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Tejido de bambú japonés

Cesta de flores de bambú tejida ( hanakago ) para ikebana del Tesoro Nacional Viviente Hayakawa Shōkosai V, en la Casa de Huéspedes del Estado de Kioto

El tejido de bambú (竹編み, takeami ) es una forma de trabajar el bambú (竹細工, takezaiku ) y una artesanía tradicional japonesa (工芸, kōgei ) , con una variedad de aplicaciones, estilos de tejido y apariencias diferentes. El tejido de bambú japonés es particularmente conocido por su uso en el tejido de cestas .

Historia

Arreglo floral Ikebana shōka en una canasta de bambú, por el director número 40, Ikenobō Senjō (del Sōka Hyakki , 1820)
Tejedor de cestas trabajando con patrón kagome (1915)

En Japón crecen más de seiscientas especies de bambú, algunas endémicas de la isla. Aunque se define como una subfamilia de pastos, el bambú se caracteriza por su tallo leñoso y un sistema de raíces que puede formar racimos gruesos que se extienden lentamente o estolones más agresivos. [1] Cualidades como la resistencia y la flexibilidad de una variedad de bambú difieren ampliamente, y algunos tipos se consideran más adecuados para su uso en artesanías de bambú que otros. Uno de esos tipos especialmente utilizado en el tejido de bambú es Phyllostachys bambusoides , conocido como madake (真竹) o kashirodake (皮白竹) , que es famoso por su combinación de alta resistencia y alta flexibilidad.

El bambú tiene características que, con el tiempo, han propiciado su uso frecuente en la cultura japonesa y el desarrollo de simbolismos asociados a sus cualidades. Es una planta de rápido crecimiento, de ramas rectas y flexible, no se pudre rápidamente una vez cortada y puede usarse para construir refugios, armas, instrumentos y contenedores. Los brotes tiernos de bambú, que son comestibles, forman parte de la cocina tradicional japonesa , y el bambú es un tema común en la literatura y la pintura japonesas .

Junto con los pinos de hoja perenne y las flores de ciruelo (la primera flor de la primavera), el bambú forma parte del motivo tradicional de los Tres Amigos del Invierno , que se ve comúnmente en los kimonos que se usan en ocasiones auspiciosas como símbolo de perseverancia y resiliencia. Los artistas japoneses a menudo han representado el bambú soportando las inclemencias del tiempo, como la lluvia o la nieve, lo que refleja su reputación de ser flexible pero irrompible, y su asociación con la firmeza y la lealtad. [1]

Las cestas de flores para ikebana llamadas hanakago (花籠) y otros tipos fueron importadas de China o copiadas de su estilo. Estas cestas karamono (唐物, literalmente,  'estilo chino') tenían estructuras formales y simétricas con tejidos estrechamente trenzados. [2] [3] Fue el maestro del té del siglo XVI Sen no Rikyū (1522-1591) quien abogó por un estilo wabi-cha simple y austero con utensilios naturales y espontáneos o aparentemente sencillos. Estos utensilios de té establecieron un arte del bambú japonés distinto del estilo chino importado. [2] Las cestas se desarrollaron para que aparecieran en un estilo natural y asimétrico, llamado wamono (和物, literalmente,  'estilo japonés') . [2] [3] Alrededor de 1700, la adopción de la intensa ceremonia japonesa del té ( sencha ) coincidió con una renovada admiración por la cultura , la literatura y la pintura chinas entre los literatos japoneses , un fenómeno que continuó hasta el siglo XIX. [4] Las elegantes cestas finamente tejidas importadas de China sirvieron como modelo para las cestas karamono ahora creadas por artesanos japoneses, siguiendo una tradición establecida durante el período Muromachi (1392-1573). [3] El reconocimiento de la artesanía del bambú como arte decorativo tradicional japonés comenzó a finales del siglo XIX y llegó a ser aceptado como una forma de arte. [1]

