La cerámica en México se remonta miles de años antes del período precolombino , cuando las artes y la artesanía alfarera se desarrollaron con las primeras civilizaciones y culturas avanzadas de Mesoamérica . Con una excepción, las piezas prehispánicas no eran vidriadas, sino bruñidas y pintadas con finas barbotinas de barro coloreadas . El torno de alfarero también era desconocido; Las piezas se moldeaban mediante moldeo, bobinado y otros métodos.
Después de la invasión y conquista española , se introdujeron técnicas y diseños europeos, casi eliminando las tradiciones nativas. Las tradiciones indígenas sobreviven en algunos artículos de cerámica, como los comales , y en la adición de elementos de diseño indígena a motivos en su mayoría europeos. Hoy en día, la cerámica todavía se produce desde artículos tradicionales como platos y utensilios de cocina hasta artículos nuevos como esculturas y arte popular . A pesar de la fama del anterior, la mayor parte de la cerámica que se produce en el país son pavimentos y revestimientos, además de sanitarios. México tiene una serie de tradiciones cerámicas artesanales muy conocidas, la mayoría de las cuales se encuentran en el centro y sur del país. Ejemplos de ello son la talavera de Puebla , la mayólica de Guanajuato , las diversas mercancías de la zona de Guadalajara y el barro negro de Oaxaca. Una incorporación más reciente es la producción de mercancías Mata Ortiz o Pakimé en Chihuahua . Si bien el número de artesanos ha ido disminuyendo debido a la competencia de artículos producidos en masa, la producción de arte popular y cerámica fina todavía tiene un papel importante en la economía mexicana y la producción de cerámica en general sigue siendo importante para la cultura mexicana .
La fabricación de loza comenzó a reemplazar los utensilios de piedra en México alrededor del período Purrón (2300-1500 a. C.). Muchas de estas primeras cerámicas tenían forma de calabaza o calabaza, un vestigio de cuando estos vegetales se usaban para transportar líquidos. [1] Esta loza se convirtió en una tradición alfarera que utilizaba principalmente arcilla finamente recubierta con una fina barbotina de arcilla. La mayoría de las arcillas en México necesitan temple para regular la absorción de agua, con una excepción importante la arcilla utilizada en la Naranja Fina de la Costa del Golfo . [2]
Las vasijas prehispánicas se moldeaban mediante modelado, enrollado o moldeado. A excepción de un proto torno utilizado por los zapotecas , el torno de alfarero fue desconocido hasta la Conquista española. La familia solía fabricar ollas simples o ollas enrolladas , y los artesanos fabricaban piezas moldeadas más grandes. [3] Las primeras piezas moldeadas eran simplemente arcilla prensada contra un cuenco preexistente, pero se empezaron a utilizar moldes dobles y fundición en barbotina para hacer cuencos con decoraciones en relieve. Existen ejemplos famosos de este tipo en los estados de Tlaxcala y Puebla. [4] Muchas figurillas también se fabricaron utilizando moldes. En ocasiones las vasijas se construían con varias piezas moldeadas con la parte superior rematada por enrollado. [4]
Con una excepción, las piezas prehispánicas no eran vidriadas , sino que el acabado se realizaba con una barbotina de arcilla finísima. A esta barbotina a menudo se le agregaban pigmentos minerales para darle color, que podían agregarse antes y/o después de la cocción. [5] La cocción se hacía a fuego abierto o en un foso. Las figurillas se hacían a menudo en el hogar familiar. Las vasijas se cocían en un montón colocado en el suelo o en un hoyo y cubierto con leña. [4] El uso de este método para cocer con mayor frecuencia conducía a ollas cocidas de forma incompleta, con la notable excepción de Fine Orangeware. [4]
La única cerámica vidriada de Mesoamérica se llama Plumbate. Fue vidriado con una fina barbotina mezclada con plomo y cocido mediante una técnica especial. Fue producido sólo por un corto tiempo y su aparición marca el período Postclásico Temprano en muchos sitios arqueológicos. [6]
Se conocen más de treinta métodos utilizados para decorar la cerámica prehispánica, incluido el prensado de diseños en la arcilla con textiles, el uso de sellos de balancín o el prensado de elementos como conchas y el uso de palos puntiagudos. También se emplearon diversas formas de aplicar y conservar los colores durante y después de la cocción. [7] Los diseños generalmente se dividen en cuatro categorías: geométricos, realistas o naturalistas (generalmente animales y personas estilizados), simbólicos y pictográficos. La mayoría de los diseños están relacionados con diseños de otras artesanías y obras artísticas como murales. [7] Todos estos estilos y métodos de alfarería todavía se pueden encontrar en el México moderno. [8]
La conquista española introdujo tradiciones europeas de alfarería y tuvo graves efectos sobre las tradiciones nativas. Algunas formas de cerámica sobrevivieron intactas, como comales, molinillos ( molcajetes ), tazones/utensilios básicos para cocinar e incensarios . Esto se hizo principalmente en naranja simple y algunos eran de color rojo y negro. Todas las figurillas prehispánicas, ya que casi siempre estuvieron relacionadas con la religión, desaparecieron y fueron reemplazadas por imágenes de la Virgen María , ángeles, frailes , soldados, diablos y animales de granja europeos como perros, vacas y ovejas. El efecto más importante en la producción fue la introducción del torno de alfarero, el horno cerrado , vidriados de plomo y nuevas formas como candelabros y tinajas para aceitunas. La importación de cerámica europea y asiática afectó principalmente a los estilos de decoración de los artículos de producción nativa. El impacto de estos se sintió más temprano y más fuerte en las tierras altas centrales de México, en la Ciudad de México y sus alrededores. Si bien a principios de la colonia todavía se producían algunos artículos de estilo prehispánico tradicional, su calidad y estética disminuyeron dramáticamente hasta casi desaparecer por completo. [9]
La vajilla de estilo europeo, especialmente la vidriada, producida por artesanos nativos, comenzó a principios del período colonial, pero estaba mal hecha y solo tenía dos colores, verde y ámbar. La mayoría de los elementos decorativos estaban estampados con diseños mixtos españoles e indígenas. Las formas más comunes eran cántaros, cántaros y cuencos, todos de uso cotidiano. [10] Con el tiempo, la producción de cerámica vidriada de mayólica, cuya importación desde Europa era costosa, se desarrolló y reguló a mediados del siglo XVII. Lo mejor se producía en Puebla, aunque también se producía en la Ciudad de México , Guadalajara, Aguascalientes y otros lugares. Estas piezas tenían principalmente un fondo de color blanco o crema con diseños pintados en uno o más colores. [11] Durante el resto del período colonial, los estilos indígenas continuaron deteriorándose en toda la Nueva España, mientras que las influencias extranjeras de Europa, Asia y Medio Oriente produjeron cambios en las decoraciones. [4] En la época de la Guerra de Independencia de México , la mayólica mexicana se exportaba a todo el Nuevo Mundo y expulsó del mercado la versión española. Sin embargo, este dominio no duraría mucho antes de que los artículos de Delft más baratos de Inglaterra y los productos asiáticos ejercieran presión sobre la industria en el siglo XIX. [12] México continuó importando y copiando estilos de Francia e Inglaterra durante el siglo XX; sin embargo, también ha habido innovaciones nativas durante el último siglo y medio. [13]
La mayor parte de la cerámica producida en el centro de México se cuece a bajas temperaturas (fuego bajo) y se cubre con un vidriado elaborado con plomo y otros minerales. [14] [15] Esto se debe a que el plomo se fusionará y producirá brillo a una temperatura de cocción inferior a 800 °C, mientras que las alternativas requieren temperaturas dos veces más altas. [16] El uso de plomo en estos productos ha generado advertencias sanitarias tanto en México como en Estados Unidos, [15] y los riesgos se conocían ya a finales del siglo XIX. El plomo del glaseado tiende a filtrarse en los alimentos después de su uso repetido. El uso de este tipo de cerámica se ha relacionado con niveles elevados en sangre en niños de la Ciudad de México, Oaxaca y otros lugares y niveles severamente altos en hijos de alfareros. El contenido de plomo es mayor en la cerámica oaxaqueña. [17] Este contenido de plomo ha bloqueado la entrada de la mayoría de las cerámicas producidas en zonas rurales al mercado de los Estados Unidos, donde podrían alcanzar precios mucho más altos. [dieciséis]
