Alien Nation es una película de acción y ciencia ficción estadounidense de 1988 escrita por Rockne S. O'Bannon y dirigida por Graham Baker . El reparto incluye a James Caan , Mandy Patinkin y Terence Stamp . Su popularidad inicial inauguró el comienzo de la franquicia mediática Alien Nation . La película describe la asimilación de los "Newcomers", una raza alienígena que se establece en Los Ángeles , para gran consternación inicial de la población local. La trama integra los géneros de películas neo-noir y buddy cop con un tema de ciencia ficción, centrándose en la relación entre un investigador de policía veterano (Caan) y un extraterrestre (Patinkin), el primer detective recién llegado. El dúo investiga un submundo criminal mientras intenta resolver un homicidio. Alien Nation explora el asesinato, la discriminación y la ciencia ficción .
La película fue una coproducción entre American Entertainment Partners y 20th Century Fox , que la distribuyó en cines. Alien Nation se estrenó en Estados Unidos el 7 de octubre de 1988 y recaudó más de 32 millones de dólares en todo el mundo, convirtiéndose en un éxito financiero moderado. La película recibió críticas mixtas antes de su estreno en cines, aunque desde entonces ha ganado seguidores de culto . La película generó una serie de televisión de corta duración , cinco películas de televisión , un conjunto de cómics , así como una serie de novelas , todo en un intento de continuar el desarrollo de los personajes en torno a su cultura alienígena ficticia.
En 1988, una nave espacial que transportaba a 300.000 alienígenas esclavizados conocidos como "Newcomers" aterriza en el desierto de Mojave . En 1991, se han establecido en Los Ángeles y algunos de ellos se han unido al Departamento de Policía de Los Ángeles . El compañero del detective Matthew Sykes muere en un tiroteo mientras intentaba detener un robo de Newcomers que termina en el asesinato del dueño de la tienda. El superior de Sykes, el capitán Warner, informa a su escuadrón que trabajarán con el recién ascendido detective Newcomer Sam Francisco. Sykes se ofrece como voluntario para formar equipo con Francisco para investigar el homicidio del Newcomer Warren Hubley, con la esperanza de poder investigar también la muerte de su compañero, algo que oficialmente tiene prohibido hacer. Los dos no funcionan bien: Sykes se niega a llamarlo "Sam Francisco" y opta por llamarlo "George" en su lugar, y Francisco predice que Sykes tendrá dificultades debido a que su apellido suena como "sai k'ss" - "cabeza de mierda" en el idioma Newcomer.
Mientras se encuentra en un laboratorio forense, Francisco detecta una anomalía en el cuerpo de uno de los criminales recién llegados que fue asesinado en el robo. Esto lleva a Sykes y Francisco a un club nocturno para interrogar al recién llegado Joshua Strader, pero Strader es asesinado por una red criminal liderada por el empresario recién llegado William Harcourt y su secuaz Rudyard Kipling.
Mientras investigan, los hombres se vuelven más amigables entre sí. Francisco le informa a Sykes sobre una parte del cuerpo de los recién llegados que deben golpear para obtener el máximo dolor, que Sykes usa más tarde; después de descubrir que los recién llegados se intoxican con leche en mal estado, se emborrachan juntos, y Francisco confiesa que no comprende los altos ideales que los humanos establecen sin poder alcanzarlos, y le aconseja a Sykes que se vuelva a conectar con su hija distanciada.
Harcourt está en las etapas avanzadas del lanzamiento de un plan para explotar a los recién llegados mediante la producción en masa de Jabroka, una droga que se utilizó para pacificar a los recién llegados cuando eran esclavos, pero que no tiene ningún efecto beneficioso sobre los humanos. La anormalidad notada por Francisco en el cuerpo del criminal recién llegado resulta ser una señal visual de la influencia de la droga. Los recién llegados Hubley, Porter y Strader estuvieron involucrados en las fases de planificación de la operación, pero luego fueron asesinados debido al deseo de Harcourt de excluirlos de cualquier ganancia futura. Cuando Sykes y Francisco localizan el laboratorio de drogas, Francisco muestra una furia repentina ante la idea de que Jabroka sea reintroducido a su gente y destruye el laboratorio. Francisco explica que debe ser destruido y que la mera existencia de la droga nunca debe revelarse, ya que pondría en riesgo la tenue existencia de todos los recién llegados en la Tierra.
Finalmente, Sykes y Francisco localizan a Harcourt, que está negociando un calendario para la liberación de Jabroka. Los detectives se involucran en una persecución en automóvil con Harcourt y Kipling, que termina en una colisión frontal que deja a ambas partes heridas. Harcourt escapa a pie; cuando Sykes lo acorrala, toma una sobredosis de Jabroka que lo hace colapsar, aparentemente muerto. El Jabroka restante es destruido, pero Francisco reacciona en estado de shock cuando Sykes informa que ha tomado una sobredosis; explica que una sobredosis haría que un recién llegado mute en una forma más grande y peligrosa, y que la humanidad nunca debe saber que los recién llegados son capaces de esto.
Sykes y Francisco persiguen a Harcourt después de que escapa del vehículo del forense, lo alcanzan cerca de un muelle de pesca, y Sykes lucha cuerpo a cuerpo con él en mar abierto, finalmente tirándolo al agua; sin embargo, Sykes también es arrastrado al agua. El cuerpo de Harcourt se desintegra debido al contacto directo con agua salada, que es peligrosa para la fisiología de los recién llegados. Francisco comanda un helicóptero de la policía y rescata a Sykes a pesar de que su brazo sufre daños. Cuando el piloto pregunta qué había en el agua con Sykes, Sykes responde que era "solo otro Slag" - un término peyorativo para los recién llegados - protegiendo el secreto.
