Fondo dorado (tanto sustantivo como adjetivo) o fondo dorado (adjetivo) es un término en la historia del arte que designa un estilo de imágenes con todo o la mayor parte del fondo en color oro macizo. Históricamente, normalmente se ha utilizado pan de oro real, lo que da una apariencia lujosa. El estilo se ha utilizado en varios períodos y lugares, pero se asocia especialmente con el arte bizantino y medieval en mosaicos , manuscritos iluminados y pinturas sobre tabla , donde fue durante muchos siglos el estilo dominante para algunos tipos de imágenes, como los iconos . Para los objetos tridimensionales, el término es dorado o chapado en oro.
El oro en mosaicos comenzó a emplearse en los mosaicos romanos alrededor del siglo I d. C. y, en un principio, se utilizaba para los detalles y no tenía ninguna connotación religiosa particular, pero en el arte cristiano primitivo llegó a considerarse muy adecuado para representar figuras religiosas cristianas, destacándolas sobre un fondo sencillo pero brillante que podría interpretarse como una representación del cielo o de un plano espiritual menos específico. Las figuras de cuerpo entero suelen estar de pie sobre un fondo de colores más naturalistas, con el cielo en oro, pero algunas se muestran completamente rodeadas de oro. El estilo no se podía utilizar en frescos , pero se adaptó con mucho éxito para miniaturas en manuscritos y los cada vez más importantes iconos portátiles en madera. En todos ellos, el estilo requería una gran cantidad de trabajo especializado adicional, pero debido a la extrema delgadez de la hoja de oro utilizada, el coste del lingote de oro utilizado era relativamente bajo; el lapislázuli azul parece haber sido al menos tan caro de utilizar. [1]
El estilo sigue utilizándose en los iconos ortodoxos orientales hasta nuestros días, pero en Europa occidental perdió popularidad a finales de la Edad Media , cuando los pintores desarrollaron fondos de paisajes . El pan de oro siguió siendo muy común en los marcos de las pinturas. Hubo focos de uso revivalista a partir de entonces, como por ejemplo en el llamado "Período Dorado" de Gustav Klimt . También se utilizó en la pintura japonesa y el arte tibetano , y a veces en miniaturas persas y al menos para los bordes en las miniaturas mogoles .
En 1984, Otto Pächt escribió que «la historia del color dorado en la Edad Media constituye un capítulo importante que aún está por escribirse», [2] un vacío que quizás solo se haya llenado parcialmente. [3] Además de los grandes fondos dorados, otro aspecto era la crisografía o «resaltado dorado», el uso de líneas doradas en imágenes para definir y resaltar características como los pliegues de la ropa. El término se suele extender para incluir las letras doradas y la ornamentación lineal. [4]
Estudios recientes han explorado los efectos del arte con fondo de oro, especialmente en el arte bizantino , donde el oro se entiende mejor como representación de la luz. La teología bizantina estaba interesada en la luz y podía distinguir varios tipos diferentes de ella. El Nuevo Testamento y los relatos patrísticos de la Transfiguración de Cristo fueron un foco especial de análisis, ya que se describe a Jesús emitiendo o al menos bañado en una luz especial, cuya naturaleza fue discutida por los teólogos. A diferencia de la principal teoría de la óptica medieval tardía en Occidente, donde se creía que el ojo del espectador emitía rayos que alcanzaban el objeto visto, Bizancio creía que la luz procedía del objeto al ojo del espectador, y el arte bizantino era muy sensible a las alteraciones en las condiciones de luz en las que se veía el arte. [5]
Otto Pächt escribió que "el fondo dorado medieval siempre se interpretó como un símbolo de luz trascendental. En la luz transmitida por el oro de los mosaicos bizantinos se disolvía el espacio cósmico eterno en su forma más palpable en lo irreal, o incluso, en lo sobrenatural; y, sin embargo, nuestros sentidos son tocados directamente por esta luz". [6]
Según un erudito, "en una pintura con fondo dorado, la imagen sagrada de la Virgen, por ejemplo, estaba firmemente situada sobre la superficie material del plano pictórico. De este modo, era real, y la pintura presentaba tanto a la Virgen como a ella misma... [las pinturas con fondo dorado]... que desdibujaban la distinción entre el sujeto y su representación, se consideraban que tenían una presencia física y psicológica como la de una persona real". [7]
