Birdman , estilizada como BİRDMAN o (La inesperada virtud de la ignorancia) , es unapelícula de comedia dramática negra estadounidense de 2014 dirigida por Alejandro González Iñárritu . La película está protagonizada por Michael Keaton como un actor de Hollywood fracasado, mejor conocido por interpretar a un superhéroe llamado Birdman, y sigue las luchas que enfrenta mientras intenta regresar escribiendo, dirigiendo y protagonizando unaadaptación de Broadway del cuento de Raymond Carver " De qué hablamos cuando hablamos de amor ". El elenco de reparto de la película incluye a Zach Galifianakis , Edward Norton , Andrea Riseborough , Amy Ryan , Emma Stone y Naomi Watts .
Con una breve excepción, Birdman se presenta como si hubiera sido filmada en una sola toma continua , una idea que Iñárritu tuvo desde la concepción de la película. El director de fotografía Emmanuel Lubezki creía que el tiempo de grabación necesario para el enfoque de toma larga no se podría haber logrado con tecnología más antigua. La película se rodó en la ciudad de Nueva York durante la primavera de 2013 con un presupuesto de 16,5 millones de dólares, financiado conjuntamente por Fox Searchlight Pictures , Regency Enterprises y Worldview Entertainment . Se estrenó en el 71º Festival Internacional de Cine de Venecia en 2014.
Birdman tuvo un estreno limitado en cines en los Estados Unidos el 17 de octubre de 2014, seguido de un estreno general el 14 de noviembre. Recaudó más de 103 millones de dólares en todo el mundo y recibió elogios de la crítica, con elogios por su guion, dirección, cinematografía y las actuaciones del elenco (particularmente Keaton, Norton y Stone). Ganó el Premio de la Academia a la Mejor Película , junto con el Mejor Director , Mejor Guion Original y Mejor Cinematografía de un total de nueve nominaciones, empatándola con El Gran Hotel Budapest como la película más nominada y premiada en la 87.ª edición de los Premios de la Academia . También ganó el premio al Mejor Elenco en una Película en la 21.ª edición de los Premios del Sindicato de Actores de Cine , así como el de Mejor Actor en un Musical o Comedia para Keaton y el de Mejor Guion en la 72.ª edición de los Premios Globo de Oro .
Riggan Thomson es un actor en decadencia famoso por interpretar a un superhéroe llamado Birdman en una trilogía cinematográfica de 1989 a 1992. Está atormentado por la voz interna burlona y crítica de su yo pasado como Birdman y con frecuencia se visualiza realizando hazañas de levitación y telequinesis . Riggan está tratando de recuperar el reconocimiento escribiendo, dirigiendo y protagonizando una adaptación para Broadway del cuento de Raymond Carver " De qué hablamos cuando hablamos de amor ". Sin embargo, la voz de Birdman quiere que Riggan regrese al cine de gran éxito e insiste en que es esencial para la identidad de Riggan.
El mejor amigo y abogado de Riggan, Jake, está produciendo la obra, en la que también participan la novia de Riggan, Laura, y la recién llegada a Broadway, Lesley. La bella hija de Riggan, Sam, una drogadicta en recuperación con la que está intentando reconectarse, trabaja como su asistente. Una lámpara cae sobre el desventurado coprotagonista de Riggan, Ralph, el día antes del primer preestreno. Por sugerencia de Lesley, Riggan reemplaza a Ralph por su novio, el brillante pero volátil y egocéntrico actor de método Mike Shiner.
Los primeros avances son desastrosos: Mike se sale del personaje por reemplazar su ginebra por agua, intenta violar a Lesley durante una escena de sexo y se queja de que la pistola de atrezo no parece natural. Cuando Riggan reprende a Sam después de encontrarla fumando marihuana, ella lo reprende y lo castiga insultantemente, diciéndole que él es irrelevante y que la obra es para su propia vanidad. Riggan choca continuamente con Mike, lo que culmina en una pelea después de que Riggan lee una entrevista del New York Times con Mike en la que le roba la razón personal de Riggan para hacer una obra de Raymond Carver. Jake convence a Riggan de continuar con la obra.
Durante el preestreno final, después de ver a Mike y Sam besándose en el backstage, Riggan sale a fumar un cigarrillo y accidentalmente se queda encerrado afuera con su bata atascada en la puerta de escape de incendios. Se ve obligado a caminar por Times Square en calzoncillos y entrar entre el público para hacer la escena final. Sam, preocupada, espera en su camerino después del espectáculo y piensa que la actuación fue muy inusual pero interesante. Le muestra que las imágenes de Times Square se están volviendo virales y le explica cómo esto realmente lo ayuda.
Riggan va a un bar a tomar una copa y se acerca a Tabitha Dickinson, una crítica teatral cínica y muy influyente. Ella le promete "matar" su obra con una crítica despectiva sin verla. En el camino de vuelta, Riggan compra una pinta de whisky, se la bebe y se desmaya en una escalera. Al día siguiente, caminando hacia el teatro con una resaca severa, visualiza a Birdman tratando de convencerlo de que abandone la obra y haga una cuarta película de Birdman. Riggan entonces se imagina volando por las calles de Manhattan antes de llegar al teatro.
En la noche del estreno, la obra va muy bien. En su camerino, un Riggan extrañamente tranquilo le confiesa a su ex esposa, Sylvia, que hace varios años intentó ahogarse en el océano después de que ella lo sorprendiera teniendo una aventura. También le habla de la voz de Birdman, que ella ignora. Después de que Sylvia se va, Riggan toma una pistola real para la escena final en la que su personaje se suicida. En el clímax, Riggan se dispara en la cabeza en el escenario. La obra recibe una ovación de pie .
Riggan se despierta en un hospital. El intento de suicidio solo le ha hecho volar la nariz, que ha sido reconstruida quirúrgicamente. Tabitha ha publicado una crítica entusiasta de la obra, en la que confunde el intento de suicidio con una nueva técnica de actuación. Sam lo visita con flores y le toma una foto para compartirla con el número cada vez mayor de seguidores en la cuenta de Twitter que ha creado para él.
Mientras ella sale a buscar un jarrón, Riggan entra al baño, se quita las vendas y deja al descubierto su nueva nariz hinchada, y se despide de Birdman, a quien se ve sentado en el inodoro. Fascinado por los pájaros que vuelan fuera de su habitación, abre la ventana, los mira y luego se sube a la cornisa. Sam regresa a una habitación vacía y corre frenéticamente hacia la ventana abierta, escudriñando el suelo antes de mirar lentamente hacia el cielo y sonreír ante lo que ve.