En la década de 1990, FONART , una entidad gubernamental que promueve la artesanía y varias organizaciones no gubernamentales trabajaron para producir un vidriado alternativo sin plomo que funciona con cerámica a fuego lento. Este esmalte tiene una base de boro . También han trabajado para que los artesanos instalen ventiladores por 40 dólares en sus hornos para hacer la combustión más eficiente. Esto ha permitido que una parte importante de las cerámicas de baja cocción sean estampadas "sin plomo" y permite su exportación. [14] [16]
Sin embargo, los investigadores han encontrado contenido de plomo en productos con el sello "sin plomo". [15] Aunque el vidriado de boro cuesta menos que el vidriado tradicional con plomo, muchos alfareros se negaron a cambiar la tradición. En total, sólo la mitad de los alfareros de México han cambiado. [16] En algunos lugares el problema es la falta de información sobre los vidriados y en algunos lugares, los artesanos afirman que necesitan apoyo financiero del gobierno, especialmente para las opciones que justifican un horno de gas. Otro problema es que muchos no confían en el gobierno e ignoran las advertencias. [18]
La cerámica es el oficio más practicado en México. Las formas y funciones de las piezas varían desde simples comales planos, utilizados para hacer tortillas, hasta elaboradas esculturas llamadas Árboles de la Vida . [19] Las formas más básicas, como los comales, las cazuelas (un tipo de olla para guisar), los tazones simples y otros utensilios de cocina y almacenamiento todavía se basan en diseños y formas nativas. La cerámica y las figuras decorativas están casi completamente dominadas por las tradiciones europeas, especialmente en el centro de México. En algunos casos, hay una mezcla de tradiciones, principalmente en diseños decorativos donde se combinan elementos indígenas con elementos europeos. [20]
Una tradición relativamente nueva en la cerámica se llama "arte popular". Estas piezas en su mayoría son decorativas, como figuras, azulejos; y artículos finos como cazuelas, tazas de té y platos. Estos se producen para la clase alta mexicana, el mercado internacional y, en cierta medida, los turistas. El gobierno fomenta la producción de arte popular en todos los niveles, y ahora un gran número de artesanos firman al menos sus mejores piezas. Si bien este segmento del mercado mantiene vínculos con el pasado, también es sensible a las tendencias de la moda. Esto lleva a la experimentación con nuevos elementos decorativos y a la desaparición de aquellos que no se venden. [21]
Las imperfecciones en las piezas son menos toleradas en los mercados locales mexicanos que en algunos mercados extranjeros. La razón de esto es que la producción mecanizada de copias casi perfectas es todavía un fenómeno relativamente nuevo, por lo que las imperfecciones que muestran que algo fue hecho a mano no tienen el "encanto" que tendrían en los países más industrializados. [22]
La mayoría de los alfareros trabajan en talleres familiares y todos participan en el proceso. Las familias alfareras tienden a ser reservadas sobre sus prácticas y rara vez cooperan con alguien fuera de la familia en cualquier aspecto del proceso de elaboración de la cerámica. La superstición puede rodear el proceso, especialmente la cocción, en la que los alfareros se cuidan de evitar "el mal de ojo" de los vecinos y construyen pequeños santuarios y realizan bendiciones cristianas e indígenas. Tanto hombres como mujeres moldean las piezas, pero generalmente los hombres hacen las piezas más grandes (debido al peso) y realizan la cocción. Los niños empiezan a trabajar con arcilla alrededor de los seis años, moldeando elementos decorativos. Suelen empezar a moldear piezas alrededor de los catorce años, y las dominan alrededor de los dieciocho. El hombre jefe de un taller familiar suele estar en edad de jubilación y su objetivo principal es la instrucción y la supervisión. Sin embargo, muchos de estos talleres están desapareciendo a medida que los mayores dejan de trabajar por completo y los niños buscan otras carreras más rentables. [23]
Los alfareros mexicanos generalmente usan arcilla local, la desentierran ellos mismos o le pagan a alguien para que la traiga en burro o camión. El tipo de temple que se utiliza varía según el lugar, desde pelusa de totora en Metepec , hasta arena en Acatlán o ceiba en Ameyaltepec para darle a la arcilla la consistencia adecuada y evitar que el producto final se agriete. En algunos casos se utiliza feldespato . La arcilla viene en trozos, que deben secarse y luego triturarse, utilizando una piedra rodante o un mayal . Algunos alfareros en Metepec ponen los trozos en la calle frente a su casa y dejan que los autos los pasen por encima. Otra forma de eliminar las impurezas y utilizar las más finas es dispersar la arcilla en agua, dejando que las impurezas y los sedimentos más rugosos caigan al fondo. [24]
Todos los métodos utilizados en la época prehispánica, junto con el torno alfarero, aún se utilizan para elaborar piezas. El bobinado suele limitarse al acabado de una pieza que primero se ha prensado en un molde. El moldeado es la forma más común de formar recipientes cerrados. La mayoría de estos moldes son cóncavos o convexos y la arcilla se presiona contra el interior o el exterior del molde. A veces se vierte arcilla líquida en moldes de yeso. Los tornos de alfarero se utilizan con mayor frecuencia en algunos talleres y, a menudo, para fabricar rápidamente una sucesión de vasijas pequeñas. Su uso es más común en Guanajuato y Jalisco que en otras partes del país. En muchos lugares, la rueda se acciona con el pie, utilizando una rueda de apoyo, en lugar de electricidad. También se utilizan ruedas torneadas a mano. En Oaxaca, los zapotecas han utilizado un tipo de protorueda desde la época prehispánica. Se trata de un platillo equilibrado sobre un platillo invertido que se gira para ayudar a darle forma a la pieza. Se utiliza con mayor frecuencia para la cerámica de barro negro realizada en San Bartolo Coyotepec . [25]
Tanto las piezas vidriadas como las bruñidas se fabrican en el México moderno, y se utilizan vidriados con y sin plomo. Si la pieza va a ser bruñida, generalmente se cubre con una barbotina y luego se pule con una piedra o un trozo de metal. Tanto las tradiciones alfareras indígenas como europeas emplean decoración, que puede variar desde simples cambios de color hasta elaboradas imágenes y diseños pintados y/o prensados en la pieza. Los colorantes solían ser elaborados por los propios alfareros, pero hoy en día la mayoría utiliza productos químicos comprados. [26]
Tradicionalmente, las piezas se han cocido en hornos de leña o simplemente apiladas con leña. Se trata de un método a fuego lento ya que las temperaturas alcanzadas no superan los 800 °C. [15] [16] Los mejores hornos de leña y de gas pueden alcanzar temperaturas de entre 900 y 1000 °C, lo que aún no es un fuego alto, pero permite el uso de más tipos de esmaltes con bajo contenido de plomo o sin plomo. Otra razón de las temperaturas más altas es que la madera se está volviendo escasa en algunas partes de México y los hornos de gas alcanzan fácilmente estas temperaturas, lo que produce mejores piezas. [27]
A finales de los años 50 se introdujeron las pastas que requerían temperaturas de cocción más elevadas, como el gres, aunque ya existían en otros lugares desde hacía siglos. Se considera que estos productos son mucho más finos de lo que se puede lograr a temperaturas más bajas. Un pionero en la elaboración de gres en México es Jorge Wilmot , quien comenzó con Ken Edwards en las décadas de 1950 y 1960. Más tarde, un grupo en la Ciudad de México comenzó a experimentar con gres, llamándose Cono 10. Si bien el grupo ya no existe, su trabajo, tanto como grupo como luego como individuos, ha tenido un efecto significativo en el desarrollo del gres en México. La cerámica cocida a temperaturas más altas llamó la atención del gobierno, especialmente del FONART, en la década de 1970. Esta agencia instaló instalaciones adecuadas en varias partes del país y capacitó a alfareros en las técnicas. Muchos de ellos abrieron más tarde sus propios talleres. El gres sigue siendo relativamente raro y, a diferencia de otras formas de cerámica, suele ser elaborado por profesionales con educación y no por personas de zonas rurales. Algunos de los talleres de gres más conocidos son los de Hugo Velázquez en Cuernavaca , Taller Tecpatl en Guanajuato , Alberto Díaz de Cossio, Graziella Díaz de León y Francisco Javier Servín M., todos de la Ciudad de México. [28]
