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Albert Eugenio Gallatin

Albert Eugene Gallatin (23 de julio de 1881 – 15 de junio de 1952) fue un artista estadounidense. Escribió, coleccionó, expuso y creó obras de arte. Considerado "una de las grandes figuras de la cultura estadounidense de principios del siglo XX", [1] fue un destacado defensor del arte no objetivo y, posteriormente, del arte abstracto y, en particular, del cubismo, cuyo "enfoque visionario" tanto en el coleccionismo como en la pintura dejó "un impacto duradero en el mundo del arte moderno". [2]

Vida temprana y educación

Gallatin nació en 1881 en el seno de una familia adinerada y de gran prestigio social. Mostrando un interés juvenil por el arte y la literatura, comenzó a coleccionar obras de Max Beerbohm , Aubrey Beardsley y James McNeill Whistler cuando aún era un adolescente. El elemento común en estas compras era una preferencia por obras que él consideraba que poseían una naturaleza armoniosa, refinada y decorativa, en lugar de una naturalista o literal. Apreciaba su estética por encima de su contenido narrativo y su valor intrínseco por encima de su valor didáctico o utilitario. [2] [3] [4] [5]

A medida que coleccionaba arte, también comenzó a escribir sobre él. Durante las dos décadas posteriores al cambio de siglo, Gallatin produjo un flujo constante de artículos, pequeñas monografías y libros de láminas grabadas. [6] Entre 1900 y 1910, la mayoría de ellos se referían a Beardsley y Whistler. Al examinar sus dibujos y pinturas, trató de averiguar qué les daba a estas obras un valor duradero en contraposición a una popularidad superficial y temporal. Para él, su excelencia se mostraba en la elegancia de la línea y la calidad del diseño. [7] También llamó la atención sobre lo que llamó un "sentimiento decorativo" en las obras de estos dos artistas en contraste con lo que él consideraba el realismo menos estético de Degas y Millet. [4] [8] Sostuvo que el arte moderno no se hizo popular porque fuera bueno, sino porque escandalizaba. Por ejemplo, en 1902 escribió que los dibujos de Beardsley atrajeron la atención por su impactante distorsión de la perspectiva y la proporción y su escape de las convenciones artísticas. Como su verdadero valor no era evidente, creía que sólo los entendidos, junto con los artistas colegas de Beardsley, podían apreciarlos plenamente. [9] [10] En otro artículo, llamó a Whistler un artista "cuyo trabajo debe permanecer más o menos incomprensible para el público en general". [11] También escribió que el mejor arte se crea únicamente por sí mismo. Escribió sobre la "devoción inquebrantable de Whistler a la belleza" y su libertad del "comercialismo, la vulgaridad y el espíritu de ganancia". [12] [13] Gallatin dijo que los temas de Whistler nunca fueron feos o carentes de gusto. En su opinión, Whistler no era realista porque nunca descendió a lo obvio o común. [14]

Cuando su padre murió en 1902, Gallatin se convirtió en cabeza de familia formada por él mismo, dos hermanas y su madre. Como miembro de la élite social de Nueva York, ofrecía y asistía a cenas, bailes, bodas y actos benéficos de alto perfil. Su nombre aparecía con frecuencia en la prensa como resultado de estas actividades y también como resultado de su afición pionera por los automóviles y los deportes de motor. [2] [4] Su herencia hizo innecesario que trabajara para ganarse la vida y decidió no seguir el ejemplo de otros miembros de su clase dedicándose a la banca, la bolsa de valores u otra ocupación profesional. En cambio, continuó coleccionando arte y mejorando su reputación como conocedor del arte con sus escritos.

Durante los años previos a la Primera Guerra Mundial se interesó cada vez más por artistas estadounidenses como el ilustrador Otho Cushing , el pintor de pleinair Frederick Frieseke y el pintor de interiores Walter Gay . [14] También adquirió y escribió sobre artistas asociados con la Escuela Ashcan : Everett Shinn , William Glackens , Ernest Lawson y John Sloan , así como otros jóvenes artistas estadounidenses, incluidos John Marin y Boardman Robinson . [15] Si bien los dibujos, pinturas y grabados de estos artistas parecen tener poco en común con el trabajo de Beardsley y Whistler, vio en ellos un sentimiento similar por la forma, elegancia de línea y "total libertad de toda mancha de lo académico". [14] Glackens, escribió, era como Whistler en su originalidad, su gran sentido del color y su capacidad para dar vida a los temas. [16] Las pinturas de Shinn le revelaron una "expresión personal del genio del artista" y también vio en ellas un "instinto decorativo" que admiró en prácticamente todo el arte que coleccionó. [14] Era pesimista sobre la capacidad de los museos y las agencias gubernamentales para apoyar a los jóvenes artistas estadounidenses y creía que estarían mejor atendidos por amantes del arte individuales, coleccionistas y críticos "ilustrados". [2] [17] [18]

CRW Nevinson, Tropas francesas descansando , postal extraída de un cuadro del mismo nombre, 1916