En los mosaicos, normalmente se añadían primero las figuras y otras áreas de color y luego se colocaba el oro a su alrededor. En la pintura se utilizaba la secuencia opuesta, con las figuras "reservadas" alrededor de su contorno en el dibujo subyacente . [8]
El pan de oro se pegaba a láminas de vidrio de unos 8 mm de espesor con goma arábiga , y luego se añadía una capa extra muy fina de vidrio encima para que durara más. En la antigüedad, la técnica de crear "vidrio sándwich de oro" ya se conocía en la Grecia helenística alrededor del año 250 a. C. y se utilizaba para vasijas de vidrio dorado . En los mosaicos, la capa superior se aplicaba cubriendo la lámina con vidrio en polvo y cociéndola lo suficiente para derretir el polvo y fusionar las capas. [9] En la Venecia del siglo XV, el método cambió y la capa superior de vidrio fundido se soplaba sobre las otras dos a alta temperatura. Esto proporcionaba una mejor unión en el punto más débil de una tesela, cuando el oro se unía a la capa inferior más gruesa de vidrio. [10]
Las láminas de vidrio se rompían entonces en pequeñas teselas . Existen dos métodos para fijarlas al cemento húmedo sobre una pared preparada, que ya tenía varias capas de yeso diferentes, a veces dejando hasta 5 cm entre la piedra o el ladrillo de la pared y el vidrio. O bien las teselas se empujaban individualmente sobre la pared, lo que daba una superficie ligeramente irregular con teselas en diferentes ángulos. Esto podía ser controlado hasta cierto punto por el artesano, y permitía efectos sutiles de brillo cuando la luz incidía sobre la superficie. El otro método era utilizar un pegamento soluble en agua para fijar las teselas boca abajo sobre una lámina fina; en los tiempos modernos esto es papel. Luego la lámina se presionaba sobre el cemento en la pared y, cuando este se había secado, el papel y el pegamento se humedecían y se frotaban. Esto daba una superficie mucho más lisa. [11]
Existen varios métodos diferentes para aplicar el oro. La superficie preparada de madera o pergamino que se iba a pintar se dibujaba debajo, al menos, con los contornos de las figuras y otros elementos. Luego (o quizás antes) se añadía una capa de una mezcla de arcilla rojiza llamada bole . Esto daba profundidad al color del oro y evitaba el matiz verdoso que tendía a mostrar el pan de oro sobre un fondo blanco. Después de varios siglos, esta capa suele quedar al descubierto donde se ha perdido el pan de oro. [12]
Sobre esta capa se añadía la hoja de oro. Lo más habitual era que se hiciera una "hoja" entera a la vez, mediante la técnica del dorado al agua . Después, la hoja podía "bruñirse", frotándose con cuidado con el diente de un perro o un lobo, o con un trozo de ágata , lo que daba una superficie brillante. Otra posibilidad era utilizar el dorado mordiente , que debía dejarse como hoja sin pulir, lo que daba un efecto más apagado. Después de varios cientos de años, la diferencia de aspecto entre ambos suele reducirse considerablemente para los espectadores modernos. [13]
El oro de concha era una pintura dorada con oro en polvo como pigmento. Generalmente se utilizaba solo para áreas pequeñas, normalmente detalles y reflejos dentro de las partes coloreadas de la pintura. El nombre proviene de la costumbre de usar conchas marinas para sostener pintura mezclada de todo tipo al pintar. El "relieve aplicado dorado" era pan de oro sin pulir aplicado mediante dorado mordiente sobre una superficie de relieve moldeado de yeso o pastiglia . Las superficies planas podían luego "trabajarse" con punzones y herramientas para hacer líneas, para hacer patrones dentro del oro, muy a menudo en halos u otros elementos, pero a veces en todo el fondo. Varias de estas técnicas podían usarse en la misma pieza para dar una variedad de efectos. [14]
