Louise Nevelson (23 de septiembre de 1899 - 17 de abril de 1988) fue una escultora estadounidense conocida por sus monumentales piezas monocromáticas de madera para paredes y esculturas al aire libre. Nacida en la Gobernación de Poltava del Imperio ruso (actual Óblast de Kiev , Ucrania ), emigró con su familia a los Estados Unidos a principios del siglo XX. Nevelson aprendió inglés en la escuela, ya que hablaba yiddish en casa.
A principios de la década de 1930 asistía a clases de arte en la Art Students League de Nueva York y en 1941 tuvo su primera exposición individual. Nevelson experimentó con el arte conceptual temprano utilizando objetos encontrados y experimentó con la pintura y la impresión antes de dedicar su trabajo de toda la vida a la escultura. Generalmente creadas en madera, sus esculturas parecen rompecabezas, con múltiples piezas intrincadamente cortadas colocadas en esculturas de pared o piezas independientes, a menudo en 3D. Las esculturas suelen estar pintadas en blanco o negro monocromáticos. [5]
Figura destacada de la escena artística internacional, Nevelson participó en la 31ª Bienal de Venecia . Su obra ha formado parte de colecciones de museos y empresas de Europa y Norteamérica. Nevelson sigue siendo una de las figuras más importantes de la escultura estadounidense del siglo XX.
Louise Nevelson nació como Leah Berliawsky en 1899 en Pereiaslav , Gobernación de Poltava , Imperio ruso , hija de Minna [4] [6] Sadie [7] e Isaac Berliawsky, [4] un contratista y comerciante de madera . [7] Aunque la familia vivía cómodamente, los parientes de Nevelson habían comenzado a abandonar el Imperio ruso hacia Estados Unidos en la década de 1880.
Los Berliawsky tuvieron que quedarse, ya que Isaac, el hermano menor, tuvo que cuidar de sus padres. Mientras aún estaba en Europa, Minna dio a luz a dos de los hermanos de Nevelson: Nathan (nacido en 1898) y Anita (nacida en 1902). [8] Cuando murió su madre, [8] Isaac se mudó a los Estados Unidos en 1902. [7] Después de irse, Minna y los niños se mudaron a la zona de Kiev . Según la tradición familiar, la joven Nevelson estaba tan triste por la partida de su padre que se quedó muda durante seis meses. [8]
En 1905, Minna y los niños emigraron a los Estados Unidos, donde se unieron a Isaac en Rockland, Maine . [4] Isaac inicialmente luchó por establecerse allí, sufriendo de depresión mientras la familia se instalaba en su nuevo hogar. Trabajó como leñador antes de abrir un depósito de chatarra. [8] Su trabajo como leñador hizo que la madera fuera una presencia constante en el hogar familiar, un material que ocuparía un lugar destacado en el trabajo de Nevelson. [9] Finalmente, se convirtió en un exitoso propietario de un almacén de madera y agente inmobiliario. [7] Otra niña, Lillian, nació en 1906. [8] Nevelson era muy cercana a su madre, que sufría de depresión, tal vez provocada por la migración de la familia desde Rusia y su condición de minoría como familia judía que vivía en Maine. Minna compensó esto excesivamente, vistiéndose a sí misma ya los niños con ropa "considerada sofisticada en el Viejo País". [8] Su madre vestía trajes extravagantes con mucho maquillaje; Nevelson describió la manera en que su madre "se vestía" como "un arte, su orgullo y su trabajo", y también la describió como alguien que debería haber vivido "en un palacio". [6]
La primera experiencia de Nevelson con el arte fue a la edad de nueve años en la Biblioteca Pública de Rockland , donde vio un molde de yeso de Juana de Arco . [10] Poco después decidió estudiar arte, tomando dibujo en la escuela secundaria, donde también se desempeñó como capitana de baloncesto. [4] [6] Pintó interiores con acuarela , en los que los muebles parecían de estructura molecular , bastante similar a su trabajo profesional posterior. Las figuras femeninas hacían apariciones frecuentes. En la escuela, practicaba su inglés, su segundo idioma, ya que en casa se hablaba yiddish . [6] [8] Insatisfecha con el estado económico de su familia, las diferencias lingüísticas, la discriminación religiosa de la comunidad y su escuela, Nevelson se propuso mudarse a la escuela secundaria en Nueva York. [11]
