La cinematografía (del griego antiguo κίνημα ( kínēma ) 'movimiento' y γράφειν ( gráphein ) 'escribir, dibujar, pintar, etc.') es el arte de la fotografía cinematográfica (y más recientemente, de la fotografía con cámara de vídeo electrónica ).
Los cinematógrafos utilizan una lente para enfocar la luz reflejada de los objetos en una imagen real que se transfiere a algún sensor de imagen o material sensible a la luz dentro de la cámara de cine . [1] Estas exposiciones se crean secuencialmente y se conservan para su posterior procesamiento y visualización como una película. La captura de imágenes con un sensor de imagen electrónico produce una carga eléctrica para cada píxel de la imagen, que se procesa electrónicamente y se almacena en un archivo de vídeo para su posterior procesamiento o visualización. Las imágenes capturadas con emulsión fotográfica dan como resultado una serie de imágenes latentes invisibles en la película, que se " revelan " químicamente en una imagen visible . Las imágenes en la película se proyectan para su visualización en la misma película.
La cinematografía encuentra usos en muchos campos de la ciencia y los negocios, así como con fines de entretenimiento y comunicación de masas .
En la década de 1830 se inventaron tres soluciones diferentes para las imágenes en movimiento basadas en el concepto de tambores y discos giratorios: el estroboscopio de Simon von Stampfer en Austria, el fenaquistoscopio de Joseph Plateau en Bélgica y el zoótropo de William Horner en Gran Bretaña.
En 1845, Francis Ronalds inventó la primera cámara capaz de realizar grabaciones continuas de las indicaciones cambiantes de los instrumentos meteorológicos y geomagnéticos a lo largo del tiempo. Las cámaras se suministraron a numerosos observatorios de todo el mundo y algunas se mantuvieron en uso hasta bien entrado el siglo XX. [2] [3] [4]
William Lincoln patentó en 1867 un aparato que mostraba imágenes animadas llamado "rueda de la vida" o " zoopraxiscopio ". En él se observaban dibujos o fotografías en movimiento a través de una rendija.
El 19 de junio de 1878, Eadweard Muybridge fotografió con éxito a un caballo llamado " Sallie Gardner " en cámara rápida utilizando una serie de 24 cámaras estereoscópicas. Las cámaras estaban dispuestas a lo largo de una pista paralela a la del caballo, y el obturador de cada cámara estaba controlado por un cable trampa que se activaba con los cascos del caballo. Estaban separadas 21 pulgadas para cubrir los 20 pies que recorría la zancada del caballo, tomando fotografías a una milésima de segundo. [5] A finales de la década, Muybridge había adaptado secuencias de sus fotografías a un zoopraxiscopio para proyectar "películas" breves y primitivas, que causaron sensación en sus giras de conferencias en 1879 o 1880.
Cuatro años más tarde, en 1882, el científico francés Étienne-Jules Marey inventó una pistola cronofotográfica, capaz de tomar 12 fotogramas consecutivos por segundo y registrar todos los fotogramas de la misma fotografía.
A finales del siglo XIX y principios del XX, el uso del cine comenzó a ser común, no solo con fines de entretenimiento, sino también para la exploración científica. El biólogo y cineasta francés Jean Painleve ejerció una fuerte presión a favor del uso del cine en el campo científico, ya que el nuevo medio era más eficiente para capturar y documentar el comportamiento, el movimiento y el entorno de microorganismos, células y bacterias que el ojo desnudo. [6] La introducción del cine en los campos científicos permitió no solo la visualización de "nuevas imágenes y objetos, como células y objetos naturales, sino también su visualización en tiempo real", [6] mientras que antes de la invención de las imágenes en movimiento, tanto los científicos como los médicos tenían que depender de bocetos hechos a mano de la anatomía humana y sus microorganismos. Esto supuso un gran inconveniente para el mundo científico y médico. El desarrollo del cine y el mayor uso de cámaras permitieron a los médicos y científicos comprender y conocer mejor sus proyectos. [ cita requerida ]
Los orígenes del cine actual se remontan a los hermanos Lumière , Auguste y Louis, quienes en 1895 desarrollaron una máquina llamada Cinematographe, que tenía la capacidad de capturar y mostrar imágenes en movimiento. La era temprana del cine vio una rápida innovación. Los cineastas descubrieron y aplicaron nuevos métodos como la edición, los efectos especiales, los primeros planos, etc. Hollywood comenzó a surgir como la meca de la industria cinematográfica, y muchos de los estudios famosos en la actualidad como Warner Bros y Paramount Pictures comenzaron a gobernar el mundo del cine. Con el tiempo, el cine y la cinematografía han cambiado drásticamente. Desde las películas mudas de principios del siglo XX, hasta la capacidad de agregar sonido a las películas en la década de 1920, las películas de pantalla ancha y en color en los años 50, han surgido enormes mejoras en la creatividad y la metodología en general.
La película experimental Roundhay Garden Scene , filmada por Louis Le Prince en Roundhay , Leeds , Inglaterra, el 14 de octubre de 1888, es la película cinematográfica más antigua que se conserva. [7] Esta película se filmó en película de papel. [8]
El inventor británico William Friese Greene desarrolló una cámara de película experimental y la patentó en 1889. [9] WKL Dickson , trabajando bajo la dirección de Thomas Alva Edison , fue el primero en diseñar un aparato exitoso, el kinetógrafo , [10] patentado en 1891. [11] Esta cámara tomó una serie de fotografías instantáneas en emulsión fotográfica estándar Eastman Kodak recubierta sobre una tira de celuloide transparente de 35 mm de ancho. Los resultados de este trabajo se mostraron por primera vez en público en 1893, utilizando el aparato de visualización también diseñado por Dickson, el kinetoscopio . Contenido dentro de una caja grande, solo una persona a la vez que miraba a través de una mirilla podía ver la película.
Al año siguiente, Charles Francis Jenkins y su proyector, el Phantoscope , [12] tuvieron un gran éxito en las proyecciones de público, mientras que Louis y Auguste Lumière perfeccionaron el Cinématographe , un aparato que tomaba, imprimía y proyectaba películas, en París en diciembre de 1895. [13] Los hermanos Lumière fueron los primeros en presentar imágenes fotográficas proyectadas y en movimiento a un público de pago compuesto por más de una persona.