Sykes y Francisco, ahora amigos, asisten juntos a la boda de la hija de Sykes. Sykes ha aceptado a Francisco como su compañero y le pide que lo perdone por todas las estupideces que hará y dirá en los años venideros. Francisco le asegura a Sykes que lo hará: "Después de todo... eres sólo un ser humano".
En 1988, 20th Century Fox recibió una de cada veinte o veinticinco historias semanales, y el guión original de Rockne S. O'Bannon para Alien Nation se presentó como un guión especulativo a la productora Gale Anne Hurd . La agencia que representaba la historia pidió al personal de producción que lo revisara lo antes posible, ya que también se estaba enviando a otros estudios cinematográficos. Tanto Hurd como su directora de desarrollo, Ellen Collett, tuvieron la misma respuesta inicial, ya que vieron el guión como una verdadera novela de suspense. Según Hurd, lo que realmente le interesó de la historia de la película fue todo el enfoque del entorno de los inmigrantes y la extrapolación de eso a un entorno de ciencia ficción. El género de ciencia ficción, en lo que respecta a la representación de extraterrestres, suele adoptar la forma de uno o dos seres, como se muestra en series de la cadena como Star Trek . Por lo general, no era común que hubiera un gran número de dobles en el cine desde El planeta de los simios veinte años antes. Trabajando con el coproductor Richard Kobritz, Hurd consiguió financiación de Fox Studios y comenzó a contratar un equipo de maquillaje experimentado para la creación de la sociedad extraterrestre. [3]
Más tarde, Hurd se puso en contacto con el director de fotografía Adam Greenberg en su casa de Israel para trabajar en la producción. Greenberg recordó que lo habían pillado por sorpresa: "Estaba de vacaciones en un kibutz en el Mar Muerto (hacía 51 grados) y recibí una llamada de Gale. Eso era lo último que me esperaba allí". [4]
Aunque es principalmente una película de acción, Alien Nation fue un retroceso a otras películas de género similar como El planeta de los simios y Silent Running . Los recién llegados alienígenas son relegados a un estatus de segunda clase. Al igual que otras minorías, viven en sus propios vecindarios, frecuentan sus propios clubes y desarrollan su propia clandestinidad. Tras el asesinato de un policía, un humano debe asociarse con un extraterrestre para resolver el asesinato. Su incómoda alianza crea una desconfianza social, que aborda cuestiones como los prejuicios y el racismo. Al final de la saga, los dos humanoides completamente diferentes han combinado sus talentos y han superado sus barreras sociales para completar su tarea. [3]
Queríamos que los extraterrestres se parecieran más a una raza étnica diferente que a los hombres lagarto... No queríamos que nuestro público pensara: "Vaya, mira qué diferentes son estos extraterrestres". Más bien, después de unos cinco minutos queríamos que el público los aceptara como diferentes de nosotros, pero no tan diferentes como para que nadie se creyera la historia. Queríamos que los extraterrestres fueran personajes, no criaturas.
—Gale Anne Hurd [3]
Aunque se consideraron varias empresas de efectos de maquillaje, 20th Century Fox eligió Stan Winston Studios . Winston no participó directamente en la preproducción, sino que dejó la tarea a sus mejores artistas: Alec Gillis, Shane Mahan , John Rosengrant, Tom Woodruff y Shannon Shea. La productora Gale Anne Hurd comentó sobre la creación de la base para el escenario de maquillaje diciendo: "El problema principal era cómo vender una raza alienígena que fuera humanoide sin que pareciera gente con trajes de goma, y cómo hacerlo asequible. Sabíamos que iba a haber mucho tiempo de aplicación y eliminación de maquillaje, eso era un hecho". El artista Gillis recordó su participación en el proyecto diciendo: "Estuvimos involucrados en todo, desde el diseño y la escultura de los alienígenas hasta la supervisión de un equipo de unas treinta personas. Esculpimos los personajes principales, supervisamos el moldeado y la producción de sus aparatos y supervisamos la escultura de los personajes secundarios y de fondo". Durante la fase de diseño, los productores apoyaron la sutileza del maquillaje y trataron de hacer que los alienígenas parecieran lo más humanos posible.
Un boceto preliminar del diseño de los alienígenas, tal como lo describió Mahan, era que "los machos iban a tener espinas en la parte superior de sus cabezas, algo así como la cresta de un gallo, y cuando se enojaran, estas espinas se levantarían. Eso habría requerido un casco mecánico, y Graham Baker pensó que era un poco demasiado extremo, así que optamos por cabezas lisas en su lugar". Al acercarse al diseño final para el maquillaje del casco, Woodruff explicó que las máscaras tenían "cejas más pobladas y una textura de piel más pesada que parecía más correosa, y había bultos más pronunciados en la parte posterior de sus cabezas. Después de que comenzamos la producción de estas máscaras, Graham Baker decidió que quería que los alienígenas lucieran aún más sutiles, así que simplificamos el diseño una vez que comenzamos a hacer los personajes principales".