El Centro de Apoyo a la Capacitación Técnica en Bambú en la ciudad de Ōita se estableció en 1938, lo que lo convierte en la única institución a nivel de prefectura financiada con fondos públicos en el país que se dedica a la artesanía del bambú. Después de la Segunda Guerra Mundial, la artesanía de bambú desapareció cuando el plástico la reemplazó por productos utilitarios. Sin embargo, se mantuvo una producción de alto nivel y se desarrollaron formas de arte aparte de la artesanía. El arte del bambú ganó un reconocimiento cada vez mayor. En 1967, Shōnō Shōunsai (生野祥雲斎) (1904-1974) de Beppu se convirtió en el primer artista de bambú nominado por el gobierno como Tesoro Nacional Viviente. [5] En 1979, las artesanías de bambú de Beppu fueron designadas por el Ministerio de Economía, Comercio e Industria como Artes y Oficios Tradicionales. [6]

La mayoría de los maestros artesanos designados Tesoros Nacionales Vivientes son seleccionados entre los participantes en las exposiciones anuales de la Asociación Kōgei de Japón . Mientras que las exposiciones anuales de la Academia de Arte de Japón ( Nitten (日展) ) enfatizan la expresión artística, las exposiciones de Arte y Oficios priorizan la preservación de las habilidades tradicionales y normalmente presentan cestas funcionales, aunque modernas. En la era de la posguerra, muchos de los principales artistas del bambú estaban vinculados a linajes establecidos. [1] Aunque la mayoría de los artistas son hombres, recientemente han surgido varias artistas femeninas, [7] como Toshie Ōki (大木 淑恵) [8] y Setsuko Isohi (磯飛 節子, n. 1964) . [2] [9] [10] [11]

El arte del bambú de las últimas décadas, a pesar de que sus practicantes mantienen el mismo respeto por la tradición y el linaje que los artistas del bambú a lo largo de la historia, refleja una mayor diversidad en técnicas y visiones. Artistas notables han llegado al oficio desde fuera de las líneas familiares tradicionales y muchos trabajan de forma independiente. Algunos tienen experiencia en bellas artes, mientras que otros se sintieron atraídos por la práctica después de haber trabajado en un campo no relacionado. [1]

Como ocurre con otras artesanías japonesas, la adquisición de conocimientos normalmente implicaba un largo aprendizaje con el maestro del taller, [12] a menudo el padre del joven discípulo, en un sistema llamado Shitei (師弟) . Aprender las habilidades y técnicas básicas generalmente lleva de cinco a diez años, pero dominarlas y desarrollar un estilo individual puede llevar décadas. [12] [13] En siglos anteriores, un estudiante que era aprendiz de un maestro debía trabajar duro casi todos los días a cambio de una remuneración pequeña o nula; un aprendiz viviría en la casa de su maestro y también se esperaría que participara en las tareas del hogar. Antes de comenzar cualquier formación, se esperaría que un aprendiz simplemente observara a su maestro y a otros estudiantes de mayor nivel en el trabajo; Incluso los estudiantes mayores y con más experiencia normalmente aprenderían a través de este método de observación. En tiempos más recientes, este método de aprendizaje ha cambiado y ya no es típico ni común: los estudiantes de tejido de bambú aprenden habilidades básicas en escuelas técnicas, como el centro de Ōita, antes de acudir a un maestro.

Si bien algunas obras de bambú se pueden completar en varias semanas, otras toman muchos meses, y las piezas de exhibición a menudo requieren más tiempo, a veces uno o dos años. [1] [3] Las artes del bambú tienen un perfil bajo en comparación con la cerámica, principalmente debido al número comparativamente bajo de artesanos y la cantidad de tiempo que lleva terminar un objeto. [14]

La cestería de bambú suele complementarse con otros materiales como el ratán o la palma de cáñamo ; También existe cestería únicamente de estos materiales. Otro es el tsuruzaiku (つる細工) , el arte de tejer enredaderas , que es popular en muchas partes de la región norte de Tōhoku , donde el bambú es más escaso, específicamente el tejido de akebia quinata , conocido como akebizaiku (アケビ細工) . [15]

