En arte, una sacra conversazione ( en italiano: [ˈsaːkra koɱversatˈtsjoːne] ; plural: sacre conversazioni ), que significa "conversación santa (o sagrada)", es un género desarrollado en la pintura renacentista italiana , con una representación de la Virgen y el Niño (la Virgen María con el niño Jesús ) en medio de un grupo de santos en una agrupación relativamente informal, a diferencia de las composiciones más rígidas y jerárquicas de períodos anteriores. [2] También se pueden incluir retratos de donantes , generalmente arrodillados, a menudo su santo patrón los presenta a la Virgen, [3] y con frecuencia hay ángeles presentes.
El término se utiliza a menudo como título de las pinturas para evitar enumerar todas las figuras individuales, aunque la tendencia actual en los museos y en la historia del arte académico es dar la lista completa. El nombre, que sólo aparece como título retrospectivamente en el siglo XVIII, se ha explicado con referencia a "su estado de ánimo absorto, en el que los santos, sin apenas mirarse entre sí, parecen comunicarse a un nivel espiritual más que material". [5] Al menos ese es el caso en los ejemplos anteriores; los posteriores, a partir del siglo XVI, a menudo dan la impresión de conversaciones más convencionales entre las figuras, que se inclinan unas hacia otras e interactúan más. [6]
En italiano, el término se utiliza quizás con más frecuencia y más ampliamente que en inglés, por ejemplo, en composiciones de aria en la tradición de la Madonna Sixtina de Rafael , donde la Virgen y el Niño flotan en el aire muy por encima de los santos. [7]
La sacra conversazione se desarrolló a medida que los artistas reemplazaron los formatos hieráticos y compartimentados de trípticos o polípticos para retablos con composiciones en las que las figuras interactuaban dentro de un espacio de perspectiva unificado . [8] Mientras que los retablos tradicionales generalmente conservaban un formato vertical, la sacra conversazione tenía todas las figuras principales en un solo nivel, o casi. Por lo tanto, tendieron a moverse hacia un formato horizontal, ya que había poco más que ángeles y arquitectura para poner en la parte superior de un vertical, a menos que las figuras divinas estuvieran elevadas en un trono muy alto, como en la composición inusual de la Madonna de Castelfranco de Giorgione (c. 1503). [9] Aquí, como en muchas obras, la Virgen y el Niño están sentados en un trono, [10] pero los santos están de pie, por lo que en ejemplos más típicos con el trono solo ligeramente elevado sobre un estrado , las cabezas de los adultos están aproximadamente al mismo nivel. La sacra conversazione fue uno de los tipos de imagen que llevaron a que el formato horizontal se volviera común en las pinturas sobre tabla; Antes del Renacimiento era poco frecuente en los retablos (aunque el formato era ciertamente común en los murales ). A menudo, este tipo de obras, especialmente si eran de formato horizontal y de medio cuerpo o con figuras sentadas, se pintaban para las casas de fieles ricos (y a menudo coleccionistas), ya fuera para una capilla privada o para ser colgadas en otras habitaciones, tratadas de manera similar a retratos o escenas seculares. [11]
Ejemplos tempranos son el retablo de Annalena (c. 1438-1440), el retablo de San Marcos (c. 1438-1443) y el retablo de Fiesole de Fra Angelico y el retablo de Barbadori de Filippo Lippi (1437, Louvre ). Tener a la Virgen del mismo tamaño que las otras figuras a menudo se considera esencial para el tipo, por lo que descalifica la mayoría de las obras anteriores, donde la Virgen se muestra mucho más grande. Entre otros artistas que representan una escena de este tipo se encuentran Piero della Francesca , Giovanni Bellini , Paolo Veronese y Andrea Mantegna . [12] Algunos estudiosos han sugerido que la Maestà pintada por Duccio en 1308-11 para la catedral de Siena puede considerarse como la "prima conversazione sacra italiana" . [13]