En muchas partes del estado de Oaxaca se produce alfarería y piezas de cerámica tanto funcionales como decorativas. La mayoría de los alfareros viven en la región de los valles centrales de Oaxaca, donde se encuentran algunas de las tradiciones más conocidas. Los alfareros más tradicionales viven en pequeños pueblos rurales como San Marcos Tlapazola y Vista Hermosa Tonaltepec. Este último es un pueblo zapoteca de aproximadamente una docena de familias, que fabrican utensilios de cocina muy sencillos pero ligeros, de color tierra. La mayor parte de esta cerámica se vende a otras aldeas locales, pero también ha aparecido un pequeño mercado regional e internacional para este tipo de cerámica. [29] Muchos pueblos oaxaqueños, como San Marcos Tlapazola, están casi desprovistos de hombres en edad de trabajar, ya que la mayoría se ha ido a trabajar a los Estados Unidos. Muchas de las mujeres han comenzado a hacer cerámica para complementar lo que envían sus maridos. Gran parte del trabajo es vendido en los pueblos o ciudades más grandes, ya sea por los alfareros individualmente o juntos como una cooperativa. La cooperativa de Tlapazola vende y exhibe sus mercancías en mercados y concursos en varias partes de México. La mayor parte de la arcilla proviene de una fuente local y, por lo general, esa fuente se mantiene en secreto. [30] A pesar de su precio, tan bajo como treinta pesos por olla, gran parte de los utensilios de cocina tradicionales indígenas están siendo reemplazados por ollas y sartenes producidas en masa en las zonas rurales. Cada vez menos jóvenes se dedican al comercio, sobre todo porque muchos quieren vivir en la ciudad. Gran parte de la alfarería en Oaxaca ha pasado de ser artículos funcionales a artículos decorativos que atraen a los mercados extranjeros y a los turistas. [29]
Algunos artesanos oaxaqueños recurren al uso nativo de colores brillantes y al realismo mágico presente en obras modernas como las de Rufino Tamayo y Francisco Toledo . Otros muestran una visión del mundo que mezcla creencias y tradiciones nativas con la fe católica. La mayoría de los alfareros no pueden competir con artículos baratos producidos en masa, por lo que muchos han recurrido al arte popular de mayor escala y a piezas únicas. Otros se han inspirado para observar sus propias culturas antiguas y utilizarlas para ayudar a crear obras vendibles. Cooperativas como estas han atraído la atención de los ceramistas y financieros multimillonarios japoneses Alfredo Harp Helú , quienes han proporcionado capital inicial, asesoramiento empresarial y puntos de venta para mostrar sus productos a nivel internacional. A pesar de ello, volverse rentable todavía no es fácil. [31]
Muchos alfareros zapotecas aún utilizan el “rueda zapoteca” para darle forma a sus piezas. No es un torno de alfarero per se. Es un disco o plato en equilibrio sobre otro invertido. A la pieza se le da su forma básica enrollándola o moldeándola y luego se termina mientras se gira sobre el disco. El disco con la embarcación en marcha se gira sólo con las manos, lo que requiere cierto equilibrio y habilidad. [29]
Una forma común de decorar las piezas de cerámica más sencillas en Oaxaca es la llamada "chorreada". Las piezas se cuecen primero con un esmalte transparente. Luego se aplica un segundo esmalte con óxidos para darle color y se deja correr donde sea necesario. [29] [32] Este doble acristalamiento es similar a la producción de mayólica del siglo XIX, una forma de cerámica más prominente en el centro de México. [32] El uso de imágenes en relieve en artículos de arcilla también se ha adaptado a vasijas más tradicionales, a menudo con la imagen coloreada de manera diferente al fondo. [33]
Las dos tradiciones alfareras más conocidas son el "barro negro" y las piezas vidriadas en verde de Santa María Atzompa . [34] La cerámica de barro negro es un estilo de cerámica que se distingue por su color, brillo y diseños únicos, y se asocia más a menudo con el pueblo de San Bartolo Coyotepec . [35] Los orígenes de este estilo de cerámica se remontan al período de Monte Albán y durante casi toda su historia, había estado disponible solo en un acabado negro grisáceo mate. En la década de 1950, una alfarera llamada Doña Rosa ideó una manera de darle un brillo negro metálico a la cerámica puliéndola. Este aspecto ha hecho que la cerámica sea mucho más popular. [36] [37] Si bien las técnicas y diseños de Doña Rosa ahora se copian ampliamente en Oaxaca, el taller original todavía existe, y su hijo Valente Nieto Real todavía hace piezas a los setenta años de edad. [19] Desde la década de 1980 hasta la actualidad, un artesano llamado Carlomagno Pedro Martínez ha promovido piezas realizadas de esta manera con esculturas de barro negro, las cuales han sido exhibidas en varios países. [38]
El pueblo de Santa María Atzompa es conocido por su cerámica vidriada en verde jade, que se ha elaborado de la misma manera durante generaciones. El color proviene del esmalte de monóxido de plomo que se le aplica. [39] La tradición alfarera de Atzompa antes de la Conquista es similar a la de otros asentamientos en el área, [40] pero después de que los españoles introdujeron técnicas de vidriado, se adoptó la variación verde y ha cambiado poco desde entonces. Hasta mediados del siglo XX, la cerámica era lo suficientemente popular como para enviarse a todas partes de México e incluso a Estados Unidos. Sin embargo, las restricciones impuestas a la cerámica que contiene plomo han desinflado desde entonces este mercado y, en su mayor parte, sólo se vende localmente. [41] A pesar del desarrollo y la introducción de esmaltes sin plomo, [41] Atzompa continúa teniendo uno de los contenidos de plomo más altos en México, que se encuentra tanto en los productos como en los alfareros y otras personas que viven allí. [17]
Si bien la cerámica vidriada verde sigue siendo el producto básico de Atzompa, ha habido cierta innovación en su tradición alfarera.
Varios alfareros de Atzompa se han dedicado a elaborar figuras de arcilla, sobre todo la familia Blanco . La difunta matriarca Teodora Blanco Núñez desarrolló un estilo distintivo de figuras de terracota que llamó "muñecas" (muñecas). Teodora típicamente hacía figuras femeninas y animales antropomorfizados, y ocasionalmente figuras masculinas históricas y religiosas. [42] Teodora decoró profusamente sus piezas con pequeños trozos de arcilla detallados antes de cocerlas. Estos pequeños detalles se llaman "pastillajes". Teodora Blanco Núñez falleció en 1980, pero enseñó el oficio a todos sus hijos. El hijo mayor, Luis García Blanco, hace figuras llamadas "muñecas bordadas" con faldas largas que llegan hasta el suelo, eliminando la necesidad de crear pies frágiles. Están elegantemente adornadas con aretes, collares y sus vestidos están decorados con elaborados diseños florales. Normalmente las mujeres llevan dos trenzas gruesas, como Luis, y suelen llevar una cesta en la cabeza. Las obras de Blanco generalmente no están pintadas y casi todos los detalles decorativos están esculpidos en arcilla. El estilo ha sido imitado y reinterpretado por otros artesanos. [43]
En la década de 1970, una alfarera local llamada Dolores Porras ganó notoriedad cuando fue contra las convenciones y fue pionera en la producción de cerámica vidriada multicolor. Estudió escultura con Teodora Blanco Núñez y aprendió la delicada técnica del pastillaje. [44] Una vez que tuvo su propio taller, aprendió por sí misma a pintar sobre piezas de arcilla, comenzando con lavados rojos y blancos. Posteriormente añadió azules, verdes, grises y naranjas. Sus piezas se vendieron bien y otros alfareros imitaron su trabajo. Posteriormente introdujo el uso de esmaltes sin plomo. Hoy en día, sus piezas son parte de las tradiciones alfareras de Atzompa a pesar de que sus obras se venden más que las de alfareros más jóvenes. [29] [39]
Angélica Vásquez Cruz es conocida por sus figuras de mujeres, sirenas y ángeles. Vásquez es una madre soltera que crió a cuatro hijos, ganando dinero y un nombre con la fabricación de estas figuras. Ha ganado numerosos premios por su intenso e intrincado trabajo. Sus imágenes de arcilla casi siempre se centran en una figura femenina fuerte. Las piezas grandes son de estilo "bizantino", tienen forma de árbol de Navidad y están decoradas con hileras de miniaturas en miniatura. Cada pieza es única y puede tardar meses en realizarse. Los colores se obtienen mediante pigmentos minerales de rocas locales. Las piezas son compradas por coleccionistas, que pagan entre 175 y 800 dólares por pieza en las galerías. Las piezas cuestan aproximadamente la mitad en su taller. [29]