Gallatin sirvió en la Primera Guerra Mundial como miembro de una unidad de reserva naval y dirigió dos grupos civiles: un comité del gobierno federal sobre exhibiciones de propaganda artística y un comité municipal que alentaba a los artistas a hacer carteles en apoyo del esfuerzo bélico. [19] Esta participación condujo a un libro, Art and the Great War (1919) en el que Gallatin discutió el arte relacionado con la guerra en las naciones aliadas, dando muchos ejemplos de pinturas, dibujos, carteles, caricaturas y grabados que admiraba. [19] [20] En 1918, con Duncan Phillips y Augustus Vincent Tack , organizó una exposición, el Allied War Salon de Nueva York. [2] [4] [21] Las obras de esta muestra eran casi todas tradicionalmente figurativas. Las excepciones fueron las pinturas de un artista británico, CRW Nevinson , cuyo trabajo en este momento podría describirse como una versión cubista del futurismo . La obra de Nevinson, Tropas francesas descansando , de 1916, se exhibió en las galerías Keppel & Co. en 1919 y probablemente se incluyó en la muestra de 1918. [22] Se dice que esta y otras obras similares suyas fueron la primera introducción de Gallatin a este aspecto del modernismo . [4]

Coleccionismo de arte: década de 1920

Albert Eugene Gallatin, Sin título, 1937, óleo sobre lienzo, 51+1 ⁄ 8 por 32+1 ⁄ 4 pulgadas (1300 mm × 820 mm), firmado en la parte posterior: "AE Gallatin / noviembre de 1937"
Albert Eugene Gallatin, Abstracción musical , 1937, óleo sobre lienzo montado sobre masonita, 12 x 10 pulgadas (300 mm × 250 mm)
Albert Eugene Gallatin, Sin título, 1938, óleo sobre lienzo, 20 x 16 pulgadas (510 mm × 410 mm), firmado
Albert Eugene Gallatin, Sin título, Sin título, 1938, óleo sobre lienzo, 20 x 24 pulgadas (510 mm × 610 mm)
Albert Eugene Gallatin, Sin título, 1939, óleo sobre masonita, 15+1 ⁄ 8 por 20+1 ⁄ 4 pulgadas (380 mm × 510 mm), firmado y fechado
Albert Eugene Gallatin, n.º 82 , alrededor de 1940, óleo sobre lienzo, 16 x 12 pulgadas (410 mm × 300 mm)
Albert Eugene Gallatin, Sin título, 1940, óleo sobre lienzo 8+1 ⁄ 8 por 10+1 ⁄ 8 pulgadas (210 mm × 260 mm), firmado y fechado
Albert Eugene Gallatin, Composición, 1941, óleo sobre lienzo, 16 x 12 pulgadas (410 mm × 300 mm), firmado en el reverso: "AE Gallatin / Oct. 1941"
Albert Eugene Gallatin, Sin título, 1943, óleo sobre lienzo, 20 x 16 pulgadas (510 mm × 410 mm)
Albert Eugene Gallatin, Sin título, 1944, óleo sobre lienzo colocado sobre masonita, 20 x 16 pulgadas (510 mm × 410 mm)
Albert Eugene Gallatin, Sin título, 1947, óleo sobre lienzo, 10+1 ⁄ 4 por 14 pulgadas (260 mm × 360 mm)

En 1916, Gallatin había descartado a los modernistas en general y a los cubistas en particular por inmaduros. Pensaba que su trabajo era a medio hacer, mediocre y deprimente. [23] [24] A mediados de la década de 1920, a través de la influencia de Nevinson, del crítico Clive Bell y de los autores de artículos en la revista The Arts , había revisado a fondo sus opiniones. [4] Nevinson demostró que el cubismo no era un truco, sino una técnica que emergió naturalmente del arte de su tiempo. [22] Bell articuló una estética formalista que coincidía con la creencia de Gallatin de que el arte no era bueno por su realismo, sino porque el espacio bidimensional de la pintura, el dibujo o la impresión poseía una composición, línea, forma, color y textura satisfactorias. La representación pictórica, la fidelidad a la vida y la ilusión de profundidad eran preocupaciones secundarias. Bell también expresó una opinión que parece haber estado latente en el pensamiento de Gallatin: el buen arte es ordenado en lugar de caótico y procede de los procesos de pensamiento del artista y de su sentido intuitivo de lo correcto más que de sus emociones. [25] William Zorach y otros autores de artículos en The Arts hablaron de un arte de "formas y colores puramente abstractos" que, mediante la eliminación "de todo lo que no es vitalmente necesario", producía un arte verdadero. La dificultad de juzgar qué es una "obra maestra" y qué es un "aborto" no es diferente para el arte abstracto que para el arte figurativo: requiere experiencia, estudio cuidadoso y "escuchar la propia respuesta interior". [26] [27]