En 1896, se abrieron salas de cine en Francia (París, Lyon , Burdeos , Niza, Marsella ); Italia ( Roma , Milán, Nápoles , Génova , Venecia, Bolonia , Forlì ); Bruselas ; y Londres. Las mejoras cronológicas en el medio pueden enumerarse de forma concisa. En 1896, Edison mostró su proyector Vitascope mejorado, el primer proyector comercialmente exitoso en los EE. UU. Cooper Hewitt inventó las lámparas de mercurio que hicieron que fuera práctico filmar películas en interiores sin luz solar en 1905. El primer dibujo animado se produjo en 1906. Los créditos comenzaron a aparecer al comienzo de las películas en 1911. La cámara de cine Bell and Howell 2709 inventada en 1915 permitió a los directores hacer primeros planos sin mover físicamente la cámara. A fines de la década de 1920, la mayoría de las películas producidas eran películas sonoras. Los formatos de pantalla ancha se experimentaron por primera vez en la década de 1950. En la década de 1970, la mayoría de las películas eran películas en color. El formato IMAX y otros formatos de 70 mm ganaron popularidad. La distribución amplia de películas se volvió algo común, sentando las bases para los "éxitos de taquilla". La cinematografía cinematográfica dominó la industria cinematográfica desde sus inicios hasta la década de 2010, cuando la cinematografía digital se volvió dominante. Algunos directores aún utilizan la cinematografía cinematográfica, especialmente en aplicaciones específicas o por afición al formato. [ cita requerida ]
Desde su nacimiento en la década de 1880, las películas fueron predominantemente monocromas. Contrariamente a la creencia popular, monocromo no siempre significa blanco y negro; significa una película filmada en un solo tono o color. Dado que el costo de las bases de película tintadas era sustancialmente más alto, la mayoría de las películas se produjeron en blanco y negro. Incluso con la llegada de los primeros experimentos con color, el mayor gasto en color significó que las películas se hicieron principalmente en blanco y negro hasta la década de 1950, cuando se introdujeron procesos de color más económicos y en algunos años el porcentaje de películas filmadas en película de color superó el 51%. En la década de 1960, el color se convirtió con diferencia en la película dominante. En las décadas siguientes, el uso de película de color aumentó considerablemente, mientras que las películas monocromas escasearon.
La cinematografía en blanco y negro es una técnica utilizada en la realización cinematográfica en la que las imágenes se capturan y se presentan en tonos de gris, sin color. Este enfoque artístico tiene una rica historia y se ha empleado en varias películas a lo largo de la evolución del cine. Es una herramienta poderosa que permite a los cineastas enfatizar el contraste, la textura y la iluminación, mejorando la experiencia de narración visual. El uso de la cinematografía en blanco y negro se remonta a los primeros días del cine, cuando la película en color aún no estaba disponible. Los cineastas dependían de esta técnica para crear películas visualmente impactantes y atmosféricas. Incluso con la llegada de la tecnología de la película en color, la cinematografía en blanco y negro siguió utilizándose con fines artísticos y temáticos.
El libro de Ken Dancyger The Technique of Film and Video Editing: History, Theory, and Practice ofrece información valiosa sobre los aspectos históricos y teóricos de la cinematografía en blanco y negro. Dancyger explora cómo se ha empleado esta técnica a lo largo de la historia del cine, examinando su impacto en la narración, el estado de ánimo y la estética visual. El libro profundiza en las decisiones artísticas y las consideraciones técnicas involucradas en la creación de imágenes atractivas en blanco y negro, ofreciendo una comprensión integral de la técnica.
La cinematografía en blanco y negro permite a los cineastas centrarse en la interacción de la luz y la sombra, enfatizando el contraste entre los diferentes elementos dentro de una escena. Esta técnica puede evocar una sensación de nostalgia, evocar un período de tiempo específico o crear una sensación atemporal y clásica. Al eliminar el color, los cineastas pueden enfatizar la composición, las formas y las texturas dentro del marco, mejorando el impacto visual. Entre las películas notables que han empleado la cinematografía en blanco y negro se incluyen clásicos como Casablanca (1942), Toro salvaje (1980) y La lista de Schindler (1993). Estas películas muestran el poder y la versatilidad de la cinematografía en blanco y negro para crear imágenes con resonancia emocional. La cinematografía en blanco y negro sigue siendo una técnica relevante y ampliamente utilizada en la cinematografía moderna. Los cineastas continúan empleándola para evocar estados de ánimo específicos, transmitir una sensación de atemporalidad y mejorar la expresión artística de sus historias.
Tras la aparición de las películas, se invirtió una enorme cantidad de energía en la producción de fotografías en color natural. [14] La invención de la película sonora aumentó aún más la demanda del uso de la fotografía en color. Sin embargo, en comparación con otros avances tecnológicos de la época, la llegada de la fotografía en color fue un proceso relativamente lento. [15]
Las primeras películas no eran en color, ya que se rodaban en blanco y negro y luego se coloreaban a mano o a máquina (a estas películas se las denomina coloreadas y no a color ). El primer ejemplo de este tipo es Annabelle Serpentine Dance, coloreada a mano en 1895 por Edison Manufacturing Company . El teñido a máquina se hizo popular más tarde. El teñido continuó hasta la llegada de la cinematografía en color natural en la década de 1910. Muchas películas en blanco y negro se han coloreado recientemente mediante el teñido digital. Esto incluye material filmado en ambas guerras mundiales, eventos deportivos y propaganda política. [ cita requerida ]
En 1902, Edward Raymond Turner produjo las primeras películas con un proceso de color natural en lugar de utilizar técnicas de coloración. [16] En 1909, Kinemacolor se mostró por primera vez al público. [17]
En 1917 se presentó la primera versión de Technicolor . En 1935 se presentó Kodachrome . En 1950 se presentó Eastmancolor , que se convirtió en el estándar de color para el resto del siglo. [ cita requerida ]
En la década de 2010, las películas en color fueron reemplazadas en gran medida por la cinematografía digital en color. [ cita requerida ]
En la cinematografía digital, la película se filma en un medio digital como un almacenamiento flash , y también se distribuye a través de un medio digital como un disco duro .
