Top Hat es una película musical estadounidense de comedia disparatada de 1935 en la que Fred Astaire interpreta a un bailarín de claqué estadounidense llamado Jerry Travers, que llega a Londres para protagonizar un espectáculo producido por Horace Hardwick ( Edward Everett Horton ). Conoce a Dale Tremont ( Ginger Rogers ) e intenta impresionarlapara ganarse su afecto. La película también cuenta con Eric Blore como Bates, el ayuda de cámara de Hardwick, Erik Rhodes como Alberto Beddini, un diseñador de moda y rival por el afecto de Dale, y Helen Broderick como Madge, la sufrida esposa de Hardwick.
La película fue dirigida por Mark Sandrich y escrita por Allan Scott y Dwight Taylor , con canciones de Irving Berlin . " Top Hat, White Tie and Tails " y " Cheek to Cheek " se han convertido en clásicos de la canción estadounidense. Se ha hecho referencia nostálgicamente a ella, en particular a su segmento "Cheek to Cheek", en muchas películas, entre ellas La rosa púrpura de El Cairo (1985), La milla verde (1999) y Un jefe en pañales (2017).
Astaire y Rogers hicieron nueve películas juntos en RKO Pictures , entre ellas: The Gay Divorcee (1934), Roberta (1935), Top Hat (1935), Follow the Fleet (1936), Swing Time (1936), Shall We Dance (1937) y Carefree (1938). Top Hat fue la película más exitosa de la asociación de Astaire y Rogers (y la segunda película más exitosa de Astaire después de Easter Parade ), logrando el segundo lugar en la recaudación de taquilla mundial en 1935. [4] Si bien algunos críticos de danza sostienen que Swing Time contenía un conjunto de bailes más fino, [4] [5] Top Hat sigue siendo, hasta el día de hoy, el trabajo más conocido de la asociación. [6]
Top Hat fue seleccionada para su preservación en el Registro Nacional de Cine de los Estados Unidos por la Biblioteca del Congreso en su segundo año, 1990, por ser "cultural, histórica o estéticamente significativa". [7] La película también ha sido reconocida por el American Film Institute en varias listas que conmemoran lo mejor del cine estadounidense; la película apareció en su lista de los veinticinco mejores musicales cinematográficos en el puesto número 15, y "Cheek to Cheek" apareció en su lista de las cien mejores canciones del cine estadounidense , también en el puesto número 15.
El bailarín estadounidense Jerry Travers llega a Londres para protagonizar un espectáculo producido por el torpe Horace Hardwick. Mientras practica un número de claqué en su habitación de hotel, despierta a Dale Tremont en el piso de abajo. Ella sube furiosa las escaleras para quejarse, y Jerry se enamora perdidamente de ella y comienza a perseguirla por todo Londres.
Dale confunde a Jerry con Horace, que está casado con su amiga Madge. Tras el éxito de la noche de estreno de Jerry en Londres, Jerry sigue a Dale a Venecia , donde visita a Madge y modela/promociona los vestidos creados por Alberto Beddini, un diseñador de moda italiano con una inclinación por los errores ortográficos .
Jerry le propone matrimonio a Dale, quien, aunque sigue creyendo que Jerry es Horace, se disgusta de que el marido de su amiga se comporte de esa manera y acepta casarse con Alberto. Afortunadamente, Bates, el entrometido ayuda de cámara inglés de Horace, se disfraza de sacerdote y dirige la ceremonia; Horace había enviado a Bates para vigilar a Dale.
