Allan Carr (nacido Allan Solomon ; 27 de mayo de 1937 - 29 de junio de 1999) fue un productor y director de escena para la pantalla estadounidense . Fue nominado a numerosos premios, ganando un premio Tony y dos premios People's Choice Awards , y fue nombrado Productor del Año por la Asociación Nacional de Propietarios de Teatros . [1]
Carr nació como Allan Solomon [2] en una familia judía estadounidense [3] en Chicago, Illinois. Asistió a Lake Forest College y a la Universidad Northwestern , pero su interés siempre estuvo en el mundo del espectáculo. Mientras estaba en Northwestern, invirtió 750 dólares en el musical de Broadway Ziegfeld Follies , protagonizado por Tallulah Bankhead . Aunque el programa no fue un éxito, también había invertido $1,250 en la película de 1967 The Happiest Millionaire , que le dio el éxito que necesitaba para dejar la escuela y embarcarse en una carrera en el entretenimiento.
En Chicago, en la década de 1960, abrió el Civic Theatre y financió The World of Carl Sandburg , protagonizada por Bette Davis y Gary Merrill , así como Eva Le Gallienne en Mary Stuart , dirigida por Sir Tyrone Guthrie , y Garden District de Tennessee Williams , con Cathleen Nesbitt y Diana Barrymore . Carr trabajó detrás de escena en Playboy con Hugh Hefner y fue cocreador de la serie de televisión Playboy Penthouse , que a su vez lanzó el Playboy Club .
A través de los años, se dio a conocer como un gran planificador de eventos y fiestas promocionales. Uno de esos acontecimientos, un asunto de etiqueta para Truman Capote , tuvo lugar en una cárcel abandonada de Los Ángeles. [4]
En 1966, Carr fundó la agencia de talentos Allan Carr Enterprises, dirigiendo a los actores Tony Curtis , Peter Sellers , [4] Rosalind Russell , Dyan Cannon , Melina Mercouri y Marlo Thomas . Algunas de las otras figuras del entretenimiento cuyas carreras dirigió fueron Ann-Margret , cuyos especiales de televisión también produjo: Nancy Walker , Marvin Hamlisch , Joan Rivers , Peggy Lee , Cass Elliot , [4] Paul Anka , Frankie Valli y the Four Seasons , George Maharis y Herb Alpert y los Tijuana Brass .
A Carr también se le atribuye haber descubierto a numerosas celebridades, incluidas algunas que también se convirtieron en sus clientes, como Mark Hamill , Michelle Pfeiffer , [5] Steve Gutenberg [6] y Lisa Hartman . [1]
El productor Robert Stigwood lo contrató en 1975 como consultor de marketing y promoción, siendo su primer proyecto la versión cinematográfica de la ópera rock Tommy . [1] La película fue un éxito y amplió su participación en su siguiente película, reeditando y sobregrabando una película extranjera de bajo presupuesto sobre un desastre de la vida real . El resultado fue ¡Sobrevive! (El desastre en cuestión también fue descrito en el libro Alive de Piers Paul Read .) El éxito de taquilla sorpresa de Survive! en 1976 convirtió a Carr en un hombre rico y le dio influencia en Paramount Pictures .
En 1977, Stigwood le pidió que produjera la campaña publicitaria de Fiebre del sábado por la noche , y convirtió el estreno de la película en un especial de televisión repleto de estrellas. Funcionó tan bien que Stigwood le regaló Grease (1978). Carr no sólo dirigió la campaña publicitaria y produjo la fiesta de estreno y el especial de televisión de Grease , sino que también coprodujo la película por seis millones de dólares, eligiendo a su entonces clienta Olivia Newton-John . [4] Se convirtió en la película más taquillera del año, y una de las películas más taquilleras hasta ese momento, con poco menos de 100 millones de dólares. La película fue nominada a cinco premios Globo de Oro y ganó dos premios People's Choice Awards , a Mejor Película y Mejor Película Musical. Ese año incluso apareció en un papel en la última temporada de la serie de televisión Police Woman de Angie Dickinson . Stigwood y Carr trabajarían en varias otras películas, incluida The Deer Hunter , ganadora del Oscar en 1978 .