Se graduó de la escuela secundaria en 1918, [4] y comenzó a trabajar como taquígrafa en un bufete de abogados local. Allí conoció a Bernard Nevelson, copropietario con su hermano Charles de la Nevelson Brothers Company, una empresa naviera. Bernard le presentó a su hermano, y Charles y Louise Nevelson se casaron en junio de 1920 en una boda judía en el Copley Plaza Hotel en Boston. Habiendo satisfecho la esperanza de sus padres de que se casara con un miembro de una familia adinerada, ella y su nuevo esposo se mudaron a la ciudad de Nueva York, [11] donde comenzó a estudiar pintura, dibujo, canto, interpretación y baile. [7] También quedó embarazada, y en 1922 dio a luz a su hijo Myron (más tarde llamado Mike), que creció para ser escultor. [6] [7] Nevelson estudió arte, a pesar de la desaprobación de sus suegros. Ella comentó: "La familia de mi esposo era terriblemente refinada. Dentro de ese círculo podías conocer a Beethoven, pero Dios no lo quiera si eras Beethoven". [11]
En 1924, la familia se mudó a Mount Vernon, Nueva York , una popular zona judía del condado de Westchester . Nevelson estaba disgustada con la mudanza, que la alejó de la vida de la ciudad y de su entorno artístico. [11] Durante el invierno de 1932-1933 se separó de Charles, no queriendo convertirse en la esposa de la alta sociedad que él esperaba que fuera. [7] Nunca buscó el apoyo financiero [7] de Charles, y en 1941 la pareja se divorció. [4]
A partir de 1929, Nevelson estudió arte a tiempo completo en la Art Students League . [4] Nevelson atribuyó una exposición de kimono Noh en el Museo Metropolitano de Arte como catalizador para que ella estudiara más arte. [6] En 1931, envió a su hijo Mike a vivir con su familia y se fue a Europa, pagando el viaje vendiendo un brazalete de diamantes que su ahora exmarido le había regalado con motivo del nacimiento de Mike. [6] En Múnich estudió con Hans Hofmann [7] antes de visitar Italia y Francia. Al regresar a Nueva York en 1932, estudió una vez más en la Art Students League. Conoció a Diego Rivera en 1933 y trabajó como su asistente en su mural El hombre en la encrucijada en Rockefeller Plaza . Los dos tuvieron un romance que provocó una ruptura entre Nevelson y la esposa de Rivera, Frida Kahlo , una artista a la que Nevelson admiraba mucho. [6] Poco después, Nevelson comenzó a tomar clases de escultura en la Educational Alliance .
Nevelson continuó experimentando con otros medios artísticos, incluyendo la litografía y el grabado , pero decidió centrarse en la escultura. Sus primeras obras fueron creadas a partir de yeso, arcilla y tattistone. Durante la década de 1930, Nevelson comenzó a exhibir su trabajo en muestras grupales. En 1935, enseñó pintura mural en el Madison Square Boys and Girls Club en Brooklyn como parte de la Works Progress Administration (WPA). Trabajó para la WPA en las divisiones de pintura de caballete y escultura hasta 1939. [4] En 1936, Nevelson ganó su primer concurso de escultura en las ACA Galleries en Nueva York. [12] Durante varios años, la empobrecida Nevelson y su hijo caminaron por las calles recolectando leña para quemar en su chimenea. Esta leña sirvió como punto de partida para el arte que la hizo famosa. [6] Su trabajo durante la década de 1930 exploró la escultura, la pintura y el dibujo. Nevelson también creó dibujos en tinta y lápiz, animales semiabstractos de terracota y pinturas al óleo . [13]
En 1941, Nevelson realizó su primera exposición individual en la galería Nierendorf, que la representó hasta 1947. Durante su estancia en Nierendorf, Nevelson obtuvo una caja de lustrabotas de un lustrabotas local . Expuso la caja en el Museo de Arte Moderno , lo que le trajo la primera atención importante que recibió de la prensa. Un artículo sobre ella apareció en Art Digest en noviembre de 1943. [14] Ese año, Nevelson exhibió su trabajo en la muestra de Peggy Guggenheim Exhibition by 31 Women en la galería Art of This Century de Nueva York. [15]
