Annie-B Parson es una coreógrafa , bailarina y directora estadounidense que vive en Brooklyn , Nueva York . Parson se destaca por su trabajo en danza/teatro, danza posmoderna y música pop artística. [1] Parson es la directora artística del Big Dance Theatre de Brooklyn , que fundó con Molly Hickok y su marido, Paul Lazar. [2] También es conocida por sus colaboraciones con Mikhail Baryshnikov , David Byrne , David Bowie , St. Vincent , Laurie Anderson , Jonathan Demme , Ivo van Hove , Sarah Ruhl , Lucas Hnath , Wendy Whelan , David Lang, Esperanza Spalding , Mark Dion , Salt 'n Pepa , Nico Muhly y Martha Graham Dance Co.
Parson recibió su licenciatura en Danza del Connecticut College en New London, Connecticut en 1980. [3]
Recibió su maestría en la Universidad de Columbia/Teacher's College en 1983. [3]
Parson fundó Big Dance Theatre en 1991 con Molly Hickok y Paul Lazar. Desde entonces, ha coreografiado y cocreado docenas de obras para la compañía, que van desde piezas de pura danza hasta adaptaciones de obras de teatro y literatura, hasta obras originales que combinan materiales tremendamente dispares. Su trabajo con Big Dance ha sido encargado por la Academia de Música de Brooklyn , el Teatro Nacional de París , la Sociedad Japonesa y el Centro de Arte Walker . [4] Parson describe Big Dance como "un grupo de personas que están interesadas en llevar la danza al ámbito teatral y llevar el teatro al ámbito de la danza". [1] Para ella, Big Dance tiene una "codicia total por todos los placeres del teatro y danza" [5] La crítica Helen Shaw escribió sobre Big Dance como una "banda fluida de artistas y diseñadores agrupados alrededor de los codirectores casados, la coreógrafa y directora Annie-B Parson y el actor y director Paul Lazar. dice en la botella: un grupo híbrido, que ignora las divisiones habituales entre danza y teatro". [6] La empresa comenzó como una alianza flexible pero dedicada y generativa, compuesta en gran parte por mujeres, incluidas Stacy Dawson, Molly Hickok, Tymberly Canale, Cynthia Hopkins, Rebecca Wisocky y Kourtney Rutherford. Este grupo tuvo altibajos y otros se unieron a lo largo de los años.
El trabajo de Big Dance casi siempre es no lineal y con frecuencia no tiende a tener una narrativa ("No creo que la vida sea muy narrativa", dice Parson. "La mía no lo es. Y los elementos narrativos que han sucedido en mi "Cuando miro hacia atrás, mi vida se vuelve más ficticia.") [5] Aunque la falta de una historia lineal en ocasiones deja a los críticos desconcertados, la intencionalidad, la alegría, la precisión técnica y el alcance ambicioso de los mundos que crean generalmente garantizan que los Al crítico no le importa sentirse perdido. En palabras de Shaw, "la diferencia entre un evento de Big Dance Theatre y el trabajo de alguien como, digamos, Richard Foreman es que Big Dance te enviará a un estado de trance y luego te señalará con el dedo y te guiñará un ojo". [6]
Cuando se le preguntó sobre la división entre teatro y danza, Parson dijo:
"La separación de la danza y el teatro: ¡esto me irrita toda la vida! En mi línea de tiempo personal y muy subjetiva, la desconfianza en el teatro de danza occidental comenzó después del siglo XVIII. Desde entonces, nosotros, el público, hemos estado cada vez más sujetos a la “realidad” adormecedora, no irónica e inequívoca en el escenario, The Ancients, hace 2000 años, todas esas obras se bailaban y cantaban en la época de Shakespeare: los actores bailaban en el teatro clásico japonés, los estudiantes de actuación comienzan con años de experiencia; Nuestro entrenamiento de danza contemporáneo, sin cuerpo y sin danza, se siente basado en el miedo (pero tiendo a pensar que todo se basa en el miedo, ¡así que no confíen en mí!). Pero, ¿está relacionado con nuestro miedo victoriano al cuerpo? ¿El miedo a la corporalidad, al sexo? ¿Proviene el divorcio de nuestra preferencia por la mente sobre el cuerpo, en lugar de mente/cuerpo? Pero sí, la separación también debe tener que ver con la coronación jerárquica de la primacía de “la palabra” por parte de los modernistas. ; los modernistas consideraban honorable la palabra, mientras que el baile pobre era considerado de mal gusto, obra de putas y… ¡mujeres! Las cosas que posee la danza: la ambigüedad, las capas, el misterio, la abstracción, la no narrativa, ¡son obra del diablo! Se esconden, sugieren, insinúan, no tienen moral ni respuestas. Entonces, en mi pequeño rincón, he intentado resucitar la danza en el teatro. La danza es el objeto sagrado para mí; debe mantenerse cerca y protegerse de cualquier daño, y restaurarse al lugar que le corresponde en el panteón de la materialidad." [7]
Sacrifice fue la primera de las obras a gran escala de Parson y su primer trabajo en Dance Theatre Workshop , comisariada por David White, quien defendería el trabajo de Parson durante décadas. Ambientada en algo parecido a un salón de belleza, esta pieza incorporó un texto de Harold Pinter y estuvo acompañada de una veintena de gestos repetitivos ejecutados por cinco parejas de hombres y mujeres.