Mike Spatola fue el jefe del equipo de pintura para el diseño de las máscaras. Sin pelo por diseño, los coordinadores pensaron que las máscaras deberían tener marcas de puntos donde habría pelo en los humanos. Cada casco alienígena tuvo que ser pintado a medida con un patrón de puntos para que coincidiera con cada pieza secundaria de respaldo utilizada para los personajes individuales. Cada uno de los actores que interpretaron a los alienígenas también tenía las manos pintadas con un patrón de puntos, ya que se descartó un plan original de proporcionarles dispositivos para las piezas de mano. [3]
Una vez que se finalizó el concepto genérico del extraterrestre, cada uno de los coordinadores de efectos trabajó con un actor específico. Mahan eligió trabajar con Mandy Patinkin, así como con el hijo de Francisco. Rosengrant trabajó con Leslie Bevis, que interpretó a Cassandra. Woodruff trabajó con Terence Stamp, que interpretó el papel de Harcourt. [3] Al tratar de enfatizar la singularidad de los personajes, Mahan comentó: "Queríamos que el público pudiera reconocer a los actores de inmediato. Todos eran tan buenos que habría sido una pena taparlos por completo". [3] Otros coordinadores de efectos como Gillis comentaron: "El actor que interpretó a Trent Porter, por ejemplo, Brian Thompson, era un tipo muy rudo, por lo que parecía un personaje muy duro. Por otro lado, Kevyn Major Howard, que interpretó al secuaz asesino de Harcourt, tenía rasgos muy delicados, como de niño, así que usamos esa cualidad para crear una yuxtaposición espeluznante". [3] Mientras los coordinadores de efectos luchaban por terminar el diseño final y la producción a gran escala de las prótesis alienígenas, Hurd eligió al maquillador Zoltan Elek para supervisar la aplicación general. [3] Elek había trabajado previamente en la película Mask y en el personaje Max Headroom . [3] Elek insistió en que la coloración alienígena fuera mucho más cercana a los tonos de piel humana en lugar del pigmento amarillento elegido originalmente. Elek recordó su desacuerdo con Winston cuando Stan sintió que "... los alienígenas deberían ser de un color totalmente diferente al de los humanos, con muchos amarillos, azules y grises. Para mí, ese esquema era demasiado monstruoso; de hecho, terminamos usándolo en el monstruo de Harcourt en el clímax". [3] Otro aspecto creativo del maquillaje fue la gradación entre las máscaras principal y de fondo. La tripulación de Alien Nation buscó evitar los mismos errores cometidos en El planeta de los simios veinte años antes. Como explicó Gillis, "Teníamos lo que llamábamos maquillajes 'ABCD'... Los maquillajes 'A' eran aquellos diseñados a medida para los actores principales, mientras que los maquillajes 'B' eran mezclas y combinaciones en las que recombinábamos piezas de otros actores para crear un nuevo personaje. Nuestras máscaras 'D' (las más alejadas de la cámara) eran máscaras de látex deslizantes que se colocaban sobre la cabeza y no podían cambiar de expresión. Las máscaras 'C', sin embargo, estaban hechas de látex espumado y se podían pegar para obtener cierta expresión de los personajes en el plano medio". [3] La aplicación del maquillaje de novatos conocido como "spuds" o "potatoheads" en el set requería cuatro horas; una tarea que Patinkin describió como "un dolor de cabeza". [5]Las máscaras se fabricaban en una cadena de montaje para satisfacer la enorme demanda de la película. Mahan reflexionó: "Sacábamos las piezas del horno, las arreglábamos, las pintábamos y las teníamos listas para recogerlas esa misma tarde y llevarlas al set. Las piezas apenas estaban frías cuando Zoltán y su equipo las colocaron". [3]
Para la escena dramática final que involucra la muerte de Harcourt, los efectos manipulados se manejaron en dos etapas. La primera etapa involucró una cabeza y un cuerpo que se disolvían, mientras que la segunda etapa incorporó un brazo sin carne que sobresalía del agua del mar. Rosengrant señaló: "Si bien el maquillaje que se disolvía tenía que verse extremo, también tenía que parecer realista dentro de los límites de la anatomía alienígena que había diseñado el equipo de Winston. Queríamos evitar el aspecto amorfo de 'mancha de sangre' que se ve en tantas de estas películas de monstruos y asesinos. Queríamos poder ver la estructura ósea de Harcourt en lugar de solo el globo colgando de ella". Para la apariencia visual, agregó: "Por supuesto, usamos baba de metocel para que se mojara y tuviera un aspecto desagradable, pero la subestructura básica estaba arraigada en la anatomía". Para la desintegración facial de Harcourt, los coordinadores idearon un maquillaje de base de goma espuma superpuesto con una capa de aparatos de gelatina. Elek explicó que el equipo "extrajo trozos de las piezas de goma espuma, rellenó los agujeros con Bromo Seltzer, luego colocó los dispositivos de gelatina sobre todo y los coloreó para que no se pudieran ver los agujeros de abajo. Una vez que el especialista, la cámara y todos los demás estaban en posición, tomamos una jeringa grande llena de agua caliente y la inyectamos en cada uno de los bolsillos de Bromo Seltzer mientras la cámara comenzaba a grabar. Cuando el Bromo Seltzer comenzó a burbujear, el agua caliente comenzó a abrirse paso a través de la piel de gelatina y su cara pareció burbujear y derretirse". Al final, Mahan comentó: "Pensamos que pasar de algo como la reina alienígena de Aliens a estos maquillajes protésicos directos sería simple, pero en realidad fue mucho trabajo". [3]