En la década de 1940, comenzó a producir estudios de figuras cubistas en materiales como piedra, bronce , terracota y madera. En 1943, realizó una exposición en la Galería Norlyst llamada El payaso como centro de su mundo en la que construyó esculturas sobre el circo a partir de objetos encontrados . La muestra no fue bien recibida y Nevelson dejó de utilizar objetos encontrados hasta mediados de la década de 1950. [4] A pesar de la mala recepción, las obras de Nevelson en esta época exploraron tanto las abstracciones figurativas inspiradas en el cubismo [13] como la influencia explotadora y experimental del surrealismo . La década proporcionó a Nevelson los materiales, movimientos y experimentos de creación propia que moldearían su estilo modernista característico en la década de 1950. [16]
Durante la década de 1950, Nevelson exhibió su trabajo tan a menudo como pudo. Sin embargo, a pesar de los premios y la creciente popularidad entre los críticos de arte , continuó luchando económicamente. Comenzó a dar clases de escultura en programas de educación para adultos en el sistema de escuelas públicas de Great Neck . [4] Su propio trabajo comenzó a crecer hasta alcanzar un tamaño monumental, yendo más allá de las obras a escala humana de principios de la década de 1940. Nevelson también visitó América Latina y fue influenciada por las ruinas mayas y las estelas de Guatemala . [16] En 1954, la calle de Nevelson en Kips Bay estaba entre las programadas para ser demolidas y reurbanizadas, y su creciente uso de materiales de desecho en los años siguientes se basó en la basura que dejaban en las calles sus vecinos desalojados. [17] En 1955, Nevelson se unió a la Grand Central Modern Gallery de Colette Roberts, donde tuvo numerosas exposiciones individuales.
Allí expuso algunas de sus obras más notables de mediados de siglo: Bride of the Black Moon , First Personage y la exposición "Moon Garden + One", que mostró su primera pieza de pared, Sky Cathedral , en 1958. De 1957 a 1958, fue presidenta del Capítulo de Nueva York de Artists' Equity, donde forjó una larga amistad y defensa [18] con Norman Carton , expresidente de Artist Equity de Filadelfia. En 1958, Carton ayudó a Nevelson a unirse a Martha Jackson Gallery , donde trabajó y expuso. [19] En Martha Jackson, se le garantizaron ingresos y se volvió económicamente segura. Ese año, fue fotografiada y apareció en la portada de Life [20] y tuvo su primera exhibición individual con Martha Jackson.
En 1960, realizó su primera exposición individual en Europa en la Galerie Daniel Cordier de París. Más tarde ese año, una colección de su trabajo, agrupada como "Dawn's Wedding Feast", se incluyó en la exposición colectiva "Sixteen Americans", en el Museo de Arte Moderno. En 1962, realizó su primera venta a un museo al Museo Whitney de Arte Estadounidense , que compró la pared negra Young Shadows . Ese mismo año, su trabajo fue seleccionado para la 31.ª Bienal de Venecia y se convirtió en presidenta nacional de Artists' Equity , cargo que ocupó hasta 1964. [4]
En 1962 dejó la Martha Jackson Gallery para trabajar brevemente en la Sidney Janis Gallery . Después de una primera muestra sin éxito en la que no se vendió ninguna de sus obras, Nevelson tuvo una pelea con el dueño de la galería, Janis, por las sumas que le había adelantado y que no pudo recuperar. Nevelson y Janis entraron en una batalla legal polémica que dejó a Nevelson arruinada, deprimida y en riesgo de quedarse sin hogar. [21] Sin embargo, en ese momento a Nevelson le ofrecieron una beca de artista financiada de seis semanas en Tamarind Lithography Workshop (ahora Tamarind Institute ) en Los Ángeles, lo que le permitió escapar del drama de la ciudad de Nueva York. Ella explicó: "Normalmente no habría ido. No me importaba tanto la idea de las impresiones en ese momento, pero necesitaba desesperadamente salir de la ciudad y todos mis gastos estaban pagados". [22]