El director de Birdman , Alejandro G. Iñárritu, concibió originalmente la película como una comedia filmada en una sola toma ambientada en un teatro. La elección original detrás del género de la película, que posteriormente fue readaptada para concentrarse en la caída emocional final de Riggan, surgió del deseo del director de ver un cambio en su enfoque. Todas sus películas anteriores fueron dramas, y después de dirigir Biutiful , no quería volver a abordar su nueva película de la misma manera trágica. [4] La decisión de hacer que la película pareciera una sola toma surgió de su comprensión de que "vivimos nuestras vidas sin edición". Al presentar la película como una toma continua, podía "sumergir al protagonista en una 'realidad ineludible' y llevar a la audiencia con él". [5] Iñárritu compartió su idea con los guionistas/primos argentinos Nicolás Giacobone y Armando Bo , así como con el dramaturgo Alexander Dinelaris, Jr. , quienes habían trabajado con él en su película anterior. [6] [a] Su primera reacción fue decirle que la idea del plano continuo no podía funcionar. [4] Según Dinelaris y Giacobone, personas "enormes" e "importantes" le dijeron que ni siquiera intentara el proyecto por la misma razón. [6] El propio Iñárritu describió la técnica como "casi suicida", preocupado de que fuera una distracción en lugar de una inmersión. [8] Dinelaris dijo más tarde que si realmente se hubieran detenido y considerado la idea, podrían haber convencido a Iñárritu de que no lo hiciera. [4]
Las experiencias personales y profesionales de los cuatro coguionistas fueron fundamentales para escribir el guion. La exposición de Dinelaris a Broadway dio forma a las representaciones de los ensayos y los eventos detrás del escenario, aunque admitió haberlos exagerado. También sintió que su experiencia escribiendo largas escenas de diálogo ayudó, ya que las escenas en la película "eran realmente más como escenas de teatro". [6] Las propias experiencias de Iñárritu influyeron en muchos de los temas de Birdman . "Lo que esta película trata, lo he vivido", recordó Iñárritu. "Lo he visto y experimentado todo; es lo que he estado viviendo los últimos años de mi vida". [4] Dinelaris describió este aspecto como "una mirada risueña a uno mismo", pero dijo que tenía que hacerse de una manera cómica; de lo contrario, "habría sido la mirada más increíblemente egocéntrica al tema". [4] Los temas del cuento de Raymond Carver " What We Talk About When We Talk About Love ", que Riggan adapta para el escenario en la historia, también influyeron en el guion. Iñárritu quería encontrar la conexión entre los temas de la historia de Riggan y los de Carver. [6] Por eso, para el director era importante que la historia de Carver fuera el tema de la obra representada en la película. Por lo tanto, Iñárritu declaró que su deseo de utilizar el trabajo de Carver era "aterrador" porque los derechos para utilizar el material de Carver todavía estaban sujetos a la posibilidad de ser rechazados durante el desarrollo de la película, pero no surgieron problemas. A la viuda de Carver, la escritora Tess Gallagher , le encantó el guion y permitió la adaptación, diciendo que Carver se reiría de la película. [4]
Aunque algunos aspectos de la película (por ejemplo, el primer fotograma con Riggan) no sufrieron modificaciones desde la concepción de Birdman hasta su estreno, [4] otros pasaron por varias iteraciones. Una de ellas fue la secuencia en la que el alter ego Birdman toma el control total de los pensamientos de Riggan. Los guionistas sabían que esto ocurriría en el momento más bajo de Riggan, por lo que en un momento dado planearon que sucediera después de que Riggan escuchara la cobertura negativa inicial de la prensa y destruyera su camerino. En otra versión descartada, Riggan intenta ahogarse en Central Park y vuela para salvarse. [6]
El final de la película también cambió, y la versión final se escribió a mitad de la filmación. [9] El original pretendía mostrar a Johnny Depp en el camerino de Riggan con un póster de Piratas del Caribe en la parte de atrás. A Iñárritu le empezó a desagradar mucho este final, calificándolo de "muy vergonzoso", y lo reescribió con Dinelaris y Giacobone después de que se le ocurriera un nuevo final en un sueño. [9] [10] Iñárritu se mostró reacio a describir el final original, pero Dinelaris lo filtró. Dijo que el final original se desarrollaba en el teatro, en lugar del hospital, e involucraba a Depp poniéndose la peluca de Riggan Thomson, y en la voz de Jack Sparrow , "... el póster le pregunta a Depp, '¿Qué diablos estamos haciendo aquí, amigo?', e iba a ser la sátira del bucle sin fin de eso". [11] El director y los coautores descartaron el final satírico y favorecieron el nuevo final, más ambiguo. [10] [11] [12]
El proyecto de co-escritura fue acelerado por la colaboración entre los cuatro co-guionistas en Internet trabajando desde diferentes ubicaciones geográficas. Con Iñárritu en Los Ángeles , Giacobone y Bo en Buenos Aires , y Dinelaris en Nueva York, el guion fue escrito principalmente a través de llamadas de Skype y correos electrónicos. [4] Aunque esto complicó el proceso de escritura, Dinelaris dijo que creía que las mejores ideas en Birdman surgieron de sesiones de Skype a las dos de la mañana donde él y Giacobone se "estaban riendo a carcajadas". La incorporación de la función de one-shot también afectó la escritura. Bo dijo: "Escribimos todo pensando en este one-shot, y muchas decisiones que en su mayoría se tomarían en la sala de edición se tomaron antes de filmar". El enfoque de one-shot significaba que las escenas no se podían eliminar o reordenar en la posproducción, por lo que los escritores debían estar "muy, muy seguros de lo que estaba en la página". [6] Como resultado, tomó aproximadamente un año y medio completar el borrador final. [13] Como resumió Dinelaris : "Hay que ser un idiota para hacerlo todo de una vez. Hay que ser un idiota para intentarlo. Se necesita una gran, gran dosis de ignorancia para no prestar atención a las dificultades y pensar que vas a hacer esto. Birdman parece una buena idea ahora, pero [en el momento de la producción] no sabíamos cómo terminaría". [6]
Iñárritu eligió a varios de los papeles principales antes de que se financiara la película. [2] Entre ellos estaba el papel principal. Al principio del desarrollo del guion, Iñárritu no tenía a Keaton en mente, [5] pero cambió de opinión al final: "Cuando terminé el guion, supe que Michael no era la elección ni la opción, él era el indicado". [14] Iñárritu eligió a Keaton por su profundidad en una variedad de estilos de actuación: podía manejar las demandas del escenario, el trabajo de cerca y la comedia y la empatía "con una profunda profundidad en ambos". [15]
