Las prácticas de estudio de los Beatles evolucionaron durante la década de 1960 y, en algunos casos, influyeron en la forma en que se grababa la música popular. Algunos de los efectos que emplearon fueron el muestreo , el doble seguimiento artificial (ADT) y el uso elaborado de máquinas de grabación multipista . También utilizaron instrumentos clásicos en sus grabaciones y comentarios de guitarra . Paul McCartney resumió la actitud del grupo hacia el proceso de grabación : "Diríamos: 'Pruébalo. Inténtalo por nosotros. Si suena mal, está bien, lo perderemos. Pero puede que suene bien'. Siempre estábamos avanzando: más fuerte, más lejos, más largo, más, diferente". [1]
A principios de la década de 1960, los estudios Abbey Road de EMI estaban equipados con grabadoras de cinta británicas (BTR) [2] fabricadas por EMI que se desarrollaron en 1948, como copias de las grabadoras alemanas de la guerra. El BTR era un vehículo de doble vía basado en válvulas . Al grabar en la máquina de doble pista había muy pocas posibilidades de sobregrabación; la grabación fue esencialmente la de una actuación de música en vivo .
Los dos primeros álbumes de los Beatles, Please Please Me y With The Beatles , se grabaron en máquinas de dos pistas de BTR; [3] con la introducción de las máquinas de cuatro pistas en 1963 (la primera grabación de los Beatles de cuatro pistas fue " I Want to Hold Your Hand " [4] ), se produjo un cambio en la forma en que se hacían las grabaciones: se podían crear pistas capa por capa, fomentando la experimentación en el proceso de grabación multipista . [5]
En 1968 estuvieron disponibles las grabadoras de ocho pistas, pero Abbey Road tardó un poco en adoptar la nueva tecnología y varias pistas de los Beatles (incluida " Hey Jude ") se grabaron en otros estudios de Londres para tener acceso a las nuevas grabadoras de ocho pistas. . [6]
El álbum de los Beatles, Abbey Road , fue el único que se grabó utilizando una consola de mezclas transistorizada , la EMI TG12345 , en lugar de las anteriores consolas de válvulas REDD. Let It Be se grabó en gran parte en los estudios Apple de los Beatles, utilizando consolas de válvulas REDD prestadas de EMI después de que el diseñador Magic Alex (Alex Mardas) no lograra encontrar un escritorio adecuado para el estudio. El ingeniero Geoff Emerick ha dicho que la consola transistorizada jugó un papel importante en la configuración del sonido general de Abbey Road , careciendo del toque agresivo de las consolas de válvulas. [7]
El éxito de los Beatles significó que EMI les dio carta blanca de acceso a los estudios de Abbey Road: no se les cobraba por el tiempo de estudio [8] y podían pasar todo el tiempo que quisieran trabajando en música. A partir de 1965 con las sesiones de Rubber Soul , los Beatles utilizaron cada vez más el estudio como un instrumento en sí mismo, pasando largas horas experimentando y escribiendo. [5] Los Beatles exigieron mucho del estudio; Lennon supuestamente quería saber por qué el bajo de cierto disco de Wilson Pickett excedía con creces el bajo de cualquier disco de los Beatles. Esto llevó al ingeniero de EMI, Geoff Emerick, a probar nuevas técnicas para " Paperback Writer ". Explica que en la canción "fue la primera vez que el sonido del bajo se escuchó con toda su emoción... Para lograr el sonido de bajo fuerte, Paul tocó un bajo diferente, un Rickenbacker. Luego lo potenciamos aún más usando un altavoz como micrófono". Lo colocamos directamente delante del altavoz de graves y el diafragma móvil del segundo altavoz generó la corriente eléctrica". [9]