The Gag se estrenó en Dance Theatre Workshop en 1993. Esta obra a gran escala se basó en el mito de la figura de Cassandra en la mitología griega y la pieza incorporó el texto de la escritora feminista radical Andrea Dworkin . Molly Hickok desempeñó el papel central, iniciando una colaboración de décadas entre ella y Parson. La pieza también se inspiró en los escritos de Christa Wolff con texto de Esquilo , Pinter y Marguerite Yourcenar . Contó con música original de Walter Tompson , interpretada en vivo. Cuatro monitores en el suelo incluían imágenes de pequeños animales bebés correteando. El New York Times describió a The Gag como “una bullabesa de pieza de teatro y danza... Hay una pequeña tragedia griega, un poco de Harold Pinter, un toque de Tennessee Williams y una gran dosis de moda y travesuras cómicas”. [8]
Presentada por el Teatro Cucaracha y realizada originalmente para estudiantes de la Universidad de Nueva York, Bremen Freedom , del dramaturgo alemán occidental Rainer Fassbinder , contaba la historia de Geesche, una mujer tan harta de ser controlada por los hombres de su vida que los envenenó metódicamente. y en última instancia a ella misma. The Village Voice escribió que la producción incluyó “un pequeño truco de cabaret, algo de travestismo, algunas dosis de disyunción, mucha creación de cuadros estilizados, una pizca de imaginería católica, varias actrices interpretando el mismo papel, un poco de encantadora/ cantos corales espeluznantes y un montón de ese baile tonto y desmotivado que hizo que Brace Up fuera tan divertido”. [9] Aunque las reseñas hacían referencia a algunas de las similitudes interpretativas con Cabaret (Stacy Dawson como maestra de ceremonias recordó a Joel Gray ), [10] el Village Voice insistió en que “estos niños se presentan como innovadores, no como imitadores, y saben cómo ofrecer un espectáculo muy caliente”. [9] Aunque altamente coreográfico, este trabajo fue la primera “obra” que Big Dance, una compañía basada principalmente en danza, había presentado.
En 1995, Parson apareció entre los Jóvenes Coreógrafos y Compositores del American Dance Festival en Carolina del Norte. Fue emparejada con el compositor Richard Einhorn y los dos crearon “Ciudad de novias”, interpretada por cinco mujeres descalzas y acompañada por una compleja partitura para piano, violín y violonchelo basada en Les Noces de Stravinsky . Este sería el primer trabajo de “borrado”, término que utiliza Parson para coreografiar una pieza musical y luego borrarla, de modo que, si bien el público nunca escuchó la música, el material de movimiento inspirado en sus ritmos perduró.
The News & Observer escribió que "Parson es un talento a tener en cuenta". [11] Un crítico del Toronto Arts Journal CallTime escribió que Parson era la “voz más refrescante entre una nueva generación de coreógrafos” y que su combinación de danza y teatro había “creado un lenguaje de movimiento que es accesible a cualquier miembro de la audiencia independientemente de edad, raza, género o conocimientos previos de danza” [12] La pieza también se presentó en el Dance Theatre Workshop en Nueva York (1995), el Fall for Dance Festival en Nueva York (2004) y el Spoleto Festival en Charleston, Carolina del Sur. .
Don Juan regresa de la guerra se estrenó en Classic Stage Company NYC en 1996. Fue una producción conjunta de Classic Stage Company y el Teatro Cucaracha, con Lazar y Parson como codirectores y ella como coreógrafo. El New York Times elogió su dirección y escribió que habían construido una “interpretación ingeniosa y elegante” dela obra agridulce de Odon von Horvath . [13] La obra sigue a Don Juan cuando regresa a casa después de la Primera Guerra Mundial en busca de su prometido, quien, sin saberlo, ha muerto. Su fantasma lo sigue durante toda la obra. Horvath, un dramaturgo húngaro que escribió en Alemania hasta que huyó de los nazis, ambientó su obra inmediatamente después de la Primera Guerra Mundial, pero la obra está llena de “burlas filosóficas” a sus enemigos. [13] Parson y Lazar animaron estas ideas con “coreografías y arreglos musicales muy estilizados” (de Christopher Berg) que aluden tanto a Don Juan como a la música popular alemana de la década de 1920. El resultado podría haber molestado a Horvath, quien era notoriamente quisquilloso con la puesta en escena, pero probablemente permitieron que una audiencia estadounidense captara su significado, y ciertamente sus estados de ánimo, mejor que cualquier presentación más literal". [13]
“The Gas Heart” (1921) es un “clásico” dadaísta de Tristan Tzara, uno de los fundadores de ese movimiento. En la interpretación de la obra de Big Dance, el feroz texto cómico y lírico cobra vida vívidamente con una puesta en escena claramente coreográfica y una coreografía claramente teatral. Es como si Tzara hubiera escrito la obra para la Big Dance Company.