Las tres principales zonas de producción de tejido de bambú son la región occidental de Kansai , alrededor de las ciudades de Osaka y Kioto, la región oriental de Kantō , alrededor de Tokio, y la isla más meridional de Kyushu . Cada uno tiene sus propias técnicas y estilos de tejido de bambú. [1] [16]

artesanos de kansai

Tanabe Chikuunsai IV explicando su obra de instalación a gran escala Godai en el Museo Guimet (2016)

De los artículos tejidos con bambú en Japón, las sofisticadas cestas de flores sencha y las cestas para utensilios de té tuvieron históricamente una demanda especialmente alta en la región occidental de Kansai, con Osaka y Kioto en su centro. A finales del siglo XIX, los maestros artesanos de la región comenzaron a combinar la perfección técnica con la individualidad artística para producir "cestas artísticas" funcionales firmadas por el artista. [1] Se cree que el artista pionero del bambú de Kansai, Hayakawa Shōkosai I (早川尚古斎, 1815–1897) , fue el primer maestro que firmó sus cestas, [2] [16] estudió el arte tradicional del trenzado de ratán y se concentró en utensilios de té sencha . [3] Su hijo mayor, Shōkōsai II (1860-1905), lo siguió en el comercio de la cestería, pero murió a una edad temprana. Fue sucedido por su hermano menor, Shōkosai III (1864-1922), quien desarrolló un estilo avanzado de trenzado llamado "tejido tosco", una desviación de las técnicas características de la familia. Después de la Segunda Guerra Mundial, Shōkōsai IV (1902-1975) se mudó de Osaka a Kioto, donde estableció el nuevo taller familiar. [17] Shōkōsai V (1932-2011) exploró otras posibilidades en el trenzado de armaduras, un tipo de construcción paralela considerada una de las técnicas tradicionales de Hayakawa. [18] Expuso su trabajo en las Exposiciones anuales de artesanía tradicional japonesa a partir de 1966 y fue designado Tesoro Nacional Viviente en 2003. [1] [19]

El artista del bambú Wada Waichisai I (和田和一斎, 1851-1901), radicado en Osaka , estableció un linaje importante y duradero de maestros. [20] Era conocido por sus técnicas de trenzado precisas y delicadas, fabricando principalmente cestas y utensilios karamono (estilo chino) para la ceremonia del té sencha . [1] [3] Entre sus numerosos discípulos se encontraba Tanabe Chikuunsai I (初代田辺竹雲斎, 1877-1937) , quien perpetuó las tradiciones heredadas y comenzó a modernizarlas. [21] Desarrolló el llamado estilo de cestería ryūrikyō después de estudiar las pinturas del siglo XVIII de Yanagisawa Kien , quien a menudo representaba cestas de bambú llenas de flores o frutas en el estilo literato bunjin . Chikuunsai fabricó cestas ryūrikyō explícitamente para exhibición, una tendencia que marcó un cambio significativo en el arte japonés del bambú, reflejando la ambición de los maestros artesanos de lograr el mismo grado de reconocimiento que ya otorgaban a los artistas contemporáneos de cerámica y laca. Tanabe Chikuunsai II (1910-2000) y Chikuunsai III (1940-2014) ampliaron el linaje Tanabe, y este último produjo esculturas geométricas únicas. [22] Tanabe Chikuunsai IV ( n. 1973) [23] , con sede en Sakai , ha continuado la tradición familiar y al mismo tiempo ha experimentado con esculturas monumentales e instalaciones orgánicas, como el Godai de casi 6 metros (20 pies) de altura en el Musée Guimet en 2016, [24] o con The Gate en 2017 en el Museo Metropolitano de Arte . [25] [26] [27]

Otro discípulo de Wada Waichisai I fue Yamamoto Chikuryūsai I (初代山本竹龍斎, 1868-1945) , quien recibió premios en la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas de 1925 en París, en la feria Siglo del Progreso de 1933 en Chicago y en la 1937 Exposición Internacional de Artes y Técnicas de la Vie Moderne en París. También fue uno de los primeros artesanos del bambú cuyo trabajo fue admitido en la exposición Teiten de la Academia Imperial de Bellas Artes. [28]