Keaton sabía de Birdman antes de que Iñárritu lo contactara. Estaba en medio de la producción de otro proyecto cuando se enteró de que Iñárritu estaba haciendo otra película. Keaton, un fanático de su trabajo, voló a casa para averiguar más. [16] Iñárritu le envió el guion y lo discutieron durante la cena. Lo primero que Keaton le preguntó al director fue si se estaba burlando de él (con respecto a su papel en las películas de Batman de Tim Burton ), pero después de que Iñárritu le explicara el papel, sus tecnicismos y la producción de la película, Keaton aceptó interpretar a Riggan. A pesar de esto, la película final contiene numerosas referencias a las películas de Batman de Burton , incluido el año en que se menciona que Riggan interpretó a Birdman por última vez en 1992. [ 5]
Iñárritu calificó su decisión de elegir a Galifianakis para el papel de Jake como "una apuesta". Galifianakis cumplía con los criterios del director de ser adorable y divertido, pero Iñárritu también lo consideraba sensible, lo que le permitió conseguir el papel. [17] Emma Stone ya sabía que quería trabajar con Iñárritu antes de que le ofrecieran el papel de Sam. El guion que Iñárritu le dio a ella y al resto del elenco venía con la foto de Man on Wire , que mostraba a Philippe Petit cruzando las Torres Gemelas en una cuerda floja. Iñárritu le dijo al elenco: "Estamos haciendo eso". [10] [18]
Una vez que estos actores se comprometieron, Iñárritu buscó financiación. Primero invitó a Fox Searchlight Pictures a financiar el proyecto, pero rechazaron su oferta porque sintieron que el presupuesto que pedía era demasiado alto. [2] En un momento dado, Megan Ellison de Annapurna Pictures quiso participar en el proyecto, pero decidió no hacerlo porque, a diferencia de sus otras películas, no había estado involucrada desde el principio. [19] Iñárritu se acercó a Brad Weston, presidente de New Regency , quien aceptó la oferta. [20] Cuando la ejecutiva Claudia Lewis de Searchlight se enteró del acuerdo, lo reconsideró y pidió ser incluida en el acuerdo. Searchlight y New Regency habían trabajado previamente juntos para financiar 12 años de esclavitud , y decidieron unirse para Birdman , financiando un presupuesto de 16,5 millones de dólares. [2]
Weston y Lewis desarrollaron una estrecha relación con Iñárritu, editaron el guion con él y cambiaron a algunos de los actores. Cuando se unieron a la producción, Josh Brolin iba a interpretar el papel de Mike Shiner, pero los financieros decidieron cambiarlo por Norton debido a conflictos de agenda. [2]
Norton dijo que la experiencia de Norton como actor de teatro, combinada con su confianza en sí mismo, significaba que "de alguna manera, había algún tipo de realidad mental en Edward", [17] pero Norton cree que fue él quien convenció a Iñárritu para que lo contratara. Norton era un fanático del trabajo del director y estaba impresionado con su capacidad para ir más allá de los límites de la realización cinematográfica. [21] Norton se enteró del proyecto de Iñárritu a través de un amigo. Una vez que recibió el guion, lo leyó de corrido hasta las 3:00 am. Norton dijo: "Me reí tanto que desperté a la gente". [22] Norton quería conocer a Iñárritu al día siguiente, y una vez que se conocieron, Norton le dijo que no podía elegir a alguien que fuera la "encarnación" de lo que el guion apuntaba. En cambio, el director necesitaba elegir a alguien "que tuviera al menos un poco de auténtica profundidad de experiencia en este mundo". Iñárritu estuvo de acuerdo. [23]
Amy Ryan, una de las últimas actrices en ser elegida, [24] fue invitada porque Iñárritu la había visto en la obra Detroit . [25] Lindsay Duncan también tenía una vasta experiencia en el mundo del teatro y decidió aceptar la oferta de interpretar a la crítica debido a la calidad del guion. "Es delicioso por la escritura". [26] Pero al igual que el personaje de Shiner, a Iñárritu le resultó difícil elegir a Laura. Riseborough se encontró con él en una esquina para tomar una taza de té y, al recordar el evento, dijo: "Le dije que me arrastraría sobre brasas para trabajar con él". [27] Iñárritu describió a Laura como "un papel muy loco y peculiar", pero dijo: "Cuando [Andrea Riseborough] lo hizo, supe que era ella, porque lo hizo bien en el tono y entendió quién era, no estaba juzgando". [17]
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Una vez que el guión estuvo terminado, Iñárritu contactó a su amigo y director de fotografía Emmanuel Lubezki para discutir su idea para la película. [28] Después de leer el guion, Lubezki estaba preocupado de que Iñárritu le ofreciera el trabajo ya que Birdman "tenía todos los elementos de una película que yo no quería hacer en absoluto" -comedia, trabajo de estudio y tomas largas- pero cambió de opinión después de una discusión más profunda con el director. [29] La pareja había trabajado juntos en comerciales y un cortometraje en la antología A cada uno su propio cine , [30] pero no en ningún largometraje. Lubezki quería estar seguro de que esta era una decisión con la que Rodrigo Prieto , director de fotografía de los cuatro largometrajes de Iñárritu, se sentía cómodo, pero después de recibir su bendición, los dos se dirigieron a la preproducción. [29]
A Lubezki le preocupaba que ninguna película se hubiera filmado de la manera que Iñárritu imaginó, lo que significa que no habría material de referencia para buscar. Los dos decidieron que la única forma de aprender a filmar sería filmarla ellos mismos, por lo que construyeron un escenario sustituto en Sony Studios en Los Ángeles. [28] [31] La configuración fue mínima. Se utilizaron lienzos y soportes C para las paredes, mientras que la cinta y algunos muebles marcaron las áreas. [28] [32] Usando una cámara y algunos dobles, el dúo trabajó en la película para ver si era posible. [28] Al darse cuenta de que ningún teatro podría acomodar el intrincado trabajo de cámara que necesitaban, contrataron a Kaufman Astoria Studios en Nueva York. [33] Aún así, Iñárritu quería filmar en un teatro de Broadway, pero tendría que esperar hasta varias semanas después de los ensayos antes de conseguir el St. James Theatre . [34] Luego pasaron unos meses diseñando y haciendo "planos" de las tomas y bloqueando las escenas, usando dobles para leer y recorrer el guión. [29] La planificación fue precisa. Iñárritu dijo: "No había espacio para improvisar en absoluto. Cada movimiento, cada línea, cada apertura de puerta, absolutamente todo fue ensayado". [31] Los actores comenzaron a ensayar una vez que se completó este trabajo preliminar: según Lubezki, hicieron las escenas con los actores "una vez que sabíamos cuál era el ritmo de las escenas". Describió el enfoque atípico "como una película al revés donde haces posproducción antes de la producción". [28]
Sé que Alejandro es muy firme en cuanto a mantener el conejo en el sombrero y no ser demasiado específico sobre cómo se filmó, pero diré que requirió mucho ensayo y fue muy específico... No hubo ningún lujo de cortar o editar nada. Sabías que cada escena se quedaría en la película y, como en el teatro, esta era tu oportunidad de vivir esa escena.
