La crítica de arte es la discusión o evaluación del arte visual . [1] [2] [3] Los críticos de arte generalmente critican el arte en el contexto de la estética o la teoría de la belleza. [2] [3] Un objetivo de la crítica de arte es la búsqueda de una base racional para la apreciación del arte [1] [2] [3] pero es cuestionable si dicha crítica puede trascender las circunstancias sociopolíticas prevalecientes. [4]
La variedad de movimientos artísticos ha dado lugar a una división de la crítica de arte en diferentes disciplinas que pueden utilizar cada una de ellas diferentes criterios para sus juicios. [3] [5] La división más común en el campo de la crítica es entre la crítica histórica y la evaluación, una forma de historia del arte , y la crítica contemporánea de las obras de artistas vivos. [1] [2] [3]
A pesar de la percepción de que la crítica de arte es una actividad de mucho menor riesgo que hacer arte, las opiniones sobre el arte actual siempre están sujetas a correcciones drásticas con el paso del tiempo. [2] Los críticos del pasado a menudo son ridiculizados por desestimar a artistas ahora venerados (como el trabajo temprano de los impresionistas ). [3] [6] [7] Algunos movimientos artísticos fueron nombrados despectivamente por los críticos, y el nombre fue adoptado más tarde como una especie de insignia de honor por los artistas del estilo (por ejemplo, el impresionismo , el cubismo ), con el significado negativo original olvidado. [6] [8]
Los artistas a menudo han tenido una relación incómoda con sus críticos. Los artistas suelen necesitar opiniones positivas de los críticos para que sus obras sean vistas y compradas; por desgracia para ellos, solo las generaciones posteriores podrán entenderlo. [2] [9]
Existen muchas variables diferentes que determinan el juicio sobre el arte, como la estética, la cognición o la percepción. El arte es un instinto humano con una amplia gama de formas y expresiones. El arte puede ser independiente y emitir un juicio instantáneo, o puede ser visto con un conocimiento más profundo. Las teorías estéticas, pragmáticas, expresivas, formalistas, relativistas, procesionales, de imitación, rituales, cognitivas, miméticas y posmodernas son algunas de las muchas teorías para criticar y apreciar el arte. La crítica y la apreciación del arte pueden ser subjetivas y basarse en la preferencia personal por la estética y la forma, o pueden basarse en los elementos y principios del diseño y en la aceptación social y cultural. [ cita requerida ]
La crítica de arte tiene muchos y a menudo numerosos puntos de vista subjetivos que son casi tan variados como personas que la practican. [2] [3] Es difícil llegar a una definición más estable que la de la actividad relacionada con la discusión e interpretación del arte y su valor. [3] Dependiendo de quién escriba sobre el tema, la "crítica de arte" en sí misma puede obviarse como un objetivo directo o puede incluir la historia del arte dentro de su marco. [3] Independientemente de los problemas de definición, la crítica de arte puede referirse a la historia del oficio en sus ensayos y la historia del arte en sí puede utilizar métodos críticos implícitamente. [2] [3] [7] Según el historiador de arte R. Siva Kumar , "Las fronteras entre la historia del arte y la crítica de arte... ya no están tan firmemente trazadas como solían estarlo. Quizás comenzó con los historiadores del arte que se interesaron por el arte moderno". [10]
La crítica de arte incluye un aspecto descriptivo, [3] donde la obra de arte se traduce suficientemente en palabras como para permitir que se presente un caso. [2] [3] [7] [11] La evaluación de una obra de arte que sigue a la descripción (o está intercalada con ella) depende tanto de la producción del artista como de la experiencia del crítico. [2] [3] [8] Hay en una actividad con un componente subjetivo tan marcado una variedad de formas en las que puede llevarse a cabo. [2] [3] [7] Como extremos de un espectro posible, [12] mientras que algunos favorecen simplemente comentar las impresiones inmediatas causadas por un objeto artístico, [2] [3] otros prefieren un enfoque más sistemático que recurra al conocimiento técnico, la teoría estética favorecida y el contexto sociocultural conocido en el que está inmerso el artista para discernir su intención. [2] [3] [7]
Las críticas de arte probablemente se originaron con los orígenes del arte mismo, como lo evidencian los textos encontrados en las obras de Platón , Vitruvio o Agustín de Hipona , entre otros, que contienen formas tempranas de crítica de arte. [3] Además, los mecenas ricos han empleado, al menos desde el comienzo del Renacimiento , evaluadores de arte intermediarios para ayudarlos en la obtención de encargos y/o piezas terminadas. [13] [14]
