Bridget Louise Riley CH CBE (nacida el 24 de abril de 1931) es una pintora inglesa conocida por sus pinturas de arte óptico . [1] Vive y trabaja en Londres, Cornualles y Vaucluse en Francia. [2]
Riley nació el 24 de abril de 1931 [3] en Norwood , Londres. [1] Su padre, John Fisher Riley, originario de Yorkshire , había sido oficial del ejército. Era impresor de profesión y tenía su propio negocio. En 1938, trasladó el negocio de impresión, junto con su familia, a Lincolnshire . [4]
Al comienzo de la Segunda Guerra Mundial , su padre, miembro del Ejército Territorial, fue movilizado, y Riley, junto con su madre y su hermana Sally, se mudaron a una casa de campo en Cornualles . [5] Compartieron la casa con una tía que había estudiado en el Goldsmiths' College de Londres y Riley asistió a charlas impartidas por una variedad de profesores jubilados y no profesionales. [6] Asistió al Cheltenham Ladies' College (1946-1948) y luego estudió arte en el Goldsmiths' College (1949-1952), y más tarde en el Royal College of Art (1952-1955). [7]
Entre 1956 y 1959, cuidó de su padre, que había sufrido un grave accidente de coche. Sufrió una crisis nerviosa debido al deterioro de la salud de su padre. Después de esto, trabajó en una cristalería. Finalmente, se incorporó a la agencia de publicidad J. Walter Thompson , como ilustradora, donde trabajó a tiempo parcial hasta 1962. La exposición de Jackson Pollock en la Whitechapel Gallery en el invierno de 1958 tuvo un gran impacto en ella. [6]
Sus primeros trabajos fueron figurativos y semiimpresionistas. Entre 1958 y 1959, su trabajo en la agencia de publicidad mostró su adopción de un estilo de pintura basado en la técnica puntillista . [8]
En 1959, Riley conoció al pintor y educador de arte Maurice de Sausmarez en una escuela de verano residencial que dirigía con Harry Thubron y Diane Thubron. [9] Se convirtió en su amigo y mentor, inspirándola a mirar más de cerca el futurismo y el divisionismo y a artistas como Klee y Seurat . [10] Riley y de Sausmarez comenzaron una intensa relación romántica más tarde ese año [11] y pasaron el verano de 1960 juntos pintando en Italia, donde visitaron la Bienal de Venecia que albergaba una gran exposición de arte futurista . [10] Riley pintó Paisaje rosa (1960), un estudio puntillista del paisaje cerca de Radicofani durante estas vacaciones. [12] Cuando la relación terminó en otoño del mismo año, Riley sufrió una crisis personal y artística, creando pinturas que darían lugar a obras de Op Art en blanco y negro , como Kiss (1961). [10] Comenzó a desarrollar su estilo característico de Op Art, que consiste en patrones geométricos en blanco y negro que exploran el dinamismo de la vista y producen un efecto desorientador en el ojo y producen movimiento y color. [7] Riley y de Sausmarez mantuvieron una amistad profesional hasta su muerte en 1969. [13] Riley ha citado a menudo su papel como mentor temprano [14] y la monografía de de Sausmarez sobre Riley y su trabajo se publicó después de su muerte en 1970. [13]
Al principio de su carrera, Riley trabajó como profesora de arte para niños entre 1957 y 1958 en el Convento del Sagrado Corazón, Harrow (hoy conocido como Sacred Heart Language College). En el Convento del Sagrado Corazón, comenzó un curso básico de diseño. Más tarde trabajó en la Escuela de Arte de Loughborough (1959), el Hornsey College of Art y el Croydon College of Art (1962-1964). [15]
En 1961, ella y su pareja Peter Sedgley visitaron la meseta de Vaucluse , en el sur de Francia, y adquirieron una granja abandonada que acabaron transformando en estudio. De vuelta en Londres, en la primavera de 1962, Victor Musgrave, de la Gallery One, realizó su primera exposición individual. [6]
En 1968, Riley, junto con Sedgley y el periodista Peter Townsend, creó la organización de artistas SPACE (Space Provision Artistic Cultural and Educational), con el objetivo de proporcionar a los artistas espacios de estudio grandes y asequibles. [16] [17]
