stringtranslate.com

arte academico

El arte académico , o academicismo o academismo , es un estilo de pintura y escultura producido bajo la influencia de las academias de arte europeas , utilizado habitualmente de obras producidas en el siglo XIX, tras el fin de las Guerras Napoleónicas en 1815. En este período los estándares de la Academia de Bellas Artes francesa fueron muy influyentes, combinando elementos del neoclasicismo y el romanticismo , siendo Jean-Auguste-Dominique Ingres una figura clave en la formación del estilo en la pintura. Entre los pintores posteriores que intentaron continuar la síntesis se encuentran William-Adolphe Bouguereau , Thomas Couture y Hans Makart , entre muchos otros. En este contexto, a menudo se le llama "academicismo", "academicismo", " art pompier " (peyorativamente) y "eclecticismo", y a veces se lo vincula con " historicismo " y " sincretismo ". El arte académico está estrechamente relacionado con la arquitectura Beaux-Arts , que se desarrolló en el mismo lugar y mantiene un ideal clasicista similar.

Aunque la producción continuó en el siglo XX, el estilo se había vuelto vacío y fue fuertemente rechazado por los artistas de un conjunto de nuevos movimientos artísticos , de los cuales el impresionismo fue uno de los primeros. En la Primera Guerra Mundial había perdido casi por completo el favor de críticos y compradores, y volvió a gozar de cierto favor a finales del siglo XX.

Aunque a menudo se producían (y a menudo se vendían más fácilmente) obras más pequeñas como retratos, paisajes y naturalezas muertas, el movimiento y el público y los críticos contemporáneos valoraban más las grandes pinturas históricas que mostraban momentos de narrativas que muy a menudo estaban tomadas de zonas antiguas o exóticas. de la historia, aunque con menor frecuencia las narrativas religiosas tradicionales. El arte orientalista era una rama importante, con muchos pintores especialistas , al igual que escenas de la antigüedad clásica y la Edad Media.

Las academias en la historia.

La primera academia de arte fue fundada en Florencia , Italia, por Cosme I de' Medici , el 13 de enero de 1563, bajo la influencia del arquitecto Giorgio Vasari , quien la llamó Accademia e Compagnia delle Arti del Disegno (Academia y Compañía de las Artes de Dibujo) ya que estaba dividido en dos ramas operativas diferentes. Si bien la compañía era una especie de corporación a la que podían unirse todos los artistas que trabajaban en Toscana, la academia estaba compuesta sólo por las personalidades artísticas más eminentes de la corte de Cosme y tenía la tarea de supervisar toda la producción artística del estado de los Medici. En esta institución de los Medici los estudiantes aprendían el "arti del disegno" (término acuñado por Vasari) y escuchaban conferencias sobre anatomía y geometría . Otra academia, la Accademia di San Luca (llamada así por el santo patrón de los pintores, San Lucas ), fue fundada aproximadamente una década después en Roma . La Accademia di San Luca cumplió una función educativa y estaba más preocupada por la teoría del arte que la florentina. En 1582 Annibale Carracci abrió su muy influyente Academia de Desiderosi en Bolonia sin apoyo oficial; en cierto modo, esto se parecía más al taller de un artista tradicional, pero el hecho de que sintiera la necesidad de etiquetarlo como una "academia" demuestra el atractivo de la idea en ese momento.

La Accademia di San Luca sirvió más tarde como modelo para la Académie royale de peinture et desculpture fundada en Francia en 1648, y que más tarde se convirtió en la Académie des Beaux-Arts . La Académie Royale de Peinture et de Sculpture se fundó en un esfuerzo por distinguir a los artistas "que eran caballeros que practicaban un arte liberal" de los artesanos que se dedicaban a trabajos manuales. Este énfasis en el componente intelectual de la creación artística tuvo un impacto considerable en los temas y estilos del arte académico.

Después de que Luis XIV reorganizara la Académie royale de peinture et desculpture en 1661 con el objetivo de controlar toda la actividad artística en Francia, se produjo una controversia entre sus miembros que dominó las actitudes artísticas durante el resto del siglo. Esta "batalla de estilos" fue un conflicto sobre si Peter Paul Rubens o Nicolas Poussin eran un modelo adecuado a seguir. Los seguidores de Poussin, llamados "poussinistes", argumentaron que la línea (disegno) debería dominar el arte, debido a su atractivo para el intelecto, mientras que los seguidores de Rubens, llamados "rubenistes", argumentaron que el color (colore) debería dominar el arte, debido a su apelar a la emoción.