En Los Ángeles, California, se filmaron numerosas locaciones interiores y exteriores para satisfacer las necesidades de la historia . [6] Dentro de un cronograma de rodaje de cinco meses, se pasaron tres semanas filmando en locaciones de estudio. [4] El diseñador de producción Jack Collis explicó cómo la película integra a un grupo minoritario (los extraterrestres) en la película, diciendo "La idea era traer a este grupo extraterrestre, asimilarlos a nuestra sociedad y conseguirles un lugar que fuera parte de Los Ángeles... Se vería casi como si un grupo de coreanos o vietnamitas se hubiera mudado al área. Este grupo habría establecido su propia comunidad. Tienen su propio idioma, sus propios signos". [6] El equipo de filmación instaló letreros ficticios en lenguaje extraterrestre a lo largo de Western Avenue y Santa Monica Boulevard. [6] Se hicieron dibujos a color de todas las tiendas a ambos lados de la calle durante dos cuadras completas. [6] Se diseñaron letreros pintados y eléctricos para cada edificio. [6] El grafiti también se planificó cuidadosamente. El equipo de filmación hizo su propia pintura e incluso tomó una gran pared de concreto en blanco e insertó grafitis extraterrestres para una escena que involucraba una confrontación física temprana entre los personajes principales. [6] Básicamente, el alfabeto de los ciudadanos extraterrestres tuvo que ser diseñado como una parte integral de su entorno. Comentó cómo el equipo "se les ocurrieron alfabetos individuales y luego los combinaron en ciertas palabras como, por ejemplo, 'entrar' y 'abrir', para que pudiéramos repetirlas ...", al tiempo que mencionó cómo "trajeron a un experto en idiomas para que nos diera algo con lo que los actores pudieran sentirse cómodos". [6] Los Hawthorns, una conocida familia de pintores de carteles, crearon la mayoría de los carteles extraterrestres. [6] Collis incluso reflexionó sobre cómo en un momento dado, a los dueños de las tiendas les gustaban los grafitis alienígenas utilizados durante el rodaje en sus propiedades y no querían quitarlos. [6]
Un diseño fluido que se parece más a una escritura a mano que a una rotulación, que parece un gráfico de los latidos del corazón. De vez en cuando, lo subrayábamos como si viniera de una especie de máquina electrónica, como un informe de IBM . Resultó ser algo muy sencillo una vez que lo pusimos en marcha, pero tuvimos que pasar por un proceso de "¿cómo se verá esto?" antes de obtener lo que queríamos.
—Jack Collis sobre el lenguaje de Alien Nation . [6]
Ciertas localizaciones ficticias de la película, como el Encounters Club, se filmaron en el Club Hollywood en Hollywood Boulevard . [6] El decorador de escenarios Jim Duffy, que estaba involucrado en la escena de baile exótico en el club, utilizó cortinas austriacas únicas para crear un diseño transparente para que la actriz Bevis, que interpretó al personaje de Cassandra, actuara con él. [6] Se construyeron áreas de decorados más pequeñas para el camerino de Cassandra, un par de oficinas y una gran sala de conferencias donde se desarrollaba el tráfico de drogas de Harcourt en los escenarios del estudio de cine. [6] Un decorado de parada de autobús de Van Nuys sirvió como puesto de tacos y burritos para la divertida escena entre Francisco y Sykes relacionada con la comida rápida cruda. [6] Algunas de las escenas de acrobacias que involucraban una secuencia de acción más adelante en la película se filmaron en un puerto en San Pedro . [6] Para ciertas escenas dentro de esa toma, el equipo de producción construyó su propio tanque de agua personalizado de 44 pies de largo y 22 pies de ancho. Dos motores sumergidos de 75 caballos de fuerza funcionaban para crear olas artificiales, mientras que máquinas de viento elevadas separadas trabajaban para crear el efecto de un helicóptero flotando sobre el agua. [6] Otras ubicaciones de filmación prácticas incluyeron Nichols Canyon Beach, la Academia de Policía de Los Ángeles y la estación de policía de York Street para los interiores. [6] Un bar llamado Monty's en el centro de Los Ángeles se utilizó para una escena que involucra al alienígena rudo interpretado por Brian Thompson. [6] El interior de la casa de Sykes se filmó en una casa cerca del estudio, mientras que una ubicación en Beverly Glen reemplazó a una iglesia en la escena final de la boda. [6] Algunos de los escenarios más elaborados utilizados ampliamente en la película fueron el Millennium Biltmore Hotel y una planta de Anheuser-Busch . [6] El villano alienígena Harcourt, es presentado en el hotel en la elitista Crystal Room. [6] La sección del vestíbulo del hotel con sus techos muy altos y su extenso complemento de motivos dorados, se utilizó en una escena de entrevista entre los personajes de Harcourt, Kipling y los detectives. Como alternativa, la planta de bebidas se utilizó como disfraz para una fábrica de petróleo. Las partes no utilizadas de la instalación que contenían tanques de acero se utilizaron como un fondo sombrío e interesante. [6] Se recreó un laboratorio de metano con tubos translúcidos que lo atravesaban, como si se estuvieran refinando drogas. [6] También se crearon ciertos efectos visuales de humo para copiar el aspecto de una refinería de petróleo. [6]