— Emma Stone [35]
Los editores Douglas Crise y Stephen Mirrione ya estaban involucrados en el proyecto en esta etapa. Cuando Iñárritu le dijo a Mirrione que planeaba que Lubezki grabara las lecturas de las mesas y los ensayos, sugirió que los editaran inmediatamente para descubrir qué funcionaba y qué no desde el principio. [36] La edición también permitió a los editores discutir cuestiones de ritmo con el director, [37] [38] como la posición de las transiciones de día y noche y otros momentos de descanso en la película. [36] El diseñador de producción Kevin Thompson también estuvo presente y trazó las escenas. [34] El trabajo de cámara requirió que muchos elementos del set se construyeran de una manera determinada. Por ejemplo, el espejo de maquillaje y el escritorio de Riggan se construyeron de manera que la cámara pudiera ver su reflejo. [32] Thompson también tomó en consideración las necesidades del equipo, por ejemplo, diseñando las escaleras un poco más anchas para el tamaño de los pies del operador de Steadicam Chris Haarhoff. [39] Luego construyó una plantilla del set que construirían cuando estuvieran en Nueva York. [34] Los escritores también participaron en los ensayos, afinando el guión para "asegurarse de que la película fuera fluida y nunca se detuviera". [13]
Una vez que se resolvió la logística de las escenas y tenían el tiempo establecido, el equipo se dirigió a Kaufman Studios para más ensayos, seguidos de la fotografía principal basada exclusivamente en Nueva York durante la primavera de 2013. [40] Los estudios se utilizaron para filmar las áreas detrás del escenario de la película, incluido el camerino de Riggan y los pasillos del teatro. El Teatro St. James se utilizó durante dos semanas; fue la ubicación para las escenas del escenario. [41] Los segmentos del bar se filmaron en The Rum House en la calle 47, [42] y la calle 43 se usó para la secuencia de acción. [43] La película no pudo filmarse cronológicamente debido a la programación con el teatro. [44] En todas las ubicaciones, incluido el estudio, las escenas se iluminaron con luz natural, [b] ya que Lubezki quería que la película "luciera lo más naturalista posible". Las escenas nocturnas fueron posibles de filmar de esta manera debido al brillo de Nueva York. [29] Para Lubezki, la iluminación de las escenas fue la parte más difícil de su trabajo en la película. No solo era necesario que la iluminación pareciera realista, sino que también debía diseñarse de manera que los movimientos continuos de la cámara no proyectaran las sombras del equipo sobre los actores. [28]
Durante el rodaje se utilizaron cámaras Arri Alexa ; una Alexa M para las secuencias cámara en mano y una Alexa XT acoplada a la Steadicam . Sin embargo, ninguna de las dos utilizó cajas mate . El operador de Steadicam Chris Haarhoff explicó esta decisión: "No queríamos que esta gran cosa negra se deslizara hacia la línea de sus ojos. De esta manera podríamos acercarnos mucho y hacer que la luz pasara por el lente y llegara a la cara del actor". [39] Lubezki, que hizo todo el trabajo de cámara en mano [28 ] , había elegido la Alexa M porque la cámara era muy pequeña y le permitía entrar en espacios diminutos y acercarse a los actores, [29] a veces filmando a dos pulgadas (5 cm) de distancia de la cara de Keaton. [32] La cámara también permitía grabar durante un período tan largo (necesario para las tomas largas de la película) que Lubezki llegó a decir que la película habría sido imposible de hacer años antes. [29] Las cámaras estaban equipadas con lentes Leica Summilux-C o Zeiss Master Primes. [39] Lubezki afirmó que estos lentes daban imágenes nítidas, diciendo "Puedes tener todas estas luces en el marco y no están causando reflejos ni cosas por el estilo". [29] En cuanto a los tamaños, inicialmente probaron un 21 mm, pero esto no le dio a Iñárritu la "intimidad" que quería. El equipo en cambio optó por una Leica de 18 mm, que se utilizó para la mayor parte de la película. Solo cuando se necesitaba énfasis cambiaron el lente a 14 mm, pero esto fue poco frecuente. [39]
A pesar de toda la preparación, un día típico de rodaje comenzaba con ensayos. Estos solían durar la mayor parte de la mañana, después de lo cual venía la fotografía. [44] La meticulosa sincronización de las escenas significaba que las tomas se cancelaban debido al más mínimo contratiempo. Emma Stone, en una entrevista con Jimmy Fallon , recordó cómo una toma de seis minutos de la escena en la que Riggan conoce a Mike por primera vez se arruinó después de que ella caminó demasiado rápido por una esquina. [45] Las tomas también se repetían si el ritmo de una escena no le parecía adecuado a Iñárritu, o si él y Lubezki no estaban satisfechos con el encuadre de una toma. [28] A medida que avanzaba el rodaje, también se eliminaban líneas de diálogo, lo que le daba a Iñárritu más opciones durante la posproducción. [36] Debido a esto, el número de tomas para una escena determinada era alto, generalmente 20 para las escenas más cortas, [28] las tomas se desarrollaban sin problemas alrededor de la decimoquinta. [39] Chris Haarhoff lo describió como "un tipo de baile en el que todos intentarían alcanzar el clímax al mismo tiempo". Las locaciones a veces también imponían restricciones a las tomas; la secuencia en vivo de Times Square fue filmada solo dos veces ya que no querían atraer la atención de los turistas. [28]
Cada vez que se filmaba, todos los involucrados estaban bajo presión, pero el elenco tuvo una experiencia positiva. Norton dijo que normalmente en la producción de películas la mitad de la gente puede "desconectarse" debido a los aspectos repetitivos, pero durante el rodaje de Birdman , "todos están concentrados en todo, y todos están en ascuas porque todos dependen de otras cuarenta personas para no fallar". Debido a esto, Stone dijo que el director pudo sacar lo mejor del elenco, diciendo que el proceso de Iñárritu "crea este tipo de furia en ti, y luego terminas dándote cuenta de que él simplemente sacó tanto de ti que ni siquiera sabías que tenías". [18] Naomi Watts comentó que la atmósfera "se sentía emblemática de cómo se siente en el escenario, al menos mis recuerdos de hace mucho tiempo". [46] Andrea Riseborough, por su parte, describió el proceso como "maravilloso", mencionando cómo era posible escuchar la filmación de una secuencia desde lejos antes de que llegara la cámara, y luego "la magia sucede contigo, y luego todo te abandona, y todo queda en silencio". [35] Sin embargo, una vez que completaron con éxito una toma, era obvio para todos los involucrados. Norton dijo: "Nunca, nunca he estado en un set en el que cada día terminara con una especie de enorme y auténtica alegría por haberlo logrado. Estás esperando el grito de [Iñárritu], y todos estaban genuinamente emocionados". [21]