Los primeros ejemplos, como el de Bellini, rara vez muestran una "conversación" real o mucha interacción, aunque esto puede verse a partir del siglo XVI, [14] como en la Virgen con el Niño y los santos Lucas y Catalina de Alejandría de Tiziano . En los primeros ejemplos, el entorno es normalmente arquitectónico, representando vagamente el cielo, pero también, hasta el retablo de Pésaro de Tiziano (comenzado en 1519), continuando la arquitectura del marco arquitectónico y, por lo tanto, la del entorno de la iglesia original para la que fue pintado. Se trataba de una reconsideración radical del tipo, aparentemente situado fuera de algún pórtico de templo con grandes columnas elevadas, visto oblicuamente. La Virgen y el Niño ya no están en el centro de la composición, sino a la derecha del espacio pictórico. [15]
Como en los retablos anteriores, la elección de los santos está determinada en gran medida por los santos patronos del donante y su familia, y los de la iglesia, ciudad, diócesis u orden religiosa de que se trate. La mezcla de figuras de diferentes períodos, que es normal en el tipo, deja claro que no se está representando ningún incidente histórico y que, sea cual sea el contexto, el espacio debe entenderse como místico y no como un lugar real. [16]
También en la década de 1510, Tiziano y otros venecianos habían estado desarrollando la tradición predominantemente norteña de los escenarios al aire libre en un jardín o, especialmente más tarde, en un paisaje abierto. La altura de la Madonna de Castelfranco de Giorgione de alrededor de 1503 había permitido que se mostrara un paisaje sobre la zona inferior con los santos. Palma Vecchio se convirtió en un especialista en sacre conversazioni fuertemente horizontales , con las figuras en su mayoría sentadas o arrodilladas en un grupo bastante apretado, combinando informalidad y un clasicismo monumental. [17] Tales composiciones también se basaron en grupos al aire libre tradicionales que presentaban a la Sagrada Familia , como el Descanso en la Huida a Egipto , la Adoración de los Pastores y las composiciones de la Virgen y el Niño con ángeles y otras figuras. [18]
La Virgen colocada en un jardín cerrado se conoce como hortus conclusus , y cuando está rodeada de santas se conoce como Virgo inter Virgines .Era una especialidad del norte, cuando varias de las figuras junto a la Virgen estaban sentadas, en un banco o orilla o en el suelo, generalmente en un entorno de jardín dentro de un recinto de algún tipo; originalmente una metáfora del vientre de la Virgen, ya que el hortus conclusus comenzó como una representación de la Anunciación , que marca la concepción de Cristo por parte de María. [19]
Estos grupos más relajados se mantuvieron en las pinturas venecianas ambientadas en paisajes abiertos. A finales del siglo XVI, "las relaciones dominantes en un retablo como la Virgen y el Niño con los santos Catalina y Juan Evangelista (1593, Pinacoteca Nazionale di Bologna ) de Annibale Carracci no eran entre las figuras dentro del cuadro, sino entre ellas y el espectador". [20] En la " pintura barroca , la Virgen se elimina de la tierra siempre que el contexto lo permite", y las escenas a menudo se sitúan entre las nubes celestiales. [21]
Los ejemplos en escultura son relativamente raros, aunque sólo sea por la cantidad de figuras involucradas. Una excepción fue la planificada por Miguel Ángel para la Capilla de los Médici en Florencia , aunque abandonó el proyecto antes de que se terminaran los dos santos patronos de los Médici que flanquean a la Virgen y el Niño ; éstos fueron realizados por otros siguiendo sus diseños. [22]