De la reseña del NYTimes “...El triunfo cómico Aquí está The Gas Heart, de Tristan Tzara, una ingeniosa versión dadaísta de los sofisticados de vanguardia que trabajan, coquetean, ejecutan sin esfuerzo pasos de baile imposibles, lucen tan elegantes como los retratos de Cecil Beaton e intercambian un sonido superior. bromas que son una completa tontería. Pocas obras dadaístas sobreviven; éste es exquisito y está exquisitamente interpretado”.
Esta adaptación de danza y teatro de Un corazón simple de Gustave Flaubert sigue la historia de Félicité, una sirvienta que observa cómo todos los seres con los que está conectada mueren o la abandonan lentamente. Parson eligió a dos bailarinas (Stacy Dawson y Molly Hickock) como Félicité, quienes ocasionalmente bailaban al unísono, en paralelo y, a veces, se separaban por completo mientras siempre permanecían conectadas. Se separan por primera vez cuando muere Félicité. [14] La pieza empleó un uso mínimo del lenguaje, confiando en su lugar en “viñetas sobrias pero ricas” [15] para contar esta historia simple con una ternura seca, destinada a igualar la tonalidad del Flaubert.
The Village Voice escribió que Parson y Lazar habían creado un "mundo frío y convincente de desintegración emocional". [14] A Simple Heart se estrenó en el Festival GIFT en Tbilisi, Georgia, en 1997. También se presentó en el Dance Theatre Workshop , Nueva York, Classic Stage Company , Nueva York, Jacob's Pillow Dance Festival , Massachusetts, el Hitchcock Center, Dartmouth New Hampshire, Middlebury College en Vermont, el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago y el Festival Spoleto en Carolina del Sur.
Girl Gone , escrita por Mac Wellman con canciones de Cynthia Hopkins, se estrenó en el Flea Theatre en 1998 y se presentó en Kitchen NYC en 1999. La obra explora la posibilidad de construir realidades alternativas como tres adolescentes, Lissa, Lisa y Elyssa. , realizan rituales con el objetivo de “irse” a una tierra de fantasía. Tienen tanto éxito que traen consigo gran parte del resto de su mundo.
En un artículo del Village Voice , la relación laboral de Parson y Lazar se describió como tan estrecha que los cines a menudo no están seguros de cómo acreditar su trabajo. Para Girl Gone , Parson ideó bailes inspirados en las fantásticas direcciones escénicas de Wellman; "Hacen la fusión espinal", escribe Wellman, "hacen el Cleveland completo". [dieciséis]
Al describir la obra, Time Out New York renunció a las etiquetas teatrales y recurrió a la terminología psicológica, escribiendo que “la obra es esquizofrénica, maníaca, ocasionalmente melancólica y, más a menudo, histérica”. [17] Verlo fue “una experiencia a la vez alienante y encantadora”. [17]
Otra cosa telepática se inspiró en el cuento moral de Mark Twain “El extraño misterioso” y se describe como “una parábola prismática y compleja de danza-teatro”. [18] Fue interpretado por Tymberly Canale, Stacy Dawson, Molly Hickok, Cynthia Hopkins, Paul Lazar y David Neumann, y contó con música original de Cynthia Hopkins. “A la vez cínica y espiritual, la obra se centra en un carismático extraño cuya visita rompe la paz de una aldea mítica. El escenario medieval tiene un eco en la realidad contemporánea de Hollywood, con un guión que entrelaza la escritura sublime de Twain con texto "encontrado" de años de audiciones. Culmina en una exploración sutil y sorprendente de la fragilidad de nuestra condición humana”. [18]
La pieza se representó en Dance Theatre Workshop NYC , (2000), STUC Theatre, Bélgica, (2000), Performing Garage NYC (2000), Rotterdam, Gante y Munster, Alemania (2001), y el Walker Art Center , Minneapolis Minnesota ( 2002), donde fue la primera en la exhibición de Walker's 2002 de actuaciones que cambian el género, acertadamente titulada la serie “Out There”. El final de la pieza, en el que Satanás pronuncia un discurso final que describe la existencia humana como nada más que “un pensamiento sin hogar” y luego desaparece, fue descrito por el Star Tribune como una “conclusión poderosa e inquebrantable de esta meditación ontológica” [19] El espectáculo también fue muy bien recibido en Alemania. La crítica Susanne Lang describió el escenario como “una bola de nieve que se puede agitar para ver el mundo, al menos por un momento, a través de la onírica ráfaga de copos de nieve artificiales... todo se mueve, todo. se deja llevar por la música”. [20] El Münstersche Zeitung elogió la pieza como una “mezcla muy exitosa de danza y teatro hablado… se crean espacios acústicos a través del habla y la canción, que crean a la perfección una superestructura para la danza. Al traer esta pieza, Pumpenhaus no solo tiene. trajo un estreno a Münster, trajo una pieza excepcional de danza teatro”. [21]
Jonathan Demme filmó una presentación en vivo de la pieza en 2000 en Dance Theatre Workshop en Nueva York. La película se proyectó en el Baryshnikov Arts Center de Nueva York en junio de 2015. [18] En 2000, Big Dance ganó un Obie por la música de Another Telepathic Thing . Esta pieza, considerada una obra emblemática de Big Dance, se convirtió en un libro publicado por 53 State Press, que incluye el texto de la pieza, dibujos de Parson del vestuario y accesorios, y entrevistas con los artistas sobre cómo se generó la obra.