La crítica de arte, como género de escritura, obtuvo su forma moderna en el siglo XVIII. [3] El primer uso del término crítica de arte lo hizo el pintor inglés Jonathan Richardson en su publicación de 1719 Ensayo sobre todo el arte de la crítica . En esta obra, intentó crear un sistema objetivo para la clasificación de obras de arte. Se le dio una puntuación de 0 a 18 a siete categorías, que incluían dibujo, composición, invención y colorido, que se combinaron para dar una puntuación final. El término que introdujo se popularizó rápidamente, especialmente cuando la clase media inglesa comenzó a ser más exigente en sus adquisiciones de arte, como símbolos de su ostentación de estatus social. [15]
En Francia e Inglaterra, a mediados del siglo XVIII, el interés público por el arte comenzó a generalizarse y las obras de arte se exhibían regularmente en los Salones de París y en las Exposiciones de Verano de Londres. Los primeros escritores que adquirieron una reputación individual como críticos de arte en la Francia del siglo XVIII fueron Jean-Baptiste Dubos con sus Réflexions critiques sur la poésie et sur la peinture (1718) [16], que le valió el reconocimiento de Voltaire por la sagacidad de su enfoque de la teoría estética; [17] y Étienne La Font de Saint-Yenne con Reflexions sur quelques causes de l'état présent de la peinture en France, que escribió sobre el Salón de 1746, [18] comentando el marco socioeconómico de la producción del entonces popular estilo artístico barroco , [19] lo que dio lugar a una percepción de sentimientos antimonárquicos en el texto. [20]
El escritor francés del siglo XVIII Denis Diderot hizo avanzar enormemente el medio de la crítica de arte. "El Salón de 1765" [21] de Diderot fue uno de los primeros intentos reales de plasmar el arte en palabras. [22] Según el historiador de arte Thomas E. Crow , "Cuando Diderot se dedicó a la crítica de arte, fue tras la primera generación de escritores profesionales que se dedicaron a ofrecer descripciones y juicios sobre la pintura y la escultura contemporáneas. La demanda de tales comentarios fue producto de la institución igualmente novedosa de las exposiciones públicas, gratuitas y regulares del arte más reciente". [23]
Mientras tanto, en Inglaterra, una exposición de la Society of Arts en 1762 y más tarde, en 1766, provocó una oleada de panfletos críticos, aunque anónimos. Los periódicos y publicaciones periódicas de la época, como el London Chronicle , comenzaron a publicar columnas de crítica de arte, una forma que despegó con la fundación de la Royal Academy en 1768. En la década de 1770, el Morning Chronicle se convirtió en el primer periódico en revisar sistemáticamente el arte presentado en las exposiciones. [15]
A partir del siglo XIX, la crítica de arte se convirtió en una vocación más común e incluso en una profesión, [3] desarrollando a veces métodos formalizados basados en teorías estéticas particulares . [2] [3] [5] [12] En Francia, surgió una grieta en la década de 1820 entre los defensores de las formas de arte neoclásicas tradicionales y la nueva moda romántica . Los neoclásicos, bajo Étienne-Jean Delécluze , defendieron el ideal clásico y preferían la forma cuidadosamente terminada en las pinturas. Los románticos, como Stendhal , criticaron los viejos estilos por ser demasiado formalistas y carentes de sentimiento. En cambio, defendieron los nuevos matices expresivos, idealistas y emocionales del arte romántico. Un debate similar, aunque más silenciado, también ocurrió en Inglaterra. [15]
Uno de los críticos más destacados de Inglaterra en aquella época era William Hazlitt , pintor y ensayista. Escribió sobre su profundo placer por el arte y su creencia de que las artes podían utilizarse para mejorar la generosidad de espíritu de la humanidad y su conocimiento del mundo que la rodea. Fue uno de los críticos ingleses que empezaron a sentirse incómodos con la dirección cada vez más abstracta que estaba tomando el arte paisajístico de JMW Turner . [15]
Uno de los grandes críticos del siglo XIX fue John Ruskin . En 1843 publicó Modern Painters , que repetía conceptos de "Landscape and Portrait-Painting" en The Yankee (1829) del primer crítico de arte estadounidense John Neal [24] en su distinción entre "cosas vistas por el artista" y "cosas como son". [25] A través de un análisis minucioso y atención al detalle, Ruskin logró lo que el historiador de arte EH Gombrich llamó "la obra más ambiciosa de crítica de arte científica jamás intentada". Ruskin se hizo famoso por su prosa rica y fluida, y más tarde en su vida se diversificó para convertirse en un crítico activo y de amplio alcance, publicando obras sobre arquitectura y arte renacentista , incluyendo las Piedras de Venecia .