Maeda Chikubōsai I (初代前田竹房斎, 1872-1950) , también de Sakai, estableció su propio linaje familiar distinguido. Comenzó su carrera produciendo cestas karamono y literati, pero luego desarrolló un método único de utilizar ramas y raíces de bambú natural para lograr un efecto más rústico. [3] También realizó varias piezas para la Corte Imperial. [29] Chikubōsai II (1917-2003) produjo tanto cestas sencha como vasijas modernas hechas de tiras redondas de bambú dobladas y recogidas. [1] [3] A partir del período Taishō , tanto Tanabe Chikuunsai I como Maeda Chikubōsai I incorporaron flechas antiguas a su trabajo, lo que fue particularmente apreciado por los clientes que descendían de samuráis . [30] Le siguió el de Maeda Chikubōsai II (二代前田竹房斎, 1917-2003) , cuyas obras se exhibieron en el Nitten y que en 1995 fue premiado por el gobierno como el tercer artista del bambú en ser nombrado Tesoro Nacional Viviente. [31] [32] [33]

Uno de los artistas que fue influenciado por Tanabe Chikuunsai II es Sugita Jozan ( n. 1932 en Osaka). [34] Otros artesanos y artistas notables incluyen a Suzuki Gengensai (鈴木玩々斎, 1891-1950) , [35] Higashi Takesonosai (東竹園斎, 1915-2006) , [36] quien fue influenciado por Rōkansai y recibió el Reconocimiento Especial. Premio ( Tokusen ) en la exposición Nitten de 1971, [37] [36] Tanaka Kōsai (田中篁斎, 1912-1993) [38] quien también integró los ejes de flechas en su trabajo, [39] Tanaka Kōji (田中耕司, n. 1941) , [40] y Tanioka Shigeo (谷岡茂男, n. 1949) , quien fue aprendiz de Tanabe Chikuunsai II. [41]

Monden Kōgyoku (門田篁玉, n. 1916) fabricó miles de cestas utilitarias para mayoristas durante dos décadas después de la Segunda Guerra Mundial. Posteriormente realizó una serie de piezas artísticas con tiras de bambú extremadamente finas y técnicas intrincadas. Vive cerca de Hiroshima en la vecina región de Chūgoku. [42] [43] [44]

Artesanos de Kantō

El arte japonés del bambú en la región oriental de Kantō, alrededor de Tokio, experimentó un proceso de modernización durante la primera mitad del siglo XX. Varios maestros saltaron a la fama gracias a su participación en exposiciones internacionales de arte recientemente reorganizadas en el país y comenzaron a producir "cestas de arte".

Iizuka Hōsai II (二代飯塚鳳斎, 1872–1934) [45] y su hermano Iizuka Rōkansai (飯塚琅玕斎, 1890–1958, nacido Yanosuke) [46] encabezaron el movimiento, siendo pioneros en nuevas direcciones para el campo y elevando el bambú. artesanía a una forma de arte. [47] [48] [49] Haciendo hincapié en la libertad artística y la individualidad, Rōkansai experimentó con las posibilidades del medio y desarrolló varias técnicas nuevas, incluido el trenzado agrupado ( tabane-ami ) y el trenzado bordado ( take sashi-ami ). [3] Recibió un premio en la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas de 1925 en París. [46] Iizuka Shōkansai (飯塚小玕斎) (1919-2004), que se formó con su padre, el famoso Rōkansai, expuso regularmente sus obras en la exposición anual Nitten y en las exposiciones de arte y artesanía tradicionales, [50] y fue designado un Tesoro Nacional Viviente en 1982. Las tradiciones de la familia Iizuka se transmitieron a Katsushiro Sōhō (勝城蒼鳳) (n. 1934) [51] [52] [53] y Fujinuma Noboru (藤沼昇) (n. 1945), [ 54] [55] ambos Tesoros Nacionales Vivientes activos en la prefectura de Tochigi . [1] [56] [57] [3] [58] [59]

Ishikawa Shōun (1895-1973) [60] fue discípulo de Iizuka Rōkansai , [61] al igual que Yokota Hōsai (横田峰斎) (1899-1975). [62] [63] Hōsai fue uno de los diecisiete miembros fundadores de la Asociación de Artistas de Bambú de Japón en 1955, junto con Kosuge Shōchikudo e Iizuka Shōkansai . [64] Suzuki Kyokushōsai I (鈴木旭松斎, c. 1872-1936) [65] [66] podría haber estado relacionado con ellinaje Hōsai . [67] Otro discípulo de Rōkansai fue Nakata Kinseki (中田錦石) (1902-1959). [68]