Antes de empezar a pintar se aplicaba cualquier hoja de oro, que normalmente se bruñía. [15] Según Otto Pächt, recién en el siglo XII los iluminadores occidentales aprendieron a conseguir el efecto de hoja de oro bruñida a partir de fuentes bizantinas. Anteriormente, por ejemplo en los manuscritos carolingios , "se utilizaba un pigmento dorado de carácter arenoso y granulado, con solo un ligero brillo". [16] Las técnicas de pintura de manuscritos son similares a las de las pinturas sobre tabla , aunque a menor escala. Una diferencia, tanto en las obras occidentales como en las islámicas, es que el yeso o la base de bole se reduce en profundidad en sus bordes, lo que da a las áreas doradas una curva muy leve, lo que hace que el oro refleje la luz de forma diferente. En los manuscritos también se podía utilizar plata, pero ahora generalmente se ha oxidado hasta quedar negra. [17]
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En Occidente, el estilo fue habitual en las pinturas de estilo iconográfico italo-bizantino a partir del siglo XIII, inspiradas en los iconos bizantinos que llegaron a Europa después del Saqueo de Constantinopla en 1204. Estos pronto evolucionaron hacia el retablo políptico con marco de madera , que también solía utilizar el estilo de fondo dorado, especialmente en Italia. A finales de siglo, un número cada vez mayor de frescos italianos desarrollaban fondos naturalistas, así como efectos de masa y profundidad. [18] Esta tendencia comenzó a extenderse a las pinturas sobre tabla , aunque muchas siguieron utilizando los fondos dorados hasta bien entrado el siglo XIV, y de hecho más allá, especialmente en centros más conservadores como Venecia y Siena , y para los retablos mayores. Lorenzo Monaco , que murió alrededor de 1424, representa "el último suspiro de brillantez de fondo dorado en el arte florentino". [19]
En la pintura flamenca temprana se utilizó inicialmente el estilo de fondo dorado, como en el Tríptico Seilern de c. 1425 de Robert Campin , pero unos años más tarde su Retablo de Mérode recibe un entorno naturalista famoso por sus detalles. [20] La "casi eliminación de los fondos dorados comenzó en la pintura flamenca temprana alrededor de mediados de la década de 1420", y fue bastante rápida, con algunas excepciones como el Retablo de los Medici de Rogier van der Weyden , que probablemente fue pintado después de 1450, tal vez para un mecenas italiano que solicitó el estilo anterior. [21]
A finales del siglo XV, el estilo representaba un arcaísmo deliberado, que a veces todavía se utilizaba. El pintor romano Antoniazzo Romano y su taller continuaron utilizándolo hasta los primeros años del siglo XVI, ya que "se especializó en repintar o interpretar imágenes antiguas, o generar nuevas imágenes de culto con un sabor arcaico", [22] Carlo Crivelli (fallecido c. 1495), que durante gran parte de su carrera trabajó para mecenas relativamente provinciales en la región de Marche , también hizo un uso tardío del estilo, para lograr efectos sofisticados. [23] Joos van Cleve pintó un Salvator Mundi con fondo dorado en 1516-18 (ahora Louvre ). [24] La Crucifixión de Albrecht Altdorfer de c. 1520 en Budapest es un ejemplo muy tardío, que también "retoma un tipo iconográfico (la "Crucifixión con multitud") y un enfoque no naturalista del espacio que hace tiempo que pasó de moda". [25]
Los pintores griegos continuaron emulando a los maestros bizantinos en Creta y las Islas Jónicas. La mayoría de los pintores italianos adoptaron la pintura al óleo oponiéndose a la técnica del temple al huevo . El famoso libro de Giorgio Vasari Vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos comentó sobre la técnica. Vasari acuñó la frase Maniera Greca . A mediados del siglo XVI, el estilo se consideraba Maniera Greca. Fue uno de los primeros términos europeos posclásicos para el estilo en el arte . [26] La técnica se utilizó desde 1400 hasta 1830 tanto en la Escuela Cretense como en la Escuela Heptanesa . Michael Damaskinos comenzó a mezclar la pintura veneciana y el estilo de pintura bizantina tradicional griego italiano. La técnica se convirtió en un componente importante de la Escuela Cretense. Los fondos dorados eran importantes para los pintores, pero escaparon de la tradición al adoptar técnicas de pintura italianas modernas. [27]
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En el siglo XVII, los pintores comenzaron a adoptar variaciones en sus estilos pictóricos. A mediados del siglo XVII, los pintores griegos del mundo veneciano utilizaron el estilo artístico flamenco. Si bien continuaron con la tradición del fondo dorado, pintaron obras que presentaban complejas figuras tridimensionales.