Otra figura dominante en la crítica de arte del siglo XIX fue el poeta francés Charles Baudelaire , cuyo primer trabajo publicado fue su reseña de arte Salon de 1845 , [26] que atrajo la atención inmediata por su audacia. [27] Muchas de sus opiniones críticas fueron novedosas en su época, [27] incluida su defensa de Eugène Delacroix . [28] Cuando la famosa Olympia (1865) de Édouard Manet , un retrato de una cortesana desnuda, provocó un escándalo por su realismo descarado, [29] Baudelaire trabajó en privado para apoyar a su amigo. [30] Afirmó que "la crítica debe ser parcial, apasionada, política, es decir, formada desde un punto de vista exclusivo, pero también desde un punto de vista que abra el mayor número de horizontes". Intentó alejar el debate de las viejas posiciones binarias de décadas anteriores, declarando que "el verdadero pintor será aquel que sepa extraer de la vida contemporánea su aspecto épico y hacernos ver y entender, con el color o en el dibujo, lo grandes y poéticos que somos con nuestras corbatas y nuestras botas lustradas". [15]
En 1877, John Ruskin ridiculizó Nocturno en negro y oro: el cohete cayendo después de que el artista, James McNeill Whistler , lo exhibiera en la Galería Grosvenor : [31] "He visto y oído mucho de la insolencia cockney antes de ahora; pero nunca esperé escuchar a un petimetre pedir doscientas guineas por arrojar un bote de pintura a la cara del público". [32] Esta crítica provocó que Whistler demandara al crítico por difamación. [33] [34] El proceso judicial que siguió resultó ser una victoria pírrica para Whistler. [35] [36] [37]
Hacia finales del siglo XIX, un movimiento hacia la abstracción, en oposición al contenido específico, comenzó a ganar terreno en Inglaterra, notablemente defendido por el dramaturgo Oscar Wilde . A principios del siglo XX, estas actitudes se fusionaron formalmente en una filosofía coherente, a través del trabajo de los miembros del Grupo Bloomsbury Roger Fry y Clive Bell . [39] [40] Como historiador del arte en la década de 1890, Fry se sintió intrigado por el nuevo arte modernista y su alejamiento de la representación tradicional. Su exhibición de 1910 de lo que él llamó arte postimpresionista atrajo muchas críticas por su iconoclasia. Se defendió vigorosamente en una conferencia, en la que argumentó que el arte se había movido para intentar descubrir el lenguaje de la imaginación pura, en lugar de la captura científica seria y, en su opinión, deshonesta del paisaje. [41] [42] El argumento de Fry resultó ser muy influyente en ese momento, especialmente entre la élite progresista. Virginia Woolf comentó que: "alrededor de diciembre de 1910 [la fecha en que Fry dio su conferencia] el carácter humano cambió". [15]
De manera independiente y al mismo tiempo, Clive Bell argumentó en su libro de 1914 Art que toda obra de arte tiene su particular "forma significativa", mientras que el tema convencional era esencialmente irrelevante. Este trabajo sentó las bases para el enfoque formalista del arte. [5] En 1920, Fry sostuvo que "para mí es lo mismo si represento a un Cristo o una cacerola , ya que es la forma, y no el objeto en sí, lo que me interesa". Además de ser un defensor del formalismo , sostuvo que el valor del arte radica en su capacidad de producir una experiencia estética distintiva en el espectador, una experiencia que él llamó "emoción estética". La definió como aquella experiencia que se despierta por la forma significativa. También sugirió que la razón por la que experimentamos emoción estética en respuesta a la forma significativa de una obra de arte era que percibimos esa forma como una expresión de una experiencia que tiene el artista. La experiencia del artista, a su vez, sugirió, fue la experiencia de ver objetos ordinarios en el mundo como forma pura: la experiencia que uno tiene cuando ve algo no como un medio para otra cosa, sino como un fin en sí mismo. [ cita requerida ]