Los segmentos musicales originales de la película son una partitura de batería que consiste enteramente en interpretaciones de percusión de jazz solista de Antonio Sánchez . La partitura se compensa con una serie de piezas de música clásica conocidas, incluyendo Mahler y Chaikovski . Iñárritu no consideró que la elección particular de piezas clásicas fuera importante. [47] No obstante, la elección de la música clásica estaba fuertemente orientada a partituras altamente melódicas tomadas predominantemente del repertorio clásico del siglo XIX (Mahler, Chaikovski, Rachmaninov, Ravel). Iñárritu afirmó que los componentes clásicos provienen del mundo de la obra, citando la radio en la habitación de Riggan y el espectáculo en sí como dos fuentes de la música. [48] Los segmentos de música clásica también incluyeron dos composiciones del compositor estadounidense John Adams . Varias composiciones de jazz de Victor Hernández Stumpfhauser y Joan Valent contrarrestan la composición musical original de Sánchez. Sin embargo, las secciones de batería comprenden la mayor parte de la partitura y fueron compuestas por Sánchez. Iñárritu explicó la elección diciendo que ayudaban a estructurar las escenas, y que "La batería, para mí, fue una gran manera de encontrar el ritmo de la película... En la comedia, el ritmo es el rey, y al no tener las herramientas de edición para determinar el tiempo y el espacio, sabía que necesitaba algo que me ayudara a encontrar el ritmo interno de la película". [49] [50]
Iñárritu contactó a su amigo y baterista de jazz Antonio Sánchez en enero de 2013, invitándolo a componer la banda sonora de la película. [51] Su reacción a escribir una banda sonora usando solo batería fue similar a los pensamientos de Lubezki de filmar la película como una sola toma: "Fue una propuesta aterradora porque no tenía ningún punto de referencia de cómo lograr esto. No hay otra película que conozca que tenga una banda sonora como esta". [52] Sánchez tampoco había trabajado en una película antes, [51] sin embargo, después de recibir el guion, compuso "temas rítmicos" para cada uno de los personajes. [53] Sin embargo, Iñárritu estaba buscando el enfoque opuesto, prefiriendo la espontaneidad y la improvisación. [54] Sánchez luego esperó hasta que la producción se mudó a Nueva York antes de componer más, [53] donde visitó el set durante un par de días para tener una mejor idea de la película. [54] Después de esto, una semana antes de la fotografía principal, él e Iñárritu fueron a un estudio para grabar algunos demos. [48] [55] Durante estas sesiones, el director primero le explicaba la escena, luego, mientras Sánchez improvisaba, lo guiaba levantando la mano para indicar un evento (como un personaje abriendo una puerta) o describiendo el ritmo con sonidos verbales. [55] [56] Grabaron alrededor de setenta demos, [53] que Iñárritu usó para informar el ritmo de las escenas en el set, [28] y, una vez que se completó la filmación, los empalmó en el corte preliminar. [55] Sánchez resumió el proceso diciendo: "La película se alimentó de la batería, y la batería se alimentó de las imágenes". [54] La banda sonora oficial fue lanzada como CD (77 min) en octubre de 2014, y como LP (69 min) en abril de 2015. [57] Cuando la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas publicó su lista larga para el Premio de la Academia a la Mejor Banda Sonora Original en diciembre de 2014, Birdman or (The Unexpected Virtue of Ignorance) no estaba en la lista. El día anterior, Sánchez recibió una nota del comité del premio explicando la decisión, citando la regla quince de las 87.ª Reglas del Premio de la Academia, señalando "el hecho de que la película también contiene más de media hora de pistas musicales no originales (en su mayoría clásicas) que aparecen de manera muy destacada en numerosos momentos cruciales de la película hizo que fuera difícil para el comité aceptar su propuesta". Sánchez lanzó una apelación, y junto con Iñárritu y el vicepresidente ejecutivo de Fox Music , enviaron cartas a Charles Fox, el presidente del comité ejecutivo de la rama musical de la Academia, pidiendo que el comité reconsiderara su decisión. [58]Uno de los puntos que plantearon fue que el comité calculó incorrectamente la proporción de música clásica respecto a la original, lo que, tras ser aclarado, Sánchez pensó que estaba "sobre una base realmente sólida". [59] Sin embargo, una respuesta de Fox del 19 de diciembre explicó que se celebró una reunión especial del comité de música y que, aunque sus miembros tenían "un gran respeto" por la partitura y la consideraban "magnífica", pensaban que la música clásica "también se utilizó como banda sonora", "contribuye igualmente a la eficacia de la película" y que la identidad musical de la película se creó tanto con la batería como con la música clásica. Finalmente, no revocaron su decisión. [58] Sánchez dijo que él e Iñárritu no estaban satisfechos con la explicación. [59]