Combinado con esto estaba el deseo consciente de ser diferente. McCartney dijo: "Cada vez queremos hacer algo diferente. Después de Please Please Me decidimos que debíamos hacer algo diferente para la siguiente canción... ¿Por qué querríamos volver? Eso sería suave". [10] El deseo de "hacer algo diferente" impulsó la tecnología de grabación de EMI a sobrecargar la mesa de mezclas ya en 1964 en temas como " Eight Days a Week ", incluso en esta fecha relativamente temprana, el tema comienza con un desvanecimiento gradual. , un recurso que rara vez se había empleado en la música rock. [11] Paul McCartney crearía líneas de bajo más sofisticadas sobregrabando en contrapunto pistas de los Beatles que se habían completado previamente. [12] También se utilizaron voces sobregrabadas para nuevos propósitos artísticos en " Julia ", con John Lennon superponiendo el final de una frase vocal con el comienzo de la siguiente. [13] En "I Want to Hold Your Hand" (1963), los Beatles innovaron utilizando guitarras con sonido de órgano, lo que se logró mediante una compresión extrema en la guitarra rítmica de Lennon. [14] [ se necesitan citas adicionales ] [ se necesita aclaración ]
Los ingenieros y otro personal de Abbey Road han informado que los Beatles intentarían aprovechar sucesos accidentales en el proceso de grabación; La retroalimentación de " I Feel Fine " y " It's All Too Much " y la botella de vidrio resonante de " Long, Long, Long " (hacia el final de la pista) son ejemplos de esto. [15] En otros casos, el grupo jugó deliberadamente con situaciones y técnicas que fomentarían efectos aleatorios, como la mezcla en vivo (y por lo tanto impredecible) de una transmisión de radio del Reino Unido con el desvanecimiento de " I Am the Walrus " o el ensamblaje caótico de " Mañana nunca se sabe ".
La canción de los Beatles " You Like Me Too Much " tiene uno de los primeros ejemplos de esta técnica: [ se necesita aclaración ] los Beatles grabaron el piano eléctrico a través de un altavoz Leslie giratorio Hammond B-3 , un 122 o 122RV, un truco que usarían volver una y otra vez. (Al final de la introducción, se oye el apagado del Leslie). [ cita necesaria ] También en "Tomorrow Never Knows" la voz se envió a través de un altavoz Leslie. Aunque no es el primer uso vocal registrado de un altavoz Leslie , la técnica sería utilizada más tarde por Grateful Dead , Cream , The Moody Blues y otros. [dieciséis]
Todos los Beatles tenían grabadoras Brenell en casa, [17] lo que les permitía grabar fuera del estudio. Algunos de sus experimentos caseros se utilizaron en Abbey Road y terminaron en masters terminados, en particular en "Tomorrow Never Knows". [18]
Aunque las cuerdas se utilizaban habitualmente en las grabaciones pop, la sugerencia de George Martin de utilizar un cuarteto de cuerdas para la grabación de " Yesterday " marcó un cambio importante para los Beatles. McCartney recordó haberlo tocado con los otros Beatles y Starr diciendo que no tenía sentido tener batería en la pista y Lennon y Harrison diciendo que no tenía sentido tener guitarras adicionales. George Martin sugirió un solo de guitarra acústica y un cuarteto de cuerdas. [19]
A medida que se desarrolló el trabajo musical de los Beatles, particularmente en el estudio, se agregaron cada vez más instrumentos clásicos a las pistas. Lennon recordó la educación bidireccional; los Beatles y Martin aprendieron unos de otros: George Martin preguntó si habían oído un oboe y los Beatles dijeron: "No, ¿cuál es ese?". [20]
Geoff Emerick documentó el cambio de actitud hacia el pop, a diferencia de la música clásica, durante la carrera de los Beatles. En EMI, a principios de la década de 1960, los ingenieros de equilibrio eran "clásicos" o "pop". [21] De manera similar, Paul McCartney recordó un gran interruptor "Pop/Clásico" en la mesa de mezclas. [22] Emerick también notó una tensión entre la gente clásica y pop, incluso comiendo por separado en la cantina. La tensión también aumentó ya que era el dinero de las ventas del pop el que pagaba las sesiones de música clásica. [23]