La base de las cámaras digitales son los sensores de imagen de semiconductor de óxido de metal (MOS) . [18] El primer sensor de imagen de semiconductor práctico fue el dispositivo de carga acoplada (CCD), [19] basado en la tecnología de condensadores MOS . [18] Tras la comercialización de los sensores CCD a finales de los años 1970 y principios de los años 1980, la industria del entretenimiento comenzó lentamente a realizar la transición a la imagen digital y el vídeo digital durante las dos décadas siguientes. [20] Al CCD le siguió el sensor de píxeles activos CMOS ( sensor CMOS ), [21] desarrollado en los años 1990. [22] [23]
A finales de los años 1980, Sony comenzó a comercializar el concepto de " cinematografía electrónica ", utilizando sus cámaras de vídeo profesionales analógicas Sony HDVS . El esfuerzo tuvo muy poco éxito. Sin embargo, esto dio lugar a una de las primeras películas filmadas digitalmente, Julia y Julia (1987). [ cita requerida ] En 1998, con la introducción de las grabadoras HDCAM y las cámaras de vídeo profesionales digitales de 1920 × 1080 píxeles basadas en tecnología CCD, la idea, ahora rebautizada como "cinematografía digital", comenzó a ganar terreno. [ cita requerida ]
Filmada y estrenada en 1998, The Last Broadcast es considerada por algunos como el primer largometraje filmado y editado íntegramente en equipos digitales de consumo. [24] En mayo de 1999, George Lucas desafió la supremacía del medio cinematográfico por primera vez al incluir material filmado con cámaras digitales de alta definición en Star Wars: Episodio I - La amenaza fantasma . A fines de 2013, Paramount se convirtió en el primer estudio importante en distribuir películas a los cines en formato digital, eliminando por completo la película de 35 mm. Desde entonces, la demanda de películas que se revelan en formato digital en lugar de 35 mm ha aumentado significativamente. [ cita requerida ]
A medida que la tecnología digital fue mejorando, los estudios cinematográficos comenzaron a adoptar cada vez más la cinematografía digital. Desde la década de 2010, la cinematografía digital se ha convertido en la forma dominante de cinematografía, después de haber reemplazado en gran medida a la cinematografía cinematográfica. [ cita requerida ]
Numerosos aspectos contribuyen al arte de la cinematografía, entre ellos:
Las primeras cámaras de película se fijaban directamente a la cabeza de un trípode u otro soporte, y solo se les proporcionaban dispositivos de nivelación de la más rudimentaria clase, a la manera de los trípodes de las cámaras de fotos de la época. Las primeras cámaras de película se fijaban así de manera efectiva durante la toma, y por lo tanto los primeros movimientos de la cámara fueron el resultado de montar una cámara en un vehículo en movimiento. La primera de ellas que se conoce fue una película filmada por un camarógrafo de Lumière desde la plataforma trasera de un tren que salía de Jerusalén en 1896, y en 1898, ya había varias películas filmadas desde trenes en movimiento. Aunque aparecían bajo el título general de "panoramas" en los catálogos de ventas de la época, las películas filmadas directamente desde delante de una locomotora se denominaban por lo general " paseos fantasma ".
En 1897, Robert W. Paul mandó fabricar el primer cabezal giratorio para cámara que se podía colocar sobre un trípode, de modo que pudiera seguir en una sola toma ininterrumpida el paso de las procesiones del Jubileo de Diamante de la Reina Victoria . Este dispositivo tenía la cámara montada sobre un eje vertical que podía girar mediante un engranaje helicoidal accionado mediante el giro de una manivela, y Paul lo puso a la venta al año siguiente. Las tomas realizadas con este cabezal "panorámico" también se denominaban "panoramas" en los catálogos de películas de la primera década del cine. Esto condujo finalmente a la creación de la fotografía panorámica.
El estudio que Georges Méliès mandó construir en 1897 fue el modelo estándar de los primeros estudios cinematográficos. Tenía un techo de cristal y tres paredes de cristal, construidos siguiendo el modelo de los grandes estudios de fotografía fija, y estaba equipado con finas telas de algodón que se podían estirar por debajo del techo para difundir los rayos directos del sol en los días soleados. La suave luz general sin sombras reales que producía esta disposición, que también existe de forma natural en los días ligeramente nublados, se convertiría en la base de la iluminación cinematográfica en los estudios cinematográficos durante la década siguiente.
La cinematografía en blanco y negro es una técnica utilizada en la realización cinematográfica en la que las imágenes se capturan y se presentan en tonos de gris, sin color. Este enfoque artístico tiene una rica historia y se ha empleado en varias películas a lo largo de la evolución del cine. Es una herramienta poderosa que permite a los cineastas enfatizar el contraste, la textura y la iluminación, mejorando la experiencia de la narración visual. El uso de la cinematografía en blanco y negro se remonta a los primeros días del cine, cuando la película en color aún no estaba disponible. Los cineastas dependían de esta técnica para crear películas visualmente impactantes y atmosféricas. Incluso con el advenimiento de la tecnología de la película en color, la cinematografía en blanco y negro continuó utilizándose con fines artísticos y temáticos. El libro de Ken Dancyger The Technique of Film and Video Editing: History, Theory, and Practice proporciona información valiosa sobre los aspectos históricos y teóricos de la cinematografía en blanco y negro. Dancyger explora cómo se ha empleado esta técnica a lo largo de la historia del cine, examinando su impacto en la narración, el estado de ánimo y la estética visual. El libro profundiza en las elecciones artísticas y las consideraciones técnicas involucradas en la creación de imágenes atractivas en blanco y negro, ofreciendo una comprensión integral de la técnica.
La cinematografía en blanco y negro permite a los cineastas centrarse en la interacción de la luz y la sombra, enfatizando el contraste entre los diferentes elementos dentro de una escena. Esta técnica puede evocar una sensación de nostalgia, evocar un período de tiempo específico o crear una sensación atemporal y clásica. Al eliminar el color, los cineastas pueden enfatizar la composición, las formas y las texturas dentro del marco, mejorando el impacto visual. Entre las películas notables que han empleado la cinematografía en blanco y negro se incluyen clásicos como Casablanca (1942), Toro salvaje (1980) y La lista de Schindler (1993). Estas películas muestran el poder y la versatilidad de la cinematografía en blanco y negro para crear imágenes con resonancia emocional. La cinematografía en blanco y negro sigue siendo una técnica relevante y ampliamente utilizada en la cinematografía moderna. Los cineastas continúan empleándola para evocar estados de ánimo específicos, transmitir una sensación de atemporalidad y mejorar la expresión artística de sus historias.
Existen muchos tipos de cinematografía que difieren entre sí en función del propósito y el proceso de producción. Estos diferentes tipos de cinematografía son similares en el sentido de que todos tienen el objetivo de transmitir una emoción, un estado de ánimo o un sentimiento específico. Sin embargo, cada estilo diferente puede transmitir emociones y propósitos diferentes. Algunos ejemplos de diferentes tipos de cinematografía pueden conocerse como realismo. Este estilo de cinematografía tiene como objetivo crear una representación realista del mundo, a menudo utilizando iluminación natural, cámaras de mano y un enfoque de filmación similar al de un documental. El Hollywood clásico es un estilo de cinematografía que se caracteriza por el uso de películas muy pulidas y producidas en estudio con escenarios glamorosos, iluminación brillante y narrativas romantizadas. El cine negro es un estilo de cinematografía que se caracteriza por el uso de un marcado contraste y una iluminación de claroscuro, una iluminación discreta y una atmósfera oscura y melancólica. A menudo presenta crímenes, misterio y personajes moralmente ambiguos.