Birdman o (La inesperada virtud de la ignorancia) fue editada por Douglas Crise y Stephen Mirrione , quienes habían trabajado con el director antes en 21 gramos y Babel . Unir tomas fue un componente crucial de la edición, pero Crise y Mirrione ya tenían experiencia en hacer esto. El director había incluido tomas que se unieron en películas anteriores, pero en estas, si los editores no pensaban que la unión funcionaba, tenían la capacidad de introducir cortes. Mirrione dijo que en Birdman, Iñárritu había "dejado de lado esa red de seguridad". [38] Debido a esto, los editores debían involucrarse en el proyecto desde el principio, [37] y durante la fotografía principal, Crise estaba en el set todos los días. (Mirrione estaba ocupado y no podía estar en Nueva York). [36] Crise no estaba acostumbrado a estar en el set y brindar retroalimentación, pero dijo que estaba feliz de que Iñárritu "lo sacara" de él, sabiendo que no tendrían mucho espacio para arreglar escenas más tarde, por lo que necesitaban hacerlas bien. [36] Para la costura, además del director, Crise también discutió estrategias con Lubezki y Thompson, y las técnicas para pegar tomas incluyeron tomas panorámicas sobre paredes y cuerpos de actores. [60] Los editores estaban acostumbrados a poder ajustar el ritmo de una escena mediante la posición de los cortes, por lo que, sin esta herramienta, utilizaron la música de Sánchez. El director le dio las grabaciones de Nueva York a Crise desde el principio para que lo ayudara con el ritmo, y le pidió que cortara la música para la película. Aún así, en términos del flujo de trabajo de edición, Crise lo describió como "bastante tradicional". Los editores montaron la película en Los Ángeles. [36] Unas semanas después del rodaje, ya habían avanzado bastante en el corte en sí y pasaron al modo de efectos visuales, donde afinaron las tomas. [44]
Siempre hablan de que cuando estás cortando una escena de baile, un coreógrafo no querría ningún corte porque está diseñando algo para ver el movimiento completo, y eso es lo que Alejandro estaba haciendo aquí.
— Stephen Mirrione [37]
Los efectos visuales de la película fueron creados por el estudio Rodeo FX, con sede en Montreal . Pasaron cuatro meses trabajando en la película, [61] y según el supervisor de efectos visuales Ara Khanikian, "los efectos visuales tocaron el 90% de los fotogramas de la película". [62] Gran parte del trabajo fue sutil, como unir tomas o crear el fondo para las ventanas en la escena del hospital. [62] Muchas tomas de la película presentan espejos, y se dedicó mucho trabajo a eliminar los reflejos del equipo de filmación de estos. Para lograr esto, el estudio creó una pintura mate digital 2.5D del entorno reflejado. Luego, rotoscopiaron las partes del espejo que no contenían a los actores en primer plano y sus reflejos, y las reemplazaron con el entorno digital. [62] [63] Algunas de las tomas originales capturaron manchas y suciedad en los espejos, por lo que el estudio desarrolló una forma de extraerlas para poder pegarlas nuevamente en la película. También se construyó una pintura mate para los lapsos de tiempo de día y noche en la película, creada mediante el emparejamiento y la reproyección de tomas de los edificios que aparecen, capturadas en diferentes momentos del día, juntas. [62] Rodeo FX también ajustó el ritmo de las escenas. Iñárritu exigió un "ritmo y un flujo muy precisos" para la película, por lo que el estudio tuvo que volver a acelerar gran parte de ella con curvas de distorsión temporal para adaptarse al ritmo deseado por el director. [62]
Sin embargo, a diferencia de algunos de los ajustes más pequeños, la secuencia de vuelo requirió una preparación extensa. Iñárritu pasó tres semanas con Halon Entertainment para previsualizar la secuencia. [64] En Nueva York, Lubezki luego usó la coreografía de la previsualización para filmar placas de fondo para la secuencia, [62] usando una grúa de cámara en un camión. [61] Cuando se filmaron, Lubezki había montado cuatro cámaras GoPro en la lente de la cámara de cine para capturar el entorno de luz que lo rodeaba. Más tarde, en un escenario verde en Montreal, utilizando una técnica que había desarrollado en Gravity , Lubezki iluminó a Keaton con paneles LED que presentaban imágenes de alto rango dinámico del metraje circundante de Nueva York. Luego, los paneles iluminaron a Keaton de manera realista. Khanikian describió el efecto del proceso, diciendo: "En lugar de usar iluminación estándar en pantalla verde, [obtuvimos] el rebote rojo adecuado de los ladrillos rojos y el mismo color del cielo reflejado en la cabeza de Michael. Funcionó muy bien". Rodeo FX luego completó las tomas finales. [62] La secuencia fue la última pieza que los editores insertaron en la película. Mirrione comentó que antes de terminar la secuencia, "solo habían imaginado cómo se sentiría", pero una vez que estuvo terminada, "llevó la película a un nivel extático que me dejó absolutamente atónito". [36]
El diseño de sonido de la película estuvo a cargo de Martín Hernández, quien ha trabajado en todos los largometrajes del director. El sonido de producción que le dieron a su equipo fue "sorprendentemente perfecto y limpio", por lo que no necesitaron dedicar mucho tiempo a ordenarlo. [65] Sin embargo, la falta de cortes visuales en la película significó un cambio con respecto a la forma habitual en que Hernández editaba el sonido. "Normalmente, a Alejandro le gusta, como él lo llama, 'el choque de sonidos'. La cámara cambia de ángulo dentro de la escena y hay un cambio de todo: fondos, textura, diálogo. Obviamente, eso no funcionaría en Birdman porque aquí todo fluye". [65] Además, el sonido de los objetos en la película necesitaba coordinarse con su posición en la pantalla, una tarea nada trivial, ya que la cámara casi siempre estaba en movimiento. [65] Hernández también ayudó a cortar las pistas de Sánchez, seleccionando y editando momentos de las grabaciones de Nueva York contra la película. [66] Cuando se volvieron a grabar las pistas en Los Ángeles, para "tener distancia, cercanía y resonancia", el equipo utilizó treinta y dos micrófonos para cada toma. Hernández describió el trabajo como "una locura". [65] Un gran desafío del trabajo de sonido de posproducción fue diseñar el sonido de la audiencia del teatro, particularmente en la escena en la que Mike está borracho y se sale del personaje. Iñárritu sabía cómo quería que respondiera la audiencia, pero averiguar el sonido de su reacción tomó cuatro meses de trabajo de cinco diseñadores de sonido. [66] Hernández dijo que pensaba, para una película en general, que la narrativa creada por el sonido "provoca más 'explosiones'" que la creada por las imágenes, y que en Birdman , "Alejandro tiene sonido explotando durante toda la película". [66]