En Tamarind, Nevelson realizó veintiséis litografías, convirtiéndose en la artista más productiva en completar la beca hasta ese momento. Las litografías que creó fueron algunos de sus trabajos gráficos más creativos, utilizando materiales no convencionales como estopilla, encaje y textiles sobre la piedra litográfica para crear interesantes efectos de textura. [23] Con una nueva inspiración creativa y fondos renovados, Nevelson regresó a Nueva York. Se unió a la Galería Pace en el otoño de 1963, donde realizó exposiciones regularmente hasta el final de su carrera. En 1967, el Museo Whitney albergó la primera retrospectiva del trabajo de Nevelson, mostrando más de cien piezas, incluidos dibujos de la década de 1930 y esculturas contemporáneas. [4] En 1964, creó dos obras: Homenaje a 6.000.000 I y Homenaje a 6.000.000 II como tributo a las víctimas del Holocausto . [24] Nevelson contrató a varios asistentes a lo largo de los años, entre ellos Diana MacKown . Para ese momento, Nevelson ya había consolidado su éxito comercial y crítico. [4]
Nevelson continuó utilizando madera en sus esculturas, pero también experimentó con otros materiales como el aluminio, el plástico y el metal. Black Zag X de 1969, en la colección del Museo de Arte de Honolulu , es un ejemplo de los ensamblajes completamente negros de la artista que incorporan el plástico Formica . En el otoño de 1969, la Universidad de Princeton le encargó que creara su primera escultura al aire libre . [4] Después de completar sus primeras esculturas al aire libre, Nevelson declaró: "Recuerde, tenía poco más de setenta años cuando entré en la escultura monumental al aire libre ... Había atravesado los recintos de madera. Había atravesado las sombras. Había atravesado los recintos y había salido al aire libre". Nevelson también elogió nuevos materiales como el plexiglás y el acero corten , que describió como una "bendición". [25]
Ella abrazó la idea de que sus obras pudieran soportar el cambio climático y la libertad de ir más allá de las limitaciones de tamaño. Estas obras de arte públicas fueron creadas por la Fundición Lippincott. Los encargos de arte público de Nevelson fueron un éxito monetario, pero la historiadora de arte Brooke Kamin Rapaport afirmó que el "gesto intuitivo" de Nevelson no es evidente en las grandes obras de acero. [25] A pesar de eso, Nevelson recibió la Medalla Edward MacDowell en 1969. [1] [2] [3]
Entre 1972 y 1973, creó sus esculturas Dream Houses , compuestas por pequeños trozos de madera ensamblados en forma de casas y pintados de negro, como es característico de ella [26] . Las obras se diferencian de muchas de sus piezas en que son completamente tridimensionales en lugar de presentar una única fachada, aunque cada fachada es reconocible como una obra de Nevelson. [26]
En 1973, el Walker Art Center organizó una importante exposición de su obra, que viajó durante dos años. En 1975, diseñó la capilla de la Iglesia Luterana de San Pedro en Midtown Manhattan . [4] Cuando se le preguntó sobre su papel como artista judía que crea arte con temática cristiana, Nevelson afirmó que su trabajo abstracto trascendía las barreras religiosas. [24] También en 1975, creó e instaló una gran escultura de madera titulada Bicentennial Dawn en el nuevo Palacio de Justicia de los Estados Unidos James A. Byrne en Filadelfia . [27] [28]
Durante la última mitad de su vida, Nevelson consolidó su fama y su personalidad cultivando un estilo propio de "pequeña pero extravagante" [29] que contribuyó a su legado: vestidos dramáticos, bufandas y grandes pestañas postizas . [30] Cuando Alice Neel le preguntó a Nevelson cómo se vestía tan hermosamente, Nevelson respondió "Joder, querida, joder", en referencia a su estilo de vida sexualmente liberado . El diseñador Arnold Scaasi creó muchas de sus prendas. [6]
Nevelson murió el 17 de abril de 1988. [4]
En el momento de su muerte en 1995, su amigo Willy Eisenhart estaba trabajando en un libro sobre Nevelson. [31] [32]
Cuando Nevelson estaba desarrollando su estilo, muchos de sus colegas artistas soldaban metal para crear esculturas a gran escala. Nevelson decidió ir en la dirección opuesta explorando las calles en busca de inspiración y encontrándola en la madera. [20] Las esculturas más notables de Nevelson son sus relieves de madera, similares a paredes, impulsados por collages que consisten en múltiples cajas y compartimentos que contienen formas abstractas y objetos encontrados , desde patas de sillas hasta balaustres . [33] Nevelson describió estas esculturas inmersivas como "ambientes". [34] Las piezas de madera también eran restos desechados, piezas encontradas en las calles de Nueva York. [35]