Para transmitir estados de ánimo, emociones, narrativa y otros factores dentro de la toma, la cinematografía se implementa utilizando diferentes aspectos dentro de una película. La iluminación en la escena puede afectar el estado de ánimo de una escena o película. Las tomas más oscuras con menos luz natural pueden ser sombrías, aterradoras, tristes, intensas. La iluminación más brillante puede equivaler a un estado de ánimo más feliz, emocionante y positivo. El ángulo de la cámara puede afectar a una escena al establecer la perspectiva. Transmite cómo los personajes o el público ven algo y a través de qué ángulo. El ángulo de la cámara también puede desempeñar un papel importante al resaltar un detalle de primer plano o un entorno de fondo. Un ángulo de primer plano puede resaltar detalles en la cara de alguien, mientras que una lente más amplia puede brindar información clave que ocurre en el fondo de una toma. La distancia de la cámara puede resaltar detalles específicos que pueden ser importantes para una toma de película. Desde muy lejos, un grupo de personas puede verse igual, pero una vez que se acerca mucho, el espectador puede ver diferencias dentro de la población a través de detalles como la expresión facial y el lenguaje corporal. El color es similar a la iluminación, en la forma en que juega un papel importante en la creación de estados de ánimo y emociones a lo largo de una toma. Un color como el verde puede transmitir equilibrio y paz a través de escenas de la naturaleza. Una toma con mucho rojo puede expresar ira, intensidad, pasión o amor. Si bien es posible que algunas de estas emociones no surjan intencionalmente al ver el color, es un hecho subconsciente que el color dentro de la cinematografía puede tener un gran efecto. La velocidad es un elemento vital en la cinematografía que se puede utilizar de diversas formas, como la creación de acción o una sensación de movimiento. La velocidad también se puede utilizar para ralentizar el tiempo, resaltar momentos importantes y, a menudo, crear una sensación de suspenso en una película. La cámara lenta es una técnica que implica filmar a una velocidad de fotogramas más alta y luego reproducir el metraje nuevamente a una velocidad normal. Esto crea un efecto de ralentización en la película, que puede enfatizar o agregar fluidez a una escena. Por otro lado, la cámara rápida es lo opuesto a la cámara lenta, filmar a una velocidad de fotogramas más baja y luego reproducir la película a una velocidad normal. Esto crea un efecto acelerado que puede ayudar a enfatizar el paso del tiempo o crear una sensación de urgencia. El time lapse es cuando se toman una serie de fotografías fijas a intervalos regulares durante un largo período de tiempo. A partir de aquí, si las reproduces continuamente, se muestra un efecto acelerado. Los time lapses se utilizan de manera más efectiva para mostrar cosas como amaneceres, movimiento natural o crecimiento. Se utilizan comúnmente para mostrar el paso del tiempo en una secuencia más corta. El movimiento inverso es filmar una escena normalmente y luego reproducir la película en reversa. Esto generalmente se utiliza para crear efectos poco comunes/surrealistas y crear escenas inusuales. Las diversas técnicas que involucran velocidad pueden agregar intensidad y ambiente a una película, mostrar el paso del tiempo y tener muchos otros efectos. El movimiento de cámara dentro de una película puede desempeñar un papel en la mejora de la calidad visual y el impacto de una película.Algunos aspectos del movimiento de la cámara que contribuyen a esto son:
La cinematografía puede comenzar con un sensor de imagen digital o con rollos de película. Los avances en la emulsión de la película y la estructura del grano proporcionaron una amplia gama de tipos de películas disponibles . La selección de un tipo de película es una de las primeras decisiones que se toman al preparar una producción cinematográfica típica.
Además de la selección de calibres de película ( 8 mm (aficionado), 16 mm (semiprofesional), 35 mm (profesional) y 65 mm (fotografía épica, rara vez utilizada excepto en lugares para eventos especiales), el director de fotografía tiene una selección de existencias en formatos inversos (que, cuando se revelan, crean una imagen positiva) y negativos junto con una amplia gama de velocidades de película (que varían la sensibilidad a la luz) desde ISO 50 (lenta, menos sensible a la luz) a 800 (muy rápida, extremadamente sensible a la luz) y diferentes respuestas al color (baja saturación , alta saturación) y al contraste (niveles variables entre negro puro (sin exposición) y blanco puro (sobreexposición completa). Los avances y ajustes a casi todos los calibres de película crean los formatos "súper" en los que se expande el área de la película utilizada para capturar un solo fotograma de una imagen, aunque el calibre físico de la película sigue siendo el mismo. Súper 8 mm , Súper 16 mm y Súper Las películas de 35 mm utilizan una mayor superficie total de la película para la imagen que sus homólogas "normales" que no son de súper resolución. Cuanto mayor sea el calibre de la película, mayor será la claridad y la calidad técnica de la resolución general de la imagen. Las técnicas que se utilizan en el laboratorio cinematográfico para procesar la película también pueden ofrecer una variación considerable en la imagen producida. Al controlar la temperatura y variar el tiempo en el que la película se sumerge en los productos químicos de revelado, y al omitir ciertos procesos químicos (o omitirlos parcialmente todos), los directores de fotografía pueden lograr looks muy diferentes a partir de una sola película en el laboratorio. Algunas técnicas que se pueden utilizar son el procesamiento forzado , la omisión del blanqueador y el procesamiento cruzado .
La mayor parte del cine moderno utiliza cinematografía digital y no tiene películas [ cita requerida ] , pero las cámaras en sí pueden ajustarse de maneras que van mucho más allá de las capacidades de una película en particular. Pueden proporcionar distintos grados de sensibilidad del color, contraste de imagen, sensibilidad a la luz, etc. Una cámara puede lograr todos los diferentes aspectos de diferentes emulsiones. Los ajustes de imagen digital, como ISO y contraste, se ejecutan estimando los mismos ajustes que se realizarían si se usara película real y, por lo tanto, son vulnerables a las percepciones de los diseñadores del sensor de la cámara de varias películas y parámetros de ajuste de imagen.