En Ocotlán de Morelos , la familia alfarera más conocida está encabezada por las hermanas Aguilar. La dinastía comenzó con su madre, la alfarera Isaura Alcántara Díaz. Isaura aprendió las técnicas tradicionales de alfarería del Valle de Oaxaca, que se limitaban principalmente a la elaboración de artículos utilitarios. Comenzó a experimentar con figuras y piezas más decorativas, llegando algunas de sus piezas a la colección Rockefeller, pero lamentablemente murió prematuramente a los 44 años. Antes de morir, enseñó cerámica a sus hijos Josefina , Guillermina, Irene. , Concepción y Jesús. Debido a la muerte de su madre, los niños comenzaron a trabajar temprano, siendo Josefina solo siete años. La pobreza impidió que los niños asistieran a la escuela. Al igual que su madre, comenzaron y fabricaron principalmente vasijas y otros utensilios de cocina, pero también trabajaron para desarrollar figuras de arcilla. [45] Con el tiempo, estos hermanos se hicieron famosos por sus fantásticas figuras de arcilla pintadas que celebran la vida cotidiana. [29] Hoy en día, estos hermanos todavía trabajan y gran parte de la tercera generación también son artesanos. Algunos, como Demetrio García Aguilar, también se están haciendo un nombre. [45]
Fuera de los valles centrales, la ciudad de Tehuantepec también tiene una importante tradición alfarera. El aspecto más distintivo son las figuras de mujeres, que miden aproximadamente un metro de altura y tienen en la cabeza un recipiente poco profundo con arena para colocar una jarra de almacenamiento de agua. Las figuras en miniatura basadas en estas tienen un diseño similar, pero a menudo están pintadas con detalles en blanco y dorado. Estos se llaman "tanguyus" y están creados para regalar con motivo de fin de año. [32]
En el área de Guadalajara se utiliza una amplia variedad de técnicas tradicionales de cocción a baja y alta temperatura, para producir artículos que van desde objetos baratos hasta producciones artísticas. Los dos principales municipios productores de cerámica son Tonalá y Tlaquepaque . [46] Estos dos municipios producen varios tipos diferentes de alfarería y cerámica, principalmente "bruñido", "bandera", "canelo", "petate", "betus" y loza/gres de alto fuego. El más conocido de estos estilos es el bruñido, que se traduce como bruñido. Probablemente descienda de la policromía realizada en esta zona en el siglo XIX. El nombre proviene de que estas piezas no están esmaltadas, sino que se les da un engobe y luego se pulen con una piedra o pirita. Muchas de estas piezas son jarras de cuello delgado o bases de lámparas, a menudo decoradas con animales, como conejos, con características distorsionadas, lo que les da un aspecto surrealista. Las piezas suelen estar pintadas con delicados tonos rosa, gris azulado y blanco sobre un fondo de color café claro, gris claro y en ocasiones verde o azul. Cada pieza se crea individualmente. El atractivo de esta cerámica es su apariencia, ya que es demasiado porosa para contener líquidos o alimentos. Una excepción a esto son las bañeras grandes y gruesas, principalmente para almacenar agua o para bañarse. El agua almacenada en este tipo de vasijas adquiere el sabor de la cerámica, deseado por algunas personas. Otra excepción es un recipiente de agua con cuerpo grueso y cuello largo, con una taza de cerámica colocada boca abajo sobre el cuello. Se llaman botellones y son similares a las garrafas. Un pueblo que se especializa en estos es El Rosario, cerca de Tonalá. [47] [48]
Bandera, que significa "bandera" en español, se llama así porque tiene los colores verde, rojo y blanco de la bandera mexicana . [49] El rojo se usa comúnmente como color de fondo, mientras que el verde y el blanco se usan para los detalles decorativos. [47] También es una loza bruñida sin vidriar. Por razones desconocidas, este estilo de cerámica es muy raro. [50]
Las piezas de petatillo se distinguen por líneas muy dibujadas o rayadas sobre un fondo rojo. Estas líneas reciben el nombre de petates de paja llamados petates , a los que se parecen. [47] [49] Sobre las líneas se dibujan imágenes estilizadas de plantas y animales, especialmente ciervos, conejos, águilas, gallos y cisnes. A menudo, las figuras principales tienen bandas negras y el uso ocasional de verde completa el conjunto. Esta vajilla se pinta antes de cocerse, se vidria y luego se vuelve a cocer. Requiere mucha mano de obra y es poco común, y se utiliza principalmente en platos. Una urna gigante de este estilo puede tardar hasta tres años en completarse. [49] [51]
Canelo lleva el nombre del color de la cerámica cocida, que tiene varios tonos de canela (canela en español). Es popular y se utiliza principalmente para jarras de agua porque es bueno para mantener el líquido fresco. [47]
La cerámica Betus se caracteriza por colores vibrantes que le dan a la cerámica un aspecto caprichoso. Este estilo deriva su nombre del aceite de betus en el que se sumerge la cerámica antes de cocerla. El aceite, que se elabora a partir de una resina extraída de los pinos, da a la cerámica pintada un brillo brillante. [47]
Una vajilla poco común se llama engregado. Estos objetos tienen un barniz especial que los hace útiles para cocinar; el barniz actúa como una capa de teflón que evita que los alimentos se resbalen cuando se calientan. [49]
A partir de la década de 1960, el estadounidense Ken Edwards y el mexicano Jorge Wilmot introdujeron en la zona productos de alto fuego, como arcilla alta y gres. Estos se cuecen a más de 1100 °C, lo que hace que la arcilla se vitrifique y forme una superficie no porosa. El primer horno de gres se instaló en Tonalá y desde allí se extendió. [47] [49]
El gres es producido por El Palomar y algunas otras fábricas en Tlaquepaque. Otra vajilla de alto fuego es la del tipo caolín blanco de fábricas como Loza Fina y Cerámica Contemporánea Suro. [46] Este último es una operación familiar que atiende a chefs, diseñadores, arquitectos y artistas. En el taller se elaboran principalmente platos de todas las formas y tamaños, pero también artículos como lámparas y piezas decorativas. Las piezas generalmente se fabrican bajo pedido en base a diseños preaprobados por el cliente. Los pedidos varían en tamaño, desde un espacio para cuatro hasta el plato completo para restaurantes. Muchos de sus clientes compran productos al por mayor aunque no hay un mínimo. [52]
Alrededor de 2,000 artesanos como José García Quiñones en Tlaquepaque conservan la tradición de hacer belenes y otras figuras de arcilla. Estos belenes pueden ser caprichosos con animales no tradicionales como leones y jirafas e incluso puede aparecer el diablo . García Quiñones ha ganado premios por su trabajo desde niño y cada año durante treinta años ha vendido sus guerras en el Bazar de Navidad anual en las instalaciones deportivas del Deportivo Venustiano Carranza. Como otros alfareros, las piezas se elaboran en un taller casero y todos los miembros de la familia contribuyen a la creación. Otro alfarero, Justino Estuvier, de más de 70 años, exporta sus productos finamente elaborados a España. Sin embargo, este aspecto de la industria cerámica está desapareciendo en el municipio, donde hay muchos menos alfareros que antes. Los artesanos comunes aquí luchan por sobrevivir contra la proliferación de plástico y cerámica más barata de Asia. El belén artesanal promedio se vende en México por 350 pesos, mientras que los más baratos producidos en masa se venden por 160. [53]
Tlaquepaque alberga el Museo del Premio Nacional de la Cerámica Pantalen Panduro, que exhibe a los ganadores del premio nacional anual que se otorga a los ceramistas. Está ubicado en el Centro Cultural El Refugio y fue creado en 1997. El primer Premio Nacional anual se entregó en 1977. Hoy en día existen premios de varias categorías pero el más solicitado es el Galardón Presidencial, que está firmado por el presidente de México. En el museo se encuentran veintiuna de las piezas que han ganado este premio. [54]