Nevelson tomó objetos que encontró y los pintó con aerosol para disfrazar su función o significado real. [16] Nevelson se llamó a sí misma "la recicladora original " debido a su amplio uso de objetos descartados. Encontró una fuerte influencia en el cubismo, describiéndolo como "una de las mayores conciencias a las que la mente humana haya llegado jamás". [13] También encontró influencia en el arte nativo americano y maya , los sueños, el cosmos y los arquetipos . [6] Además, Nevelson se inspiró en la obra de Joaquín Torres García , un artista uruguayo que "en los Estados Unidos probablemente fue subestimado precisamente porque fue tan influyente; la deuda de Adolph Gottlieb y Louise Nevelson con su obra nunca ha sido plenamente reconocida". [36]
La paleta limitada de blanco y negro de Nevelson se volvió central. [13] Pintó con aerosol [35] sus paredes de negro hasta 1959. [33] Nevelson afirmó que el negro "significa totalidad. Significa: contiene todo. Contenía todos los colores. No era una negación del color. Era una aceptación. Porque el negro abarca todos los colores. El negro es el color más aristocrático de todos. El único color aristocrático... He visto cosas que se transformaron en negro y adquirieron grandeza. No quiero usar una palabra menor". [6] En la década de 1960, comenzó a incorporar el blanco y el dorado en sus obras. [33]
Nevelson dijo que el blanco era el color que "evocaba la madrugada y la promesa emocional". [ cita requerida ] Describió su etapa dorada como la " etapa barroca ", inspirada por el hecho de que cuando era niña le habían dicho que las calles de Estados Unidos estaban "pavimentadas con oro" y por el materialismo y el hedonismo del color, el Sol y la Luna. Nevelson investigó las túnicas Noh y las colecciones de monedas de oro del Museo Metropolitano de Arte en busca de inspiración. [37]
A través de su trabajo, Nevelson a menudo exploró su complicado pasado, su presente faccioso y su futuro anticipado. [35] Un símbolo común que aparece en el trabajo de Nevelson es la novia, como se ve en Bride of the Black Moon (1955). Esto hace referencia a su escape del matrimonio en su vida temprana, así como a su independencia a lo largo de su vida. [38] Sus obras Sky Cathedral a menudo tardaron años en crearse; Sky Cathedral: Night Wall , en la colección del Museo de Arte de Columbus , tardó 13 años en construirse en su estudio de la ciudad de Nueva York. Sobre la serie Sky Cathedral , Nevelson comentó: "Este es el Universo, las estrellas, la luna, y tú y yo, todos". [33]
El trabajo de Nevelson se ha exhibido en muchas galerías estadounidenses, incluidas la Galería Anita Shapolsky , la Galería Woodward y la Galería Pace en la ciudad de Nueva York y la Galería Margot en Lake Worth, Florida. [39] [40] [41]
Su obra está incluida en colecciones de museos de todo el mundo como el Pérez Art Museum de Miami , [42] [43] Florida; el Smithsonian American Art Museum , [44] Washington DC; el Tate , [45] Londres; el Whitney Museum of American Art , el Brooklyn Museum , el Museum of Modern Art, Nueva York ; [46] y el Guggenheim Museum . [47]
Nevelson ha sido descrita como "la primera mujer en ganar fama en los EE. UU. por su arte público". [48] En 1978, la ciudad de Nueva York encargó un jardín de esculturas, Louise Nevelson Plaza (anteriormente Legion Memorial Square), ubicado entre Maiden Lane , Liberty Street y William Street en el Bajo Manhattan , para exhibir algunas de sus esculturas a gran escala. Se convirtió en el primer espacio público en la ciudad de Nueva York en llevar el nombre de un artista. [49] Después de haber sufrido importantes alteraciones desde su inicio, incluido un rediseño completo de la plaza en 2007-2010, ahora está administrada por el Banco de la Reserva Federal de Nueva York . [7] En diciembre de 1978, Nevelson dedicó otra escultura pública en el Bajo Manhattan; titulada Sky Gate, New York, se instaló en el vestíbulo del entrepiso del 1 World Trade Center en el sitio opuesto al Distrito Financiero. [50]
Louise Nevelson construyó sus esculturas de la misma manera que construyó su pasado: moldeando cada una de ellas con su legendario sentido de sí misma mientras creaba una iconografía extraordinaria a través de medios abstractos.