En 2002, Big Dance Theatre creó una adaptación de Antigone, su segunda colaboración con el dramaturgo Mac Wellman . Se estrenó en Dance Theatre Workshop en Nueva York y realizó una gira por On the Boards en Seattle, Washington, UCLA Live en Los Ángeles, Kampnagel en Hamburgo, Alemania, Theatre im Pumpenhaus en Muenster, Alemania, el Museo de Arte Contemporáneo en Chicago, Illinois y Compañía de escenario clásico en Nueva York, NY. El New York Times calificó el programa como una "experiencia curiosa y fascinante, aunque en gran medida impenetrable", y dijo que Parson había creado un movimiento "cuya vivaz inteligencia es en sí misma suficientemente significativa". [22]
Plan B, una pieza original con texto de Len Jenkin y la compañía, se estrenó en 2004 en el Walker Arts Center de Minneapolis.
"Como en un plato bien cocinado", escribió el New York Times, "los ingredientes se mezclan en las obras del Big Dance Theatre, creando sabores y texturas difíciles de alcanzar". [23] El Plan B combinaba elementos de las cintas Watergate de Nixon y los diarios adultos de Kaspar Hauser, el “niño salvaje” del siglo XIX que fue encontrado a los 16 años a las puertas de la ciudad de Nuremberg, después de vivir abandonado en un bosque alemán durante 12 años. años. Su posterior socialización resultó trágica. [24] Lazar explicó que los dos textos se conectaron cuando descubrieron una sección de las cintas donde Nixon y sus asesores estaban tratando de encontrar a la persona adecuada para hacer ciertas cosas en su nombre. "Qué contraste tan perfecto podría ser Kaspar", dijo Lazar, "porque es tan maleable y tan inocente". [24] Agregue a esos elementos fragmentos del Antiguo Testamento, danza Kabuki y música de películas taiwanesas y tendrá 'Plan B', "una brillante hebra de narración evocadora que logra sugerir mucho sobre la inocencia en todas sus formas". [25] “Combinar todas estas fuentes dispares podría haber sido una receta para el desastre en las manos equivocadas”, escribe Susan Reiter para danceviewtimes, “pero Big Dance Theatre las combina y transforma con una visión segura... creando una obra que cuenta una historia peculiar y ambigua con una extrañeza resonante y una belleza delicada”. [26]
Plan B también se presentó en la Bienal de Bonn en Alemania (2004), Dance Theatre Workshop NYC (2004), Under the Radar Festival en Nueva York (2005) y Philadelphia Live Arts Festival en PA (2005).
The Other Here fue una obra original basada en los escritos de Masuji Ibuse . Fue un encargo de la Sociedad Japonesa, que pidió que la pieza de alguna manera se relacionara con la cultura japonesa. El director de la sociedad japonesa, Yoko Shioya, sugirió considerar las obras de Masuji Ibuse.
Parson y su equipo comenzaron con una selección de materiales originales: las historias chejovianas de Ibuse, textos textuales de transcripciones de conferencias estadounidenses sobre seguros de vida, danzas tradicionales japonesas, música pop japonesa, una mesa grande y una cítara. Poco a poco, a través de la exploración colectiva, se descubren los temas entre estos materiales dispares y comienza a surgir una historia. Un hombre que intenta dar un discurso en una conferencia es interrumpido para ver una danza que aplaude, realizar su propia danza y recibir el regalo de un pez. El pescado se vuelve central.
Theatre Forum señaló que la pieza existe en ese punto de colisión entre forma y sustancia” y que “la complejidad de esa sutil paleta emocional es una de [sus] grandes fortalezas”. [27]
The Other Here se desarrolló en el Festival CUNY of New Work en Nueva York, 2005. Luego se presentó en el Lincoln Center Out of Doors (2006) y en la Universidad de Maryland (2006). Su estreno oficial fue en The Japan Society en febrero de 2007.
De la pluma de “uno de los poetas más apasionantes que escriben en inglés” (New York Times) llega el estreno mundial de las nuevas y vibrantes traducciones de Anne Carson del mito de ORESTEIA. Esta gran recopilación caleidoscópica reúne las obras de Esquilo, Sófocles y Eurípides para contar la caída de la poderosa casa de Atrida.
Una presentación de Compañía de Escenario Clásico de tres obras en tres actos. “Agamenón” y “Elektra” dirigidas por Brian Kulick y Gisela Cárdenas. “Orestes” dirigida por Paul Lazar y Associate dirigida y coreografiada por Annie-B Parson.
Esta pieza se presentó en la Classic Stage Company de Nueva York en marzo de 2009.