En los años entre 1920 y 1926 Gallatin se convirtió en miembro de la modernista Société Anonyme [28] y fue presentado al influyente artista-crítico Jacques Mauny, quien pronto se convirtió en su amigo y consejero. [4] Mauny le presentó a Pablo Picasso y otros pintores y al comerciante y autor Daniel-Henry Kahnweiler . Estos hombres ayudaron a dar forma a su creciente apreciación por el cubismo y Mauny, en particular, lo ayudó a renovar su colección agregando pinturas de artistas como Cézanne y Picasso y vendiendo aquellas que ya no se ajustaban a su gusto. [2] [4] A mediados de la década de 1920 Gallatin estudió arte con el artista y maestro Robert Henri , y en 1926 produjo algunas pequeñas naturalezas muertas y pinturas con temas mitológicos que se han descrito como tener "amplias áreas de espacio abierto interrumpidas por grupos de formas de formas extrañas". [19] Su interés por el cubismo se profundizó y añadió a su colección obras de Georges Braque y Juan Gris . [2] [21]

Al menos en parte como respuesta a los artículos de Forbes Watson en The Arts y Henry McBride en The Dial , Gallatin comenzó a planificar una galería pública basada en su colección de arte moderno. [4] A principios de 1927, como resultado de una conexión familiar con la Universidad de Nueva York, pudo organizar primero una pequeña muestra y, en diciembre de ese año, abrir su Galería de Arte Viviente en la sala de estudios sur del edificio principal de esa universidad en Washington Square. [4] La galería ha sido llamada el primer museo dedicado exclusivamente al arte moderno. [2] [4] [5] (La Colección Phillips Memorial, inaugurada en 1920, también podría reclamar esa distinción si no fuera por el hecho de que no era exclusivamente modernista. [29] ) Compuesta casi en su totalidad por obras de la colección de Gallatin y reunidas con la ayuda del crítico Henry McBride , había, en su inauguración, pinturas y obras en papel de veinticuatro artistas, tanto estadounidenses como franceses. Además de las cuarenta y tres obras propias, Gallatin incluyó quince obras prestadas. [30] No había que pagar entrada y desde el principio se consideró un lugar para uso de los artistas y del público en general. [4] [31]

Coleccionismo de arte: década de 1930

La composición de la Galería de Arte Vivo era informal y fluida, y cambiaba con frecuencia a medida que Gallatin ampliaba su colección o simplemente deseaba revisar la exposición. Al principio, algo conservadora, creció hasta incluir importantes pinturas de estilo cubista, neoplasticista y constructivista de artistas como Picasso, Braque, Gris, Fernand Léger , Piet Mondrian , Jean Hélion y El Lissitzky , así como otras de estilo surrealista de Joan Miró , Jean Arp y André Masson. [4] [5] Gallatin colgó la galería con las pocas pinturas de gran tamaño que ocupaban el espacio de la pared por sí solas. A mediados de la década de 1930, estas pinturas de gran tamaño incluían Tres músicos (1921) de Picasso, La ciudad (1919) de Léger y Pintura (Fratellini) de Miró . [32] La mayor parte de la colección estaba formada por obras pequeñas, lo que hacía que fuera fácil que las de tamaño moderado, como Perro ladrando a la luna (1926) de Miró y Composición con azul y amarillo (1932) de Mondrian , atrajeran la atención del espectador. [2] [5] Durante la década de 1930, Gallatin siguió recibiendo consejos de Jacques Mauny. También recibió la ayuda de una sucesión de amigos y conocidos, comenzando por Henry McBride (1927-1932), seguido por Robert Delaunay (1932-1933), y luego Jean Hélion y George LK Morris (1933 - ca. 1940). Siguiendo su propia inclinación y la influencia de ellos, purgó las obras figurativas en favor de la abstracción y enfatizó las obras no objetivas sobre las que tenían temas identificables. [2] [4] [33]

En 1936 Gallatin cambió el nombre de la galería a Museum of Living Art. Para entonces, tanto el Museo Whitney como el Museo de Arte Moderno habían abierto al público y el museo de Gallatin tenía el mérito de tener la colección que más interesó e influyó en los jóvenes artistas de Nueva York, como Arshile Gorky , Philip Guston , Robert Motherwell y los De Kooning. [1] [2] [4] [34]

En 1938, la revista Life publicó un artículo sobre Gallatin y el museo en un reportaje fotográfico titulado "El bisnieto de Albert Gallatin patrocina un museo de arte abstracto". Las imágenes incluían una caricatura de Gallatin realizada por Léger, una foto de un conjunto de paneles del museo, obras importantes de la colección y copias de fotografías que Gallatin había tomado de destacados artistas parisinos. [32]

El 24 de agosto de 1939, Gallatin compró la “Composición con azul” de Piet Mondrian al comerciante de arte Curt Valentin . [35] Lo donó al Museo de Artes de Filadelfia , contra el cual se presentó una demanda de restitución en 2021 porque la pintura había sido confiscada por los nazis. [36] [37]