Según el guion del escritor Rockne S. O'Bannon , Alien Nation se llamó originalmente Future Tense . La película tomó parte de su concepto de la serie de televisión In the Heat of the Night , con elementos de ciencia ficción integrados en la trama. [3] Durante la producción, la película tuvo un título provisional llamado Outer Heat , que esencialmente era una amalgama de In the Heat of the Night y una serie de televisión de ciencia ficción de los años 60, The Outer Limits . [3] Jack Collis enfatizó que la película no era una "épica espacial" , sino más bien una película de acción. [6] Admitió: "Construimos una nave espacial, pero es algo simple que ves en un monitor de televisión que describe el aterrizaje de los extraterrestres hace varios años, antes de que se asimilaran a nuestra sociedad. Nos da un trasfondo pero no muchos detalles ...". [6] Collis señaló que la película incluso "recordaba el trabajo que hice en Cocoon ". [6] En realidad, un borrador anterior de la película fue escrito por el director James Cameron en 1987, pero su nombre, sin embargo, no fue acreditado en el corte final de la película. [7] Una de las falacias del guion fue que los funcionarios de inmigración se quedaron sin nombres para los 300.000 extranjeros y comenzaron a nombrarlos con apelativos familiares del pasado. El nombre original del actor Mandy Patinkin para su personaje iba a ser George Jetson . [5] Sin embargo, tres días antes del inicio del rodaje, Hanna-Barbera no permitió que se usara el nombre. [5] Expresando su decepción, Patinkin dijo: "Supuse que el nombre del personaje que acepté interpretar era George Jetson. Y estaba bastante cabreado porque hubo un error y que no se pudiera usar el nombre". [5] Continuó diciendo: "Pensé que hizo una gran diferencia en la pieza que el nombre del tipo fuera George Jetson porque le daba una sensación de dibujos animados, una inocencia que era importante para toda la idea de la película. Es una gran pérdida para la pieza que no pudimos recuperar, una gran desgracia que no se pudo resolver. Hubiera ayudado mucho". [5] En referencia al personaje de dibujos animados, los productores dejarían el nombre "George" como sustituto. [5] Patinkin agregó: "Todo en el guión es Jetson, todo en el maquillaje está etiquetado como Jetson, siempre nos referimos a él como Jetson. Ni siquiera George, sino Jetson .. Entonces, en nuestras mentes, él es George Jetson. Así que, en lo que a mí respecta, cualquiera que vea la película, está viendo a George Jetson sin importar cómo diablos lo llamen". [5] Para entender su papel de oficial de policía, Patinkin pasó dos semanas con el Departamento de Policía de la Ciudad de Nueva York . [5] Tomó su curso de capacitación, se unió a ellos en la patrulla y pasó tiempo con ellos en el campo de tiro. [5] Al comentar sobre el desarrollo del personaje de Francisco, dijo: "Es uno de los mejores trabajos que la gente de su raza ha adquirido. Se siente muy orgulloso del hecho de que puede ser policía". [5] En 2013, cuando se le preguntó sobre su papel en la película, Caan respondió inicialmente: "¿Por qué mencionaste eso?" antes de afirmar: "Sí, bueno, no lo sé. No tengo demasiados ... [Vacila.] Quiero decir, amaba a Mandy Patinkin. Mandy era un alboroto. Pero ... no sé. "Fueron muchas tonterías, creativamente hablando. Y teníamos a un director inglés que no me gustaba mucho. Quiero decir, era un buen tipo, pero... era una de esas cosas en las que, ya sabes, no te rindes, sigues adelante. Ciertamente no fue una de... No la calificaría como una de mis películas favoritas. Pero fue bastante popular". [8]
El director de fotografía Adam Greenberg, cuyos créditos cinematográficos anteriores incluyen Tres hombres y un bebé , La Bamba y Casi anochecer , abordó la película con una técnica única de estilo documental. [4] Al comentar sobre las pruebas de iluminación fotográfica iniciales, Greenberg remarcó: "Las primeras fueron un desastre. No se veían bien en absoluto. No sabía cómo fotografiar a estos extraterrestres. Era la primera vez que tenía que lidiar con este tipo de cosas. Pero tengo buen ojo y aprendí de estas pruebas". [4] En el Hotel Biltmore, surgió una situación peculiar en la que los techos eran simplemente demasiado altos para el equipo de iluminación estándar. La tripulación ideó una idea ingeniosa: enviar de seis a ocho globos meteorológicos y hacer que la luz artificial rebotara en ellos para crear el ambiente de iluminación adecuado. [6] Greenberg comentó: "Quería que ese lugar tuviera un aspecto muy rico, dorado y muy cálido. En la historia, es muy tarde después de una gran fiesta. No buscaba ningún efecto especial, solo una luz agradable de las lámparas en las mesas. El problema era que la gerencia del hotel no nos dejaba colgar nada del techo. En la preproducción nos habían dicho que podíamos colgar luces, pero no les creí. Los techos allí son muy altos y muy hermosos". [4]
Los extraterrestres no eran muy diferentes de los humanos, y una iluminación o un ángulo de cámara incorrectos podrían delatar defectos en el maquillaje.