Emerick fue el ingeniero de "A Day in the Life", que utilizó una orquesta de 40 músicos y recordó la "consternación" entre los músicos clásicos cuando se les pidió que improvisaran entre las notas más bajas y más altas de sus instrumentos (con narices de goma). . [24] Sin embargo, Emerick también vio un cambio de actitud al final de la grabación cuando todos los presentes (incluida la orquesta) rompieron en aplausos espontáneos. Emerick recordó la velada como el "paso de antorcha" entre las viejas actitudes hacia la música pop y las nuevas. [25]
Compositores como Robert Ashley utilizaron la retroalimentación de audio a principios de los años 60. [26] The Wolfman de Ashley , que utiliza ampliamente la retroalimentación, fue compuesta a principios de 1964, aunque no se escuchó públicamente hasta el otoño de ese año. [27] En el mismo año que los experimentos de retroalimentación de Ashley, la canción de The Beatles "I Feel Fine", grabada el 18 de octubre, comienza con una nota de retroalimentación producida al tocar la nota A en el bajo de McCartney , que fue recogida en el semi de Lennon. -guitarra acustica . Se distinguió de sus predecesores por un sonido de guitarra más complejo, particularmente en su introducción, una nota eléctrica pulsada y sostenida que después de unos segundos aumentó de volumen y zumbó como una navaja eléctrica. Este fue el primer uso de la retroalimentación en un disco de rock. [28] Hablando en una de sus últimas entrevistas, con Andy Peebles de la BBC , Lennon dijo que este era el primer uso intencional de retroalimentación en un disco musical. En la serie The Beatles Anthology , George Harrison dijo que la retroalimentación comenzó accidentalmente cuando se colocó una guitarra en un amplificador, pero que Lennon había descubierto cómo lograr el efecto en vivo en el escenario. En The Complete Beatles Recording Sessions , Mark Lewisohn afirma que todas las tomas de la canción incluyeron la retroalimentación. [18]
Los Beatles continuaron utilizando comentarios en canciones posteriores. "It's All Too Much", por ejemplo, comienza con una respuesta sostenida de guitarra. [ cita necesaria ]
Durante la grabación de " Eleanor Rigby " el 28 de abril de 1966, McCartney dijo que quería evitar las cuerdas de " Mancini ". Para cumplir con este encargo, Geoff Emerick acercó las cuerdas al micrófono: los micrófonos casi tocaban las cuerdas. George Martin tuvo que ordenar a los jugadores que no se alejaran de los micrófonos. [29]
Los micrófonos comenzaron a colocarse más cerca de los instrumentos para producir un sonido más completo. La batería de Ringo tenía un suéter grande metido en el bombo para "amortiguar" el sonido mientras que el micrófono del bombo estaba colocado muy cerca, lo que hacía que el tambor fuera más prominente en la mezcla. "Eleanor Rigby" presenta sólo a McCartney y un cuarteto de doble cuerda que tiene los instrumentos microfoneados tan cerca de la cuerda que "los músicos estaban horrorizados". En " Got to Get You into My Life ", los metales fueron microfoneados en las campanas de sus instrumentos y luego sometidos a un limitador Fairchild. [30] [ página necesaria ]
Según Emerick, en 1966, esto se consideró una forma radicalmente nueva de grabar cuerdas; hoy en día es una práctica común. [29]
La entrada directa fue utilizada por primera vez por los Beatles el 1 de febrero de 1967 para grabar el bajo de McCartney en " Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band ". Con entrada directa, la pastilla de guitarra se conecta a la consola de grabación a través de una caja DI de adaptación de impedancia. Ken Townsend afirmó que esto fue el primer uso en cualquier parte del mundo, [31] aunque se sabe que Joe Meek , un productor independiente de Londres, lo hizo antes (principios de la década de 1960) [32] [ página necesaria ] y en Estados Unidos, los ingenieros de Motown había estado usando Direct Input desde principios de la década de 1960 para guitarras y bajos, principalmente debido a restricciones de espacio en su pequeño estudio de grabación 'Snakepit'. [33]