Obra de arte: década de 1930-1940

En febrero de 1936 Gallatin reanudó su actividad pictórica. Había sido deliberado y pausado en su coleccionismo, adquiriendo primero pequeñas piezas en papel y, al sentirse cómodo con el trabajo de un artista, pasando gradualmente a pinturas al óleo de mayor tamaño. De manera similar, tardó muchos meses en trabajar sus propias producciones de caballete desde la concepción hasta el estado final. Las obras en sí mismas eran uniformemente no objetivas. En ese momento, los críticos las vieron como cerebrales y "euclidianas". [34] [38] [39] En 1938, Edward Alden Jewell , el perspicaz crítico del New York Times, las calificó de "puras" y, haciendo un uso temprano del término, "no objetivas" (las comillas son suyas). [40] [41] Desde entonces se las ha visto como "abstracciones realizadas con sensibilidad", diseños estructurales de naturaleza arquitectónica, imbuidos de una "sutil fuerza estructural" e "infinitamente inventivos". También se les aplicó el término "decorativo", tanto en un sentido peyorativo como en uno más acorde con su propio uso del término, que connotaba armonía y un plano superior de gusto. [4] [42] [43]

En 1936, sus cuadros se incluyeron en una muestra en la Galerie Pierre de París. Anteriormente, la muestra se había exhibido en las galerías Paul Reinhardt de Nueva York; en ese momento, se llamaba "Cinco concrecionistas americanos contemporáneos" y no incluía sus obras. [2] [34] [42] [44]

En general, se mostraba reticente con respecto a su obra, pero en 1938 le dijo a un entrevistador que intentaba reducir su pintura a lo esencial del arte. [32] [45] La declaración encaja con sus escritos sobre los artistas cuyo trabajo admiraba. Creía que el arte era mejor cuando estaba menos conectado con las cosas del mundo: línea pura, color, forma, textura y tono. [4] [34] En consonancia con esta actitud, rara vez daba a sus pinturas nombres distintivos, dejándolas sin título o llamándolas simplemente "Composición" o "Abstracción".

En 1937 Gallatin se unió al grupo American Abstract Artists (al que Morris ya pertenecía) y comenzó a brindarle apoyo financiero. El grupo fue formado por un conjunto informal de artistas para ayudar a educar al público sobre el arte abstracto y realizar exposiciones. [2] [4] Al año siguiente, en la galería Georgette Passedoit de Nueva York, realizó su primera exposición individual [40] y también vendió una pintura, Composition (1938), al Museum of Modern Art. [2] [46] Durante el verano de ese año realizó su último viaje al extranjero y, a partir de entonces, amplió su colección sin viajar. [4]

En 1939 expuso junto a otros dos miembros de American Abstract Artists —Morris y Charles G. Shaw— en la galería de Jacques Seligmann en Nueva York. Como los tres eran pintores no objetivos y todos eran neoyorquinos adinerados, se los llegó a llamar los "cubistas de Park Avenue". [2] [38]

A partir de ese momento, el arte no objetivo en general y el arte de Gallatin en particular fueron cada vez más aceptados en el mundo artístico de Nueva York. En 1941 se decía que pintaba con gusto, tacto fino y habilidad inventiva. [47] En 1945, Edward Alden Jewell se refirió a él como un "impresionante exponente de esta forma de abstracción" cuyo "trabajo es refrescantemente individual", "vigoroso y expertamente pintado", [48] [49] y en 1947 escribió que Gallatin estaba seguro de su posición como "no objetivista inflexible" cuyo trabajo era "todo pulcritud y decoro razonable y suave". [43] [50] En 1942, Gallatin fue mencionado como el "rey abstracto" de Nueva York en un perfil que apareció en la sección "Talk of the Town" de la revista New Yorker . [51]

Vida posterior y obra

Durante la década de 1940, Gallatin continuó exhibiendo sus propias pinturas y organizando exhibiciones de otros. En 1942 organizó una muestra dedicada a las mujeres estadounidenses, incluida la esposa de Morris, Suzy Frelinghuysen , así como Alice Trumbull Mason y Esphyr Slobodkina . [4] Ese mismo año, la Universidad de Nueva York le informó que tenía que cerrar el Museo de Arte Viviente para que el espacio que ocupaba pudiera reutilizarse como medida de economía en tiempos de guerra. Muy decepcionado, Gallatin aceptó una oferta del Museo de Arte de Filadelfia para proporcionarle un hogar. En pocos meses, 175 obras de su colección fueron trasladadas a Filadelfia y algunas fueron donadas al Museo Berkshire en Pittsfield, Massachusetts, al que estaban vinculados Morris y Frelinghuysen. [4] [52] [53] Durante el resto de la década de 1940 hasta su muerte en 1952, continuó pintando, promoviendo y coleccionando arte no objetivo. En 1952 se le dedicó una exposición retrospectiva individual en la Rose Fried Gallery de Nueva York. [54] A su muerte, distribuyó sus obras de arte restantes entre la Sociedad Histórica de Nueva York, el Museo de la Ciudad de Nueva York, la Galería Nacional de Arte y sus dos hermanas. [55] Al final de su vida, el estilo de pintura que había defendido estaba cayendo en desgracia a medida que el arte expresionista abstracto alcanzaba su primer reconocimiento crítico. Desde entonces, ha recuperado la atención de la crítica y el atractivo del público y, al menos para algunos, se considera que influyó en los artistas minimalistas y de vanguardia que cobraron prominencia en la década de 1960 [56], así como en artistas más jóvenes como Sarah Morris y Mai Braun. [57]