—Adam Greenberg [4]
En cuanto a las interacciones entre los personajes, Greenberg señaló que había "mucho diálogo entre Jimmy y Mandy en el coche. Usamos muchos soportes para el coche. Iluminaba al extraterrestre para que se viera bien, pero si pasaba por una sombra mientras iba por la calle se podían ver todas las costuras de su maquillaje. Así que a veces tenía que bloquear todas las calles con papel negro". Los extraterrestres no eran demasiado diferentes de los humanos, y una iluminación o un ángulo de cámara incorrectos podían revelar las costuras del maquillaje. En un intento de identificar a los extraterrestres con un aspecto único, Greenberg eligió un color azul profundo para la filmación. Dijo: "Terminamos con un azul muy profundo, fuerte, una especie de azul claro de luna. Intentamos hacer que todas las escenas de la película que parecieran ser sus lugares se vieran muy favorecidas por este color azul profundo. El Club de Encuentros fue uno de esos lugares". Greenberg utilizó cámaras Arriflex y lentes Zeiss junto con material Fuji . Al comentar sobre el grano de la película, dijo: "Descubrí a partir de las pruebas que es mejor para mí utilizar Fuji. Una vez que la película se amplía a 70 mm, el grano se destaca más y Fuji tiene un grano más pequeño que Kodak . Puedo controlar el contraste con la luz, pero tengo que vivir con el grano". Al hacer uso de varias cámaras, Greenberg señaló: "Fotográficamente, por supuesto, una cámara es lo mejor. Pero como cineasta, y porque quiero que la película sea un éxito, me doy cuenta de que la fotografía no es lo más importante. La película completa es lo más importante. Por lo tanto, en la preproducción, yo era el que presionaba al director para que siempre filmara con dos o tres cámaras". [4]
Greenberg tuvo que hacer frente a numerosos retos en materia de iluminación, ya que la mayor parte de la película transcurría de noche. Una de las técnicas de iluminación más sencillas que empleó Greenberg fue utilizar los faros de un coche para crear una escena de terror de forma dramática. Greenberg explicó: "Teníamos una escena en la playa de Zuma en la que los malos arrastran a alguien hacia el océano. Quería conseguir un aspecto muy duro, pero muy natural y fuerte. Así que utilicé los faros de un coche. Fue agradable porque todo lo que había detrás de los villanos se sumió en la oscuridad. Tenía un aspecto surrealista". Greenberg también comentó que había tenido una estrecha relación de trabajo con el laboratorio DeLuxe para conseguir el color correcto para el extenso rodaje nocturno de la película, diciendo sin rodeos: "En una película como ésta quería que los negros fueran muy negros, así que trabajé en estrecha colaboración con el laboratorio DeLuxe ...". Sintió que los desafíos diarios del rodaje nocturno realzaban visiblemente el atractivo de Alien Nation al mencionar en sentido figurado: "como camarógrafo, puedes crear mucho más de noche. A veces tienes que sentir tu camino. También tienes un verdadero control de noche. Si una luz está encendida es porque la encendiste". [4]
La banda sonora de la película fue compuesta originalmente por Jerry Goldsmith , pero luego rechazada a favor de la música compuesta por Curt Sobel. [9] Sin embargo, la banda sonora de Goldsmith se utilizó para el tráiler teatral de la película. [10] Los artistas musicales Smokey Robinson , The Beach Boys , Michael Bolton , Mick Jagger y David Bowie , entre otros, contribuyeron con canciones que aparecen en la película. Al final de la película, la canción principal "Indestructable" para los personajes de Sykes y Francisco fue presentada por The Four Tops . [7] La banda sonora de audio en formato de disco compacto compuesta por Sobel nunca se lanzó oficialmente, pero una edición limitada de la banda sonora original compuesta inicialmente por Goldsmith con 18 pistas, se lanzó en 2005. La banda sonora fue completamente sintetizada y limitada a 3000 copias. La melodía que aparece en toda la película grabada por Goldsmith, fue compuesta originalmente para la película Wall Street . Después de ser rechazada tanto para ese proyecto cinematográfico como más tarde para Alien Nation , la banda sonora se usó en la película de 1990 The Russia House . [10] Los efectos de sonido de la película fueron supervisados por Mark Mangini . La mezcla de los elementos de sonido estuvo a cargo de David MacMillan y Charles Wilborn. [7]
La película se estrenó en los cines el 7 de octubre de 1988. En su distribución más amplia en los EE. UU., La película se proyectó en 1436 salas y recaudó $ 8421429, con un promedio de $ 5889 en ingresos por sala en su primer fin de semana. Durante ese primer fin de semana de estreno, la película se estrenó en primer lugar superando a las películas The Accused y Punchline . [11] Los ingresos de la película cayeron un 49% en su segunda semana de estreno, recaudando $ 4252252. [12] En el mes de noviembre, durante su último fin de semana de exhibición en los cines, la película salió en el décimo lugar recaudando $ 1306849. [13] La película llegó a su punto máximo a nivel nacional con $ 25 216 243 en ventas totales de entradas a través de una carrera en cines de 5 semanas. A nivel internacional, la película recaudó $6,938,804 adicionales en taquilla para un total combinado de $32,155,047. [14] Para 1988 en su conjunto, la película se ubicaría acumulativamente en una posición de desempeño de taquilla de 41. [15]