Theodore Poulakis integró la técnica del dorado en la mayoría de sus pinturas modernizadas, un ejemplo fue su obra titulada El Arca de Noé . Claramente, el pintor reemplaza intencionalmente el cielo en su obra con una hoja de oro mientras mantiene el estilo de pintura flamenca moderna escapando de la tradición bizantina greco-italiana. [28] Otro pintor que emuló la obra de Tiziano fue Stephanos Tzangarolas . Tzangarolas usó a Madonna Col Bambino como su inspiración para pintar a Virgin Glykofilousa con el Himno Akathist . El fondo dorado exalta a las figuras teológicas en un reino supremo. Cada historia bíblica en la pintura está incrustada con oro. El estilo tradicional a menudo continúa en el mundo griego hasta hoy. [29]
En períodos posteriores del arte europeo, el estilo fue revivido a veces, generalmente solo con pintura dorada. En 1762 George Stubbs pintó tres composiciones con caballos de carreras sobre un fondo blanco dorado o miel, siendo la más grande Whistlejacket (ahora National Gallery ). Todas eran para su propietario, el marqués de Rockingham , quien pudo haber sugerido la idea. [30] Dada su pasión por "el césped", posiblemente hubo una broma sobre su gran aprecio por los caballos. En el siglo XIX, el estilo se hizo popular para las pinturas de iglesias en la arquitectura neogótica , y se usó para techos o lunetas altas más pequeñas en grandes edificios públicos o de iglesias, recordando vagamente los precedentes bizantinos, reflejando la luz y también ahorrando la molestia de pintar fondos. Las pinturas de la escalera del Museo de Historia del Arte de Viena de Hans Makart (1881-84) son un ejemplo de muchos. Otras son las pinturas del techo que Lord Leighton pintó (exhibidas en la Royal Academy en 1886) para la casa de Manhattan de Henry Marquand , en las que insistió en que se utilizara un fondo dorado pintado en lugar del "entorno selvático" que el patrón quería para las figuras, de la mitología clásica, diciendo en una entrevista: "si lo miras, encontrarás una superficie luminosa... Al ver las imágenes desde este punto, obtienes un efecto brillante, como el brillo del día sobre ellas; si las observas desde el otro lado, la luz se resuelve en el resplandor rico y cálido del sol poniente". [31]
La «fase dorada» de Gustav Klimt duró aproximadamente entre 1898 y 1911, e incluyó algunas de sus pinturas más conocidas, entre ellas El beso (1907-08), el Retrato de Adele Bloch-Bauer I (1907) y el friso del Palacio Stoclet (1905-11). Este último fue diseñado por Klimt y ejecutado en mosaico por Leopold Forstner , un artista que realizó muchos trabajos en mosaico, incluido el oro. Aparentemente, el interés de Klimt en el estilo se intensificó después de una visita a Rávena en 1903, donde su compañero dijo que «los mosaicos le causaron una impresión inmensa y decisiva». [32] Utilizó grandes cantidades de pan de oro y pintura dorada de diversas maneras, para la ropa de sus sujetos, así como para los fondos. [33]
En el periodo Azuchi-Momoyama de Japón (1568-1600), el estilo se empezó a utilizar en los biombos plegables de gran tamaño ( byōbu ) de los shiro o castillos de las familias daimyo a finales del siglo XVI. Los temas incluían paisajes, pájaros y animales, y algunas escenas abarrotadas de la literatura o de la vida cotidiana. Se utilizaban en las habitaciones destinadas a recibir a los invitados, mientras que en las destinadas a la familia se tendía a utilizar biombos con tinta y algunos colores. Se utilizaban cuadrados de pan de oro sobre el papel, con sus bordes a veces visibles. [34] Estas habitaciones tenían ventanas bastante pequeñas, y el oro reflejaba la luz en la habitación; los techos podían estar decorados de la misma manera. [35] El fondo completo podía estar en pan de oro, o a veces solo las nubes en el cielo. [36] La escuela Rinpa hizo un uso extensivo del fondo dorado. [37]
