
Varios compositores han estado caminando alrededor del jazz como un gato alrededor de un plato de sopa, esperando a que se enfríe para poder disfrutarlo sin quemarse la lengua, acostumbrados hasta entonces sólo a los líquidos más tibios destilados por los cocineros de la escuela clásica. Lady Jazz... ha bailado por todo el mundo... pero a pesar de todos sus viajes y su enorme popularidad, no ha encontrado ningún caballero que pudiera elevarla a un nivel que le permitiera ser recibida como miembro respetable de los círculos musicales. George Gershwin parece haber logrado este milagro... audazmente vistiendo a su joven dama extremadamente independiente y moderna con el atuendo clásico de un concierto... Él es el Príncipe que ha tomado a Cenicienta de la mano y la ha proclamado abiertamente princesa ante el mundo asombrado, sin duda ante la furia de sus envidiosas hermanas.
En la película Un americano en París (1951), se presenta una interpretación del tercer movimiento del concierto durante una secuencia de fantasía humorística . En uno de los muchos números musicales de la película, el personaje de Oscar Levant , Adam Cook, un pianista en apuros, sueña despierto que está interpretando el concierto para un público de gala en una sala de conciertos. A medida que avanza la escena, Adam fantasea con que él también es todos los demás miembros de la orquesta, además del director, e incluso imagina que se está aplaudiendo a sí mismo desde el público al final del concierto.
También hay una interpretación de un fragmento en la película biográfica de Gershwin Rhapsody in Blue (1945), donde Robert Alda (doblado por Oscar Levant) lo interpreta parcialmente en pantalla y luego, al final de la película, el propio Levant lo interpreta. Se escucha en momentos especialmente conmovedores, una vez cuando Gershwin tropieza con las notas debido a los efectos de su tumor cerebral fatal, y una vez más en la escena en la que se anuncia la muerte de Gershwin.
La interpretación que Levant hizo del concierto en Un americano en París es digna de mención porque el propio Levant era un pianista de concierto y compositor consumado que se había hecho amigo de Gershwin en 1928. Una filmación de 2003 en DVD presenta al Marcus Roberts Trio con Seiji Ozawa dirigiendo la Filarmónica de Berlín en Waldbühne, Berlín.
La primera grabación fue realizada en 1928 por Paul Whiteman y su Orquesta de Conciertos, con Roy Bargy al piano, en un arreglo abreviado para banda de jazz de Ferde Grofé , para Columbia Records . Otras grabaciones incluyen:
[13]
Aunque Gershwin nunca grabó el concierto, Rudy Vallée lo invitó a tocar el tercer movimiento del concierto en una transmisión de radio de la NBC en 1931, que se conservó en discos de transcripción y luego se publicó tanto en LP como en CD. Vallée utilizó un arreglo especial preparado para su orquesta de estudio. Gershwin también tocó algunas de sus canciones populares en la transmisión. [14]
La patinadora artística Yuna Kim de Corea del Sur patinó una versión editada de cuatro minutos de esta pieza en los Juegos Olímpicos de Invierno de 2010 en Vancouver , así como en el Trophée Éric Bompard de 2009 , Skate America de 2009 y la Final del Grand Prix 2009-10 , ganando la medalla de oro en patinaje artístico femenino y rompiendo el récord mundial de puntuación en el programa largo femenino. [15] Cuando compitió en el Campeonato Mundial de 2010 , ganó la medalla de plata con un total de 190,79 puntos.
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