Al año siguiente, 1979, produjo la película musical de Village People Can't Stop The Music , [4] una producción que, aunque cursi, evitó abordar la presunta homosexualidad de los miembros de la banda en el guión. Nuevamente orquestó una fastuosa serie de estrenos y un especial de televisión coprotagonizado por sus amigos Hefner y Cher . Pero la película se estrenó en 1980, después del colapso de la moda disco, y como resultado, fue un gran fracaso. [4] Debido a esto, Carr "ganó" el primer premio anual Golden Raspberry a la peor película en 1981. Sin desanimarse, pasó a producir Grease 2 (1982), que, si bien no fue ni de lejos el éxito de su predecesora, no fue el éxito financiero. pérdida que había sido Can't Stop The Music .
Cuando Carr estaba en París para el estreno de Grease, un amigo lo llevó a ver una obra de teatro sobre una pareja gay, La Cage aux Folles . En ese momento de su carrera, Carr estaba listo para enfrentar el tema gay de frente. Al regresar a Broadway, produjo una versión musical de la obra de 1973, [4] que desde entonces se había convertido en una película francesa y luego se reharía como una película estadounidense llamada The Birdcage . Con un libro de Harvey Fierstein y música y letra de Jerry Herman , el espectáculo se inauguró en 1983 y fue un gran éxito, con una duración de cinco años y 1.761 funciones. Nominado en 1984 a ocho premios Drama Desk y ocho premios Tony , el programa ganó tres Drama Desks y seis impresionantes premios Tony, incluido el premio al "Mejor Musical" para Carr.
La reputación de Carr de organizar fiestas costosas y lujosas y de crear números de producción espectaculares llevó a AMPAS a contratarlo para producir la 61ª edición de los Premios de la Academia el 29 de marzo de 1989. Carr hizo la promesa de cambiar el espectáculo de su estatura percibida como seca y aburrida a algo diferente, uno que estaría inspirado en Beach Blanket Babylon (creado por Steve Silver), el espectáculo de revista musical protagonizado por Blancanieves durante la Edad de Oro de Hollywood . [7] Marvin Hamlisch, tres veces ganador del Premio de la Academia, fue contratado como director. Con la promesa de ser "la antítesis de lo vulgar", para lo cual la ceremonia no tendría anfitrión, ya que rotaría a actores y actrices, generalmente colocados en parejas como parte del tema de Carr de "parejas, acompañantes, coprotagonistas y compadres", siendo la pareja más notable Bob Hope y Lucille Ball (en su última aparición pública antes de su muerte apenas unas semanas después). Las críticas a la ceremonia provinieron principalmente de los números musicales que intentaban cruzar el Viejo y el Nuevo Hollywood. Comenzó con una voz retumbante que decía que la "estrella de todos los tiempos" llegaría pronto, que llegó en la forma de Blancanieves , interpretada por Eileen Bowman ( Lorna Luft se negó, para su posterior alivio), quien procedió a intentar sacudirse. las manos de las estrellas del público del teatro (para vergüenza de la actriz nominada Michelle Pfeiffer ). Merv Griffin comenzó el espectáculo con su éxito de 1950 "I've Got a Lovely Bunch of Coconuts!", completo con una recreación del club nocturno Cocoanut Grove que contó con una colección de estrellas consagradas como Vincent Price , Alice Faye y Roy . Rogers . Bowman volvió al escenario después para cantar a dúo "Proud Mary" con Rob Lowe , que duró doce minutos. [8] [9] [4] Más tarde se realizó un segundo número de producción con "The Stars of Tomorrow" haciendo un número llamado "I Wanna Be An Oscar Winner" que presentaba actores adolescentes o de veintitantos años como Christian Slater ( lucha con espadas Tyrone Power Jr. ), Chad Lowe (gritando "Soy un actor") y Patrick Dempsey (bailando tap a lo largo de la escalera). [10]