El estilo maduro de Riley, desarrollado durante la década de 1960, estuvo influenciado por fuentes [20] como el artista neoimpresionista francés Georges Seurat . En 2015-6, la Courtauld Gallery , en su exposición Bridget Riley: Aprendiendo de Seurat , defendió cómo el puntillismo de Seurat la influyó hacia la pintura abstracta. [19] [21] Cuando era una artista joven en 1959, Riley vio El puente en Courbevoie , propiedad de la Courtauld, y decidió pintar una copia. La obra resultante ha estado colgada en el estudio de Riley desde entonces, salvo su préstamo a la galería para la exposición, lo que demuestra en opinión del crítico de arte Jonathan Jones "lo crucial" que fue Seurat para su acercamiento al arte. [18] Riley describió su copia de la pintura de Seurat como una "herramienta", interpretada por Jones en el sentido de que ella, como Seurat, practicaba el arte "como una ciencia óptica"; En su opinión, Riley "realmente forjó su estilo óptico estudiando a Seurat", haciendo de la exposición un verdadero encuentro entre lo antiguo y lo nuevo. [18] Jones comenta que Riley investigó el puntillismo de Seurat pintando a partir de una ilustración de un libro de El puente de Seurat a una escala ampliada para descubrir cómo su técnica hacía uso de colores complementarios , y continuó creando paisajes puntillistas propios, como Paisaje rosa (1960), [18] pintado poco después de su estudio de Seurat [21] y que retrata las "colinas llenas de sol de la Toscana " (y que se muestran en el cartel de la exposición) que, según escribe Jones, podrían fácilmente tomarse como un original postimpresionista. [18] En su opinión, Riley comparte la "alegría de vivir" de Seurat, un deleite simple pero radical por el color y la visión. [18]
Fue durante este período que Riley comenzó a pintar las obras en blanco y negro por las que se hizo conocida. Presentan una gran variedad de formas geométricas que producen sensaciones de movimiento o color. A principios de la década de 1960, se decía que sus obras inducían una variedad de sensaciones en los espectadores, desde el mareo hasta la sensación de paracaidismo . De 1961 a 1964, trabajó con el contraste del blanco y negro, introduciendo ocasionalmente escalas tonales de gris. Las obras de este estilo comprendieron su primera exposición individual de 1962 en la Galería Uno de Musgrave, así como numerosas exposiciones posteriores. Por ejemplo, en Otoño , se repite una única curva perpendicular para crear un campo de frecuencias ópticas variables. [22] Visualmente, estas obras se relacionan con muchas preocupaciones de la época: una necesidad percibida de participación del público (esto las relaciona con los Happenings , que eran comunes en esta época), desafíos a la noción de la dualidad mente-cuerpo que llevó a Aldous Huxley a experimentar con drogas alucinógenas ; [23] Preocupaciones por la tensión entre un futuro científico que podría ser muy beneficioso o podría conducir a una guerra nuclear ; y temores por la pérdida de la experiencia individual genuina en un mundo feliz. [24] Sus pinturas desde 1961 han sido ejecutadas por asistentes. [5] Planifica meticulosamente el diseño de su composición con dibujos preparatorios y técnicas de collage; sus asistentes pintan los lienzos finales con gran precisión bajo su instrucción. [25]
Riley comenzó a investigar el color en 1967, año en el que produjo su primera pintura de rayas. [26] Después de una importante retrospectiva a principios de la década de 1970, Riley comenzó a viajar extensamente. Después de un viaje a Egipto a principios de la década de 1980, donde se inspiró en la decoración jeroglífica colorida , Riley comenzó a explorar el color y el contraste. [27] En algunas obras, se utilizan líneas de color para crear un efecto brillante, mientras que en otras el lienzo está lleno de patrones teselados . Un ejemplo típico de estas últimas obras coloridas es Shadow Play .