En un viaje en góndola , Jerry logra convencer a Dale y regresan al hotel, donde la confusión previa se aclara rápidamente. La pareja reconciliada se aleja bailando hacia el atardecer veneciano, al son de "The Piccolino". [8]
Top Hat comenzó a rodarse el 1 de abril de 1935 y costó 620.000 dólares. El rodaje terminó en junio y los primeros preestrenos públicos se celebraron en julio. Esto dio lugar a cortes de aproximadamente diez minutos, principalmente en la última parte de la película: la secuencia del carnaval y el desfile de góndolas que se habían filmado para mostrar el enorme decorado se cortaron en gran medida. Se cortaron otros cuatro minutos [9] antes de su estreno en el Radio City Music Hall, donde batió todos los récords, recaudó 3 millones de dólares en su estreno inicial y se convirtió en la película más rentable de la RKO de la década de 1930. [10] Después de Mutiny on the Bounty , recaudó más dinero que cualquier otra película estrenada en 1935. [5]
Dwight Taylor fue el guionista principal de esta película, la primera escrita especialmente para Astaire y Rogers. Astaire reaccionó negativamente a los primeros borradores, quejándose de que "se basa demasiado en La alegre divorciada " y "me presentan como... una especie de joven objetable sin encanto, simpatía o humor". [4] Allan Scott , para quien esta película fue su primer gran proyecto, y que luego trabajaría en seis de las películas de Astaire y Rogers, fue contratado por Sandrich para hacer las reescrituras y nunca trabajó con Taylor, con Sandrich actuando como editor de guiones y asesor en todo momento. [5] Supuestamente Ben Holmes , Ralph Spence y Károly Nóti fueron otros colaboradores del guion. [11] Más tarde se dijo que la historia en sí se inspiró en dos fuentes: "Escándalo en Budapest" de Sándor Faragó y "Una chica que se atreve" de Aladar LaszloIt. [12]
La Oficina Hays insistió en que sólo se hicieran cambios menores, incluyendo probablemente la línea de diálogo más citada de la película: el lema de Beddini: "Para las mujeres el beso, para los hombres la espada", que originalmente decía: "Para los hombres la espada, para las mujeres el látigo". [5] [13] De su papel en la creación de Sombrero de copa , Taylor recordó que con Sandrich y Berlin compartía "una especie de entusiasmo infantil. Todo el estilo de la película se puede resumir en la palabra inconsecuencialidad . Cuando dejé RKO un año después, Mark me dijo: "Nunca volverás a ver tanto de ti mismo en la pantalla". [5] [14] En el estreno de la película, el guion fue criticado por muchos críticos, que alegaron que era simplemente una reescritura de La divorciada gay . [10]
Esta fue la primera banda sonora completa para una película del compositor Irving Berlin desde 1930 y él negoció un contrato único, conservando los derechos de autor de la banda sonora con una garantía del diez por ciento de las ganancias si la película recaudaba más de $1,250,000. [10] Ocho canciones de la banda sonora original fueron descartadas porque no se consideró que hicieran avanzar la trama de la película. [10] Una de ellas, "Get Thee Behind Me, Satan", también se usó en Follow the Fleet (1936). Las cinco canciones finalmente seleccionadas se convirtieron en grandes éxitos y, en la emisión del 28 de septiembre de 1935 de Your Hit Parade , las cinco aparecieron entre las quince mejores canciones seleccionadas para esa semana. [10]
Astaire recordó cómo este éxito ayudó a que Berlin recuperara la confianza en sí mismo, que estaba menguando. Astaire nunca había conocido a Berlin antes de esta película, aunque ya había bailado en el escenario con algunas de sus melodías en 1915. De ahí surgió una amistad que duraría toda la vida con Berlin, que contribuyó a más películas de Astaire (seis en total) que cualquier otro compositor. De su experiencia con Astaire en Sombrero de copa, Berlin escribió: "Es una verdadera inspiración para un escritor. Nunca habría escrito Sombrero de copa sin él. Te hace sentir muy seguro". [4]