Buseki Suigetsu (武関翠月) (1930-2013) es un artista que trabaja en Tokio. [69]

Fujitsuka Shōsei (藤塚松星) (nacido en 1949) tuvo su aprendizaje con Baba Shōdō (1925-1996) y tiene su sede en Kanagawa . Produce instalaciones artísticas en un estilo muy individualista. [70]

Artesanos chūbu

Un linaje Chūbu importante , específicamente en la región de Hokuriku , es el de Honma Kazuaki (本間一秋) (n. 1930), [71] [72] de la isla de Sado y con sede en la prefectura de Niigata . Estudió con Hayashi Shōgetsusai (林尚月斎) (1911-1986) [73] [74] [75] Se especializa en obras de bambú doblado y ha ganado renombre por sus composiciones abstractas a gran escala. Desarrolló aún más la idea de Iizuka Shōkansai de obras bidimensionales enmarcadas de bambú llamadas "pinturas trenzadas" y recibió dos Premios de Reconocimiento Especial ( Tokusen ) en el Nitten , uno de ellos en 1983. [76]

Su discípulo Honma Hideaki (本間秀昭) (n. 1959), [77] [78] que trabaja en la isla de Sado, emplea una variedad local flexible de bambú en obras inspiradas en la flora y fauna de la isla. [1] Otro discípulo de Honma Kazuaki fue Ueno Masao (nacido en 1949) de Iiyama, Nagano , quien crea obras de instalación. [79] [80] [81]

Otro linaje importante en la isla de Sado fue fundado por Kosuge Chikudō (1895-1966), continuado por sus hijos Kosuge Shōchikudō (小管小竹堂) (1921-2003) y Kosuge Kōgetsu (小菅吼月) (n. 1932). [82] [83]

Shōchikudō inicialmente no tenía interés en convertirse en artista de bambú y no estudió formalmente con su padre. Sin embargo, presentó una obra que fue aceptada en la Exposición de Artes Artesanales de Tokio cuando tenía catorce años. Posteriormente, trabajó con bambú y tras el final de la Segunda Guerra Mundial, el gobierno de la prefectura de Niigata lo contrató para enseñar cestería de bambú. Su trabajo fue admitido en las exposiciones de Nitten y en 1955 se convirtió en uno de los diecisiete miembros fundadores de la Asociación de Artistas de Bambú de Japón. Con el tiempo dejó de producir obras para exposiciones públicas y se centró en el diseño y los artículos pequeños, trabajando, por ejemplo, junto con el diseñador de moda Issey Miyake . [82] Baba Shōdō (1925-1996) fue entrenado por él. [70]

Su hermano menor, Kōgetsu , estudiante de chanoyu , se hizo famoso por la técnica de la "construcción retorcida" ( hineri-gumi ). Participó en las exposiciones Nitten y Traditional Arts & Crafts y recibió premios por sus cestas de flores. [83]

Torii Ippō (鳥居一峯) (1930-2011), [84] [85] nacido en Nishio, Aichi , [86] tuvo que continuar con el negocio de bambú de su familia a la edad de 21 años después de la muerte de su padre. En 1959 vio una cesta ceremonial de bambú del siglo VIII d.C. en el Shōsōin de Nara . Inspirado por esta pieza, finalmente presentó obras a las exposiciones de Arte y Artesanía Modernas Japonesas y recibió un Premio de Reconocimiento Especial ( Tokusen ) en la Nitten de 2006 . [85] [87] [88]

Yako Hōdō (八子鳳堂) (n. 1940), originalmente radicado en la prefectura de Niigata, estudió con Nakajima Hoso, Nakamura Yukosai y Baba Shōdō (1925-1996), [89] quienes lo alentaron a explorar la escultura contemporánea. [90] [91] Más tarde se mudó al área de Tokio, [92] e hizo composiciones a gran escala por las que obtuvo reconocimiento. Comenzó a exponer su trabajo en Nitten en 1973. [90] [92]