El doble seguimiento artificial (ADT) fue inventado por Ken Townsend en 1966, durante la grabación de Revolver . [34] Con la llegada de las grabaciones de cuatro pistas, fue posible duplicar las voces mediante las cuales el intérprete canta junto con su propia voz previamente grabada. Phil McDonald, miembro del personal del estudio, recordó que a Lennon no le gustaba mucho cantar una canción dos veces (obviamente era importante cantar exactamente las mismas palabras con el mismo fraseo) y después de una velada particularmente difícil de doble seguimiento vocal, Townsend " "Tuve una idea" mientras conducía a casa una tarde y oí el ruido del coche de delante. [34] ADT funciona tomando la grabación original de una parte vocal y duplicándola en una segunda máquina de cinta que tiene un control de velocidad variable. La manipulación de la velocidad de la segunda máquina durante la reproducción introduce un retraso entre la voz original y la segunda grabación de la misma, dando el efecto de doble seguimiento sin tener que cantar la parte dos veces.
El efecto se había creado "accidentalmente" antes, durante la grabación de "Yesterday": se utilizaron altavoces para dar pistas al cuarteto de cuerdas y parte de la voz de McCartney se grabó en la pista de cuerdas, que se puede escuchar en la grabación final.
Se ha afirmado que la explicación pseudocientífica de George Martin sobre el ADT ("Tomamos la imagen original y la dividimos a través de una brida de doble bifurcación") [34] dada a Lennon originó la frase flanging en la grabación, como diría Lennon. a ADT como "el Flanger de Ken", aunque otras fuentes [35] afirman que el término se originó al presionar con un dedo el carrete de suministro de cinta de la grabadora (el reborde) para hacer pequeños ajustes en la fase de la copia en relación con el original.
ADT influyó mucho en la grabación: prácticamente todas las pistas de Revolver y Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band recibió el tratamiento y todavía se usa ampliamente para instrumentos y voces. Hoy en día, el efecto se conoce más comúnmente como doble seguimiento automático.
ADT se puede escuchar en la guitarra principal en " Here, There and Everywhere " y en la voz en "Eleanor Rigby", por ejemplo. La técnica fue utilizada posteriormente por bandas como Grateful Dead y Iron Butterfly , entre otras. [dieciséis]
Los Beatles utilizaron por primera vez muestras de otra música en " Yellow Submarine ", y las muestras se agregaron el 1 de junio de 1966. El solo de la banda de música se construyó a partir de una marcha de Sousa de George Martin y Geoff Emerick, el solo original estaba en el mismo tono y fue transferido a cinta, cortado en pequeños segmentos y reorganizado para formar un breve solo que se agregó a la canción. [36] Se utilizó una técnica similar para " Being for the Benefit of Mr. Kite " el 20 de febrero de 1967. Para intentar crear la atmósfera de un circo , Martin propuso primero el uso de un calíope (un órgano impulsado por vapor). Tal era el poder de los Beatles dentro de EMI que se hicieron llamadas telefónicas para ver si se podía contratar un calíope y llevarlo al estudio. Sin embargo, sólo se disponía de calíopes automáticos, controlados por tarjetas perforadas, por lo que hubo que utilizar otras técnicas. A Martin se le ocurrió tomar muestras grabadas de varias piezas de órganos de vapor, cortarlas en trozos cortos, "lanzarlas al aire" y unirlas. Fueron necesarias dos pruebas; en el primer intento, casualmente las piezas volvieron en el orden más o menos original.