Los filtros , como los filtros de difusión o los filtros de efectos de color, también se utilizan ampliamente para mejorar el estado de ánimo o los efectos dramáticos. La mayoría de los filtros fotográficos están formados por dos piezas de vidrio óptico pegadas entre sí con algún tipo de material de manipulación de la imagen o la luz entre el vidrio. En el caso de los filtros de color, a menudo hay un medio de color translúcido presionado entre dos planos de vidrio óptico. Los filtros de color funcionan bloqueando ciertas longitudes de onda de luz de color para que no lleguen a la película. Con la película de color, esto funciona de manera muy intuitiva, ya que un filtro azul reducirá el paso de la luz roja, naranja y amarilla y creará un tinte azul en la película. En la fotografía en blanco y negro, los filtros de color se utilizan de forma un tanto contraintuitiva; por ejemplo, un filtro amarillo, que reduce las longitudes de onda de luz azul, se puede utilizar para oscurecer un cielo diurno (eliminando la luz azul que llega a la película, subexponiendo así en gran medida el cielo mayoritariamente azul) sin sesgar la mayoría de los tonos de piel humana. Los filtros se pueden utilizar delante de la lente o, en algunos casos, detrás de la lente para obtener diferentes efectos.
Ciertos directores de fotografía, como Christopher Doyle , son bien conocidos por su uso innovador de filtros; Doyle fue un pionero en el aumento del uso de filtros en las películas y es muy respetado en todo el mundo del cine.
Se pueden colocar lentes en la cámara para dar un aspecto, una sensación o un efecto determinado mediante el enfoque, el color, etc. Al igual que el ojo humano , la cámara crea perspectiva y relaciones espaciales con el resto del mundo. Sin embargo, a diferencia del ojo humano, un director de fotografía puede seleccionar diferentes lentes para diferentes propósitos. La variación en la distancia focal es uno de los principales beneficios. La distancia focal de la lente determina el ángulo de visión y, por lo tanto, el campo de visión . Los directores de fotografía pueden elegir entre una gama de lentes gran angular , lentes "normales" y lentes de enfoque largo , así como lentes macro y otros sistemas de lentes de efectos especiales, como lentes de boroscopio . Las lentes gran angular tienen distancias focales cortas y hacen que las distancias espaciales sean más obvias. Una persona en la distancia se muestra mucho más pequeña, mientras que alguien en el frente parecerá más grande. Por otro lado, las lentes de enfoque largo reducen tales exageraciones, representando objetos lejanos como aparentemente cercanos y aplanando la perspectiva. Las diferencias entre la representación de la perspectiva en realidad no se deben a la distancia focal en sí, sino a la distancia entre los sujetos y la cámara. Por lo tanto, el uso de diferentes distancias focales en combinación con diferentes distancias entre la cámara y el sujeto crea estas representaciones diferentes. Cambiar solo la distancia focal mientras se mantiene la misma posición de la cámara no afecta la perspectiva, sino solo el ángulo de visión de la cámara.
Un objetivo zoom permite al operador de cámara cambiar su longitud focal dentro de una toma o rápidamente entre configuraciones para tomas. Como los objetivos fijos ofrecen una mayor calidad óptica y son "más rápidos" (mayores aberturas de apertura, utilizables con menos luz) que los objetivos zoom, a menudo se emplean en la cinematografía profesional en lugar de los objetivos zoom. Sin embargo, ciertas escenas o incluso tipos de realización cinematográfica pueden requerir el uso de zooms por velocidad o facilidad de uso, así como tomas que impliquen un movimiento del zoom.
Como en el resto de la fotografía, el control de la imagen expuesta se realiza en el objetivo con el control de la apertura del diafragma . Para una correcta selección, el director de fotografía necesita que todos los objetivos tengan grabado el T-stop , no el f-stop para que la eventual pérdida de luz debida al cristal no afecte al control de la exposición al ajustarla mediante los medidores habituales. La elección de la apertura también afecta a la calidad de la imagen (aberraciones) y a la profundidad de campo.
La distancia focal y la apertura del diafragma afectan la profundidad de campo de una escena, es decir, cuánto se reproducirán en "foco aceptable" (solo un plano exacto de la imagen está enfocado con precisión) el fondo, el plano medio y el primer plano en el objetivo de la película o el video. La profundidad de campo (que no debe confundirse con la profundidad de enfoque ) está determinada por el tamaño de la apertura y la distancia focal. Una profundidad de campo grande o profunda se genera con una apertura de iris muy pequeña y enfocando un punto en la distancia, mientras que una profundidad de campo reducida se logrará con una apertura de iris grande (abierta) y enfocando más cerca del lente. La profundidad de campo también está determinada por el tamaño del formato. Si se considera el campo de visión y el ángulo de visión, cuanto más pequeña sea la imagen, más corta debe ser la distancia focal, para mantener el mismo campo de visión. Entonces, cuanto más pequeña sea la imagen, más profundidad de campo se obtendrá, para el mismo campo de visión. Por lo tanto, 70 mm tiene menos profundidad de campo que 35 mm para un campo de visión determinado, 16 mm más que 35 mm y las primeras cámaras de vídeo, así como la mayoría de las cámaras de vídeo modernas de nivel de consumidor, incluso más profundidad de campo que 16 mm.
En Ciudadano Kane (1941), el director de fotografía Gregg Toland y el director Orson Welles utilizaron aperturas más cerradas para crear cada detalle del primer plano y el fondo de los decorados con un enfoque nítido. Esta práctica se conoce como enfoque profundo . El enfoque profundo se convirtió en un recurso cinematográfico popular a partir de la década de 1940 en Hollywood. Hoy en día, la tendencia es hacia un enfoque más superficial . Cambiar el plano de enfoque de un objeto o personaje a otro dentro de una toma se conoce comúnmente como enfoque de bastidor .
Al principio de la transición a la cinematografía digital, la incapacidad de las cámaras de vídeo digitales para lograr fácilmente una profundidad de campo reducida, debido a sus pequeños sensores de imagen, fue inicialmente un problema de frustración para los cineastas que intentaban emular el aspecto de la película de 35 mm. Se idearon adaptadores ópticos que lograban esto montando una lente de formato más grande que proyectaba su imagen, al tamaño del formato más grande, en una pantalla de vidrio esmerilado que preservaba la profundidad de campo. Luego, el adaptador y la lente se montaban en la cámara de vídeo de formato pequeño que, a su vez, enfocaba en la pantalla de vidrio esmerilado.
Las cámaras digitales SLR tienen sensores de tamaño similar al de las cámaras de película de 35 mm y, por lo tanto, pueden producir imágenes con una profundidad de campo similar. La llegada de las funciones de vídeo a estas cámaras provocó una revolución en la cinematografía digital, ya que cada vez más cineastas adoptaban cámaras de fotografía para este propósito debido a las cualidades similares a las de las películas de sus imágenes. Más recientemente, cada vez más cámaras de vídeo especializadas están equipadas con sensores más grandes capaces de lograr una profundidad de campo similar a la de una película de 35 mm.
La relación de aspecto de una imagen es la relación entre su ancho y su alto. Puede expresarse como una relación de dos números enteros, como 4:3, o en formato decimal, como 1,33:1 o simplemente 1,33. Las distintas relaciones de aspecto proporcionan distintos efectos estéticos. Los estándares de relación de aspecto han variado significativamente a lo largo del tiempo.