Familia

Ascendencia de Albert Gallatin, nacido en Ginebra, Suiza, el 29 de enero de 1761; fallecido en Nueva York, el 12 de agosto de 1849, y de Hannah Nicholson, nacida en Nueva York, el 11 de septiembre de 1766; fallecida en Nueva York, el 14 de mayo de 1849, con una lista de sus descendientes hasta la segunda y tercera generación, compilada a partir de Life of Albert Gallatin, por Henry Adams, 1879, History of Nicholson family, por Byam Kerby Stevens, 1911, y otras fuentes, revisadas por el coronel William Plumb Bacon. Publicado en 1916 por Press of TA Wright en [Nueva York, NY].

Albert era un nombre de pila común en la familia Gallatin. El bisabuelo de Gallatin fue Albert Gallatin (1761-1849), secretario del Tesoro bajo los presidentes Jefferson y Madison y uno de los fundadores de la Universidad de Nueva York. [58] Su segundo hijo se llamó Albert Rolaz (1800-1890) y el primer hijo de Albert Rolaz, el padre de Gallatin, se llamó Albert Horatio. Gallatin tenía dos tíos llamados Albert, uno, de apellido Gallatin, había muerto antes de su nacimiento, y el otro, de apellido Stevens, murió en 1904. Otros dos tíos, Frederic y James Gallatin, tenían hijos llamados Albert. Estos dos primos a veces fueron confundidos con Gallatin. Al igual que Gallatin, ambos vivían en Nueva York y ambos eran lo suficientemente prominentes como para recibir menciones frecuentes en la prensa local. [59] [60] El hijo de Frederic era simplemente Albert (nacido el 8 de enero de 1880, fallecido el 1 de septiembre de 1965). [59] Este Albert Gallatin formó una colección de arte egipcio antiguo que se vendió al Museo Metropolitano de Arte después de su muerte. [61]

El padre de Gallatin, Albert Horatio Gallatin, nació el 7 de marzo de 1839 y murió el 25 de marzo de 1902. [59] Residió en Nueva York toda su vida, se formó en medicina en la Universidad de Nueva York, sirvió como cirujano en la Guerra Civil y se convirtió en profesor de química en la Universidad de Nueva York. [62] La madre de Gallatin era Louise Bedford Ewing. Nació en Maryland el 8 de agosto de 1843 y murió en Nueva York el 3 de diciembre de 1922. [59] [63] La hermana mayor de Gallatin, Louise, nació en mayo de 1880 y murió el 8 de febrero de 1970. [59] [64] Se casó con Charles Merrick Gay, profesor de arquitectura de la Universidad de Pensilvania y director del Instituto Franklin de Filadelfia (Pensilvania). [65] La hermana menor de Gallatin, Cornelia Lansdale Gallatin (14 de febrero de 1884 – 26 de marzo de 1973), se casó con Alfred FitzRoy Anderson (13 de julio de 1882 – 15 de noviembre de 1965). Él era miembro de una sociedad de Nueva York cuyo trabajo de caridad involucraba a veteranos discapacitados y la derogación de la abolición. [66] [67]

Gallatin nació el 23 de julio de 1881 en la casa de campo de su abuela materna, Cornelia Lansdale Ewing, que estaba ubicada en Villanova, Pensilvania. Asistió a escuelas allí y en Nueva York, incluida la escuela preparatoria Cutler y la Facultad de Derecho de Nueva York , ambas en la ciudad de Nueva York. Sin embargo, no tomó el examen de abogado y más tarde dijo: "No sé por qué diablos lo hice. Creo que un artista abstracto es más valioso para la comunidad que un abogado". [4] [19] A medida que maduró, se mezcló libremente en la sociedad neoyorquina, frecuentando la ópera y los bailes benéficos. En 1907 cofundó la Motor-Car Touring Society. Perteneció al Union Club , la Pilgrims Society , la Society of Colonial Wars y fue el único miembro estadounidense de la rama francesa de la Society of the Cincinnati . [2] Después de que Estados Unidos entrara en la Primera Guerra Mundial, se alistó como alférez en la Reserva de Defensa Costera Naval. [68] También presidió dos comités: el Comité de Exposiciones y Publicidad Pictórica del Comité de Información Pública del Gobierno de los Estados Unidos y el Comité de Artes y Decoraciones del Comité de Defensa Nacional del Alcalde. [69] El primero se ocupó de la propaganda artística y condujo a la publicación de su libro, Art and the Great War (Nueva York, EP Dutton & Company, 1919). El segundo asesoró a los artistas sobre cómo contribuir con su trabajo al esfuerzo bélico. En diciembre de 1918, Gallatin organizó un Salón de la Guerra Aliada bajo los auspicios de ambos comités. La exposición tuvo lugar en la Asociación de Arte Estadounidense, Madison Square South, Nueva York. Duncan Phillips de la Federación Estadounidense de las Artes y Augustus Vincent Tack del Comité del Préstamo de la Libertad fueron coorganizadores. Incluyó una gran cantidad de pinturas, dibujos, carteles y otras obras de los artistas oficiales y no oficiales de los países aliados. [70] Gallatin fue fideicomisario de la Universidad de Nueva York y mecenas y donante de numerosas organizaciones artísticas, entre ellas la Universidad de Nueva York, el Museo de Arte Moderno, American Abstract Artists, el Museo de la Ciudad de Nueva York y el Museo Berkshire.