El intermedio digital fue completado por un equipo de Technicolor dirigido por Steven Scott. Anteriormente habían colaborado con Lubezki en Gravity [67] , pero necesitaban abordar Birdman de manera diferente debido al enfoque de toma continua. Según Scott, "nunca habíamos hecho algo así antes". [68] La sincronización del color tuvo que hacerse de tal manera que las transiciones entre entornos con corrección de color fueran invisibles, en contraste con una película habitual donde las transiciones coinciden con cortes visibles. Para hacer esto, el equipo insertó sus propios cortes siempre que la cámara estaba estacionaria y en medio de panorámicas y otros movimientos de cámara. Luego idearon una forma de corregir el color de los cortes estacionarios y convertir los cortes en movimiento en una forma de disolución, lo que les permitió "hacer todas estas correcciones de color independientes, locas y complicadas que fluirían orgánicamente de una a otra". Insertar las disoluciones requirió métodos de rotoscopia que el software que Scott y su equipo estaban usando no tenía, pero un acuerdo empresarial entre Technicolor y el desarrollador del software llevó a la creación de una herramienta que Scott necesitaba. En cuanto al tiempo de color, una de las prioridades del equipo era hacer que los rostros tuvieran la mayor dimensión y legibilidad posible. Esto requería, entre otras cosas, que se resaltaran los rostros, pero el trabajo de cámara en movimiento implicaba que los mates utilizados en este proceso debían animarse a mano. Lubezki proporcionaba notas sobre las áreas que quería que se rastrearan y luego el equipo realizaba las animaciones. De todo el proceso, Iñárritu comentó que "todos estaban fuera de su zona de confort", mientras que Scott dijo que fue el proyecto de DI más desafiante de su carrera. [69]
El director ha enfatizado y defendido las diversas ambigüedades incluidas intencionalmente en la película: "Al final de la película, [se puede] interpretar de tantas maneras como asientos hay en el cine". [70] Muchos aspectos de la teoría cinematográfica fueron debatidos en relación con la película por las críticas que incluyeron, entre otros temas, (a) el género cinematográfico ; (b) ambigüedades intencionales y no resueltas de la trama ; y (c) la compleja interacción de la vida personal de Riggan con su vida profesional como actor . Una breve lista de las diversas formas de género cinematográfico asociadas con la película ha incluido que se la menciona alternativamente como una película de humor negro, una película de salud mental, una película de realismo/
Los temas padre-hija en la película, retratados a través de la relación de Riggan y Samantha, fueron las partes "más difíciles" e importantes de la película para los coguionistas Dinelaris y Giacobone, ya que ambos habían tenido experiencias similares dentro de sus familias que involucraban sus propias relaciones con sus hijas. Cuando se les preguntó a los escritores sobre el significado del final ambiguo sobre el cual el director se negó a comentar, afirmaron que cualquier final cómico estaba completamente descartado. Los escritores también afirmaron que las reflexiones sobre la conclusión de la película no se concentraron directamente en Riggan o el personaje de Birdman tanto como en las vidas de los personajes sobrevivientes retratados en la película, en particular la representación de la hija de Riggan, Samantha. [73] [74]
Al señalar la relación temática entre la locura de Riggan y sus superpoderes reales, Travis LaCouter de First Things escribe que "la importancia de estos poderes, reales o imaginarios, es evidente: para Riggan son lo que está más allá de las etiquetas, el núcleo de su genio y, dado que ve el recurrir a ellos como una traición, la fuente de su gran angustia". LaCouter concluye que "la profundidad peculiar de esta película está en cómo desafía al espectador a considerar la magia cotidiana que tendemos a ignorar, reprimir o resentir". [75]
Los críticos Barbara Schweizerhof y Matthew Pejkovici consideran que el tema central de la película es una crítica satírica del realismo teatral contemporáneo, y Pejkovici la compara favorablemente con la película 8½ (1963) de Fellini. Como afirma Pejkovici: "Al igual que el clásico de Fellini de 1960 8½ , Birdman de Iñárritu es una película muy íntima sobre el malestar de un artista, pero es épica, innovadora y ambiciosa en su enfoque. Iñárritu captura la batalla del artista entre la ambición, la admiración y la celebridad con un alcance y una habilidad asombrosos en forma de un formato de una sola toma, mientras su cámara recorre los pasillos detrás del escenario, cruza el escenario, sale a las concurridas calles de Nueva York y regresa de manera impresionante". [76]
En cuanto a la temática, Richard Brody también la comparó con Opening Night (1977) de John Cassavetes . [77] Brody dijo que los actores actuaron en "el tipo de naturalismo moderno, sin excentricidad de gestos, exceso de expresión o precisión exagerada y formalista, que es el estilo informal de negocios del cine contemporáneo". [77] Caryn James del Wall Street Journal comparó la historia con la de Don Quijote (que se cree un caballero), ya que el personaje principal cree que es un superhéroe (el equivalente a un caballero en el siglo XXI). [78] Esta relación también fue resaltada por la literatura académica. [79]
Birdman fue seleccionada como la película de apertura del 71º Festival Internacional de Cine de Venecia junto con la nueva película de Mohsen Makhmalbaf . [80] Un lanzamiento limitado comenzó en cuatro cines de América del Norte el 17 de octubre de 2014, [81] [82] seguido de un lanzamiento a nivel nacional en 857 cines el 14 de noviembre de 2014. [83]
Birdman recaudó 42,3 millones de dólares en América del Norte y 60,9 millones de dólares en otros territorios, para un total mundial de 103,2 millones de dólares, frente a un presupuesto de aproximadamente 17 millones de dólares. [3]
La película ganó $424,397 durante su estreno limitado en Norteamérica en cuatro cines en Nueva York y Los Ángeles el fin de semana del 17 de octubre de 2014, un promedio por cine de $106,099, lo que la convirtió en la 18.ª película con mayores ganancias de todos los tiempos (octava entre las películas de acción en vivo) y ocupando el puesto número 20. [84] En el segundo fin de semana del 24 de octubre de 2014, Birdman se expandió a 50 cines y ganó $1.38 millones, lo que se traduce en un promedio de $27,593 por cine. [85] La película se expandió a nivel nacional a 857 cines en el fin de semana del 14 de noviembre de 2014, recaudando $2,471,471, con un promedio por cine de $2,884, y ocupando el puesto número 10. En el mismo fin de semana, Birdman recaudó $11.6 millones. [86]