Algunas obras llevan el título de fechas concretas, otras de lugares específicos (por ejemplo, Les Bassacs, el pueblo cerca de Saint-Saturnin-lès-Apt en el sur de Francia donde Riley tiene un estudio). [28]
Tras una visita a Egipto en 1980-81, Riley creó colores en lo que ella llamó su "paleta egipcia" [29] y produjo obras como la serie Ka y Ra , que capturan el espíritu del país, antiguo y moderno, y reflejan los colores del paisaje egipcio. [8] Invocando la memoria sensorial de sus viajes, las pinturas producidas entre 1980 y 1985 muestran la reconstrucción libre que Riley hace de la paleta cromática restringida descubierta en el extranjero. En 1983, por primera vez en quince años, Riley regresó a Venecia para estudiar una vez más las pinturas que forman la base del colorismo europeo. Hacia finales de la década de 1980, la obra de Riley experimentó un cambio dramático con la reintroducción de la diagonal en forma de una secuencia de paralelogramos utilizados para interrumpir y animar las rayas verticales que habían caracterizado sus pinturas anteriores. [30] En Delos (1983), por ejemplo, los tonos azules, turquesas y esmeraldas se alternan con amarillos intensos, rojos y blancos. [31]
Riley ha pintado murales temporales para la Tate Modern , el Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris y la National Gallery . En 2014, la Imperial College Healthcare Charity Art Collection le encargó que hiciera un mural permanente de 56 metros para el St Mary's Hospital de Londres ; la obra se instaló en el décimo piso del ala Queen Elizabeth Queen Mother del hospital, uniéndose a otras dos que había pintado más de 20 años antes. [32] Entre 2017 y 2019, Riley completó una gran pintura mural para la Fundación Chinati , Marfa, Texas . Esta fue la obra más grande que había realizado hasta ahora, cubriendo seis de las ocho paredes del edificio. El mural hacía referencia a su Bolt of Colour de 1983, para el Royal Liverpool University Hospital y utilizó una paleta similar de colores egipcios. [33]
Riley hizo los siguientes comentarios sobre el trabajo artístico en su conferencia Painting Now , 23rd William Townsend Memorial Lecture, Slade School of Fine Art , Londres, 26 de noviembre de 1996:
Beckett interpreta a Proust como un convencido de que un texto así no puede ser creado ni inventado, sino que sólo puede ser descubierto dentro del propio artista, y que es, por así decirlo, casi una ley de su propia naturaleza. Es su posesión más preciada y, como explica Proust, la fuente de su felicidad más íntima. Sin embargo, como se puede ver en la práctica de los grandes artistas, aunque el texto puede ser fuerte y duradero y capaz de soportar el trabajo de toda una vida, no puede darse por sentado y no hay garantía de posesión permanente. Puede extraviarse o incluso perderse, y recuperarlo es muy difícil. Puede permanecer latente y ser descubierto tarde en la vida después de una larga lucha, como en el caso de Mondrian o del propio Proust. Por qué debería ser que algunas personas tengan este tipo de texto mientras que otras no, y qué "significado" tiene, no es algo que se preste a discusión. Tampoco le corresponde al artista decidir qué importancia tiene o qué valor tiene para otras personas. Determinar esto quizás esté más allá incluso de las capacidades de la época de un artista. [34] [35]
Riley ha escrito sobre artistas desde Nicolas Poussin hasta Bruce Nauman . Fue co-curadora de Piet Mondrian: From Nature to Abstraction (con Sean Rainbird ) en la Tate Gallery en 1996. [36] Junto con el historiador de arte Robert Kudielka, Riley también se desempeñó como curadora de la exposición de 2002 " Paul Klee : The Nature of Creation", una exposición en la Hayward Gallery de Londres en 2002. [37] En 2010, fue curadora de una muestra de elección de artistas en la National Gallery de Londres, eligiendo pinturas de figuras grandes de Tiziano , Veronés , El Greco , Rubens , Poussin y Paul Cézanne . [38] [39]
En 1965, Riley expuso en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York la muestra The Responsive Eye (creada por el curador William C. Seitz); la exposición que atrajo por primera vez la atención mundial hacia su trabajo y el movimiento Op Art. Su pintura Current , 1964, fue reproducida en la portada del catálogo de la muestra. La ausencia de protección de derechos de autor para los artistas en los Estados Unidos en ese momento, hizo que su trabajo fuera explotado por empresas comerciales, lo que la hizo desilusionarse con tales exposiciones. Finalmente, se aprobó una legislación, a raíz de una iniciativa de artistas afincados en Nueva York, en 1967. [6]