Los contemporáneos decían que Gallatin era conservador, dandi, patricio y sofisticado. Vestía con elegancia y era alto, sobrio y llevaba gafas. Su comportamiento era formal y pocos amigos eran capaces de ver el lado relajado, divertido e informal de su personalidad. Era muy trabajador y estaba firmemente dedicado a la obra de su vida. Se decía que dormía en una cama dura y estrecha que había pertenecido al hermano de Napoleón, José. Nunca hubo ningún escándalo asociado a su nombre y nunca se casó. [4]

Colecciones

La fuente principal de esta lista es el sitio web llamado Museum Angel. [71]

Escritos

Artículos y monografías, en orden cronológico

Monografías, en orden alfabético por título

Artículos, alfabéticamente por título

Referencias

Notas

  1. ^ de Michael Kimmelman (21 de agosto de 1992). "En Massachusetts, dos de los primeros artistas abstractos norteamericanos". New York Times . pág. C23.
  2. ^ abcdefghijklmnop Zenobia Grant Wingate. "Biografía de Albert Eugene Gallatin". The Caldwell Gallery . Consultado el 6 de agosto de 2014 .
  3. ^ "Albert Eugene Gallatin". nyu.edu . 2002 . Consultado el 6 de agosto de 2014 .
  4. ^ abcdefghijklmnopqrstu vw Stavitsky, Gail (invierno-primavera de 1994). "La colección de AE ​​Gallatin: una aventura temprana en el arte moderno". Boletín del Museo de Arte de Filadelfia . 89 (379/380): 1+4–47. JSTOR  3795466.
  5. ^ abcd Joan M. Marter (2011). La enciclopedia Grove de arte estadounidense. Oxford University Press. págs. 301–302. ISBN 978-0-19-533579-8.
  6. ^ Véase, a continuación, la lista de los escritos de Gallatin en orden cronológico.
  7. ^ "Aubrey Beardsley; Dos estimaciones recientes de la obra del artista". New York Times . 1902-09-06. p. BR5. Las cualidades estéticas de su línea, la disposición perfecta de sus masas de negro, el elemento literario en su obra, siempre atraerán al artista y al conocedor. Pero no hay nada, como la mera "belleza", en sus dibujos que los haga populares, a menos que se disfruten como lo haría un trozo de caviar.
  8. ^ Gallatin, Albert Eugene (diciembre de 1902). «Nota sobre el elemento literario en el arte de Beardsley». The Critic . 41 : 561–569 . Consultado el 7 de agosto de 2014 .
  9. ^ Albert Eugene Gallatin (1902). Aubrey Beardsley como diseñador de ex libris. Elkin Mathews (Londres); Charles E. Peabody & Co. (Boston).
  10. ^ "El punto de vista realmente esencial para considerar los dibujos de Beardsley es el puramente técnico del artista y el conocedor. Las cualidades decorativas de su obra nunca han sido superadas por ningún artista cuyo trabajo haya sido en blanco y negro. Beardsley es principalmente un "artista de artistas", y las cualidades de su maravillosa y hermosa línea y la perfecta disposición de sus masas son los elementos de su obra que la harán inmortal. Las cualidades estéticas de sus dibujos no son las que significan mera popularidad. Es cierto que su dibujo estuvo más de moda que los de cualquier otro artista de su época, pero parece difícil de explicar por qué lo estuvo, a menos que, como sostiene un crítico, su desprecio por la perspectiva y la proporción, y su libertad, hasta cierto punto, de la convención, hicieran que sus obras tuvieran un éxito de escándalo". ( Aubrey Beardsley como diseñador de ex libris . Boston, CE Peabody, 1902, págs. 3-5)
  11. ^ Gallatin, Albert Eugene (julio-diciembre de 1905). «Algunas críticas de arte notables». The Critic . 47 : 259–260.
  12. ^ Gallatin, Albert Eugene (marzo de 1912). "Los pasteles de Whistler y los perfiles modernos". Arte y progreso . 3 (5): 538.
  13. ^ "En el mercantilismo, la vulgaridad y el espíritu de lucro, en el que el realismo y la fealdad eran dos de los dioses de sus artistas, apareció Whistler con su inquebrantable devoción a la belleza, la belleza por sí misma. En todas las obras de Whistler -pinturas, acuarelas, pasteles, aguafuertes, punta seca, litografías, dibujos- nos impresionan instantáneamente por su distinción y elegancia: Whistler siempre fue un aristócrata. En el curso de su famosa conferencia sobre el arte, Whistler dijo que "no tenemos más que esperar hasta que, con la marca de los dioses sobre él, vuelva entre nosotros el elegido, que continuará lo que ha sucedido antes". Todas las grandes obras de arte son grandes por su belleza intrínseca; una obra maestra de la escultura griega, una pieza de porcelana china antigua, una estatuilla de bronce italiana del Renacimiento, una pintura de Velázquez o una de Vermeer pueden agruparse con la mayor armonía y unidad de propósito; hablan el mismo idioma y tienen todo en común. Y con ellos se podría colocar a Whistler, porque él también "tenía la marca de los dioses sobre él". ... temas no trillados tratados de una manera completamente personal y maravillosamente bellos y atractivos; ... los dibujos son de la mayor importancia artística porque son más personales que las pinturas, y la personalidad cuenta junto al genio." ("Whistler's Pastels, and Modern Profiles", Art and Progress , marzo de 1912, p. 9)