Como Berlin no sabía leer ni escribir música y sólo podía tocar melodías en un piano especialmente diseñado que transponía las teclas automáticamente, necesitaba un asistente para componer sus partes de piano. Hal Borne , el pianista de ensayo de Astaire, interpretó este papel en Top Hat y recordó las noches de trabajo con él en el Beverly Wilshire Hotel: "Berlin decía 'Heaven...' y yo decía dah dah dee 'I'm in Heaven' (dah-dah-dee) . Él decía: 'Me encanta, póntelo'". [5] Estas partes fueron orquestadas posteriormente por un equipo formado por Edward Powell, Maurice de Packh, Gene Rose, Eddie Sharp y Arthur Knowlton, que trabajaron bajo la supervisión general de Max Steiner . [4]
Berlín rompió varias de las convenciones de la composición musical estadounidense en esta película, especialmente en las canciones " Top Hat, White Tie and Tails " y " Cheek to Cheek ", [15] y según Rogers, la película se convirtió en el centro de atención de Hollywood como resultado de su banda sonora. [15]
En una película de Astaire-Rogers, el Gran Set Blanco —como se conocía a estas creaciones inspiradas en el Art Déco— absorbió la mayor parte de los costos de producción de la película, y Sombrero de copa no fue una excepción. Un canal sinuoso —atravesado por dos puentes de escaleras en un extremo y un puente plano en el otro— se construyó a través de dos estudios de sonido contiguos. Astaire y Rogers bailan sobre este puente plano en "Cheek to Cheek". Al doblar este puente se encontraba la plaza principal, un escenario gigante recubierto de baquelita roja que fue el escenario de "El Piccolino". Esta representación fantástica [16] del Lido de Venecia se desarrollaba en tres niveles que comprendían pistas de baile, restaurantes y terrazas, todos decorados con colores de bastón de caramelo, con las aguas del canal teñidas de negro. Los vastos interiores venecianos eran igualmente poco auténticos, y reflejaban en cambio los últimos gustos de Hollywood. [17]
Carroll Clark, que trabajó bajo la supervisión general de Van Nest Polglase, fue el director artístico de la unidad en todas las películas de Astaire-Rogers, excepto una. Dirigió al equipo de diseñadores responsables de la escenografía y el mobiliario de Top Hat .
Aunque Bernard Newman era nominalmente el encargado de vestir a las estrellas, Rogers estaba muy interesada en el diseño de vestuario y el maquillaje. [18] Para la rutina de "Cheek to Cheek", estaba decidida a utilizar su propia creación: "Estaba decidida a usar este vestido, pasara lo que pasara. ¿Y por qué no? Se movía maravillosamente. Obviamente, nadie en el elenco o el equipo estaba dispuesto a tomar partido, particularmente no por mi lado. Esto estaba bien para mí. Había tenido que estar sola antes. Al menos mi madre estaba allí para apoyarme en la confrontación con toda la oficina principal, además de Fred Astaire y Mark Sandrich". [19]
Debido al enorme trabajo que implicaba coser cada pluma de avestruz al vestido, Astaire —que normalmente aprobaba los vestidos de su pareja y sugería modificaciones si era necesario durante los ensayos— vio el vestido por primera vez el día del rodaje, [20] y se horrorizó por la forma en que arrojaba nubes de plumas en cada giro y vuelta, recordando más tarde: "Era como un pollo atacado por un coyote, nunca vi tantas plumas en mi vida". [21] [22] Según el coreógrafo Hermes Pan , Astaire perdió los estribos y le gritó a Rogers, quien rápidamente estalló en lágrimas, tras lo cual su madre, Lela, "se abalanzó sobre él como una madre rinoceronte protegiendo a sus crías". [23] Una noche adicional de trabajo por parte de las costureras resolvió gran parte del problema; sin embargo, un examen cuidadoso del baile en la película revela plumas flotando alrededor de Astaire y Rogers y tiradas en la pista de baile. [4] Más tarde, Astaire y Pan le regalaron a Rogers una pluma de oro para su pulsera de dijes y le cantaron una cancioncilla que parodiaba la melodía de Berlin:
Plumas — Odio las plumas
Y las odio tanto que apenas puedo hablar
Y nunca encuentro la felicidad que busco
Con esas plumas de pollo bailando
Mejilla con Mejilla [10] [24]
Posteriormente, Astaire apodó a Rogers "Feathers" (también título de uno de los capítulos de su autobiografía) y parodió su experiencia en una rutina de canto y baile con Judy Garland en Easter Parade (1948). [4]
Astaire también escogía y se proveía de su propia ropa. Se le atribuye ampliamente la influencia que ejerció sobre la moda masculina del siglo XX y, según el editor de moda masculina de Forbes , G. Bruce Boyer, la rutina "¿No es un día precioso?": "muestra a Astaire vestido con el estilo que lo haría famoso: chaqueta deportiva de tweed de hombros suaves, camisa abotonada, corbata de rayas llamativas, franelas grises de corte sencillo, pañuelo de bolsillo de seda con estampados paisley y zapatos de gamuza. Es un enfoque extraordinariamente contemporáneo de la elegancia despreocupada, un estilo en el que Ralph Lauren y una docena de otros diseñadores siguen confiando más de seis décadas después. Astaire introdujo un nuevo estilo de vestir que rompió con las polainas, los cuellos de celuloide y los sombreros de fieltro que usaban los héroes aristocráticos de figura paterna moldeados a la europea". [25]
La coreografía, en la que Astaire fue asistido por Hermes Pan , se centra principalmente en las posibilidades de usar los claqués para hacer tanto ruido como sea posible. [4] En la película, Astaire sufre de lo que Rogers llama una "aflicción": "De vez en cuando, de repente me encuentro bailando". Astaire introduce el motivo del claqué de la película cuando lanza una andanada de claqués a los miembros somnolientos de un club de Londres. [4] [26] Hay ocho números musicales.
En la "secuencia de apertura", después de que aparece el logotipo de la RKO, Astaire, que aparece de cintura para abajo, baila sobre un piso de escenario pulido, acompañado por un coro masculino que lleva bastones. Al hacer una pausa, aparece su nombre. Rogers lo imita y los dos bailan juntos mientras la imagen se disuelve para revelar un sombrero de copa. Un concepto similar se utilizó en la secuencia de apertura de The Barkleys of Broadway (1949).
La segunda es " No Strings (I'm Fancy Free) ". Al retirarse a su suite de hotel, Horton le aconseja que se case. Astaire declara su preferencia por la soltería y la canción (este número fue una creación del guionista Dwight Taylor y se encuentra en sus primeros borradores) surge de forma natural y a mitad de la frase. Astaire la canta dos veces [27] y durante la última frase da un salto de ballet, acompañado de golpes de piernas, y se lanza a un breve baile en solitario que aumenta en intensidad y volumen progresando desde el claqué shuffles sur place , pasando por patrones de viaje, hasta rápidos golpes de talón que terminan con un recorrido despreocupado por la suite durante el cual golpea los muebles con las manos. A su regreso al centro de la habitación, donde concentra ruidosamente su aluvión de claqué, la cámara se inclina hacia abajo para descubrir a Rogers en la cama, despierto e irritado. [28] Mientras sube las escaleras, Horton recibe quejas telefónicas de la gerencia del hotel. Astaire incorpora esto a su rutina, primero lo sobresalta con un golpecito en el grifo y luego lo acompaña ostentosamente hasta el teléfono. Mientras Horton se va a investigar, Astaire continúa martillando por la suite, durante la cual finge horror al ver su imagen en un espejo, una referencia a su creencia de que la cámara nunca fue amable con su rostro. La rutina termina cuando Astaire, ahora bailando con una estatua, es interrumpido por la entrada de Rogers, [4] una escena que, como en La alegre divorciada y Roberta , tipifica la forma en que Astaire incurre inadvertidamente en la hostilidad de Rogers, solo para encontrarla atractiva y desgastar su resistencia. [6]