Durante la era del cine mudo, las relaciones de aspecto variaban ampliamente, desde el formato cuadrado 1:1 hasta el formato panorámico extremo 4:1 Polyvision . Sin embargo, a partir de la década de 1910, las películas mudas generalmente se establecieron en la relación de aspecto de 4:3 (1,33). La introducción del sonido en la película redujo brevemente la relación de aspecto, para dejar espacio para una franja de sonido. En 1932, se introdujo un nuevo estándar, la relación de aspecto de la Academia de 1,37, mediante el engrosamiento de la línea del marco .
Durante años, los directores de fotografía convencionales se vieron limitados a utilizar el formato de la Academia, pero en la década de 1950, gracias a la popularidad del Cinerama , se introdujeron formatos panorámicos en un esfuerzo por atraer al público a las salas de cine y alejarlo de sus televisores domésticos . Estos nuevos formatos panorámicos proporcionaron a los directores de fotografía un marco más amplio dentro del cual componer sus imágenes.
En la década de 1950 se inventaron y utilizaron muchos sistemas fotográficos propietarios diferentes para crear películas de pantalla ancha, pero uno dominó el cine: el proceso anamórfico , que comprime ópticamente la imagen para fotografiar el doble del área horizontal al mismo tamaño vertical que las lentes "esféricas" estándar. El primer formato anamórfico de uso común fue CinemaScope , que utilizaba una relación de aspecto de 2,35, aunque originalmente era de 2,55. CinemaScope se utilizó desde 1953 hasta 1967, pero debido a fallas técnicas en el diseño y su propiedad por parte de Fox, varias empresas de terceros, lideradas por las mejoras técnicas de Panavision en la década de 1950, dominaron el mercado de lentes de cine anamórficas. Los cambios en los estándares de proyección SMPTE alteraron la relación proyectada de 2,35 a 2,39 en 1970, aunque esto no cambió nada con respecto a los estándares anamórficos fotográficos; Todos los cambios en relación con la relación de aspecto de la fotografía anamórfica de 35 mm son específicos de los tamaños de las puertas de las cámaras o los proyectores, no del sistema óptico. Después de las "guerras de pantalla ancha" de los años 50, la industria cinematográfica adoptó el formato 1,85 como estándar para la proyección en salas de cine en Estados Unidos y el Reino Unido. Se trata de una versión recortada del formato 1,37. Europa y Asia optaron por el formato 1,66 al principio, aunque el formato 1,85 ha permeado ampliamente estos mercados en las últimas décadas. Algunas películas "épicas" o de aventuras utilizaron el formato anamórfico 2,39 (a menudo denominado incorrectamente "2,40").
En la década de 1990, con la llegada del vídeo de alta definición , los ingenieros de televisión crearon la relación de aspecto 1,78 (16:9) como un compromiso matemático entre el estándar de cine de 1,85 y el de televisión de 1,33, ya que no era práctico producir un tubo de televisión CRT tradicional con un ancho de 1,85. Hasta ese cambio, nunca se había creado nada en 1,78. Hoy en día, este es un estándar para el vídeo de alta definición y para la televisión de pantalla ancha.
La luz es necesaria para crear una exposición de imagen en un fotograma de una película o en un objetivo digital (CCD, etc.). Sin embargo, el arte de la iluminación para la cinematografía va mucho más allá de la exposición básica y se adentra en la esencia de la narración visual. La iluminación contribuye considerablemente a la respuesta emocional que tiene el público al ver una película. El aumento del uso de filtros puede afectar en gran medida a la imagen final y a la iluminación.
Importancia de la iluminación en el cine La iluminación en el cine es esencial por tres razones principales: visibilidad, composición y estado de ánimo. En primer lugar, la iluminación garantiza que el sujeto o la escena estén correctamente iluminados, lo que permite a los espectadores percibir los detalles y comprender la narrativa. Ayuda a guiar la atención de la audiencia a elementos específicos dentro del encuadre, destacando personajes u objetos importantes. En segundo lugar, la iluminación contribuye a la composición de una toma. Los cineastas colocan luces estratégicamente para crear equilibrio, profundidad e interés visual dentro del encuadre. Les permite controlar los elementos visuales dentro de la escena, enfatizando ciertas áreas y desestimando otras. Por último, la iluminación afecta significativamente el estado de ánimo y la atmósfera de una película. Al manipular la intensidad, el color y la dirección de la luz, los cineastas pueden evocar diferentes emociones y mejorar la narrativa. La iluminación brillante y uniforme puede evocar una sensación de seguridad y felicidad, mientras que la iluminación discreta con sombras puede crear tensión, misterio o miedo. La elección del estilo de iluminación también puede reflejar el género de la película, como la iluminación de alto contraste que se usa comúnmente en el cine negro.
Técnicas de iluminación
En la realización cinematográfica se emplean numerosas técnicas de iluminación para lograr los efectos deseados. A continuación, se muestran algunas técnicas comúnmente utilizadas: Iluminación de tres puntos: esta técnica clásica implica el uso de tres luces: la luz principal, la luz de relleno y la luz de fondo. La luz principal sirve como fuente principal, iluminando al sujeto desde un lado para crear profundidad y dimensión. La luz de relleno reduce las sombras causadas por la luz principal, suavizando la iluminación general. La luz de fondo separa al sujeto del fondo, proporcionando un efecto de halo y mejorando la sensación de profundidad. Iluminación en clave alta: la iluminación en clave alta produce una escena brillante y uniformemente iluminada, a menudo utilizada en comedias o películas alegres. Minimiza las sombras, creando una atmósfera alegre y animada. Iluminación en clave baja: la iluminación en clave baja implica el uso de una sola luz principal o unas pocas luces colocadas estratégicamente para crear fuertes contrastes y sombras profundas. Esta técnica se utiliza comúnmente en los géneros de cine negro y de terror para evocar suspenso, misterio o miedo.
Iluminación natural:
Los cineastas a veces emplean la iluminación natural para crear un aspecto auténtico y realista. Esta técnica utiliza fuentes de luz existentes, como la luz del sol o lámparas prácticas, sin iluminación artificial adicional. Se suele ver en escenas al aire libre o películas que buscan una estética naturalista. Iluminación de color: el uso de luces o geles de colores puede alterar drásticamente el estado de ánimo y la atmósfera de una escena. Los diferentes colores evocan diferentes emociones y pueden mejorar la narración. Por ejemplo, los tonos cálidos como el rojo o el naranja pueden crear una sensación de calidez o pasión, mientras que los tonos fríos como el azul pueden transmitir tristeza o aislamiento.