La película se estrenó en México el 13 de noviembre de 2014, recaudando $628,915 en su primer fin de semana, y se estrenó en el Reino Unido el 2 de enero de 2015, recaudando $2,337,407 durante el fin de semana. [87] En el Reino Unido, Australia e Italia, la película recaudó $7.6 millones, $3.97 millones y $1.97 millones, respectivamente. [88]
En el sitio web de agregación de reseñas Rotten Tomatoes , la película tiene una calificación de aprobación del 91%, basada en 351 reseñas, y una calificación promedio de 8.50/10. El consenso crítico del sitio web dice: "Un emocionante salto adelante para el director Alejandro González Iñárritu, Birdman es un ambicioso escaparate técnico impulsado por una historia en capas y actuaciones sobresalientes de Michael Keaton y Edward Norton". [89] En Metacritic , la película recibió una puntuación promedio ponderada de 87 sobre 100, basada en 58 críticos, lo que indica "aclamación universal". [90] Las audiencias encuestadas por CinemaScore le dieron a la película una calificación promedio de "A−" en una escala de A+ a F. [91] En 2015, la película fue nombrada como una de las 50 mejores películas de la década hasta el momento por The Guardian . [92]
Margaret Pomeranz y David Stratton de At the Movies elogiaron el guión, la dirección, las actuaciones y la cinematografía de la película. Stratton también describió la implementación de la banda sonora de percusión como "realmente emocionante", mientras que Pomeranz resumió: "Está realmente bellamente escrita, asombrosamente interpretada y bellamente hecha". Ambos le dieron a la película cinco estrellas, lo que convirtió a Birdman en la única película en recibir tal calificación de los anfitriones en 2014. [93] [94] En The New York Times , Manohla Dargis comparó al personaje principal con Ícaro , [95] la figura mitológica griega que se estrelló hasta morir después de volar demasiado cerca del sol. También notó una referencia a Against Interpretation de Susan Sontag en el espejo del camerino. [95]
Richard Kolker comparó la película con La soga (1948) de Alfred Hitchcock y El arca rusa (2002) de Alexander Sokurov . Kolker concluye que Birdman es "una película sobre la actuación, la identidad, la transformación y los misteriosos efectos de los superhéroes, (y) está filmada para crear la ilusión de estar hecha en una sola toma continua. Al igual que con La soga , las ediciones están ocultas, y el resultado es un deslizamiento rítmico a través de la vida de un actor en busca de sí mismo, una búsqueda condenada al fracaso desde el principio". [96] Ollie Cochran llamó a la película "una amalgama de destreza técnica, efectos visuales hipnóticos y diálogo pragmáticamente perceptivo", creyendo que es "una perspectiva estimulante y enérgica de un actor en decadencia que busca revitalizar su carrera". [97]
La recepción internacional de la película también fue muy elogiosa. En Alemania, una calificación global de la película en EPD Film le dio a la película una calificación de 3,4 sobre 5, basada en siete críticas. La crítica alemana Barbara Schweizerhof le dio a la película 4 de 5 estrellas posibles, elogiando el virtuosismo satírico del director al hacer la película. En su reseña, Schweizerhof habló de la película como una invitación al espectador a volver a verla "una segunda y una tercera vez", y elogió el logro técnico de representar una historia que retrata "el flujo febril de conciencia" de su personaje principal a lo largo de la película. [98]
El trabajo de cámara, que muestra la mayor parte de la película como una toma continua, fue ampliamente aclamado por su ejecución y uso. La actuación fue ampliamente elogiada, particularmente la de Keaton, [99] [100] con Peter Debruge de Variety llamando a la actuación el "regreso del siglo". [101] Debruge describió la película como "una sátira consciente del mundo del espectáculo", y la llamó "un triunfo en todos los niveles creativos". [102] Robbie Collin de The Daily Telegraph calificó la película con 5/5 y elogió especialmente el uso de tomas largas por parte de Emmanuel Lubezki , director de fotografía. [103] Richard Roeper le dio a la película una "A" y escribió que Keaton tenía serias razones para una nominación al Premio de la Academia al Mejor Actor (que Keaton logró más tarde). [99]
En un artículo para The New Yorker , Richard Brody calificó la película de «godardiana» y la comparó con Pierrot le Fou (1965), Cada uno por sí mismo (1980), Alphaville (1965) y Alemania, año 90, nueve cero (1991), cuatro películas clásicas del director francés Jean-Luc Godard . [77] Sin embargo, sugirió que la película no alcanzó la misma maestría cinematográfica y agregó que «no es una buena idea que un cineasta se suba al ring con el señor Godard». [77] En sus comentarios críticos sobre la película, concluyó que la película «se basaba en dicotomías fáciles y casuales de teatro versus cine y arte versus comercio» y «ofrecía una obra de drama absolutamente familiar y poco original». [77] En otra reseña en The New Yorker que complementaba por separado la reseña de Brody, Anthony Lane rechazó la sugerencia de la película de que los críticos de cine están dispuestos a destruir películas, explicando: "Alguien podría haberle dicho a Iñárritu que los críticos, aunque a menudo son malos, no lo son preventivamente, y que cualquiera que dijera, como lo hace Tabitha, 'Voy a destruir tu obra', antes de verla realmente, no permanecería mucho tiempo en el trabajo". [104]
En la 87.ª edición de los Premios Óscar , Birdman o (La inesperada virtud de la ignorancia) ganó cuatro premios Óscar: Mejor película , Mejor director , Mejor guion original y Mejor fotografía . Michael Keaton fue nominado a Mejor actor , Edward Norton y Emma Stone fueron nominados en las categorías de Mejor interpretación de reparto, y también recibió nominaciones a Edición de sonido y Mezcla de sonido. [105]
Keaton recibió su primer Globo de Oro , al ganar el premio al Mejor Actor en una Película - Musical o Comedia en la 72.ª edición de los Globos de Oro . La película también ganó el Globo de Oro al Mejor Guion .
Birdman o (La inesperada virtud de la ignorancia) fue incluido en las listas de los diez mejores de muchos críticos. [106]
Zach Galifianakis juega con fuerza contra eltipo
Michael Keaton regresa con el regreso del siglo