Tonalá ha sido reconocida durante mucho tiempo como un centro de cerámica en México. Las calles se llenan de talleres artesanales y puestos ambulantes de venta de piezas de cerámica y gres. [47] Una cosa que distingue a la cerámica elaborada en Tonalá son los detalles decorativos. Son comunes dos elementos, el nahual y la "flor de Tonalá". Un nahual es un cambiaformas o chamán prehispánico, a menudo dibujado como un gato sonriente. La flor de Tonalá apareció por primera vez en el diseño de cerámica a principios del siglo XX. Su forma distintiva es un centro ovalado con pétalos redondeados que forman un diseño festoneado. Estos elementos pueden aparecer en todos los tipos de cerámica que aquí se producen. [47] Los días de mercado, jueves y domingo, son una buena oportunidad para ver una gran variedad de cerámicas de la región, todas repartidas por las calles del centro de la ciudad. Si bien existe una gran variedad de figuras, utensilios y elementos decorativos, no es todo lo que se produce. Muchos fabricantes venden sus productos a través de otros canales. Para encontrar las mejores piezas es necesario visitar los talleres y fábricas. [46]
Un alfarero destacado de Tonalá es Jorge Wilmont. Si bien su formación está en la tradición de Tonalá, ha estado a la vanguardia de la innovación del oficio. Muchas de sus innovaciones han sido adoptadas por tantos alfareros de la zona que casi cualquier cosa que se aparte de la tradición muestra la influencia de Wilmot. Hoy, Wilmot vive en San Pablo del Monte en Tlaxcala , donde asesora a alfareros de allí y del vecino estado de Puebla. [55]
El municipio alberga el Museo Nacional de la Cerámica, que su director Prudencio Guzmán Rodríguez considera un "vínculo entre la tradición de Tonalá y las personas interesadas en investigar nuestra tradición". Fundado en 1986, el museo tiene una colección de 1000 piezas que van desde artefactos prehispánicos hasta premiados contemporáneos. La institución se inició cuando una junta de artesanos y empresarios locales con los escultores Jorge Wilmot y Ken Edwards buscaron una manera de promover la tradición cerámica aquí. Muchos de los artefactos son préstamos del Instituto Nacional Indigenista y algunos fueron donados por Wilmot. El resto de piezas son premiadas en el Certamen Estatal de la Cerámica. Desafortunadamente, a mediados de la década de 1990, el museo tuvo que cerrar por falta de fondos y mantenimiento. El municipio intervino y el museo fue reinaugurado en 1996. La colección contiene piezas creadas por algunos de los más reconocidos artesanos de la zona y son de los estilos más típicos de Tonalá como bruñido, bandera, petatillo y canelo. Los artistas y artesanos representados incluyen a Salvador Vásquez, Juan Antonio Mateo, Gerónimo Ramos, Nicasio Pajarito , Candelario Medrano, Jorge Wilmot y Ken Edwards. [47]
Otro recipiente para líquidos popular en el área de Tonalá es la tinaja, una jarra achaparrada con un asa en la parte superior y un pico pequeño. [56] En Santa Cruz de la Huerta, cerca de Tonalá, se especializa en desagües de barro, algunos juguetes toscamente elaborados y silbatos con forma de animales. La mayoría de estos productos se venden en mercados públicos. Una excepción a esto es la obra de Candelario Medrano, quien realiza esculturas curiosas, a veces grotescas. En su taller se pueden encontrar barcos de dos pisos, iglesias con personas en miniatura y animales como leones, gallos y búhos con rostros humanos salvajes. Suelen ser piezas grandes, hechas en parte con molde y en parte a mano, y luego pintadas con acrílicos brillantes y contrastantes. [56]
Poco después de la Conquista, la cerámica de estilo europeo llegó a dominar el área que ahora se conoce como el estado de Guanajuato. Durante la época colonial, la ciudad de Guanajuato tuvo una fuerte tradición mayólica junto con Puebla, la cual está reviviendo. Estas piezas se elaboran con un molde para tortillas de formas irregulares o a torno. Se le da un vidriado, generalmente de un color crema claro, se cuece, luego se pinta con un diseño, se vidria y se cuece nuevamente. Muchos de los motivos están realizados con colores como el amarillo, el azul verdoso, el óxido y el azul. Los principales creadores en la ciudad de Guanajuato son Gorky González, quien mantiene diseños tradicionales, y la Alfarería Capelo Mayolica, que produce piezas de gran tamaño con colores más intensos y oscuros. En Santa Rosa de Lima, un grupo de exalumnos de Capelo también elaboran mayólicas. [57] [58]
Un importante productor fuera de la capital es Alfarería Aguilera Mayolica Santa Rosa en Mineral de Santa Rosa, cerca de Dolores Hidalgo . Los diseños de este taller muestran influencias indígenas, además de algunas italianas y chinas. Alfarería Aguilera es una explotación familiar, regentada por varias generaciones de la familia Aguilera. [58] Los talleres más pequeños de esta ciudad producen diseños tanto tradicionales como innovadores para vajillas, floreros y azulejos. Un taller notable es el de Juan Guerrero, quien fabrica vajillas con espectaculares flores de color naranja, amarillo y azul. El padre de Juan, Fortino, hace cerámica con una base rojiza sencilla y decorada con dos tonos de vidriado verde que se deja gotear por los lados. Algunos recipientes, como las macetas, tendrán salamandras a los lados. La fabricación de mayólica fue presentada a Dolores Hidalgo por el propio Padre Miguel Hidalgo. [59]
Además de mayólica, dos grandes fábricas producen cerámica del tipo caolín pintada a mano. Se trata de Bram y Dosa en la ciudad de Guanajuato y el pueblo de Marfil respectivamente. La mayoría de estos diseños son formas contemporáneas, con motivos florales en colores pastel con un acabado brillante o mate. [60]
En San Miguel Allende , en el mercado del pueblo se vende una especie de cerámica popular primitiva. Son salseras y cuencos de un tono rojo con caprichosas figuras de animales distorsionadas en negro (de óxido de cobre) bajo un pobre vidriado transparente. En realidad, estos provienen de un pequeño pueblo en las afueras de San Miguel. [59] Un diseño similar se encuentra en Coroneo , con la principal diferencia de que el diseño del animal se eleva del fondo del recipiente, que es producido por el molde. El diseño en relieve está pintado de negro. Si bien las características de los animales no están distorsionadas, a menudo se les dan aspectos sobrenaturales, como leones que escupen fuego. [61]
La cerámica de talavera de Puebla, México, es un tipo de cerámica de mayólica, que se distingue por un esmalte de color blanco lechoso. [62] La auténtica cerámica de Talavera solo proviene de la ciudad de Puebla y las comunidades cercanas de Atlixco , Cholula y Tecali , debido a la calidad de la arcilla natural que se encuentra allí y a una tradición de producción que data del siglo XVI. [63]
Se pueden encontrar azulejos, jarras y platos de cerámica a la venta en toda la ciudad de Puebla, y la mayoría de los edificios coloniales del centro histórico están decorados con ellos. [64] El proceso es lento y muchas piezas se rompen durante el proceso. Gran parte de la cerámica es de un azul brillante sobre un fondo blanco, pero se pueden utilizar otros colores como amarillo, naranja, verde y morado. Los colores y diseños reflejaban una historia mixta con influencias europeas, indígenas, árabes y chinas. El oficio llegó a la ciudad poco después de su fundación en la década de 1530, cuando alfareros de España, incluido Talavera de la Reina, establecieron talleres. [64] La producción de esta cerámica se desarrolló mucho en Puebla debido a la disponibilidad de arcillas finas y la demanda de tejas de las iglesias y monasterios recién establecidos en la zona. La industria había crecido lo suficiente como para que, a mediados del siglo XVII, se establecieran estándares y gremios que mejoraron aún más la calidad, llevando a Puebla a lo que se llama la "edad de oro" de la cerámica de Talavera (de 1650 a 1750). [63] Formalmente, la tradición que se desarrolló allí se llama Talavera Poblana para distinguirla de la cerámica de Talavera de España, de nombre similar. Es una mezcla de técnicas cerámicas chinas, italianas, españolas e indígenas. [62] La producción de azulejos también se volvió muy pronunciada aquí, cubriendo principalmente iglesias y monasterios prósperos primero y luego casas privadas, nuevamente para mostrar el estatus socioeconómico. [sesenta y cinco]
Talavera Santa Catarina es uno de los pocos productores de Talavera certificados por el estado en Puebla. La exclusividad del artículo auténtico explica gran parte del éxito de esta cerámica. El nombre "Talavera" para la cerámica está legalmente restringido a productos fabricados en Puebla y un par de otros lugares cercanos. En Puebla y otros lugares se hacen muchas imitaciones pero sólo ocho talleres cuentan con autorización estatal para utilizar el nombre de Talavera. Existe un mercado definido para aquellos que estén dispuestos a pagar una prima por piezas hechas a pedido con certificados de autenticación. La mayor parte se vende en el extranjero porque las piezas alcanzan un precio mucho más alto. Los clientes pueden venir simplemente a pedir un juego completo de platos o azulejos para colocar en los edificios de sus países de origen. [64]