La cinematografía no sólo puede representar un sujeto en movimiento, sino que también puede utilizar una cámara, que representa el punto de vista o la perspectiva del público, que se mueve durante el transcurso de la filmación. Este movimiento juega un papel considerable en el lenguaje emocional de las imágenes cinematográficas y en la reacción emocional del público a la acción. Las técnicas varían desde los movimientos más básicos de panorámica (desplazamiento horizontal del punto de vista desde una posición fija; como girar la cabeza de un lado a otro) e inclinación (desplazamiento vertical del punto de vista desde una posición fija; como inclinar la cabeza hacia atrás para mirar al cielo o hacia abajo para mirar al suelo) hasta el dollying (colocar la cámara en una plataforma móvil para acercarla o alejarla del sujeto), el tracking (colocar la cámara en una plataforma móvil para moverla hacia la izquierda o hacia la derecha), el craneing (mover la cámara en posición vertical; poder levantarla del suelo y balancearla de un lado a otro desde una posición base fija) y combinaciones de los anteriores. Los primeros directores de fotografía a menudo se enfrentaban a problemas que no eran comunes a otros artistas gráficos debido al elemento del movimiento. [25]
Las cámaras se han montado en casi todos los medios de transporte imaginables. La mayoría de las cámaras también pueden ser portátiles , es decir, sostenidas en las manos del operador de cámara que se mueve de una posición a otra mientras filma la acción. Las plataformas estabilizadoras personales surgieron a fines de la década de 1970 gracias a la invención de Garrett Brown , que se conoció como Steadicam . La Steadicam es un arnés corporal y un brazo estabilizador que se conecta a la cámara, sosteniendo la cámara mientras la aísla de los movimientos corporales del operador. Después de que la patente de Steadicam expirara a principios de la década de 1990, muchas otras empresas comenzaron a fabricar su concepto de estabilizador de cámara personal. Esta invención es mucho más común en todo el mundo cinematográfico en la actualidad. Desde largometrajes hasta noticias de la noche, cada vez más redes han comenzado a utilizar un estabilizador de cámara personal.
Los primeros efectos especiales en el cine se crearon durante el rodaje de la película. Se los conoció como efectos " en cámara ". Más tarde, se desarrollaron los efectos ópticos y digitales para que los editores y los artistas de efectos visuales pudieran controlar más de cerca el proceso manipulando la película en posproducción .
La película de 1896 La ejecución de María Estuardo muestra a un actor vestido como la reina colocando su cabeza en el tajo de ejecución frente a un pequeño grupo de espectadores vestidos con trajes isabelinos. El verdugo baja su hacha y la cabeza cortada de la reina cae al suelo. Este truco se realizaba deteniendo la cámara y reemplazando al actor por un maniquí, y luego reiniciando la cámara antes de que cayera el hacha. Luego, los dos trozos de película se recortaban y pegaban para que la acción pareciera continua cuando se proyectaba la película, creando así una ilusión general y sentando las bases para los efectos especiales.
Esta película fue una de las que se exportaron a Europa con las primeras máquinas de kinetoscopio en 1895 y fue vista por Georges Méliès, que estaba haciendo espectáculos de magia en su Théâtre Robert-Houdin en París en ese momento. Comenzó a hacer cine en 1896 y, después de hacer imitaciones de otras películas de Edison, Lumière y Robert Paul, hizo Escamotage d'un dame chez Robert-Houdin ( La dama que desaparece ) . Esta película muestra a una mujer a la que se hace desaparecer utilizando la misma técnica de stop motion que la película anterior de Edison. Después de esto, Georges Méliès hizo muchas películas de un solo plano utilizando este truco durante los siguientes años.
La otra técnica básica de la cinematografía con trucos es la doble exposición de la película en la cámara, que fue realizada por primera vez por George Albert Smith en julio de 1898 en el Reino Unido. The Corsican Brothers (1898) de Smith se describió en el catálogo de la Warwick Trading Company , que se hizo cargo de la distribución de las películas de Smith en 1900, de la siguiente manera:
"Uno de los hermanos gemelos regresa a casa después de haber estado filmando en las montañas de Córcega y recibe la visita del fantasma del otro hermano. Mediante una fotografía extremadamente cuidadosa, el fantasma parece *bastante transparente*. Después de indicar que ha sido asesinado por una estocada y pedir venganza, desaparece. Luego aparece una "visión" que muestra el duelo fatal en la nieve. Para asombro del corso, el duelo y la muerte de su hermano están vívidamente representados en la visión y, abrumado por sus sentimientos, cae al suelo justo cuando su madre entra en la habitación".
El efecto fantasma se logró cubriendo el decorado con terciopelo negro después de filmar la acción principal y luego volviendo a exponer el negativo con el actor que interpretaba al fantasma repitiendo las acciones en la parte correspondiente. Del mismo modo, la visión, que aparecía dentro de una viñeta circular o mate , se superponía de manera similar sobre un área negra en el fondo de la escena, en lugar de sobre una parte del decorado con detalles, de modo que nada apareciera a través de la imagen, que parecía bastante sólida. Smith volvió a utilizar esta técnica en Santa Claus (1898).
Georges Méliès utilizó por primera vez la superposición sobre un fondo oscuro en La Caverne maudite (La caverna de los demonios), realizada un par de meses después en 1898, [ cita requerida ] y la profundizó con numerosas superposiciones en el plano único de Un Homme de têtes ( Las cuatro cabezas inquietas ) . Creó más variaciones en películas posteriores.
Las imágenes en movimiento se presentan al público a una velocidad constante. En el cine, son 24 fotogramas por segundo , en la televisión NTSC (EE. UU.) son 30 fotogramas por segundo (29,97 para ser exactos) y en la televisión PAL (Europa) son 25 fotogramas por segundo. Esta velocidad de presentación no varía.
Sin embargo, al variar la velocidad a la que se captura la imagen, se pueden crear diversos efectos sabiendo que la imagen grabada más rápida o más lenta se reproducirá a una velocidad constante, lo que le da al director de fotografía aún más libertad para su creatividad y expresión.
Por ejemplo, la fotografía time-lapse se crea exponiendo una imagen a una velocidad extremadamente lenta. Si un director de fotografía configura una cámara para exponer un fotograma cada minuto durante cuatro horas y luego ese metraje se proyecta a 24 fotogramas por segundo, un acontecimiento de cuatro horas tardará 10 segundos en presentarse, y se pueden presentar los acontecimientos de un día entero (24 horas) en tan solo un minuto.