Cuando se le preguntó a Steve Silver sobre el número de apertura mientras miraba las críticas, afirmó: "Janet Maslin dice que es el peor número de producción en la historia de los Oscar. Supongo que no se puede superar eso. La publicidad de Beach Blanket Babylon debería se maravilloso." El 7 de abril se publicó una carta abierta en la que 17 figuras de Hollywood (como el ex presidente de la Academia Gregory Peck ) calificaron la ceremonia como una vergüenza para la Academia y la industria. Dos días después, Los Angeles Times dedicó toda su sección de cartas ( diez en total) para odiar el correo sobre la ceremonia, titulandolo "Para algunos, el show de los Oscar fue un gran accidente de Carr". La Compañía Walt Disney demandó a la Academia poco después de la ceremonia por infracción de derechos de autor (nadie en la Academia había pedido permiso a Disney con respecto a Blancanieves), lo que obligó a la Academia a presentar una disculpa formal. [11] Lowe defendió su apariencia describiéndose a sí mismo como un "buen soldado" haciéndolo para la Academia, mientras que Bowman afirmaría más tarde que el programa parecía un "bar mitzvah gay", haciéndolo años después del hecho después de haber firmado una mordaza. orden que la hizo no hablar sobre el programa durante trece años. [12] La reputación de Carr en Hollywood no se recuperó completamente del revés que recibió la ceremonia, aunque hubo algunos beneficios de retención. Los índices de audiencia del programa fueron ligeramente mejores que los de la ceremonia anterior, ya que más de 42 millones de espectadores en 26 millones de hogares vieron la ceremonia en los Estados Unidos. [13] La elección de no tener un anfitrión para la ceremonia se replicaría para la ceremonia de 2019. La decisión de Carr de cambiar el anuncio de "Y el ganador es..." a "Y el Oscar es para..." [14] se ha utilizado en cada ceremonia de la Academia desde entonces. Carr eligió que el minorista Fred Hayman contratara diseñadores para vestir a las estrellas antes de su llegada a la alfombra roja, que se convirtió en su propio segmento de atención en años posteriores. El comediante Bruce Vilanch , contratado como escritor para el programa, trabajaría en el programa durante las siguientes dos décadas, lo que incluyó un ascenso a escritor principal. Carr no volvió a producir otra película o programa de televisión.
Ese mismo año Carr dirigió el proyecto Goya: A Life in Song con Freddie Gershon y CBS Records , un álbum conceptual y, más tarde, una producción de teatro musical off-Broadway escrita por Maury Yeston ( Nine ) y con Plácido Domingo como el artista Francisco Goya . Aún en desarrollo para una producción completa de Broadway, la música ha sido grabada por Domingo con Dionne Warwick en inglés y Gloria Estefan en español, y una versión del dúo " Till I Loved You " fue un sencillo top 40 para Barbra Streisand y Don Johnson .
Carr continuó su trabajo en teatro, patrocinando las producciones de la Royal Shakespeare Company de 1984-85 de Cyrano de Bergerac y Much Ado About Nothing en el Kennedy Center de Washington y el Teatro Gershwin de Broadway , [15] obteniendo 10 nominaciones al Tony entre ellas, incluida una más para Carr. . [16] Carr había regresado a Paramount Pictures para encargarse del relanzamiento de Grease en 1998, que incluyó la producción de un especial de televisión VH1 de la proyección y fiesta del "estreno" de Hollywood del vigésimo aniversario, y relanzamientos de ediciones especiales del video, DVD. y álbum de banda sonora.
Carr fue productor de numerosas películas, entre ellas:
Carr murió el 29 de junio de 1999 en Beverly Hills, California , a causa de un cáncer de hígado . [4] En el momento de su muerte, dividió su tiempo entre sus hogares en Beverly Hills y Palm Springs , y estaba trabajando para llevar la comedia ganadora del Tony de Ken Ludwig Lend Me a Tenor a Australia y el Reino Unido, y estaba preparando un nuevo espectáculo de Broadway, Las nuevas aventuras musicales de Tom Sawyer . [6]
En 2017 se estrenó un documental sobre la vida de Carr titulado The Fabulous Allan Carr . El director de la película, Jeffrey Schwarz , dijo: "Aunque no era ningún secreto que Allan Carr era gay, nunca lo reconoció formalmente públicamente. Se utilizó la palabra 'extravagante' para describirlo, una palabra clave". [4]