En "No Strings (reprise)", Rogers, después de subir furiosa las escaleras para quejarse, regresa a su habitación, momento en el que Astaire, todavía decidido a bailar, se nombra a sí mismo su " hombre de arena ", rociando arena de un receptáculo de cigarrillos y arrullándola a ella, a Horton y finalmente a él mismo hasta que se duerman con un suave y gentil baile de arena, con una repetición en diminuendo de la melodía, en una escena que ha generado considerable admiración de los comentaristas de danza, [29] y ha sido objeto de afectuosas parodias cinematográficas. [30]
En " Isn't This a Lovely Day (to be Caught in the Rain) ", mientras Rogers está montando a caballo, se desata una tormenta [31] y ella se refugia en un quiosco de música. Astaire la sigue y una conversación sobre nubes y lluvia pronto da paso a la interpretación de Astaire de esta, una de las creaciones más preciadas de Berlín. Astaire canta a espaldas de Rogers, pero el público puede ver que la actitud de Rogers hacia él se suaviza durante la canción, y el propósito del baile que sigue es que ella comunique este cambio a su pareja. [4] El baile es de coqueteo y, según Mueller, despliega dos recursos coreográficos comunes al minueto clásico : imitación secuencial (un bailarín realiza un paso y el otro responde) y toqueteo. Inicialmente, la imitación es de carácter burlón, luego se convierte en un intercambio más informal y termina en un espíritu de verdadera cooperación. Hasta los últimos treinta segundos de este baile de dos minutos y medio, la pareja parece apartarse del contacto, y entonces, con un gesto del codo, Rogers invita a Astaire a entrar. [32] La rutina, a la vez cómica y romántica, incorpora pasos saltando, giros de claqué con andanadas, pasos a zancadas y arrastrados entre sus muchos recursos innovadores. El espíritu de igualdad que impregna el baile se refleja en la masculinidad de la ropa de Rogers y en el amistoso apretón de manos que intercambian al final. [4]
Para " Top Hat, White Tie and Tails ", probablemente el solo de claqué más celebrado de Astaire [33] , la idea de la canción principal surgió de Astaire, quien le describió a Berlin una rutina que había creado para el fracaso de Broadway de Ziegfeld de 1930, Smiles, llamada "Say, Young Man of Manhattan", en la que acribillaba a tiros a un coro de hombres, que incluía a un joven Bob Hope y Larry Adler [10] , con su bastón. [34] Berlin produjo debidamente la canción de su baúl y luego se construyó el concepto de la película en torno a ella. En este número, Astaire tuvo que comprometer su filosofía de una sola toma, como reconoció Sandrich: "Hicimos grandes esfuerzos para que el número 'Top Hat' pareciera una sola toma, pero en realidad son varias". [35] La notable capacidad de Astaire para cambiar el tempo dentro de una sola frase de baile se presenta ampliamente a lo largo de esta rutina y se lleva al extremo, como cuando explota en actividad desde una pose de completo silencio y viceversa. [4] Esta rutina también marca el primer uso de un bastón por parte de Astaire como apoyo en una de sus danzas filmadas. [36] El número comienza con un coro pavoneándose y arremetiendo frente a un telón de fondo de una escena callejera parisina. Dejan paso a Astaire, que avanza con confianza hacia el frente del escenario y canta la canción, que incluye la famosa línea: "Estoy saliendo, querida, para respirar una atmósfera que simplemente reeks with class", intercambiando el ocasional aluvión de tap con el coro mientras canta. El baile comienza con Astaire y el coro moviéndose al mismo ritmo. Astaire pronto arremete con un paso de tap en espiral y el coro responde tímidamente antes de abandonar el escenario en una secuencia de pasos y caminatas superpuestos, que cambian de dirección. En la primera parte del solo que sigue, Astaire se embarca en un movimiento de tap circular, adornado con golpes de bastón en los que mezcla una