  14. ^ abcd Albert Eugene Gallatin (1907). Whistler: notas y notas a pie de página y otros memorandos. The Collector and art critic co.
  15. ^ "Las exposiciones de Davies y Gallatin abren un nuevo año en el arte". New York Herald . 6 de enero de 1918. pág. 10.
  16. ^ Gallatin, Albert Eugene (mayo de 1916). "William Glackens". Revista americana de arte . 7 (7): 261–263.
  17. ^ "El pintor original y talentoso que recurre al Estado, a los museos públicos o a las sociedades artísticas organizadas para obtener apoyo está condenado a la decepción. Si no fuera por el apoyo y el estímulo de los críticos ilustrados y de los aficionados y coleccionistas, el genio de muchos pintores nunca alcanzaría la madurez." (American Water-Colourists de Albert Eugene Gallatin, Nueva York, EP Dutton & Company, 1922, pp. xi-x)
  18. ^ Albert Eugene Gallatin (1922). Acuarelistas americanos. Nueva York: EP Dutton & Company.
  19. ^ abcd "Albert Eugene Gallatin". Galería de arte Vered .
  20. ^ Albert Eugene Gallatin (1919). El arte y la Gran Guerra. EP Dutton.
  21. ^ ab "Albert Eugene Gallatin". Colección Phillips . Consultado el 6 de agosto de 2014 .
  22. ^ de Henry McBride (18 de mayo de 1919). "Noticias y comentarios en el mundo del arte". New York Sun . pág. 12.
  23. ^ Albert Eugene Gallatin (1916). Ciertos contemporáneos: un conjunto de notas sobre crítica de arte. Nueva York: John Lane Company.
  24. ^ "Este reconocimiento tardío de un talento tan sincero y genuino [es decir, el de Ernest Lawson] es aún más notable cuando consideramos la moda moderna de aclamar y ensalzar al principiante mediocre, de exhibir sus esfuerzos inmaduros y mediocres, de escribir sobre él extensamente; si tenemos en cuenta que incluso los cubistas fueron tomados en serio durante un tiempo. No muchos pintores hoy parecen tener la inclinación a perfeccionarse en su arte: insisten en el atajo, se contentan con exhibir su caja de trucos. Es por eso que la exposición promedio de cuadros modernos es tan deprimente, tan tediosa". ( Ciertos contemporáneos; un conjunto de notas sobre crítica de arte por Albert Eugene Gallatin, Nueva York, John Lane Company, 1916, p. 15)
  25. ^ Bell, Clive (1922). Since Cézanne. Londres: Chatto & Windus . Consultado el 14 de agosto de 2014. El artista ha subordinado sus predilecciones y prejuicios, su peculiar manera de ver y sentir, sus caprichos, sus fantasías y sus excentricidades, a un sentido dominante del diseño. Sin embargo, el cuadro es personal. En primer lugar, un cuadro debe ser un todo orgánico, pero ese todo puede estar formado por cualquier cosa que posea la mente del artista.
  26. ^ Zorach, William (octubre de 1921). "Las nuevas tendencias en el arte". The Arts . 2 (1): 10–15.
  27. ^ "La contribución esencial del arte moderno a la estética es la construcción y desarrollo de formas y colores puramente abstractos. Por color abstracto me refiero a colores utilizados por su significado abstracto, no de manera realista, y por forma abstracta me refiero a formas puramente geométricas y equivalentes simplificados de la naturaleza, como una manzana reducida a un círculo, una cabeza a un óvalo, y la construcción de un cuadro o una pieza de escultura mediante una combinación de estas formas, diseccionadas y entrelazadas, entretejidas y desarrolladas. A través de esta recreación, esta construcción y eliminación de todo lo que no es vitalmente necesario, se construye un todo estructural, se desarrolla una armonía de forma y color que satisface la sensibilidad artística del artista... No hay nada particularmente nuevo en este arte moderno. Se basa en los mismos principios cósmicos de equilibrio armonioso y relación de líneas, formas, colores y volúmenes como todo arte verdadero. Un artista debe ser sensible a estas cosas, ya sea consciente o inconscientemente. Es eso lo que lo hace ser artista. ¿Cómo se puede saber qué es algo y qué no en el arte moderno, qué es una obra maestra y qué es un aborto? Mediante el mismo proceso por el que se aprende a saber qué es real y qué no lo es entre los cuadros del pasado. Mediante el estudio cuidadoso de diversos ejemplos, escuchando la propia respuesta interior." ("Las nuevas tendencias en el arte" de William Zorach, The Arts , vol. 2, núm. 1, octubre de 1921, pág. 12)