Herbert Read fue un defensor de artistas británicos modernos como Paul Nash , Ben Nicholson , Henry Moore y Barbara Hepworth y se asoció con el grupo de arte contemporáneo de Nash, Unit One. Se centró en el modernismo de Pablo Picasso y Georges Braque , y publicó un influyente ensayo de 1929 sobre el significado del arte en The Listener . [43] [44] [45] [46] También editó la revista Burlington Magazine (1933-1938) , que marcó tendencia , y ayudó a organizar la Exposición Surrealista Internacional de Londres en 1936. [47]
Como en el caso de Baudelaire en el siglo XIX, el fenómeno del poeta-como-crítico apareció una vez más en el siglo XX, cuando el poeta francés Apollinaire se convirtió en el campeón del cubismo. [48] [49] Más tarde, el escritor francés y héroe de la Resistencia André Malraux escribió extensamente sobre arte, [50] yendo mucho más allá de los límites de su Europa natal. [51] Su convicción de que la vanguardia en América Latina estaba en el muralismo mexicano ( Orozco , Rivera y Siqueiros ) [ cita requerida ] cambió después de su viaje a Buenos Aires en 1958. Después de visitar los estudios de varios artistas argentinos en compañía del joven director del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires Rafael Squirru , Malraux declaró que la nueva vanguardia estaba en los nuevos movimientos artísticos de Argentina . [ cita requerida ] Squirru, un poeta-crítico que se convirtió en Director Cultural de la OEA en Washington, DC , durante la década de 1960, fue el último en entrevistar a Edward Hopper antes de su muerte, lo que contribuyó a un renacimiento del interés en el artista estadounidense. [52]
En la década de 1940 no sólo había pocas galerías ( The Art of This Century ) sino también pocos críticos que estuvieran dispuestos a seguir el trabajo de la vanguardia neoyorquina. [53] También había algunos artistas con formación literaria, entre ellos Robert Motherwell y Barnett Newman, que también funcionaban como críticos. [54] [55] [56]
Aunque Nueva York y el mundo no estaban familiarizados con la vanguardia neoyorquina , [53] a finales de la década de 1940 la mayoría de los artistas que se han convertido en nombres familiares hoy en día tenían sus críticos mecenas bien establecidos. [57] Clement Greenberg abogó por el expresionismo abstracto y los pintores de campos de color como Jackson Pollock , Clyfford Still , Mark Rothko , Barnett Newman , Adolph Gottlieb y Hans Hofmann . [58] [59] [60] [61] [62] [63] [64] Harold Rosenberg parecía preferir a los pintores de acción como Willem de Kooning y Franz Kline . [65] [66] Thomas B. Hess , el editor gerente de ARTnews , defendió a Willem de Kooning . [67]
Los nuevos críticos encumbraron a sus protegidos al catalogar a otros artistas como "seguidores" o al ignorar a aquellos que no contribuían a sus objetivos promocionales. [5] [68] Como ejemplo, en 1958, Mark Tobey "se convirtió en el primer pintor estadounidense desde Whistler (1895) en ganar el primer premio en la Bienal de Venecia. Las dos principales revistas de arte de Nueva York no se interesaron. Arts mencionó el evento histórico solo en una columna de noticias y Art News (editor ejecutivo: Thomas B. Hess) lo ignoró por completo. The New York Times y Life publicaron artículos especiales". [69]