serie de pausas impredecibles. A medida que la cámara se aleja, las luces se atenúan y, en el misterioso pasaje que sigue, Astaire imita una serie de posturas, que van desde la amabilidad manifiesta, la cautela, la sorpresa hasta la preparación vigilante y la confianza alegre. [4] Jimmy Cagney asistió al rodaje de esta escena y asesoró a Astaire, quien afirma haber improvisado gran parte de esta sección. [37] Luego, el coro regresa en una postura amenazante y Astaire procede a despacharlos a todos, utilizando una serie inventiva de acciones que imitan el uso del bastón como pistola, metralleta, rifle y, finalmente, arco y flecha. [38]
La primera seducción de Astaire a Rogers en "Isn't This a Lovely Day" choca con el tema de identidad equivocada de la trama, por lo que hace un segundo intento, alentado por Broderick, en el número " Cheek to Cheek ". Como en "No Strings", la canción surge de la mitad de una frase de Astaire mientras baila con el vacilante Rogers en una pista llena de gente. Berlin escribió la letra y la música de este clásico perdurable en un día y, con 72 compases, es la canción más larga que haya escrito jamás. [10] Apreciaba mucho el tratamiento que Astaire le dio a la canción: "La melodía sigue subiendo y subiendo. Él se escabulló hasta allí. No hizo la menor diferencia. Lo logró". [4] Mientras navega por este material difícil, Rogers parece atraído y receptivo y, al final de la canción, bailan mejilla con mejilla a través de un puente hacia un salón de baile desierto cercano. Según el análisis de Mueller, el dúo que sigue –sin duda el más famoso de todos los bailes en pareja de Astaire y Rogers [39] – refleja la complejidad de la situación emocional en la que se encuentra la pareja. Ya no coquetean, como en “¿No es este un día encantador?”, sino que ahora están enamorados. Pero Rogers se siente culpable y engañado y preferiría evitar los avances de Astaire; en efecto, desenamorarse de él. Por lo tanto, el propósito de Astaire aquí es hacer que ella deje de lado sus recelos (que son un misterio para él) y se entregue por completo a él. El recurso coreográfico introducido para reflejar el progreso de esta seducción es la flexión hacia atrás con apoyo, que explota la excepcional flexibilidad de la espalda de Rogers. La danza principal comienza con el primero de dos breves pasajes que reutilizan el recurso de la imitación secuencial introducido en “¿No es este un día encantador?”. La pareja gira y se inclina, esquivándose de un lado a otro antes de pasar a una posición estándar de salón de baile donde se introducen los primeros indicios de la flexión hacia atrás con apoyo. La primera flexión hacia atrás ocurre al final de una secuencia donde Astaire hace girar a Rogers, la recoge hacia el escenario y la maniobra para que camine hacia adelante con los brazos unidos, repite el giro pero esta vez la rodea mientras ella gira y luego la toma en sus brazos. A medida que la música se vuelve más enérgica, los bailarines fluyen por la pista y Rogers, moviéndose contra la música, cae repentinamente en una flexión hacia atrás más profunda, que luego se repite, solo que aún más profunda. La música ahora pasa a una recapitulación tranquila de la melodía principal durante la cual la pareja se involucra en una asociación silenciada y tierna, y aquí aparece el segundo pasaje que implica imitación secuencial. Cuando la música alcanza su gran clímax, Astaire y Rogers corren hacia la cámara, luego se alejan en una serie de maniobras audaces y dramáticas que culminan en tres elevaciones de salón de baile que muestran el vestido de Rogers [40].antes de detenerse abruptamente en una última y más profunda flexión hacia atrás, que se mantiene mientras la música se acerca a sus compases finales. Se levantan y, después de un par de vueltas bailando mejilla con mejilla por primera vez desde que comenzó el baile, se detienen junto a una pared. Rogers, después de haber dirigido el baile en un estado de abandono onírico, ahora mira inquieto a Astaire antes de alejarse, como si le recordaran que su relación no puede continuar. [6] [41]