Esta pieza original se inspiró en la película francesa Nouvelle Vague en blanco y negro de Agnès Varda de 1962, Cleo From 5 to 7 , y fue encargada por el Instituto Francés Alliance Française . La película sigue a Cleo, una joven cantante pop que espera ansiosamente los resultados de una biopsia para detectar cáncer. La película la sigue casi en tiempo real durante dos horas, mientras se distrae con compositores, amantes, amigos, un adivino y un soldado. La producción de Big Dance honró, se apropió, reinventó y se apartó del modelo de la película al mismo tiempo. En palabras de Philip Lopate, que escribe para el Performance Arts Journal, Parson “se centra en el tema muy francés (pensemos en La Rochefoucauld) de la crueldad egoísta de la humanidad”. [28] Al crear la pieza, Parson utilizó el guión, pero no vio la película hasta el final del proceso, para no estar (en palabras de Lazar) “bajo la garra” de la influencia de Varda. [29] The New York Times escribió que en el artículo, “el significado surge de una interacción compleja pero sobria de acciones y objetos: una canción popular francesa, un vídeo de Jeff Larson, trajes y accesorios deliciosos que evocan la alta costura francesa, incluso un deslumbramiento. rutina de baile que hace referencia a la coreografía de una película de Godard”. [30]
La pieza se estrenó en el Festival Ça Tchatche de Les Subsistance en abril en Lyon, Francia. También se presentó en Le Quartz en Brest, Francia, Le Theatre National en Rennes, Francia, MCA/Chicago, The Kitchen , Nueva York, octubre de 2009, y New York Live Arts , Nueva York. Es un trabajo emblemático de la empresa y toda la empresa y el equipo de diseño ganaron un Bessie en 2010.
Durante una residencia en el Museo Getty de Los Ángeles en 2010, Parson y Lazar comenzaron a trabajar en Supernatural Wife , una adaptación de la obra de Eurípides Alkestis. Parson editó la traducción de Anne Carson para crear un esqueleto de repuesto para la pieza. La obra se basa en el mito del rey Admeto, a quien Apolo le ofrece la vida eterna con la condición de que envíe un sustituto al inframundo en su lugar. Su esposa, Alcestis, se ofrece como voluntaria. Parson describe el tema como primordial: "cuestiones de nacimiento, muerte, dolor, duelo y los dioses". [31] Supernatural Wife tuvo su estreno estadounidense en el Jacob's Pillow Dance Festival en 2011. Ella Buff, directora ejecutiva y artística del festival, señaló que “al integrar material de fuentes lejanas, [Parson y Lazar] crean su propia mitología. " [31] La pieza extraída de películas mudas yiddish, la partitura física de las rutinas de Dean Martin y Jerry Lewis, secuencias de video de un cuidador de caballos y una grabación de un monólogo de Rosalind Russell. [31] Annie-B Parson hizo su debut en la Academia de Música de Brooklyn en el Teatro Harvey con Supernatural Wife en 2011. La pieza realizó una gira por La Filature en Mulhouse, Francia, Les Subsistances en Lyon, Francia, Le Quartz en Brest, Francia, Théâtre . National de Chaillot en París, Francia, y Walker Arts Center en Minneapolis, MN.
Ich, Kurbisgeist fue un encargo conjunto de The Chocolate Factory y Performance Space 122 . Se estrenó en octubre de 2012 en Chocolate Factory en Queens, Nueva York, y luego se presentó en NYLA en 2013.
El espectáculo fue creado en colaboración con la dramaturga Sibyl Kempson y fue escrito en un lenguaje inventado por el dramaturgo, que nadie en el mundo, excepto aquellos involucrados en la producción, habla o conoce. [32] Esta obra “impresionantemente inescrutable” es, en palabras del dramaturgo, una “vieja obra de venganza agrícola para Halloween”. [33] La pieza se desarrolló en la Edad Media, en una tierra en gran parte árida que parece no producir nada más que calabazas, muchas de las cuales debían ser aplastadas durante la representación.
Cuando se le preguntó cómo encaja Ich, Kurbisgeist en la historia de lo que hace Big Dance, Parson dijo que ansiaba hacer algo donde el lenguaje fuera abstracto como movimiento, algo "pequeño e íntimo" y sentía que debería verse "en algún tipo de sitio específico, lugar realmente, muy íntimo. Pensé que tenía que ser algo con lo que estés muy cerca, así que no solo pienses en el lenguaje como significado, sino que también pienses en el lenguaje como una experiencia cinética, porque el lenguaje es extremadamente cinético”. [34]
Al escribir para L Magazine , Alexis Clements señaló que Parson y Lazar parecen "disfrutar sintiéndose como forasteros que observan una cultura o un tema con el que no están familiarizados". Para ellos, había un “valor en la experiencia de tener que reconocer la propia ignorancia”, les liberaba para asimilar información que contradecía sus formas de pensar anteriores y les permitía hacer algo familiar de una manera totalmente nueva. [34]
El New York Times escribió que “Al igual que las palabras pronunciadas por los astutos tontos de Shakespeare, los mensajes están revueltos. Sin embargo, el mundo de “Ich, Kürbisgeist” es completo y sorprendentemente poderoso. A veces el intestino entiende mejor que el cerebro”. [33]
Man in a Case , la colaboración de Parson con el bailarín Mikhail Baryshnikov , se estrenó en 2013 en Hartford Stage y presentó a Baryshnikov, considerado el mejor bailarín de su generación, como un hombre que se niega a bailar. [35] Parson coreografió y dirigió la pieza, que utilizó sus adaptaciones originales de dos cuentos cortos de Chéjov menos conocidos , “Man in a Case” y “About Love”, en combinación con música en vivo, danza y secuencias de video de estilo vigilancia. [36] La actuación de Baryshnikov fue ampliamente elogiada, y Elizabeth Bruce describió la "nitidez melancólica" de la actuación como "absolutamente chejoviana". [37] La pieza se representó en Shakespeare Theatre Company en Washington, DC, Berkeley Repertory Theatre en Berkeley, CA, ArtsEmerson en Boston MA, Broad Stage en Santa Mónica, CA y el Museo de Arte Contemporáneo en Chicago, IL.