El caso inverso, si se captura una imagen a velocidades superiores a las que se presentará, el efecto es ralentizar considerablemente ( cámara lenta ) la imagen. Si un director de fotografía filma a una persona sumergiéndose en una piscina a 96 fotogramas por segundo y esa imagen se reproduce a 24 fotogramas por segundo, la presentación durará cuatro veces más que el evento real. La cámara lenta extrema, que captura muchos miles de fotogramas por segundo, puede presentar cosas normalmente invisibles para el ojo humano , como balas en vuelo y ondas de choque que viajan a través de los medios, una técnica cinematográfica potencialmente poderosa.
En las películas, la manipulación del tiempo y el espacio es un factor que contribuye considerablemente a las herramientas narrativas. La edición cinematográfica desempeña un papel mucho más importante en esta manipulación, pero la selección de la velocidad de fotogramas en la fotografía de la acción original también es un factor que contribuye a alterar el tiempo. Por ejemplo, Tiempos modernos de Charlie Chaplin se filmó a "velocidad silenciosa" (18 fps), pero se proyectó a "velocidad de sonido" (24 fps), lo que hace que la acción slapstick parezca aún más frenética.
El aumento de velocidad , o simplemente "rampa", es un proceso mediante el cual la velocidad de cuadros de captura de la cámara cambia con el tiempo. Por ejemplo, si en el transcurso de 10 segundos de captura, la velocidad de cuadros de captura se ajusta de 60 cuadros por segundo a 24 cuadros por segundo, cuando se reproduce a la velocidad de película estándar de 24 cuadros por segundo, se logra un efecto de manipulación del tiempo único. Por ejemplo, alguien que empuja una puerta para abrirla y sale a la calle parecería comenzar en cámara lenta , pero unos segundos después, dentro de la misma toma, la persona parecería caminar en "tiempo real" (velocidad normal). La rampa de velocidad opuesta se realiza en Matrix cuando Neo vuelve a ingresar a Matrix por primera vez para ver al Oráculo. Cuando sale del "punto de carga" del almacén, la cámara se acerca a Neo a velocidad normal, pero a medida que se acerca a la cara de Neo, el tiempo parece ralentizarse, presagiando la manipulación del tiempo mismo dentro de Matrix más adelante en la película.
GA Smith inició la técnica del movimiento inverso y también mejoró la calidad de las imágenes automotivadoras. Esto lo hizo repitiendo la acción una segunda vez mientras la filmaba con una cámara invertida y luego uniendo la cola del segundo negativo con la del primero. Las primeras películas que utilizaron esto fueron Tipsy, Topsy, Turvy y The Awkward Sign Painter , esta última en la que un pintor de carteles escribía letras en un cartel y luego la pintura del cartel desaparecía bajo el pincel del pintor. El ejemplo más antiguo que sobrevive de esta técnica es The House That Jack Built de Smith , realizada antes de septiembre de 1901. Aquí, se muestra a un niño pequeño derribando un castillo que acaba de construir una niña con bloques de construcción para niños. Luego aparece un título que dice "Reversed" y la acción se repite a la inversa para que el castillo se vuelva a erigir bajo sus golpes.
Cecil Hepworth mejoró esta técnica al imprimir el negativo del movimiento hacia adelante hacia atrás, fotograma a fotograma, de modo que en la producción de la copia la acción original se invirtió exactamente. Hepworth hizo The Bathers en 1900, en la que los bañistas que se han desvestido y saltado al agua parecen saltar hacia atrás fuera de ella y sus ropas vuelven a volar mágicamente sobre sus cuerpos.
El uso de distintas velocidades de cámara también apareció alrededor de 1900. En On a Runaway Motor Car through Piccadilly Circus (1899), de Robert Paul, la cámara giraba tan lentamente que, cuando se proyectaba la película a la velocidad habitual de 16 fotogramas por segundo, el paisaje parecía pasar a gran velocidad. Cecil Hepworth utilizó el efecto opuesto en The Indian Chief and the Seidlitz powder (1901), en el que un indio piel roja ingenuo toma una gran cantidad de medicina gaseosa para el estómago, lo que hace que su estómago se expanda y luego salte como un globo. Esto se hizo girando la cámara más rápido que los 16 fotogramas por segundo normales, lo que produjo el primer efecto de " cámara lenta ".
En orden descendente de antigüedad, el personal involucrado es el siguiente:
En la industria cinematográfica, el director de fotografía es responsable de los aspectos técnicos de las imágenes (iluminación, elección de lentes, composición, exposición, filtración, selección de película), pero trabaja en estrecha colaboración con el director para garantizar que la estética artística respalde la visión del director de la historia que se cuenta. Los directores de fotografía son los jefes de cámara, agarre e iluminación en un set, y por esta razón, a menudo se les llama directores de fotografía o DP. La Sociedad Estadounidense de Cinematógrafos define la cinematografía como un proceso creativo e interpretativo que culmina en la autoría de una obra de arte original en lugar de la simple grabación de un evento físico. La cinematografía no es una subcategoría de la fotografía. Más bien, la fotografía es solo una artesanía que el director de fotografía utiliza además de otras técnicas físicas, organizativas, gerenciales, interpretativas y de manipulación de imágenes para lograr un proceso coherente. [26] En la tradición británica, si el director de fotografía realmente opera la cámara él / ella mismo, se le llama director de fotografía . En producciones más pequeñas, es habitual que una sola persona realice todas estas funciones. La progresión profesional suele implicar ir ascendiendo en la escala desde el puesto de segundo, el de primer director y, finalmente, el de operador de cámara.
Los directores de fotografía toman muchas decisiones interpretativas durante el curso de su trabajo, desde la preproducción hasta la posproducción, todas las cuales afectan la sensación y el aspecto general de la película. Muchas de estas decisiones son similares a las que un fotógrafo debe tener en cuenta al tomar una fotografía: el director de fotografía controla la elección de la película en sí (de entre una gama de tipos de película disponibles con distintas sensibilidades a la luz y al color), la selección de las longitudes focales de los objetivos, la exposición de la apertura y el enfoque. La cinematografía, sin embargo, tiene un aspecto temporal (véase persistencia de la visión ), a diferencia de la fotografía fija, que es puramente una única imagen fija. También es más voluminoso y más extenuante tratar con cámaras de cine, e implica un conjunto más complejo de opciones. Como tal, un director de fotografía a menudo necesita trabajar en cooperación con más personas que un fotógrafo, que con frecuencia podría funcionar como una sola persona. Como resultado, el trabajo del director de fotografía también incluye la gestión del personal y la organización logística. Dado el profundo conocimiento que un director de fotografía requiere no solo de su propio oficio sino también del de otro personal, una formación formal en realización cinematográfica analógica o digital puede resultar ventajosa. [27]
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Manual de realización cinematográfica: sección de cinematografía en Wikilibros