Nagakura Ken'ichi (長倉健一) (n. 1952) es un artista de la prefectura de Shizuoka . [93] Inicialmente estudió técnicas de teñido yūzen , pero pasó al tejido de bambú después de trabajar en la empresa mayorista de bambú de su abuelo. [94] Sus cestas escultóricas orgánicas y sus obras escultóricas abstractas tridimensionales deben su apariencia a una variedad de tradiciones. [95] Trabaja como artista independiente y no está asociado con ninguna organización en particular. [96] [97]

Artesanos de Kyūshū

Con un clima cálido del sur ideal para el cultivo de bambú , la isla de Kyūshū es el lugar donde se produce más de la mitad de la producción de bambú de Japón. A principios del siglo XX, la ciudad de Beppu en la prefectura de Ōita , famosa por sus aguas termales , se convirtió en un destacado centro de artesanía de bambú; [98] [2] Se exhibieron ampliamente cestas funcionales y tallas de bambú de la zona. El Centro de apoyo a la formación técnica y la artesanía del bambú de la prefectura de Ōita, una institución financiada con fondos públicos dedicada a la artesanía del bambú, se estableció en 1938. [1] [99]

El artista Shōnō Shōunsai (山野祥云斋) (1904-1974) [100] atrajo numerosos discípulos a lo largo de su dilatada carrera. Sus esculturas abstractas de bambú de las décadas de 1950 y 1960 fueron consideradas revolucionarias. [101] En 1967 se convirtió en el primer artista de bambú honrado con el título de "Tesoro Nacional Viviente". Shōnō Tokuzō (生野徳三) (n. 1942), [102] [103] su hijo y heredero de la tradición familiar, normalmente utiliza bambú lixiviado dividido en tiras anchas y combina la construcción paralela con trenzado para lograr un efecto textural de múltiples capas. [104] [1] [105]

Iwao Kōunsai (1901-1992) estableció un linaje que incluía a Kadota Nikō (門田二篁) (1907-1994), [106] quien aplicó técnicas características de Kyūshū, [104] y Honda Shōryū (本田聖流) (n. 1951). , [107] uno de sus alumnos, que realiza esculturas onduladas y complejas con tejidos ligeros y calados. [108] Kibe Seihō (岐部笙芳) (n. 1951), uno delos estudiantes de Shōryū , prefiere los vasos funcionales y emplea técnicas clásicas de trenzado. [108] [109] Otros artistas como Uematsu Chikuyū (植松竹邑) (n. 1947) y Shiotsuki Juran (塩月寿藍) (n. 1948) crean esculturas únicas. [1] [110] [111] [112]

Técnicas

Un diagrama de una técnica de tejido de bambú trihexagonal; los bordes que forman un hexágono dentro del tejido se superponen en sentido antihorario.
Patrón de mosaico trihexagonal de Kagome
Un diagrama de la técnica de trenzado de bambú de mil líneas; Las tiras se trenzan a lo largo de una barra en la parte superior y cuelgan de ella en línea recta.
Construcción Sensuji gumi (literalmente, 'mil líneas'), o trenzado de peine

En Japón se han desarrollado varias técnicas de trenzado y tejido de bambú en diferentes regiones a lo largo del tiempo. [113] Hay varios patrones de tejido estándar, a partir de los cuales se pueden hacer cientos de combinaciones. [114]

Tejido de bambú en el arte.

Una cesta de flores pequeña y achaparrada, tejida con bambú de color marrón oscuro, con un asa alta y arqueada, se encuentra frente a un biombo con un diseño de cestas de flores en cuatro paneles.
Cesta de flores de bambú tejida de 1892 a 1950 por Maeda Chikubōsai I, frente a un byōbu ( período Edo , 1650-1750) que representa cuatro arreglos florales en cestas

Tanto el bambú como el tejido de bambú en particular son un tema comúnmente representado en muchas formas de arte tradicionales japonesas.

Ver también

Referencias

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Otras lecturas

enlaces externos

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