Alan Smithee dirigió esta obra: una función triple fue encargada conjuntamente por Les Subsistances (Lyon) y la Academia de Música de Brooklyn . Se estrenó en Les Subsistances en Francia en marzo de 2014 y luego se presentó en Jacobs Pillow , Les Subsistances, Tanz im August Berlin y Brooklyn Academy of Music .
La pieza fue una adaptación/mezcla de las películas Terms of Endearment , Le Cercle Rouge y Doctor Zhivago . Todo comenzó cuando Les Subsistances sugirió que Annie-B Parson y Paul Lazar trabajaran con un breve extracto de la película policial franco-italiana de 1970, Le Cercle Rouge. Queriendo trabajar con otras películas icónicas de otras épocas y países, agregaron Doctor Zhivago y Terms of Endearment. En la forma clásica de Big Dance, la pieza entrelazó estilos de actuación dispares e incluyó a siete artistas que hablaban textos, bailaban y realizaban con precisión los movimientos de los actores de las películas, que, a su vez, se proyectaban en una gran pared de persianas detrás de ellos. . Un momento de puesta en escena teatral puede ir acompañado de una partitura entera de coreografía, una danza puede ser subrayada por un teatro completamente escenificado. Parson dice que lo que más le interesa es que “los sistemas simultáneos se presionen entre sí y vean qué sucede. Ese es el punto mágico”. [5]
El nombre que aparece en el título, Alan Smithee , es el seudónimo utilizado por el Directors Guild of America hasta el año 2000, cuando un director quedó tan insatisfecho con una película que pudo demostrar satisfactoriamente al gremio que no había podido ejercer el control creativo y por tanto se negó a atribuirse el mérito del producto final. Luego fue acreditado como Alan Smithee.
La forma corta tuvo su estreno en Nueva York en Kitchen en enero de 2015 y fue en parte una celebración del 25 aniversario de la compañía. El espectáculo incluyó cinco obras breves centradas en la danza. El intermedio fue una fiesta de cumpleaños en el escenario con juegos, comida y Lazar como MC. El espectáculo estuvo “inspirado en disciplinas de lo conciso: novelas, cuentos populares, anotaciones de diarios, dibujos a lápiz, bocetos en miniatura y una sola página de un cuaderno”. y contó con cinco obras que “abrazan lo breve, granular, cercano, anecdótico y microscópico. Se valora la reducción de personal”. [38] La pieza tuvo su estreno mundial en el Teatro Solange MacArthur del American Dance Institute en Rockville, MD en 2015. Su estreno en Nueva York fue en el Kitchen de Nueva York, Nueva York, y realizó una gira por el Festival Fusebox en Austin. Texas.
This Page Intentionally Left Blank hizo su estreno mundial en el Festival CounterCurrent 2016 del Centro Cynthia Woods Mitchell para las Artes de la Universidad de Houston. Este recorrido docente basado en actuaciones deconstruyó “el papel del docente y el recorrido audio del museo a través de un encuentro con el teatro y la danza”. , subvirtiendo y reconsiderando cómo el docente normalmente lleva a los espectadores a observar el arte en el contexto del museo”. Big Dance buscaba democratizar el espacio del museo, “perturbar, despertar, desmantelar, confundir y así revivir la percepción del arte por parte del espectador”. [39] El público usó auriculares y recorrió el espacio en grupos de veinte, mientras el docente (Tymberly Canale) hablaba sobre el arte con un (“no mires eso”, dice en un momento, “eso no es parte de la gira”). [40] El público viajó desde el edificio principal de la Colección Menil hasta Sin título, 1996, de Flavin, descrito por Arts And Culture como “una especie de viaje más profundo a la psique de Tymberly mientras ella se abre paso en la nuestra”. [40] El movimiento y el teatro poco a poco comienzan a apoderarse de la pieza y, finalmente, el público se convierte en parte de la actuación.
La pieza también se representó en Mass MoCa , el Museo de Arte Contemporáneo de Massachusetts, en enero de 2016.
Cage Shuffle hizo su estreno mundial en Abrons Arts Center durante el American Realness Festival en 2016. En Cage Shuffle, Paul Lazar habla una serie de historias de un minuto de John Cage de su partitura de 1963 Indeterminacy mientras realiza simultáneamente una coreografía de Annie-B Parson. Las historias se cuentan en un orden aleatorio sin una relación predeterminada con el baile. El azar ofrece su inevitable mezcla de conexiones extrañas y asombrosas entre texto y movimiento. Con cinta en vivo y collage digital musicalizado e interpretado por la compositora Lea Bertucci.