Alien Nation fue lanzada en VHS por CBS/Fox Video en 1989. [16] Una versión VHS de la película actualmente disponible fue lanzada originalmente el 10 de septiembre de 1996. [17] La edición de pantalla ancha de la película con código de región 1 fue lanzada en DVD en los Estados Unidos el 27 de marzo de 2001 e incluye un Featurette lleno de narrativa y entrevistas, un clip detrás de escena con el director Graham Baker, un especial de anuncios de televisión, el tráiler teatral y los tráilers teatrales de Fox Flix para The Abyss , Aliens , Enemy Mine , Independence Day y Zardoz . [18] Actualmente, no hay una fecha exacta establecida para un futuro lanzamiento en Blu-ray Disc en EE. UU. para la película. La película fue lanzada en Blu-ray en Australia en abril de 2016 y en Europa (Región B bloqueada) en marzo de 2017. [19]
La película recibió críticas mixtas de los críticos. Rotten Tomatoes informó que el 53% de los 32 críticos encuestados le dieron a la película una crítica positiva, con una puntuación media de 5,4 sobre 10. [20] En Metacritic , que asigna una media ponderada de 100 a las críticas de los críticos, Alien Nation recibió una puntuación de 45 basada en 10 críticas. [21]
Entre los críticos, Roger Ebert del Chicago Sun Times le dio dos estrellas a la película en una reseña mayoritariamente negativa, diciendo que la película carecía de un tema de ciencia ficción y se parecía más a una película de venganza policial por asesinato, reflexionando "simplemente tomaron la rutina estándar de policía-compañero-capo de la droga y cambiaron algo del maquillaje. Los recién llegados no tienen sorpresas". Con respecto a la cultura alienígena ficticia, expresó su decepción diciendo que "se hace un débil intento de invertir el interés de los recién llegados, al hacer que se emborrachen con leche agria en lugar de alcohol, y privándolos de cualquier sentido del humor". Sin embargo, en una nota ligeramente elogiosa, Ebert mencionó que "el maquillaje se esforzó, la fotografía se ve bien, el elenco y los créditos técnicos son de primera". Pero en general, lo resumió declarando que " Alien Nation parece una película hecha por personas que han visto muchas películas, pero no creo que el público las haya visto". [22] En acuerdo con Ebert sobre la originalidad del género de policías compañeros con los extraterrestres insertados como una nueva versión, Rita Kempley del Washington Post dijo: " Alien Nation quiere ser En el calor de la noche como ciencia ficción, pero no es ni moralmente instructiva ni profética. Demuestra una torpe combinación de acción y ciencia ficción que aleja a ambos públicos. Es demasiado aburrida para uno y demasiado tonta para el otro". Sin embargo, Kempley encontró que la primera media hora era de suspenso: "... bien rítmica, vigorosa e intensa, parece hecha por otro director. Pero el resto es el equivalente cinematográfico de espárragos recocidos". [23] Sin embargo, el personal más entusiasta de Variety encontró originalidad en la trama con elementos extraterrestres, diciendo: "Las sólidas actuaciones de los protagonistas James Caan y su compañera policía humanoide Mandy Patinkin llevan esta producción más allá de los efectos especiales, el ingenioso maquillaje alienígena y las persecuciones de autos", al tiempo que también agregó que la película era un "convincente drama humano-humanoide". [24]
La película es simplemente un fracaso de imaginación. Nadie miró el guión y se dio cuenta de que no se esforzaba lo suficiente, que no tenía sorpresas, que no intentaba deleitar a su público con giros y vueltas en la trama improvisada.
—Roger Ebert, escribiendo para el Chicago Sun-Times [22]
Otra crítica positiva centrada en los elementos de ciencia ficción de la película fue la de Janet Maslin , del New York Times . Elogió el tema diciendo: " Alien Nation tiene la mejor idea de ciencia ficción de este lado de Terminator ". Sin embargo, Maslin admitió rápidamente que la película "se asienta, con notable facilidad, en la rutina de una película de amigos de dos policías, extraterrestres y todo. Matthew y Sam (a quien Matthew se niega a dirigirse de esa manera, rebautizándolo como George) pasan por todas las etapas familiares de forjar una amistad entre socios: antipatía fría, intercambios de insultos, creciente respeto mutuo en el trabajo y, finalmente, una borrachera que dura toda la noche para solidificar su compañerismo". [25] En un frente negativo, el autor Jay Carr de The Boston Globe comentó sobre la actuación de James Caan, viéndolo como "que parecía un Paul Newman que salió mal, ..." Continuó, afirmando además que "el aire de iluminación de la película es solo maquillaje profundo. Y aunque Alien Nation no es más inteligente que, digamos, Lethal Weapon , no tiene la energía o el nivel de sacudida sensorial que proporciona Lethal Weapon ". [26] Otros críticos como Gene Siskel reconocieron las similitudes entre otras películas de suspenso policial, pero aún así encontraron que la película era una "versión genuinamente entretenida de esa vieja y confiable; una película de amigos policías con dos detectives muy diferentes". Explicó: "Ahora bien, este es un ejemplo de cómo se puede dar un giro agradable a una historia familiar, y funcionará si ha sido completamente escrita. Caan y Patinkin tienen personajes especiales para interpretar". Obligado por la actuación, sintió que "la combinación de amigos aquí funcionó para mí". Finalmente le dio a la película una crítica de "pulgar hacia arriba". [27] El autor NF de la revista TimeOut no se mostró tan impresionado con la película , calificándola de "digna, predecible y aburrida". Un resumen de la negatividad fue: "Si se hubiera interpretado con fuerza y rapidez, la película podría haber funcionado, pero la decisión de suavizar la violencia simplemente enfatiza la obviedad de la liberalidad en la consecución de puntos (los paralelismos con los refugiados vietnamitas o nicaragüenses son tan superficiales que resultan groseros)". [28] El crítico Leonard Maltin se refirió a la película como "un gran concepto que no da los resultados esperados". Pero en un dejo de elogio, remarcó cómo la película contiene "muchos toques inteligentes y actuaciones fabulosas de Caan y Patinkin". [29]