El debate revivió a principios del siglo XIX, bajo los movimientos del neoclasicismo tipificado por el arte de Jean Auguste Dominique Ingres , y el romanticismo tipificado por la obra de arte de Eugène Delacroix . También surgieron debates sobre si era mejor aprender arte mirando la naturaleza o aprender mirando a los maestros artísticos del pasado.

Se formaron academias que utilizaron el modelo francés en toda Europa e imitaron las enseñanzas y estilos de la Academia francesa. En Inglaterra, esta era la Real Academia . La Real Academia Danesa de Bellas Artes , fundada en 1754, puede considerarse un ejemplo exitoso en un país más pequeño, que logró su objetivo de crear una escuela nacional y reducir la dependencia de artistas importados. Casi todos los pintores de la Edad de Oro danesa de aproximadamente 1800-1850 se formaron allí, y muchos regresaron para enseñar, y la historia del arte de Dinamarca está mucho menos marcada por la tensión entre el arte académico y otros estilos que en otros países. .

Mujeres artistas

Un efecto del paso a las academias fue dificultar la formación de las mujeres artistas , que fueron excluidas de la mayoría de las academias hasta la segunda mitad del siglo XIX (1861 para la Real Academia). [1] [2] Esto se debió en parte a las preocupaciones sobre la percepción de incorrección que presenta la desnudez. [1] A veces se hacían arreglos especiales para las estudiantes hasta el siglo XX. [3]

Desarrollo del estilo académico.

Desde el inicio del debate poussinista-rubenista, muchos artistas trabajaron entre los dos estilos. En el siglo XIX, en la forma revivida del debate, la atención y los objetivos del mundo del arte pasaron a sintetizar la línea del neoclasicismo con el color del romanticismo . Los críticos afirmaron que un artista tras otro había logrado la síntesis, entre ellos Théodore Chassériau , Ary Scheffer , Francesco Hayez , Alexandre-Gabriel Decamps y Thomas Couture . William-Adolphe Bouguereau , un artista académico posterior, comentó que el truco para ser un buen pintor es ver "el color y la línea como la misma cosa". Thomas Couture promovió la misma idea en un libro que escribió sobre método artístico, argumentando que cuando se decía que una pintura tenía mejor color o mejor línea era una tontería, porque siempre que el color parecía brillante dependía de la línea para transmitirlo, y viceversa; y ese color era en realidad una forma de hablar sobre el "valor" de la forma.

Otro desarrollo durante este período incluyó la adopción de estilos históricos para mostrar la época de la historia que representaba la pintura, llamada historicismo . Esto se ve mejor en la obra del barón Jan August Hendrik Leys , una influencia posterior de James Tissot . También se ve en el desarrollo del estilo neogreco . El historicismo también pretende referirse a la creencia y práctica asociadas con el arte académico de que uno debe incorporar y conciliar las innovaciones de diferentes tradiciones de arte del pasado.

El mundo del arte también creció para prestar cada vez más atención a la alegoría en el arte. Las teorías sobre la importancia tanto de la línea como del color afirmaban que a través de estos elementos un artista ejerce control sobre el medio para crear efectos psicológicos, en los que se pueden representar temas, emociones e ideas. Cuando los artistas intentaron sintetizar estas teorías en la práctica, se enfatizó la atención a la obra de arte como vehículo alegórico o figurativo. Se sostenía que las representaciones en pintura y escultura debían evocar formas o ideales platónicos, donde detrás de las representaciones ordinarias se vislumbrara algo abstracto, alguna verdad eterna. De ahí la famosa reflexión de Keats : "La belleza es verdad, la verdad es belleza". Se deseaba que las pinturas fueran una "idée", una idea plena y completa. Se sabe que Bouguereau dijo que no pintaría "una guerra", sino que pintaría "La guerra". Muchas pinturas de artistas académicos son simples alegorías de la naturaleza con títulos como Amanecer , Anochecer , Ver y Saborear , donde estas ideas están personificadas por una única figura desnuda, compuesta de tal manera que resalta la esencia de la idea.

La tendencia en el arte también fue hacia un mayor idealismo , lo cual es contrario al realismo , en el sentido de que las figuras representadas se hicieron más simples y abstractas (idealizadas) para poder representar los ideales que representaban. Esto implicaría tanto generalizar las formas vistas en la naturaleza como subordinarlas a la unidad y al tema de la obra de arte.