Una cerámica menos costosa hecha en Puebla se llama Barrio de la Luz. Las piezas de este tipo suelen consistir en recipientes para cocinar, tarros con tapa, cántaros y otros destinados al uso común de la cocina. Es de tono marrón amarillento con adornos en relieve como hojas o rosas, a los que generalmente se les da un vidriado transparente mientras que otras partes reciben un vidriado negro. [66] En la parte norte del estado de Puebla, sobre todo en los municipios de Aquixtla y Chignahuapan , los pueblos indígenas de habla náhuatl producen utensilios de cocina como comales, cántaros, ollas y más con acabado vidriado. Utilizan un horno árabe, que conserva el combustible y el calor. La característica distintiva de esta cerámica es que presenta diseños estampados, generalmente flores. Estos sellos son tablillas de arcilla cortadas que se imprimen en las piezas de cerámica. [67] Izúcar de Matamoros se especializa en "árboles de la vida", a veces llamados "candelabros". Se trata de esculturas de barro multiramificadas, que pueden tener temáticas para diferentes festividades como Día de Muertos o Navidad. Las ramas están llenas de flores, hojas e imágenes relacionadas con el tema. Además, figuras para Día de Muertos, como esqueletos, vestidas de charro o de dama de clase alta ( La Calavera Catrina ). Todas estas piezas decorativas están pintadas en colores vivos. Una excepción a esto son las obras de Heriberto Castillo, quien utiliza colores más sutiles con un acabado vidriado. Alfonso Castillo distingue sus piezas por el uso de pinturas elaboradas con ingredientes naturales. [67]
Otro pueblo de Puebla que elabora figuras del árbol de la vida es Acatlán, ubicado cerca de la frontera con Oaxaca. Las ramas a menudo brotan del lomo de un pájaro u otro animal. Otros productos incluyen animales de apariencia realista, como pájaros, iguanas o cangrejos, con un lugar para una vela en la espalda y maceteros con respaldo plano para colgar en las paredes. Estos pueden producirse como artículos pintados o bruñidos, lo que se realiza en tonos de rojo y negro. Un alfarero conocido por su trabajo bruñido es Herón Martínez. [67]
La mayor parte de la cerámica destacada en el estado de Michoacán proviene de la zona del lago de Pátzcuaro . Un pueblo que destaca por su alfarería es Tzintzuntzan , que produce una amplia variedad de cerámica en talleres caseros. La mayoría de estos productos se venden a turistas. Gran parte de la vajilla producida está vidriada. A menudo están decorados con siluetas de peces o aves acuáticas. El esmalte verde generalmente cubre el interior y el borde de la vasija, con el diseño pintado en la arcilla incolora del exterior, que luego se cubre con un esmalte transparente. También ha aparecido allí cerámica bruñida en negro en forma de floreros y cántaros. A otro tipo de alfarería bruñida se le da un engobe rojo antes de pulir y se le diseña con motivos simples de pájaros y elegantes curvas en blanco y negro. Suelen tener forma de cántaros de agua con tapa y asas, así como de figuras de patos. También se realizan copias de piezas prehispánicas, como la tinaja trípode y los cántaros de agua en forma de rosquilla. Estos suelen estar pintados con diseños geométricos y calados . [68]
En Santa Fe de la Laguna , varios alfareros elaboran piezas vidriadas de formas populares con vidriado negro o verde cubriendo la mayor parte de la pieza y el resto con vidriado transparente de calidad media. El glaseado negro se utiliza generalmente en piezas grandes, como cuencos de agua o ponche de frutas con tapa y decorados con hojas o rosas en relieve. Muchos de estos son elaborados por Matías Jerónimo. Carmen Gaspar confecciona vajillas con diseños de animales o peces en engobe blanco bajo vidriado verde. También se ha experimentado con nuevos colores de esmalte, como el azul y el malva . [69]
La ciudad de Patambán, en el suroeste de la zona del lago, fabrica una vajilla de vidriado verde que se distingue por la calidad del vidriado y la arcilla fina utilizada. Incluso los fondos de las piezas están vidriados y tienen diseños. La mayoría de los formularios son de uso común, como tazones, platos y fuentes. Los diseños varían desde diseños geométricos o lineales hasta animales de formas libres como conejos. Están en engobe blanco que aparece como un verde intenso. [69] Una forma que se encuentra tanto aquí como en el vecino San José de Gracia es una jarra de agua en forma de piña. El cuerpo está enteramente cubierto de pequeños bultos cónicos colocados a mano. Estos frascos varían desde una taza hasta cinco galones de tamaño. La tapa está decorada con una representación de la corona puntiaguda del fruto. La mayoría de ellos también están cubiertos con el vidriado verde de Patambán, pero también existe una versión con vidriado marrón. Otra embarcación que fabrica este pueblo junto con Huantzio es un recipiente de agua de gran panza y cuello pequeño. Estos no están esmaltados en verde, sino cubiertos con un engobe rojo y bruñidos. Luego se decoran con bandas horizontales en blanco y negro intercaladas con conejos, pájaros y flores. Huanzito también suele utilizar una combinación de colores azul y verde. [70]
Quiroga vende grandes cántaros vidriados de color negro y cántaros de agua con escenas en relieve, en su mayoría representando la Danza de los Viejitos . La cerámica es elaborada en Santa Fe y pintada en Quiroga. [70] Ocumicho produce figuras vidriadas de demonios y otras fantasías. Los escenarios de las figuras son caprichosos, demonios sentados al borde de un volcán y un arca de Noé donde los animales parecen extremadamente cansados. Algunos de los mejores alfareros aquí son mujeres. Es difícil viajar al pequeño pueblo pero las figuras se venden en los pueblos de Uruapan y en la Casa de las Artesanías en Morelia. [71]
Capula , un pueblo cerca de Morelia , produce una cerámica vidriada que se ha vuelto popular recientemente y ahora es una de las más comunes en las tiendas de arte popular de México. Por lo general, tiene un diseño pintado de flores pequeñas y formalizadas compuestas de pétalos de puntos redondos pintados con engobe blanco sobre el rojo natural de la arcilla y luego cocidos con un esmalte transparente. Las flores pueden limitarse a una banda o aplicarse abundantemente sobre toda la pieza. Esto último se realiza frecuentemente con cazuelas y maceteros. Las formas incluyen platos, cazuelas y macetas. Más recientemente, los alfareros de allí han experimentado con otros diseños, como peces y pájaros formados por puntos blancos o incluso de colores como el azul, el verde o el negro. También están modernizando sus operaciones mediante la introducción de hornos de gas y el uso de un esmalte con bajo contenido de plomo. [71]
El Estado de México cuenta con varios pueblos alfareros siendo el más conocido Metepec. El centro de la ciudad cuenta con varias tiendas de artesanía bien surtidas que venden cerámica local y un mercado al aire libre. Las formas más conocidas asociadas con Metepec son sus Árboles de la Vida, sirenas y animales como leones, caballos (con o sin alas) y yuntas de bueyes. Lo que destaca de las formas no es tanto su forma, que tiende a ser rechoncha y sólida, sino los colores que las adornan. Al igual que los alebrijes , están pintados de colores brillantes y bastante antinaturales como rosa, verde, amarillo y otros colores. Algunos de los alfareros más conocidos son José Vara, Saúl Ortega y Alfonso Soteno . [72]
Un "árbol de la vida" ( árbol de la vida ) es un tema de escultura de arcilla creado en el centro de México. La imagen representada en estas esculturas originalmente era para enseñar la historia bíblica de la creación a los nativos en el período colonial temprano. La elaboración de los árboles en una escultura de arcilla comenzó en Izúcar de Matamoros , Puebla , pero hoy la artesanía se identifica más estrechamente con Metepec. [73] Tradicionalmente, se supone que estas esculturas están compuestas por ciertas imágenes bíblicas, como Adán y Eva , pero se realizan otros temas como Navidad, Día de Muertos e incluso temas ajenos a la religión. [72] [74] Los árboles de la vida pueden ser pequeños o tan altos como una persona. Las figuras de los Árboles de la Vida se fabrican mediante moldeo y se unen a la figura del árbol principal con cables antes de cocerlas. La mayoría están pintadas en colores vivos pero hay versiones pintadas íntegramente en blanco con toques dorados y otras dejadas en su color arcilla rojizo natural. [75]