A estas alturas, Rogers ya ha descubierto la verdadera identidad de Astaire, aunque ninguno de los dos sabe todavía que su impulsivo matrimonio con Rhodes es nulo y sin valor. Cenan juntos durante una noche de carnaval en Venecia y, para ayudar a aliviar su culpa, Astaire declara: "Comamos, bebamos y seamos felices, porque mañana tenemos que enfrentarnos a él", lo que sirve de señal para la música de "El Piccolino", el gran número de producción de la película. Un desfile de góndolas es seguido por la entrada de un coro de baile que realiza una serie de poses de salón y rutinas de patrones ondulantes coreografiadas por Hermes Pan. Berlin, que dedicó un gran esfuerzo a la canción [42], la diseñó como un pastiche de "The Carioca" de Flying Down to Rio (1933) y " The Continental " de The Gay Divorcee (1934), [43] y la letra comunica su origen falso: "Fue escrita por un gondolero latino que se sentó en su casa en Brooklyn y miró las estrellas". [5] Es una canción sobre una canción [44] y Rogers se la canta a Astaire [45] después de lo cual un coro fuera de cámara la repite mientras el conjunto de baile es fotografiado, al estilo de Busby Berkeley , desde arriba. La cámara luego cambia a Rogers y Astaire, quienes saltan al escenario para realizar un baile de dos minutos, todo filmado en una sola toma, con la coreografía de Astaire-Pan haciendo referencia por separado a la melodía básica y al vampiro latino en el acompañamiento. [4] Bailan al son del acompañamiento mientras descienden los escalones y se deslizan por la pista de baile; luego, cuando entra la melodía, se detienen y realizan el paso Piccolino, que implica que los pies se muevan hacia los lados del cuerpo. El resto del baile implica repeticiones y variaciones del paso Piccolino y los pasos de salto asociados con el vamp, lo que lleva a algunas fusiones complejas de los dos. En la aparición final de la melodía del vamp, los bailarines realizan una forma muy embellecida del paso Piccolino mientras viajan de lado a su mesa, hundiéndose en sus sillas y levantando sus copas en un brindis. [4]
"El Piccolino (repetición)": después de que las distintas partes se enfrentan en la suite nupcial, y se revela que el "matrimonio" de Rogers con Rhodes fue realizado por un falso clérigo, la escena está preparada para que Astaire y Rogers bailen hasta el atardecer, lo que hacen debidamente, en este fragmento de un dueto mucho más largo (el original se cortó después de los avances de julio de 1935), pero no antes de desfilar por el escenario veneciano y repetir el paso de Piccolino.
La película se estrenó en el Radio City Music Hall de Nueva York el 29 de agosto de 1935 [46] y estableció un récord de taquilla con una recaudación de 134.800 dólares en su primera semana. [47] Se desplegaron veinticinco policías para controlar a las multitudes. [48] En sus 3 semanas en el Music Hall, recaudó 350.000 dólares. [49] En total, la película obtuvo alquileres de 1.782.000 dólares en los EE. UU. y Canadá y 1.420.000 dólares en otros lugares. RKO obtuvo una ganancia de 1.325.000 dólares, lo que la convirtió en la película más rentable del estudio en la década de 1930. [3]
Fue la cuarta película más popular en la taquilla británica entre 1935 y 1936. [50]
Las críticas sobre Top Hat fueron en su mayoría positivas. El diario Los Angeles Evening Herald Express elogió la película y exclamó: « ¡Top Hat es lo máximo! ¡Con Fred Astaire bailando y cantando melodías de Irving Berlin! Bueno, uno (en su sano juicio) no podría pedir mucho más, a menos, por supuesto, que pudieran ser un par de bises». El New York Times elogió los números musicales de la película, pero criticó la trama, describiéndola como «un poco floja», pero también afirmando que «es lo suficientemente vivaz como para llenar esos huecos inevitables entre los bailes resplandecientes y alegres». «Top Hat» merece la pena hacer cola. Por el aspecto que tenía el vestíbulo ayer por la tarde, probablemente tendrá que hacerlo». [51]