Barnett Newman , un miembro fallecido del Uptown Group, escribió prólogos y reseñas de catálogos y, a finales de la década de 1940, se convirtió en un artista expositor en la galería Betty Parsons. Su primera muestra individual fue en 1948. Poco después de su primera exposición, Barnett Newman comentó en una de las sesiones de artistas en Studio 35: "Estamos en el proceso de hacer el mundo, hasta cierto punto, a nuestra propia imagen". [70] Utilizando sus habilidades de escritura, Newman luchó en cada paso del camino para reforzar su recién establecida imagen como artista y promover su trabajo. Un ejemplo es su carta a Sidney Janis del 9 de abril de 1955:
Es cierto que Rothko habla como un luchador. Pero lucha por someterse al mundo filisteo. Mi lucha contra la sociedad burguesa ha implicado el rechazo total de ésta. [71]
La persona que se cree que tuvo más que ver con la promoción de este estilo fue un trotskista de Nueva York , Clement Greenberg . [5] [57] Como crítico de arte durante mucho tiempo para Partisan Review y The Nation , se convirtió en un defensor temprano y culto del expresionismo abstracto. [5] El artista Robert Motherwell , adinerado, se unió a Greenberg en la promoción de un estilo que encajaba con el clima político y la rebeldía intelectual de la época. [72]
Clement Greenberg proclamó el expresionismo abstracto y, en particular, a Jackson Pollock como el epítome del valor estético. Greenberg apoyó la obra de Pollock sobre bases formalistas, considerándola simplemente la mejor pintura de su época y la culminación de una tradición artística que se remonta al cubismo y a Cézanne , pasando por Monet , en la que la pintura se volvió cada vez más "pura" y más concentrada en lo que era "esencial" para ella, la realización de marcas sobre una superficie plana. [73]
La obra de Jackson Pollock siempre ha polarizado a los críticos. Harold Rosenberg habló de la transformación de la pintura en un drama existencial en la obra de Pollock, en la que "lo que iba a aparecer en el lienzo no era un cuadro sino un acontecimiento". "El gran momento llegó cuando se decidió pintar 'sólo por pintar'. El gesto en el lienzo era un gesto de liberación del valor: político, estético, moral". [74]
Uno de los críticos más vocales del expresionismo abstracto en ese momento fue el crítico de arte del New York Times, John Canaday . [75] Meyer Schapiro y Leo Steinberg también fueron importantes historiadores del arte de posguerra que expresaron su apoyo al expresionismo abstracto. [76] [77] Durante los primeros y mediados de los años sesenta, los críticos de arte más jóvenes Michael Fried , Rosalind Krauss y Robert Hughes aportaron ideas considerables a la dialéctica crítica que continúa creciendo en torno al expresionismo abstracto. [78] [79] [80]
La crítica de arte feminista surgió en la década de 1970 a partir del movimiento feminista más amplio como el examen crítico tanto de las representaciones visuales de las mujeres en el arte como del arte producido por mujeres . [81]
En la actualidad, los críticos de arte no sólo trabajan en medios impresos, revistas especializadas y periódicos, sino que también aparecen en Internet, la televisión y la radio, así como en museos y galerías. [1] [82] Muchos de ellos también trabajan en universidades o como educadores de arte en museos. Los críticos de arte son comisarios de exposiciones y, con frecuencia, se les contrata para que escriban catálogos de exposiciones. [1] [2] Los críticos de arte tienen su propia organización, una organización no gubernamental de la UNESCO , llamada Asociación Internacional de Críticos de Arte , que cuenta con alrededor de 76 secciones nacionales y una sección políticamente no alineada para refugiados y exiliados. [83]
Desde principios del siglo XXI, han surgido en todo el mundo sitios web de crítica de arte en línea y blogs de arte que suman sus voces al mundo del arte. [84] [85] Muchos de estos escritores utilizan recursos de redes sociales como Facebook, Twitter, Tumblr y Google+ para presentar a los lectores sus opiniones sobre la crítica de arte.