Participó en la Documenta IV (1968) y VI (1977). En 1968, Riley representó a Gran Bretaña en la Bienal de Venecia , donde fue la primera pintora contemporánea británica, y la primera mujer, en recibir el Premio Internacional de Pintura. [26] Su disciplinado trabajo perdió terreno ante los gestos asertivos de los neoexpresionistas en la década de 1980, pero una muestra de 1999 en la Serpentine Gallery de sus primeras pinturas desencadenó un resurgimiento del interés por sus experimentos ópticos. "Bridget Riley: Reconnaissance", una exposición de pinturas de las décadas de 1960 y 1970, se presentó en Dia:Chelsea en 2000. En 2001, participó en Site Santa Fe , [40] y en 2003 la Tate Britain organizó una importante retrospectiva de Riley. En 2005, su trabajo se presentó en la Gallery Oldham . [41] Entre noviembre de 2010 y mayo de 2011 se presentó su exposición “Paintings and Related Work” en la National Gallery de Londres. [42]
En junio y julio de 2014, se presentó la muestra retrospectiva "Bridget Riley: The Stripe Paintings 1961–2014" en la galería David Zwirner de Londres. [43] [44] En julio y agosto de 2015, se presentó la muestra retrospectiva "Bridget Riley: The Curve Paintings 1961–2014" en el pabellón De La Warr en Bexhill-on-Sea . [45]
En noviembre de 2015 se inauguró la exposición Bridget Riley en David Zwirner, Nueva York. La muestra incluye pinturas y obras sobre papel de la artista desde 1981 hasta la actualidad; el catálogo, completamente ilustrado, incluye un ensayo del historiador de arte Richard Shiff y notas biográficas compiladas por Robert Kudielka. [46]
Una exposición retrospectiva en la Galería Nacional Escocesa , en asociación con la Galería Hayward , se realizó de junio a septiembre de 2019. [47] Mostró pinturas y dibujos tempranos, obras en blanco y negro de la década de 1960 y estudios que revelan sus métodos de trabajo. [48] Esta importante exposición de su trabajo, que abarca sus 70 años de carrera, también se mostró en la Galería Hayward desde octubre de 2019 hasta enero de 2020. [49]
La obra de Riley se incluyó en la exposición Mujeres en la abstracción de 2021 en el Centro Pompidou . [50]
En mayo de 2023 , se inauguró en la Escuela Británica de Roma la primera pintura de techo de Riley, Verve .
Los artistas Ross Bleckner y Philip Taaffe hicieron pinturas en homenaje a la obra de Riley en los años 80. [56] [57] En 2013, Riley afirmó que una obra de tablero de ajedrez en blanco y negro del tamaño de una pared de Tobias Rehberger plagiaba su pintura Movimiento en cuadrados y pidió que se retirara de la exhibición en la sala de lectura de la Biblioteca Estatal de Berlín . [55] [58]
En 1963, Riley recibió el Premio de la Crítica de la AICA, así como el Premio John Moores, Liverpool Open Section. Un año después, recibió una beca de viaje de la Fundación Peter Stuyvesant. En 1968, recibió un Premio Internacional de Pintura en la Bienal de Venecia . En 1974, fue nombrada Comendadora de la Excelentísima Orden del Imperio Británico . [59] Riley ha recibido doctorados honorarios de Oxford (1993) y Cambridge (1995). [60] En 2003, fue galardonada con el Praemium Imperiale , [61] y, en 1998, se convirtió en uno de los 65 miembros de la Orden de los Compañeros de Honor de la Commonwealth. [59] Como miembro de la junta de la National Gallery en la década de 1980, bloqueó el plan de Margaret Thatcher de dar una propiedad contigua a los desarrolladores y, por lo tanto, ayudó a asegurar la eventual construcción del ala Sainsbury del museo . [5] Riley también recibió el Goslarer Kaiserring de la ciudad de Goslar en 2009 y el 12º Premio Rubens de Siegen en 2012. [62] También en 2012, se convirtió en la primera mujer en recibir el Premio Sikkens , el premio de arte holandés que reconoce el uso del color. [63]
Riley es mecenas de pinturas en hospitales , una organización benéfica fundada en 1959 para proporcionar arte para la salud y la asistencia social en Inglaterra, Gales e Irlanda del Norte. [64]
Entre 1987 y 2014, creó tres murales en los pisos octavo, noveno y décimo del ala Queen Elizabeth Queen Mother del Hospital St Mary's de Londres. [65]
En 2017, junto con Yoko Ono y Tracey Emin , Riley donó obras de arte a una subasta para recaudar dinero para Modern Art Oxford . [66]
Desde 2016, la Bridget Riley Art Foundation ha financiado la Beca Bridget Riley en la Escuela Británica de Roma . [67] [68]
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