— El Museo Judío, 2007 [35]
Entre 1966 y 1979, Nevelson donó sus documentos a numerosas instituciones sin fines de lucro en varias entregas. Ahora, estos están completamente digitalizados y en la colección de los Archivos de Arte Americano . [4] El Museo de Arte Farnsworth en Rockland, Maine alberga la segunda colección más grande de sus obras, incluidas las joyas que diseñó. [10] En 2000, el Servicio Postal de los Estados Unidos lanzó una serie de sellos postales conmemorativos en honor de Nevelson. [51]
Al año siguiente, su amigo y dramaturgo Edward Albee escribió la obra Occupant como homenaje al escultor. La obra se estrenó en Nueva York en 2002 con Anne Bancroft interpretando a Nevelson, pero debido a la enfermedad de Bancroft nunca pasó de los preestrenos. El Theater J de Washington DC montó una reposición en noviembre de 2019. [52] La imagen distintiva y excéntrica de Nevelson ha sido documentada por muchos fotógrafos célebres. [6] Nevelson figura en el Heritage Floor, entre otras mujeres famosas, en la obra maestra de Judy Chicago de 1974-1979 The Dinner Party . [53]
Cuando Nevelson murió, su patrimonio valía al menos 100 millones de dólares. Su hijo Mike sacó 36 esculturas de su casa. La documentación mostraba que Nevelson había legado estas obras (valoradas en millones) a su amiga y asistente durante 25 años, Diana MacKown . [54] [55]
En 2005, Maria Nevelson, la nieta más joven, creó la Fundación Louise Nevelson, una organización sin fines de lucro 501c(3). Su misión es educar al público y celebrar la vida y la obra de Louise Nevelson, promoviendo así su legado y su lugar en la historia del arte estadounidense. Maria Nevelson da conferencias sobre su abuela en museos y brinda servicios de investigación.
No soy feminista, soy una artista que es mujer.
—Louise Nevelson [11]
Louise Nevelson ha sido una pieza clave en el movimiento artístico feminista . A ella se le atribuye haber impulsado el análisis de la feminidad en el arte, y desafió la visión de qué tipo de arte crearían las mujeres con sus obras de arte oscuras, monumentales y totémicas que los historiadores del arte han considerado masculinas . [30] Nevelson creía que el arte reflejaba al individuo, no "etiquetas masculino-femeninas", y eligió asumir su papel de artista, no de artista femenina. [56] Las reseñas de las obras de Nevelson en la década de 1940 la descartaron como una simple artista mujer. Un crítico de su exposición de 1941 en la galería Nierendorf afirmó: "Nos dimos cuenta de que la artista es una mujer a tiempo de frenar nuestro entusiasmo. Si hubiera sido de otra manera, podríamos haber aclamado estas expresiones escultóricas como, sin duda, una gran figura entre los modernos". [ cita requerida ] Otra reseña mostró un sexismo similar : "Nevelson es escultora; proviene de Portland, Maine. Negarás ambos hechos e incluso podrías insistir en que Nevelson es un hombre, cuando veas sus Portraits in Paint , que se exhiben este mes en la Galería Nierendorf". [57]
La obra de Mary Beth Edelson Some Living American Women Artists / Last Supper (1972) se apropió de La última cena de Leonardo da Vinci al colocar en collage las cabezas de artistas mujeres destacadas sobre las cabezas de cada hombre, y Nevelson estaba entre ellas. Esta imagen, que aborda el papel de la iconografía religiosa e histórica del arte en la subordinación de las mujeres, se convirtió en "una de las imágenes más icónicas del movimiento artístico feminista ". [58] [59]
Incluso con su influencia sobre las artistas feministas, la opinión de Nevelson sobre la discriminación dentro del mundo del arte rayaba en la creencia de que los artistas que no estaban logrando el éxito en función de su género sufrían de falta de confianza. Cuando Feminist Art Journal le preguntó si sufría de sexismo dentro del mundo del arte, Nevelson respondió: "Soy la liberación de la mujer". [60] La ex presidenta del Museo de Arte Americano Crystal Bridges dijo: "En el caso de Nevelson, ella era la artista más feroz que había. Era la más decidida, la más enérgica, la más difícil. Simplemente se abrió camino a la fuerza. Y esa era una manera de hacerlo, pero no todas las mujeres eligieron, o pudieron tomar, ese camino". [3]
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