Debido a que la historia y la mitología se consideraban obras de teatro o dialéctica de ideas, un terreno fértil para importantes alegorías, el uso de temas de estos temas se consideraba la forma más seria de pintura. Se valoró una jerarquía de géneros , creada originalmente en el siglo XVII, donde la pintura de historia —temas clásicos, religiosos, mitológicos, literarios y alegóricos— se ubicaba en primer lugar, luego la pintura de género , luego el retrato , la naturaleza muerta y el paisaje. . La pintura histórica también se conocía como el "gran género". Las pinturas de Hans Makart son a menudo dramas históricos más grandes que la vida real, y combinó esto con un historicismo en la decoración para dominar el estilo de la cultura vienesa del siglo XIX . Paul Delaroche es un ejemplo típico de la pintura histórica francesa.

Todas estas tendencias fueron influenciadas por las teorías del filósofo Hegel , quien sostenía que la historia era una dialéctica de ideas en competencia, que eventualmente se resolvían en síntesis.

Hacia finales del siglo XIX, el arte académico había saturado la sociedad europea. Se realizaron exposiciones con frecuencia, siendo la exposición más popular el Salón de París y, a partir de 1903, el Salón de Otoño . Estos salones eran eventos a gran escala que atraían a multitudes de visitantes, tanto nacionales como extranjeros. Se trata de un asunto tanto social como artístico: 50.000 personas podrían visitarla en un solo domingo, y hasta 500.000 podrían ver la exposición durante sus dos meses de duración. Se exhibieron miles de fotografías, colgadas desde justo debajo del nivel de los ojos hasta el techo en una forma que ahora se conoce como "estilo salón". Una exposición exitosa en el salón era un sello de aprobación para un artista, haciendo que su obra fuera vendible a las crecientes filas de coleccionistas privados. Bouguereau , Alexandre Cabanel y Jean-Léon Gérôme fueron figuras destacadas de este mundo del arte.

Durante el reinado del arte académico, las pinturas de la era rococó , que antes tenían poco favor, recuperaron su popularidad, y temas utilizados a menudo en el arte rococó, como Eros y Psique , volvieron a ser populares. El mundo del arte académico también admiraba a Rafael , por la idealidad de su obra, prefiriéndolo de hecho a Miguel Ángel .

El arte académico en Polonia floreció bajo la dirección de Jan Matejko , quien fundó la Academia de Bellas Artes de Cracovia . Muchas de estas obras se pueden ver en la Galería de Arte Polaco del Siglo XIX en Sukiennice en Cracovia .

El arte académico no sólo tuvo influencia en Europa occidental y Estados Unidos, sino que también extendió su influencia a otros países. El ambiente artístico de Grecia, por ejemplo, estuvo dominado por técnicas de las academias occidentales a partir del siglo XVII: esto fue evidente por primera vez en las actividades de la Escuela Jónica y luego se hizo especialmente pronunciado con el surgimiento de la Escuela de Munich . Esto también fue cierto para las naciones latinoamericanas que, debido a que sus revoluciones se basaron en la Revolución Francesa , buscaron emular la cultura francesa. Un ejemplo de artista académico latinoamericano es Ángel Zárraga de México .

Entrenamiento académico

Estudiantes pintando "del natural" en la École . Fotografiado a finales del siglo XIX.

Los jóvenes artistas pasaron cuatro años en una rigurosa formación. En Francia, sólo los estudiantes que aprobaron un examen y portaron una carta de recomendación de un destacado profesor de arte fueron aceptados en la escuela de la academia, la École des Beaux-Arts . Los dibujos y pinturas de desnudos, llamados "academies", eran los pilares básicos del arte académico y el procedimiento para aprender a realizarlos estaba claramente definido. Primero, los estudiantes copiaron grabados de esculturas clásicas, familiarizándose con los principios de contorno, luz y sombra. Se creía que la copia era crucial para la educación académica; al copiar obras de artistas del pasado se asimilarían sus métodos de creación artística. Para avanzar al siguiente paso, y cada uno sucesivo, los estudiantes presentaron dibujos para su evaluación.

Demóstenes a la orilla del mar , dibujo ganador del premio de la Royal Academy, 1888.