Otra cerámica popular tanto para hacer como para adornar las casas son los soles redondos con halos puntiagudos con caras sonrientes o sorprendidas. Se venden tanto pintados como sin pintar. El taller de Saúl Camacho elabora mayólicas similares a la Talavera de Puebla y Manuel León Montes de Oca, realiza copias de piezas prehispánicas. Estas piezas son valoradas porque el artesano se tomó el tiempo de estudiar las formas y culturas de los originales. Metepec también elabora cerámica de uso cotidiano, generalmente del color natural del barro con diseños geométricos simples realizados en engobe blanco. Una de las piezas más inusuales de este tipo es el juego de jarra y taza diseñado para beber pulque . Estos suelen llevar lemas interesantes como "Soy tuyo" o "Viva el Pulque" o "Que el que me drene, me llene". También se pueden distinguir por tener cabezas de animales o personas (toro, chivo, hombre con cigarro y otras) con el pulque saliendo de la boca. Muchos de estos son elaborados por Lázaro León. [76] Otro pueblo que produjo productos para el pulque es Tecomatepec, cerca de Ixtapan de la Sal . Los cántaros son majestuosos con diseños de volutas en negro sobre un fondo de color crema acabado en un esmalte transparente. Otras piezas incluyen platos, tazas, etc., también esmaltados en crema con cisnes o flores en relieve y pintados en amarillo, verde y azul. También se realizan copias de figuras prehispánicas. [77]
El pueblo de Juan Mata Ortiz está ubicado a lo largo de las orillas del río Palanganas cerca de Nuevo Casas Grandes en las altas llanuras del norte de Chihuahua . Lleva el nombre de un héroe local del siglo XIX que luchó contra los apaches . [78] Es el hogar de Juan Quezada, a quien se le atribuye la creación de cerámica estilo Mata Ortiz o Pakimé. Cuando tenía catorce años, se topó con el pueblo prehispánico abandonado de Pakimé junto con fragmentos de su cerámica. Esta cerámica estaba decorada con diseños intrincados y Quezada razonó que los materiales para fabricarla estaban cerca. [79] La cerámica que encontró es parte de la cerámica policromada estilo Casas Grandes, que floreció entre 1175 y 1400 y está relacionada con la cerámica estilo Pueblo. [78] Con el tiempo y con mucha experimentación, Quezada aprendió a recrear la cerámica completamente por su cuenta, sin ningún entrenamiento o experiencia previa. [79]
Quezada regaló sus primeras piezas a familiares y amigos y luego vendió algunas. Tres de estas primeras piezas llegaron a una tienda de segunda mano en Deming, Nuevo México, donde las encontró Spencer MacCallum , arqueólogo e historiador del arte. Al darse cuenta de su valor, MacCallum viajó a Chihuahua en busca del creador de las vasijas. Finalmente, se dirigió a la casa de Juan Quezada en Mata Ortiz. Durante ocho años, MacCallum brindó apoyo financiero a Quezada para permitirle desarrollar aún más el oficio con MacCallum actuando como mentor y agente. La cerámica ganó fama en el mundo del arte, culminando con una exposición en el Museo del Estado de Arizona en 1977. Desde entonces, Quezada ha enseñado a su familia y a otras personas de la comunidad a hacer la cerámica. Quezada no mantiene en secreto sus técnicas ni sus suministros materiales; más bien comparte con cualquiera que tenga interés. [79] [80] A diferencia de una serie de resurgimientos de tradiciones alfareras en Arizona y Nuevo México, esta renovación de un arte antiguo fue realizada por uno de los residentes de la aldea sin ninguna ayuda inicial de arqueólogos o museos. [78]
Si bien la cerámica Pakimé está inspirada en la cerámica prehispánica, no es una copia exacta. A diferencia de otras partes de México, la tradición alfarera aquí rompió por completo en algún momento durante el período colonial. [79] Los residentes actuales no se consideran descendientes de la cultura Casas Grandes ni sus tradiciones se vinculan a ella. Nadie antes de la generación de Quezada estuvo involucrado con la alfarería. [78] Esto ha permitido a los alfareros experimentar y probar los límites de la forma y el diseño, a diferencia de muchos otros alfareros mexicanos que están limitados por generaciones de tradición. Sin embargo, la recreación de Quezada es interesante porque recreó dos de las técnicas básicas de alfarería del período prehispánico, el método de bobina y moldeado. [79] La arcilla cruda se extrae con pico y pala en las escarpadas colinas a las afueras de la ciudad. Se limpia sumergiéndolo en agua hasta que se pueda verter por un colador. La arcilla blanca es la favorita para trabajar, pero se utilizan muchos colores. No se utiliza torno de alfarero. El fondo de la olla está moldeado y la parte superior se crea mediante el método de la bobina. Cuando la maceta está seca, se frota con una piedra u otro objeto duro para que brille. Esto puede tardar días. Las ollas se cuecen en campo abierto utilizando madera y estiércol como combustible. Las pinturas se elaboran con pigmentos minerales recolectados localmente. Los pigmentos se muelen hasta convertirlos en polvo usando una piedra de moler metate y luego se mezclan con arcilla para hacer una pintura fluida lechosa. [80] Muchos usan colores tradicionales como el rojo, el blanco y los tonos tierra, pero también se han utilizado colores más brillantes. Los cepillos están hechos de pelo de perro, gato e incluso humano. [79]
Más de trescientas personas en este pueblo de unas dos mil personas fabrican estas vasijas. La mayoría de los artesanos elaboran artículos de calidad baja a media, y sólo unos pocos elaboran vasijas finas, delgadas y livianas. Artistas de gran prestigio incluyen a la familia Quezada, la familia Ortiz, Taurina Baca y Héctor y Graciella Gallegos. Nicolás Ortiz es conocido por sus piezas escultóricas. La cerámica ha sido una gran ayuda económica para la comunidad. Antes, los hombres hacían trabajos estacionales y las mujeres no tenían oportunidad de ganar dinero. Los ingresos de la cerámica han permitido a las familias construir y mejorar viviendas y comprar automóviles. [79]
En Chililico, un pueblo nahua cerca de Huejutla de Reyes , Hidalgo , las mujeres todavía dominan la alfarería y producen piezas decoradas para uso ceremonial. También han combinado nuevas ideas y técnicas con diseños tradicionales. Destaca la reproducción fiel de escenas rurales en sus productos, extendiendo esta decoración a elementos más novedosos como ceniceros y cuadros. [81]
Los estados a lo largo de la costa del Golfo, como Veracruz, Tabasco , Campeche y Yucatán, tienen centros asociados con la alfarería, pero la mayoría de ellos producen para satisfacer las necesidades locales y gran parte del trabajo solía ser realizado únicamente por mujeres. Dado que el trabajo de alfarería aquí durante siglos ha tenido menos influencia europea que en las tierras altas centrales, la influencia indígena todavía se puede ver en muchos de los utensilios y juguetes. Con la introducción de los hornos de cocción y el vidriado, los hombres se han involucrado más en muchas áreas, y muchos centros de producción de cerámica ahora son asuntos familiares. [81] Los principales centros alfareros de Veracruz se encuentran en Blanca Espina, Aguasuelos y Tlacotalpan . En Blanca Espuma, la mayor parte de lo que se produce es menaje para el hogar con piezas vidriadas y decoradas de manera similar a Aguasuelos y Chililico. En Aguasuelos se producen grandes vasijas llamadas ollas. Muchas de ellas todavía están decoradas con flores como en el pasado, pero los diseños están cambiando a favor de iglesias, casas e incluso escenas de la vida cotidiana de la región. [81]
_(15616877042).jpg/1280px-D%C3%A9esse-M%C3%A8re_Maya_(mus%C3%A9e_du_Quai_Branly)_(15616877042).jpg)
En Tlacotalpan se producen principalmente enfriadores de agua, los cuales son comunes en climas cálidos. Para que los refrigeradores cumplan su función, la arcilla solo se alisa y luego se pule en algunas de sus superficies, dándole un efecto decorativo con texturas contrastantes. La absorción de agua por las paredes del recipiente de arcilla mantiene el agua fría. [82]