Otro tipo de composición desarrollado para satisfacer las necesidades de los retablos de formato vertical con una sacra conversatione . Aquí la Virgen y el Niño se colocan, generalmente sobre nubes, en el aire (in aria) sobre los santos en el suelo. Normalmente hay un fondo de paisaje. Además de llenar un espacio de imagen vertical, esto tenía otras ventajas, permitiendo referencias a la Coronación de la Virgen o la Asunción de María . Esta última doctrina todavía era un tema de controversia en la Reforma , y una sacra conversatione que la insinuara puede haber sido preferida por algunos mecenas a una representación completa, que más bien requería que la elección de los santos se limitara a los Apóstoles , y a menudo tenía una tumba vacía en el centro. María a veces está siendo coronada por ángeles, mientras que una Coronación completa de la Virgen sería por al menos uno de la Santísima Trinidad . El tipo de composición in aria comienza antes de 1500 y se vuelve cada vez más popular durante el siglo siguiente, convirtiéndose a finales de este "tipo de retablo más común en Italia". [23]
La Madonna de Foligno de Rafael de 1511 y su Madonna Sixtina de 1512 son ejemplos destacados; en esta última, los dos santos también están arrodillados sobre nubes, aunque las cortinas a los lados y la repisa en la que se apoyan los famosos angelotes mantienen el entorno ligado a la tierra. A partir de la década de 1520, Moretto da Brescia fue "probablemente el primer artista italiano importante en emplearlo repetidamente", pintando más de veinte. [24]
El término no aparece, refiriéndose al tema de una imagen, antes de referencias italianas a finales del siglo XVIII; en 1979 el uso más antiguo encontrado fue en inventarios de la familia Pucci de 1763 y 1797. Pero el término, en sus equivalentes latinos santa conversatio y pia conversatio , aparece varias veces en los textos clave de la iglesia, desde la Biblia Vulgata , hasta los Padres de la Iglesia y la liturgia católica. Pero en estos su significado es más como "conducta piadosa" o "santa comunidad". El desarrollo del significado del italiano conversazione también es bastante complejo; [25] como en inglés, pasó mucho tiempo antes de que la palabra llegara a significar simplemente personas hablando juntas (el séptimo significado listado en el OED ). El significado inglés más antiguo, de 1340, está definido por el OED como "La acción de vivir o tener el ser de uno en un lugar o entre personas", muy cerca del latín.
Como descripción de una pintura, el término permaneció poco usado hasta mediados del siglo XIX, cuando fue aparentemente popularizado, al menos en inglés, por la Historia de la pintura en Italia (3 volúmenes, 1864-1866) de Crowe y Cavalcaselle . [26] Afirmaron "con notable ímpetu " que Palma Vecchio fue "el inventor de la gran Sacra Conversazione en la que santos de cuerpo entero celebran la corte en presencia de la Virgen...", [27] lo que sugiere un sentido bastante más estrecho del término que el que prevalece hoy.
Los historiadores del arte posteriores han situado comúnmente el origen del tipo en obras de Masaccio , Domenico Veneziano o Fra Angelico, aunque Jacob Burckhardt estaba entre los que se quejaban de su uso. [28] Nigel Gauk-Roger dice que la "primera sacra conversazione verdadera fue casi con certeza" el retablo de Santa Lucía de' Magnoli de Domenico Veneziano de alrededor de 1445-47 (el panel principal ahora Uffizi ). [29] Todos estos tienen santos de pie en un entorno arquitectónico. Rona Goffen rastrea el origen del tipo más atrás, al Trecento , examinando varios ejemplos, muchos de la Basílica de San Francisco de Asís , y de medio cuerpo. [30]
La mayoría de los relatos sobre su desarrollo se limitan a Italia, ignorando los paralelismos con el norte, a pesar de que la Virgen con el Niño con el canónigo van der Paele (y dos santos) de Jan van Eyck representa claramente el mismo tipo, ya desde 1434-1436, como ha señalado Otto Pächt . [31]
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![Virgo inter Virgines, Gerard David, c. 1509, con dos retratos de donantes, en este caso el artista y su esposa.[32]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/ae/David_Virgin_among_the_Virgins.jpg/1280px-David_Virgin_among_the_Virgins.jpg)