Si se aprueba, se basarán en moldes de yeso de famosas esculturas clásicas. Sólo después de adquirir estas habilidades se les permitió a los artistas ingresar a clases en las que posaba un modelo vivo. La pintura no se enseñó en la École des Beaux-Arts hasta después de 1863. Para aprender a pintar con pincel, el estudiante primero tenía que demostrar dominio del dibujo, que se consideraba la base de la pintura académica. Sólo entonces el alumno podía entrar en el estudio de un académico y aprender a pintar. A lo largo de todo el proceso, se realizaron competencias con una materia predeterminada y un período de tiempo específico asignado para medir el progreso de cada estudiante.

El concurso de arte más famoso para estudiantes fue el Prix de Rome . El ganador del Premio de Roma recibió una beca para estudiar en la escuela de la Academia Francesa en la Villa Medici de Roma durante un máximo de cinco años. Para competir, un artista debía ser de nacionalidad francesa, hombre, menor de 30 años y soltero. Debía haber cumplido con los requisitos de ingreso de la École y contar con el apoyo de un conocido profesor de arte. La competición fue agotadora e incluyó varias etapas antes de la final, en la que 10 competidores fueron recluidos en estudios durante 72 días para pintar sus últimos cuadros históricos. Básicamente, el ganador tenía asegurada una carrera profesional exitosa.

Como ya se ha señalado, una exposición exitosa en el Salón era un sello de aprobación para un artista. Los artistas solicitaron al comité de ejecución una ubicación óptima "en la línea" o al nivel de los ojos. Después de la inauguración de la exposición, los artistas se quejaron de que sus obras estaban "descubiertas" o colgaban demasiado alto. El logro final para el artista profesional fue la elección como miembro de la Académie française y el derecho a ser conocido como académico.

Crítica y legado

Caricatura ( burguesía francesa ): Este año Venus otra vez… ¡Siempre Venus! . Honoré Daumier , n.º 2 de la serie en Le Charivati , 1864.

El arte académico fue criticado por primera vez por su uso del idealismo , por parte de artistas realistas como Gustave Courbet , por basarse en clichés idealistas y representar motivos míticos y legendarios mientras se ignoraban las preocupaciones sociales contemporáneas. Otra crítica de los realistas fue la " superficie falsa " de las pinturas (los objetos representados parecían lisos, resbaladizos e idealizados) y no mostraban ninguna textura real. El realista Théodule Ribot contrarrestó esta situación experimentando con texturas rugosas e inacabadas en su pintura.

Estilísticamente, los impresionistas , que abogaban por pintar rápidamente al aire libre exactamente lo que el ojo ve y la mano plasma, criticaron el estilo de pintura acabado e idealizado. Aunque los pintores académicos comenzaban una pintura primero haciendo dibujos y luego pintando bocetos al óleo de su tema, el alto brillo que daban a sus dibujos les parecía a los impresionistas equivalente a una mentira. Después del boceto al óleo, el artista produciría la pintura final con el "fini" académico, cambiando la pintura para cumplir con los estándares estilísticos e intentando idealizar las imágenes y agregar detalles perfectos. De manera similar, la perspectiva se construye geométricamente sobre una superficie plana y no es realmente producto de la vista; Los impresionistas repudiaron la devoción por las técnicas mecánicas.

Los realistas y los impresionistas también desafiaron la colocación de la naturaleza muerta y el paisaje al final de la jerarquía de géneros. La mayoría de los realistas e impresionistas y otros miembros de las primeras vanguardias que se rebelaron contra el academicismo eran originalmente estudiantes en talleres académicos. Claude Monet , Gustave Courbet , Édouard Manet e incluso Henri Matisse fueron estudiantes de artistas académicos.

A medida que el arte moderno y su vanguardia ganaron más poder, el arte académico fue aún más denigrado y visto como sentimental, cliché, conservador, poco innovador, burgués y "sin estilo". Los franceses se refirieron burlonamente al estilo de arte académico como L'art Pompier ( pompier significa "bombero") en alusión a las pinturas de Jacques-Louis David (que era muy estimado por la academia) que a menudo representaban a soldados con cascos parecidos a los de un bombero. . Las pinturas se llamaban "grandes máquinas" y se decía que fabricaban emociones falsas mediante inventos y trucos.