Variety también destacó la trama y el reparto, afirmando que "la señal de peligro está en la historia y el reparto. Si sustituyes a Alice Brady por Helen Broderick, es la misma alineación de actores que en La gay divorciada . Además, las situaciones en los dos guiones son muy paralelas entre sí". Sin embargo, concluyó que Sombrero de copa era una película "que no se puede perder". [52]
En 1935, Graham Greene escribió para The Spectator una crítica generalmente positiva de la película, describiéndola como "un vehículo para el genio de Fred Astaire" y señalando que la actuación de Astaire eliminó cualquier preocupación sobre el hecho de que "la música y las letras son malas" o que Astaire "tiene que actuar con seres humanos [que no pueden igualar] su libertad, ligereza y felicidad". [53]
En 2022 [actualizar], el sitio web de recopilación de reseñas Rotten Tomatoes informó que la película tenía una calificación de aprobación "fresca" del 100% según 42 reseñas, con una calificación promedio de 8,70/10. El consenso crítico del sitio web dice: " Top Hat , una diversión glamorosa y fascinante de la era de la depresión, es casi impecable, con acrobacias de Fred Astaire y Ginger Rogers que hacen que las acrobacias físicas más difíciles parezcan ligeras como el aire". [54]
La película fue nominada al Óscar a la mejor película , así como a la mejor dirección artística ( Carroll Clark y Van Nest Polglase ), canción original ( Irving Berlin por «Cheek to Cheek») y dirección de baile ( Hermes Pan por «Piccolino» y «Top Hat»). [55] En 1990, Top Hat fue seleccionada para su preservación en el Registro Nacional de Cine de los Estados Unidos por la Biblioteca del Congreso por ser «cultural, histórica o estéticamente significativa». [56] La película ocupó el puesto número 15 en la lista de los mejores musicales del American Film Institute de 2006. [57]
Se ha hecho referencia nostálgica a Top Hat (particularmente su segmento "Cheek to Cheek") en muchas películas, incluyendo The Purple Rose of Cairo (1985), [58] The English Patient (1996), [59] The Green Mile (1999), [60] La La Land (2016) [61] y la película animada The Boss Baby (2017). El cartel de la película de Top Hat apareció en la película Kung Fu Hustle de Stephen Chow. El cantautor británico-irlandés Chris de Burgh hizo referencia a la película en su éxito de 1986 , " The Lady in Red ", en la que él y la dama epónima de la canción bailaron "Cheek to Cheek".
La película ha sido adaptada a un musical teatral que comenzó a recorrer el Reino Unido a finales de 2011. El reparto incluía a Summer Strallen como Dale, Tom Chambers como Jerry y Martin Ball como Horace. El espectáculo se estrenó en el Teatro Milton Keynes el 19 de agosto de 2011, antes de realizar una gira por otros teatros regionales del Reino Unido, incluidos Leeds, Birmingham y Edimburgo. La producción se trasladó al Teatro Aldwych del West End el 19 de abril de 2012, y se estrenó el 9 de mayo de 2012. [62] Ganó tres premios Olivier en 2013, incluido el de Mejor musical nuevo.
En 2003, se estrenó por separado una versión restaurada digitalmente de Top Hat , y como parte de The Fred and Ginger Collection, Vol. 1 de Universal Studios , que controla los derechos de las películas de RKO Astaire-Rogers en el Reino Unido. En ambos lanzamientos, la película cuenta con una introducción de Ava Astaire McKenzie.
En 2005, una versión restaurada digitalmente de Top Hat , diferente de la restauración de la Región 2, fue lanzada en DVD de la Región 1 por separado y como parte de The Astaire & Rogers Collection, Vol.1 de Warner Home Video . En ambos casos, la película cuenta con un comentario de la hija de Astaire, Ava Astaire McKenzie, y Larry Billman, autor de Fred Astaire, a Bio-bibliography. [63]
Bibliografía