Se utilizaron muestras más obvias y, por lo tanto, más influyentes en "I Am the Walrus": una transmisión en vivo del tercer programa de la BBC de King Lear se mezcló en la pista el 29 de septiembre de 1967. McCartney también ha descrito [37] una oportunidad perdida de muestreo en vivo. : el estudio de EMI se instaló de tal manera que la pista de eco de la cámara de eco se pudiera captar en cualquiera de las salas de control. Paul Jones estaba grabando en un estudio mientras se mezclaba "I Am the Walrus" y los Beatles se sintieron tentados a "robar" parte del canto de Jones para ponerlo en la mezcla.
Una forma de aumentar el número de pistas disponibles para grabación es sincronizar las máquinas de cinta. Desde principios de la década de 1970, el código de tiempo SMPTE se ha utilizado para sincronizar máquinas de cinta. Las grabadoras modernas controladas por código de tiempo SMPTE proporcionan un mecanismo para que la segunda máquina coloque automáticamente la cinta correctamente y se inicie y detenga simultáneamente con la máquina maestra. [38] Sin embargo, en 1967, el código de tiempo SMPTE no estaba disponible y se tuvieron que utilizar otras técnicas.
El 10 de febrero de 1967, durante la grabación de " A Day in the Life ", Ken Townsend sincronizó dos máquinas para tener pistas adicionales disponibles para grabar la orquesta. En una entrevista con la cadena ABC de Australia, Geoff Emerick describió la técnica; La velocidad de las máquinas de cinta EMI se podía controlar mediante un controlador de velocidad externo que ajustaba la frecuencia del suministro de red al motor. Al utilizar el mismo controlador para controlar dos máquinas, se sincronizaron. [39] Townsend utilizó efectivamente el tono piloto , una técnica que era común en la recopilación de noticias de 16 mm mediante la cual se enviaba un tono de 50/60 Hz desde la cámara de cine a una grabadora durante la filmación para lograr una grabación de sonido con sincronización de labios. Con el tono simple utilizado para "Un día en la vida", la posición inicial se marcó con un lápiz de cera en las dos máquinas y el operador de la cinta tuvo que alinear las cintas a ojo e intentar presionar reproducir y grabar simultáneamente para cada toma. [40]
Aunque la técnica tuvo un éxito razonable, Townsend recordó que cuando intentaban utilizar la cinta en una máquina diferente, a veces se perdía la sincronización. George Martin afirmó [ cita necesaria ] que esta era la primera vez que se sincronizaban máquinas de cinta, aunque la sincronización SMPTE para sincronización de video/audio se desarrolló alrededor de 1967. [41]
Como los Beatles fueron pioneros [ ¿según quién? ] el uso de música concreta en la música pop (es decir, los bucles de cinta acelerados en "Tomorrow Never Knows"), las grabaciones al revés fueron un exponente natural de esta experimentación. "Rain", la primera canción de rock con voz al revés [ cita necesaria ] (Lennon cantando el primer verso de la canción), surgió cuando Lennon (alegando la influencia de la marihuana) cargó accidentalmente una cinta de carrete a carrete de la canción. en su máquina al revés y esencialmente le gustó tanto lo que escuchó que rápidamente hizo la sobregrabación invertida. Un seguimiento rápido fue la guitarra invertida en "I'm Only Sleeping", que presenta un solo de guitarra dual de George Harrison tocado al revés. Harrison elaboró una parte de guitarra, aprendió a tocarla al revés y la grabó al revés. Asimismo, una pista de acompañamiento de tambores y platillos invertidos se abrió paso en los versos de "Strawberry Fields Forever". El conocido uso de cintas invertidas por parte de los Beatles dio lugar a rumores de mensajes al revés, incluidos muchos que alimentaron el mito urbano de Paul is Dead . Sin embargo, sólo "Rain" y " Free as a Bird " incluyen voces invertidas intencionales en las canciones de los Beatles.
La versión estéreo de " Blue Jay Way " de George Harrison (1967, Magical Mystery Tour ) también incluye voces al revés, que en realidad es una copia al revés de toda la mezcla, incluidos todos los instrumentos, que se desvanece al final de cada frase. [ cita necesaria ]