Esta denigración del arte académico alcanzó su punto máximo a través de los escritos del crítico de arte Clement Greenberg , quien afirmó que todo el arte académico es " kitsch ". Otros artistas, como los pintores simbolistas y algunos surrealistas , fueron más amables con la tradición [ cita requerida ] . Como pintores que buscaban dar vida a vistas imaginarias, estos artistas estaban más dispuestos a aprender de una tradición fuertemente representativa. Una vez que la tradición pasó a considerarse pasada de moda, los desnudos alegóricos y las figuras en poses teatrales parecieron extraños y oníricos para algunos espectadores.

Con los objetivos del posmodernismo de dar una explicación más completa, más sociológica y pluralista de la historia, el arte académico ha regresado a los libros y debates de historia. Desde principios de la década de 1990, el arte académico ha experimentado incluso un resurgimiento limitado a través del movimiento de atelier realista clásico . [4] Además, el arte está ganando una apreciación más amplia por parte del público en general, y mientras que las pinturas académicas alguna vez solo alcanzarían unos pocos cientos de dólares en subastas, algunas ahora alcanzan millones. [5]

Artistas principales

Galería

Referencias

  1. ^ ab Myers, Nicole. "Mujeres artistas en la Francia del siglo XIX". Museo Metropolitano de Arte.
  2. ^ Levin, Kim (noviembre de 2007). "Diez historias principales de ARTnews: exponiendo el 'él oculto'". Noticias de arte .
  3. ^ Nochlin, Linda. "¿Por qué no ha habido grandes mujeres artistas?" (PDF) . Departamento de Historia del Arte, Universidad de Concordia .
  4. ^ Panero, James: "La nueva vieja escuela", The New Criterion , volumen 25, septiembre de 2006, p. 104.
  5. ^ Esterow, Milton (1 de enero de 2011). "De 'riquezas a pobreza y riquezas'". Noticias de arte . Consultado el 12 de septiembre de 2021.
  6. ^ "Academismo del siglo XIX". www.galerijamaticesrpske.rs . Archivado desde el original el 21 de septiembre de 2019 . Consultado el 15 de agosto de 2019 .
  7. ^ Bresc-Bautier, Geneviève (2008). El Louvre, cuento de un palacio . Ediciones Museo del Louvre. pag. 110.ISBN _ 978-2-7572-0177-0.
  8. ^ Graham-Nixon, Andrew (2023). arte LA HISTORIA VISUAL DEFINITIVA . NS. pag. 336.ISBN _ 978-0-2416-2903-1.
  9. ^ Elizabeth, S. (2020). El arte de lo oculto: un libro de consulta visual para el místico moderno . Editorial León Blanco. pag. 73.ISBN _ 978 0 7112 4883 0.
  10. ^ Cumming, Robert (2020). ARTE una historia visual . NS. pag. 218.ISBN _ 978-0-2414-3741-4.
  11. ^ "pictură. Aman, Theodor. Vlad Țepeș și solii turci". clasete.cimec.ro . Consultado el 11 de noviembre de 2023 .
  12. ^ Christophe, Averty (2020). Orsay . Édiciones Place des Victories. pag. 40.ISBN _ 978-2-8099-1770-3.
  13. ^ Christophe, Averty (2020). Orsay . Édiciones Place des Victories. pag. 68.ISBN _ 978-2-8099-1770-3.
  14. ^ Cumming, Robert (2020). ARTE una historia visual . NS. pag. 218.ISBN _ 978-0-2414-3741-4.
  15. ^ Christophe, Averty (2020). Orsay . Édiciones Place des Victories. pag. 41.ISBN _ 978-2-8099-1770-3.
  16. ^ Christophe, Averty (2020). Orsay . Édiciones Place des Victories. pag. 41.ISBN _ 978-2-8099-1770-3.
  17. ^ Elizabeth, S. (2020). El arte de lo oculto: un libro de consulta visual para el místico moderno . Editorial León Blanco. pag. 215.ISBN _ 978 0 7112 4883 0.
  18. ^ Cumming, Robert (2020). ARTE una historia visual . NS. pag. 219.ISBN _ 978-0-2414-3741-4.
  19. ^ Elizabeth, S. (2022). El arte de la oscuridad . Editorial León Blanco. pag. 199.ISBN _ 978-0 7112-6920-0.
  20. ^ Cumming, Robert (2020). ARTE una historia visual . NS. pag. 220.ISBN _ 978-0-2414-3741-4.
  21. ^ Elizabeth, S. (2020). El arte de lo oculto: un libro de consulta visual para el místico moderno . Editorial León Blanco. pag. 211.ISBN _ 978 0 7112 4883 0.

Otras lecturas

enlaces externos