  28. ^ Aunque no permaneció como miembro por mucho tiempo.
  29. ^ Phillips, Duncan (junio de 1921). "La galería de arte Phillips Memorial". The Art Bulletin . 3 (4): 147–152. doi :10.2307/3046387. JSTOR  3046387.
  30. ^ Entre los artistas estadounidenses se encontraban John Marin, Charles Demuth, Jules Pascin, Charles Burchfield, Walt Kuhn, Alexander Brook, Yasno Kuniyoshi, Karl Knaths , Charles Sheeler, Preston Dickenson, Samuel Halpert y Marsden Hartley. Entre los artistas franceses se encontraban Paul Signac, Marquet, Matisse, Etretat, Picasso, Braque, Gris, Othon Friesz, Raoul Dufy, Maurice Dufresne y Jacques Mauny. (Gallery of Living Art and American Print Makers: Two New Novel Enterprises de Elisabeth L. Cary, New York Times , 18 de diciembre de 1927, pág. X12)
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  44. ^ Los cinco concrecionistas fueron Charles Biederman, Alexander Calder, John Ferren, George LK Morris y Charles Green Shaw. En París y más tarde en Londres, Gallatin reemplazó a Calder.
  45. ^ "Intento despojar a la pintura de sus elementos esenciales, basándome en el estudio de los grandes maestros antiguos, y como protesta contra la pintura degenerada del siglo XIX, que sólo se interesa por su tema." ("El bisnieto de Albert Gallatin patrocina un museo de arte abstracto", Life Magazine , vol. 4, n.º 18, 2 de mayo de 1938, pág. 42)
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  49. ^ En Mortimer Brandt's, llegamos al extremo no objetivo de la gama de nuestra semana: un gran grupo de pinturas de AE ​​Gallatin, que se ha convertido en un exponente impresionante de esta forma de abstracción. ... La obra de Gallatin es refrescantemente individual. Los diseños decorativos son vigorosos y están pintados con maestría, entre los puntos destacados se encuentran "Composición en azul", "Construcción con rojo" y "Estudio de París"... ("Arte expresionista" de Edward Alden Jewell, New York Times , 11 de febrero de 1945, pág. X8)
  50. ^ Pero añadió que las pinturas de Gallatin empezaban a mostrar referencias al mundo real: "En Durand-Ruel, Albert Eugene Gallatin es todo pulcritud y decoro razonable y suave: Gallatin, que se había convertido tan firmemente en el no-objetivista inflexible. Pero, por Dios, ¿qué está ocurriendo aquí? Como Morris, como Shaw, Gallatin parece estar en proceso de retroceder de lo no-objetivo al naturalismo. Todavía no es una barrida limpia, pero "Naturaleza muerta nº 1" y "La señorita Glutts" han abandonado palpablemente lo no-objetivo, y su objetivo parece ser Milton Avery. ¿Nunca cesarán las maravillas?" ("Museo exhibe arte no-objetivo: artistas abstractos abren evento anual en Riverside", por Edward Alden Jewell, New York Times, 1 de abril de 1947, pág. 13).
  51. ^ Geoffrey T. Hellman (9 de mayo de 1942). "Abstract King". Vida . págs. 11-12.
  52. ^ Edward Alden Jewell (23 de mayo de 1943). "Colecciones en casas nuevas". New York Times . pág. X10.
  53. ^ En 1937 y 1944, Gallatin donó al Museo Berkshire obras que había comprado a miembros del grupo de Artistas Abstractos Americanos.
  54. ^ Stuart Preston (13 de abril de 1952). "Principalmente moderno: pinturas de Gallatin: dos escultores". New York Times . pág. 27.
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  60. ^ "Albert Gallatin, corredor de bolsa, 70 años". New York Times . 14 de marzo de 1939. pág. 27. Fue alumno del profesor Michael Pupin [en la Universidad de Columbia]... quien consideraba al Sr. Gallatin uno de sus estudiantes más brillantes. El Sr. Gallatin abandonó sus actividades científicas en 1901 cuando ayudó a fundar la firma Smith & Gallatin... En 1912 se casó con la señorita Beatrice Quennell, quien sobrevive. No tuvieron hijos.
  61. ^ [1]. HG Fischer, 'La colección egipcia de Gallatin', Metropolitan Museum Bulletin, marzo de 1967, 253–63.
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  68. ^ "AE Gallatin nombrado alférez". New York Times . 1917-05-12. pág. 11.
  69. ^ "Aconsejará a los artistas: un comité de expertos ayudará a los pintores que buscan el servicio militar". New York Times . 21 de junio de 1918. pág. 19.
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Lectura adicional

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