La pieza también se representó en The Poets House en marzo de 2017; David Bryne: Así es como funciona la música en junio de 2017; El Walker Art Center de Minneapolis en julio de 2017; Galería APE Ltd. de Northampton en agosto de 2017; Links Hall de Chicago en octubre de 2017; Centro de Artes Escénicas DeBartolo de la Universidad de Notre Dame, IN en octubre de 2017
17c es la obra conjunto más reciente del Big Dance Theatre, construida en torno a los problemáticos diarios de Samuel Pepys del siglo XVII. Pepys bailó, cantó, rasgueó, compró, se esforzó, intimidó y manoseó, y lo registró todo en su diario, sin ningún filtro. Desde sus juanetes hasta sus infidelidades, sus perversiones y sus encuentros con el Rey, necesitaba plasmar su vida diaria en un papel o se sentía perdido. Un sorprendente precursor de nuestra propia cultura de las redes sociales, Pepys poseía una compulsión similar de asignar un significado casi constante en tiempo real a su existencia diaria, de examinarse a sí mismo y de informarlo obsesivamente".
En su último artículo, Parson y su equipo incorporaron los copiosos diarios de Pepys, la obra feminista radical del siglo XVII de Margaret Cavendish, The Convent of Pleasure, tres siglos de marginalia y las anotaciones continuas de los devotos en la web en www.pepysdiary. com. La pieza "desmantela una figura histórica indiscutible y encarna las voces de mujeres omitidas en el retrato íntimo de su vida de Pepys".
17c se presentó como un extracto de trabajo en progreso como parte del American Realness Festival en el Agnes Varis Performing Arts Center de Gibney Dance en enero de 2017. Luego se presentó en el Philadelphia Fringe Festival del 7 al 9 de septiembre.
En octubre se presentó en Mass MoCa, copresentado por Jacob's Pillow Dance en North Adams MA. Su estreno mundial fue en noviembre de 2017 en Carolina Performing Arts en Chapel Hill, Carolina del Norte, y su estreno en Nueva York fue en el Festival Next Wave de la Academia de Música de Brooklyn en Brooklyn, Nueva York, en noviembre de 2017.
Basada libremente en una obra absurda de Ionesco, en este estreno norteamericano, Annie-B Parson organiza una fiesta de cumpleaños para una compañía de respetados bailarines mayores, entre ellos Bebe Miller, Meg Harper, Keith Sabado, Sheryl Sutton, Douglas Dunn, Betsy Gregory, Brian Bertscher y Susan de ojos negros. Esta pieza fue creada originalmente para Sadler's Wells Elixir Co.
El historial de actuaciones incluye Sadler's Wells, Londres en junio de 2017 y NYU Skirball en noviembre de 2019.
Antigonick, de Big Dance Theatre, es un primer montaje de la versión filosófica, feminista radical y en un solo acto de Anne Carson de Antígona de Sófocles. En la perspectiva teatral de Carson sobre el papel de Antígona como humanista y antagonista, el entusiasmo intelectual de Antigonick radica en cómo pierde, por qué es importante su resistencia pacífica y las aleccionadoras consecuencias del enfrentamiento entre Antígona y Kreon.
Big Dance Theatre realizó por primera vez esta obra, dirigida por Paul Lazar, en 2016 en Suzanne Bocanegra y David Lang's Home Theatre. En 2017, Antigonick recibió el encargo y la producción original del Festival de Teatro de Williamstown con el apoyo de Mandy Greenfield. El grupo original del elenco incluía a Yvonne Rainer, Chris Giarmo, Kirstin Sieh y Sheena See. Ambas iteraciones fueron dirigidas por Paul Lazar y codirigidas por Annie-B Parson, con diseño de sonido original de Chris Giarmo y producidas por Aaron Mattocks.
Antigonick se presentó por primera vez en el Festival de Teatro de Williamstown, verano de 2017. También se presentó en Abrons Arts Center en noviembre de 2018.
Annie-B Parson aborda el ballet con su propia voz coreográfica. A partir de su experiencia de ver y volver a ver Agon de Balanchine , así como la novela The Complete Ballet de John Haskell, crea un dúo a partir de las imágenes, las acciones fundamentales, los objetos y las narrativas de las tradiciones del ballet.
El historial de presentaciones incluye el Spoleto Festival of Two World, Umbría, Italia, en julio de 2019 y el NYU Skirball en noviembre de 2019.
Fuera de Big Dance, la Sra. Parson ha creado coreografías para bandas de música, óperas, estrellas del pop, teatro, ballet, docentes, películas, objetos, televisión, sinfonías y, más recientemente, para un coro de 1.000 cantantes bajo la dirección de Simon Halsey. Su trabajo para teatro, MTV, ópera y cine incluye trabajos de Laurie Anderson, Salt n Pepa, Nico Muhly y obras como Walt Disney de Lucas Hnath en Soho Rep, Orlando de Sarah Ruhl, Futurity en ART, así como el cuarteto de cuerda ETHEL. .