La película ganó el Premio Saturn a la Mejor Película de Ciencia Ficción de 1988, [30] y recibió dos nominaciones Saturn a Mejor Actor de Reparto para Mandy Patinkin, así como a Mejor Maquillaje para John M. Elliott Jr. y Stan Winston . La película también recibió otras dos nominaciones, entre ellas a Mejor Presentación Dramática de los Premios Hugo [31] y Mejor Película para Graham Baker de los Premios Internacionales de Cine Fantástico Fantasporto . [32]
Al año siguiente del estreno de la película, el concepto de la trama extraterrestre se utilizó como base para una serie de televisión del mismo nombre. El programa intentó alejarse de la premisa " Buddy Cop " de la película original y ahondar más en la cultura y las características distintivas de los extraterrestres. Estrenada el 18 de septiembre de 1989, la serie emitió 22 episodios y duró una sola temporada, que finalizó el 7 de mayo de 1990. [33] Gary Graham interpretó el papel principal de Matt Sikes, mientras que Eric Pierpoint fue elegido para interpretar al personaje del recién llegado tenctonés George Francisco. Los papeles de actores secundarios fueron interpretados por Michele Scarabelli , Lauren Woodland y Sean Six . [34] Los directores que contribuyeron a varios episodios incluyeron a Harry Longstreet, Stan Lathan , Lyndon Chubbuck y Kenneth Johnson . Los créditos de escritura fueron asignados a Steve Mitchell, Kenneth Van Sickle y Kenneth Johnson, entre otros. [35]
Tras la desaparición de la serie de televisión en 1990, se idearon planes para continuar la popularidad del concepto en torno a la raza de los recién llegados a través de una serie de películas de televisión . El 25 de octubre de 1994 se estrenó la primera de las cinco secuelas titulada Alien Nation: Dark Horizon , con una trama que rodeaba a un recién llegado distinto que llega a la Tierra intentando atraer a los extraterrestres de nuevo a una vida de esclavitud. La película fue escrita sobre un guion concebido por Andrew Schneider y Diane Frolov . [36] Alien Nation: Body and Soul siguió el 10 de octubre de 1995, con una historia que gira en torno a un experimento médico de esclavitud que involucra a un niño que parece ser parte humano y parte recién llegado. Una trama secundaria también involucra al personaje de Sikes y una mujer tenctonesa que explora una relación. Harry y Renee Longstreet fueron acreditados como escritores de la historia. [37] La franquicia vio dos secuelas más en 1996. Alien Nation: Millennium se estrenó el 2 de enero de 1996 y trataba sobre un culto misterioso que usa artefactos alienígenas que alteran la mente para atraer a los seguidores de los recién llegados a un escenario apocalíptico. La trama de la película estaba vinculada a uno de los episodios de televisión titulado: Generation to Generation que se estrenó el 29 de enero de 1990. [38] Alien Nation: The Enemy Within se emitió el 12 de noviembre de 1996 y giraba en torno a una historia en la que los detectives intentan salvar su ciudad de una amenaza alienígena que se origina en una instalación de eliminación de residuos. El racismo fue un tema clave que encontró el personaje de Francisco. [38] La quinta y última secuela apareció el 29 de julio de 1997. Alien Nation: The Udara Legacy , encuentra a los detectives tratando de detener a un grupo de resistencia entre los recién llegados que intenta adoctrinar a los que están entre ellos para causar caos. Una trama secundaria involucró al joven Newcomer Buck , interpretado por el actor Sean Six, alistándose para convertirse en oficial de policía. [38] Todas las secuelas de la serie fueron dirigidas por el productor Kenneth Johnson . [39]
Entre 1990 y 1992, Malibu Comics imprimió varias adaptaciones de cómics.
En 1993, Pocket Books , una división de Simon & Schuster , publicó una serie de novelas, que incluía Day of Descent de Judith y Garfield Reeves-Stevens , [40] Body and Soul de Peter David , [41] junto con The Change de Barry B. Longyear [42] y Slag Like Me . [43]
El 25 de marzo de 2015, Fox anunció una nueva versión con Art Marcum y Matt Holloway como guionistas. [44] El 9 de septiembre de 2016, Deadline informó que Jeff Nichols escribiría y dirigiría la película. [45] Sin embargo, la película fue suspendida posteriormente. [46] El 25 de enero de 2021, se anunció que Nichols haría una nueva versión de la película como una serie de televisión de diez partes. [47] [48]
Los realizadores desperdiciaron aún más la contribución del miembro más ilustre de toda la producción cuando la banda sonora original de Jerry Goldsmith fue reemplazada insondablemente por un trabajo completamente poco memorable de Curt Sobel, un excelente editor musical cuyo único crédito previo como compositor fue en la película de Matt Dillon de 1984
The Flamingo Kid
. El proceso de pensamiento detrás de tal movimiento es abrumador. Irónicamente, la banda sonora de Goldsmith se utilizó en el tráiler de la película y el efecto es notablemente energizante.