En Tepakan, Campeche, comunidad maya, elaboran maceteros y silbatos tradicionales. También elaboran cántaros en tonos marrones oscuros que representan, según las alfareras, al dios del viento. Aquí también se encuentra uno de los hornos de tipo morisco más grandes de México. Cerca de Tepakan, en el vecino estado de Yucatán se encuentra el pueblo maya de Ticul . La especialidad aquí es la reproducción de piezas mayas encontradas en las tumbas de Jaina , una isla frente a la costa del Golfo. [82]
Amatenango del Valle , Chiapas alberga una fábrica de producción de cerámica que es una importante fuente de empleo para la población local. Los objetos producidos incluyen animales en miniatura, reales y fantásticos, modelados principalmente por niños. Los adultos, en su mayoría mujeres, producen objetos de gran tamaño como grandes tinajas llamadas tinajas. Estos se decoran mediante engobes de varios colores. Las macetas con forma de paloma son otra pieza común. Al ser piezas de gran tamaño, y por tradición, las piezas se cuecen en el suelo con la leña apilada encima. [82]
El México precolombino tuvo una gran tradición durante miles de años de hacer esculturas y figurillas en arcilla, gran parte de la cual se perdió durante la colonización española de América y el período colonial mexicano. La tradición comenzó a resurgir a mediados del siglo XX con artistas como Juan Soriano , Francisco Toledo y Mathias Goeritz . Muchos de estos artistas utilizaron arcilla para hacer borradores de obras que se realizarían en otros materiales como metales, pero finalmente recurrieron a la arcilla como medio principal. La escultura en arcilla volvió a la vanguardia del arte mexicano con una exposición llamada "Terra incognita" en el Museo de Arte Moderno en 1981, aunque se ha escrito relativamente poco sobre el fenómeno. Algunos de los artistas actuales más conocidos en este medio son Gerardo Azcunaga, Adriana Margain, Javier Marín y Miriam Medrez. [83]
Si bien la producción de vasijas y utensilios es la alfarería característica de México, los pisos y revestimientos cerámicos constituyen la mayor parte de la producción cerámica de México. El segundo tipo de producto cerámico más importante son los sanitarios, como inodoros, lavabos y accesorios. La mayoría de las materias primas se obtienen del mercado local y se importan cantidades limitadas de otras materias primas. La mayor parte del equipo utilizado para producir cerámicas de este tipo en masa proviene de Italia, incluidos los moldes a presión y la tecnología de desarrollo. Sin embargo, las empresas también están considerando proveedores estadounidenses de mezcladores, transportadores, hornos y equipos de control electrónico debido a la proximidad del país y los aranceles del TLCAN. [84]
En 1994, México exportó a Estados Unidos 78,1 millones de dólares en revestimientos para pisos vidriados y no vidriados, e importó 17 millones de dólares en equipos y materias primas para estos productos. El 75 por ciento de los accesorios de baño se exportan a los Estados Unidos por un valor de 54,7 millones de dólares EE.UU. en 1994. [84]
El ámbito de la cerámica masiva menos desarrollado es el de la vajilla , el porcelánico y el gres . México tiene sólo dos grandes fabricantes de vajillas, Anfora y Santa Anita, que producen porcelana y gres respectivamente. Anfora es la única que ha logrado exportar sus productos a empresas estadounidenses como Panera Bread, Pottery Barn y Starbucks. La mayoría de estas cerámicas se importan de otros países como Estados Unidos, Japón y Alemania a pesar de su capacidad para producirla ella misma. Sin embargo, la falta de determinadas materias primas puede explicar esto en parte. [84] Otro problema es la continua producción de artículos vidriados con plomo , que no pueden exportarse. Si bien se han desarrollado esmaltes sin plomo y con bajo contenido de plomo para su uso con cocción a baja temperatura, la más tradicional, sólo aproximadamente la mitad de los artesanos los utilizan. [16] [18]
Sin embargo, el sector de la industria cerámica de más rápido crecimiento está compuesto por pequeñas empresas que fabrican principalmente vajillas y artículos decorativos hechos a mano. Este sector industrial está encontrando rápidamente mercados de exportación en los Estados Unidos, el Lejano Oriente y algunas partes de Europa. Requiere mucha mano de obra, pero requiere la importación de ciertos equipos, como hornos . La mayoría de los bienes producidos por este sector se exportan a Estados Unidos. A medida que este sector siga creciendo y volviéndose más sofisticado, es probable que se importen más equipos de fabricación. [84]
Para las personas que viven en zonas muy rurales de México con poco o ningún empleo, la producción de artesanías, especialmente cerámica, constituye una opción. Para muchas personas que viven en las zonas rurales de Oaxaca, las opciones económicas se limitan a la agricultura de subsistencia, trabajar en la Ciudad de México o migrar ilegalmente a Estados Unidos. Esto ha dejado a muchos pueblos pequeños, como San Jerónimo Slayopylla, prácticamente como pueblos fantasmas, poblados sólo por algunos ancianos, mujeres y niños. Al menos para algunos, el interés por la cerámica nativa y popular ofrece otra opción. Cooperativas, como "Polvo de Agua", unen a artesanos de varios lugares para vender sus productos y proporcionar ingresos a sus familias. [31] La producción de cerámica ha elevado el nivel de vida en otros pequeños pueblos de otras zonas, como también en Mata Ortiz en Chihuahua. [79] La mayoría de los artesanos de las zonas rurales aprenden el oficio de sus familias y continúan con las mismas técnicas que utilizaban sus antepasados. Para muchas personas en las zonas rurales, la venta de cerámica es su único ingreso en efectivo. [18]
Un número creciente de alfareros también recurren a Internet para vender sus artículos en el extranjero, incluso si no tienen acceso directo a una computadora. Oscar Soteno , reconocido alfarero de Metepec, lo utiliza para vender sus esculturas de árboles de la vida y otras obras a Estados Unidos. Vender en el lucrativo mercado navideño es especialmente rentable. Aunque los motivos del Día de Muertos no están relacionados con Halloween, han llegado a muchos hogares estadounidenses para esta festividad gracias a Internet. Muchos artesanos trabajan con NOVICA.com, una empresa que trabaja con artistas del tercer mundo para ayudarlos a vender sus productos en otros países. Esto permite a muchos artesanos vender directamente, eliminando intermediarios. [85] Barro sin Plomo, una organización relacionada con el Banco Mundial, ha tenido éxito en la exportación de artículos de cerámica sin plomo a los Estados Unidos y dice que las perspectivas del mercado para estos productos son optimistas. Un segmento del mercado es el de los restaurantes mexicanos en Estados Unidos que quieren tener platos al estilo mexicano pero no pueden importar suficientes platos que cumplan con los estándares estadounidenses. Otro posible mercado es Centroamérica . [86]
Se han creado agencias gubernamentales estatales y federales para apoyar la producción de cerámica, especialmente en las zonas rurales. El Premio Nacional de Cerámica se inició en 1977 y otorga premios en efectivo en varias categorías. El premio más prestigioso es el Galardón Presidencial (Reconocimiento Presidencial), que está firmado por el presidente de México. [54] Cada año, Metepec alberga el Concurso Nacional de Alfarería y Cerámica "Árbol de la Vida". Este evento otorga un primer premio de 50.000 pesos al mejor trabajo realizado en barro. También hay premios para subcategorías como piezas esmaltadas y sin esmaltar, así como cerámica de fuego alto y fuego bajo. El evento atrae a artistas y artesanos de Oaxaca y Jalisco así como del Estado de México. Los jueces provienen del Museo de Arte Popular de la Ciudad de México , UAEM y otras instituciones. [87]
A pesar del apoyo y el interés por la cerámica tradicional mexicana, el número de artesanos está disminuyendo. En 1994, había poco más de 1,5 millones de artesanos cerámicos en el país, cifra que se redujo a 50.000 en 2006. Esto hizo que los artesanos fueran casi inexistentes en algunos estados. En Aguascalientes ya no se produce mayólica y en los últimos años el número de talleres en el estado de Guanajuato se ha reducido a la mitad. En las principales ciudades como Ciudad de México y Monterrey , sólo hay un puñado. Una de las razones de esto es que muchos productos artesanales están siendo reemplazados por artículos más baratos de peltre y plástico. Otra razón es que muchos provenientes de áreas productoras de artesanía se han ido a trabajar a Estados Unidos. [86]
Manos mágicas en el barro del Árbol de la Vida