En 2013, Parson coreografió Here Lies Love, un musical basado en la vida de la Primera Dama Filipina Imelda Marco que se presentó en el Public Theatre con música de David Byrne. Parson había sido fan de Byrne desde que lo vio actuar en su época universitaria. La admiración se convirtió en colaboración; coreografió dos de las giras mundiales de Byrne incluso antes de que comenzaran a trabajar en Here Lies Love. Byrne escribió la letra y la música fue creada por Byrne y Fatboy Slim .
Sobre el proceso, que fue su primera incursión en el teatro musical tradicional, dijo: “Por lo general, en mi propia compañía u otro trabajo de concierto, creo desde una perspectiva formalista, es decir, trabajo con la línea, el espacio, la forma y el tiempo de danza misma. La danza es el objeto sagrado. Cuando he creado para los conciertos de David, pregunto: '¿Qué anhela la música?' Pero en Here Lies Love, la música y la historia son los principales contendientes por el trono, así que sabía que el baile tenía que servir a esos dos. Ahí radica la lucha—y el interés—para mí en este proyecto." [41]
Parson estudió los movimientos de Marco, haciendo referencia a sus movimientos característicos para crear una coreografía para que el público pudiera ver sus gestos característicos tanto en vivo como en las pantallas de televisión reproduciendo imágenes históricas. La coreografía resultante ofrecía diversas frases que tenían “de todo, desde toques de pasos de banda de chicos y movimientos contundentes de club hasta secciones gestuales con manos en forma de flor de loto y círculos de cadera luau balanceándose”. [41] La mezcolanza resultante creó un efecto visual sorprendente, que en ese momento se conocía como "marca registrada de Parson". [41] Parson dijo que su forma de trabajar vino de Merce Cunningham, quien “ofreció que la secuenciación y la jerarquía de movimientos no son importantes. Puedo hacer un movimiento, luego otro, luego tirar los dados y cambiarlos”. [41] El New York Times calificó su coreografía como "tremendamente diversa e ingeniosa". [42]
La Sra. Parson creó la coreografía para la gira Love This Giant de David Byrne y St. Vincent , y para la gira Songs of David Byrne y Brian Eno en 2008-2009. También creó danza para el Digital Witness Tour de St. Vincent en 2014-2016. Dirigió y coreografió para el cuarteto de cuerda Ethel . Sus bailes aparecen en la película Ride, Rise, Roar sobre David Byrne. Coreografió para la ópera Dark Sisters de Nico Muhly , Walt Disney en Soho Rep, Orlando de Sarah Ruhl, Futurity en ART, The Broken Heart en TFNA, Lazarus de David Bowie , un trabajo de larga duración para The Martha Graham Dance Co. y un solo para Wendy Whelan en Linbury/Royal Opera House
Desde 1993, Parson ha sido instructor de coreografía en el Experimental Theatre Wing de la Universidad de Nueva York . También ha enseñado a nivel nacional e internacional, incluidos Tokio y Spoleto, Italia. Apareció en la revista BOMB y escribió un artículo para Dance USA sobre el estado de la danza y el teatro en los EE. UU. Como artista-curadora, ha curado espectáculos que incluyen: el monumento a Merce Cunningham, Dancer Crush en NYLA y Sourcing Stravinsky en DTW. . Parson organiza una conferencia sobre abstracción llamada "La estructura del virtuosismo" en universidades y para el desarrollo de la audiencia. [43] Su libro reciente, Dance by Letter , es publicado por 53rd State Press.
Haciendo un solo en la página, la coreógrafa Annie-B Parson reconsidera la coreografía como danza sobre papel. Parson dibuja sus danzas en nuevas estructuras gráficas llamando la atención sobre los hechos visuales de la materialidad de cada obra de danza que ha realizado. Estos dibujos sirven como mapas de sus piezas después de la actuación y como una consideración de los elementos de la danza en sí. Dividido en tres capítulos, el libro comienza con diagramas de los objetos en cada una de sus piezas agrupados en estructuras de gráficos. Estos cuadros reconsideran sus danzas tanto desde la perspectiva de la resonancia de las cosas, como por sus propiedades compositivas abstractas. En el capítulo dos, Parson profundiza en la mente coreográfica, trazando ideas como la igualdad en la percepción de los objetos y el movimiento, y la poética de una gramática cinética. Los gráficos de borrado, capas y lenguaje sirven como herramientas dinámicas y prismáticas para la creación de danza. Por último, hay un capítulo de fotografías del Big Dance Theatre de 1991 a 2019. Como apéndice, haciendo un guiño a la historia de las operaciones aleatorias en la danza, Parson crea un juego de cartas generativo de 52 elementos compositivos para que artistas de cualquier medio los recorten y El juego como método para crear nuevo material. Dentro de la dualidad de forma y contenido, este libro explora los significados que la forma misma tiene, y los mapas visuales de ideas coreográficas de Parson inspiran nuevas ideas sobre los elementos compartidos que subyacen en toda creación artística.
La Sra. Parson ha sido nominada siete veces al premio CalArts/Alpert. Fue coreógrafa de YCC en The American Dance Festival, donde trabajó con el compositor Richard Einhorn para crear City of Brides. [44]