En el biombo de los cipreses de Kano Eitoku (c. 1590), la mayor parte del "cielo" detrás de los árboles es dorado, pero las áreas coloreadas del primer plano y los picos de las montañas distantes muestran que este oro pretende representar una niebla de montaña. La superficie del primer plano inmediato también es de un dorado más opaco. Alternativamente, los fondos podrían pintarse con una fina capa de oro, lo que permite una mayor variación en el efecto de los paisajes. [38] El estilo no era tan adecuado para las pinturas japonesas en pergamino , que a menudo se guardaban enrolladas. A algunos paneles de madera más pequeños se les dio fondos de pan de oro. [39]
Fue recién en los siglos I y II cuando los mosaicos de pared, en lugar de los de suelo, se hicieron comunes en el mundo grecorromano, primero para tumbas húmedas y ninfeas , antes de ser utilizados en entornos religiosos a fines del siglo IV. Al principio, se concentraban en el ábside y el santuario detrás del altar principal o en sus alrededores. [40] Se descubrió que "con una iluminación cuidadosa, parecían no encerrar sino agrandar el espacio que rodeaban". [41]
Uno de los grupos de mosaicos con fondo dorado más antiguos que se conservan, de antes de 440, se encuentra en Santa Maria Maggiore , en Roma, en el "arco de triunfo" y la nave (los mosaicos del ábside son mucho más tardíos), aunque los de la nave están colocados demasiado altos para poder verse con claridad. La cantidad de fondo dorado varía según las escenas y suele estar mezclado con escenarios arquitectónicos, cielos azules y otros elementos. Más tarde, el mosaico se convirtió en "el vehículo preferido para transmitir la verdad de las creencias ortodoxas", así como en "el medio imperial por excelencia". [42]
La visión tradicional, ahora cuestionada por algunos estudiosos, es que los patrones de uso del mosaico se difundieron desde los talleres de la corte de Constantinopla , desde donde a veces se enviaban equipos a otras partes del imperio, o más allá como regalos diplomáticos, y que su participación puede deducirse de la calidad relativamente superior de su producción. [43]
Técnicamente, el término manuscrito iluminado se limita a los manuscritos cuyas páginas están adornadas con metales, de los cuales el oro es el más común. Sin embargo, en el uso moderno, el término normalmente abarca los manuscritos con miniaturas e iniciales que solo utilizan otros colores. [44]
En los manuscritos, el oro se utilizaba tanto en las letras y los bordes de mayor tamaño como para el fondo completo de las miniaturas. Por lo general, solo se utilizaba en unas pocas páginas, y normalmente se encontraban al principio del libro o marcaban una nueva sección importante, por ejemplo, el comienzo de cada evangelio en un Libro de los Evangelios . En Europa occidental, el uso de fondos de oro a gran escala se encuentra principalmente en los manuscritos reales o imperiales más suntuosos de períodos anteriores, como el arte otoniano , o hacia el final de la Edad Media , cuando el oro se hizo más disponible. La Hagadá Dorada del siglo XIV de la Biblioteca Británica tiene un ciclo introductorio de 14 miniaturas de temas bíblicos sobre fondo de oro trabajado con un patrón regular, como también era típico en la iluminación cristiana de lujo en este período, además del uso de letras de oro para los títulos principales. [45]
El oro se utilizó en manuscritos de Persia, India y el Tíbet, para texto, miniaturas y bordes. [46] En Persia se utilizó como fondo del texto, normalmente con una "burbuja" sencilla alrededor de las letras. En el Tíbet, así como en China, Japón y Birmania , se utilizó para formar las letras o caracteres del texto, en todos los casos para manuscritos especialmente importantes o lujosos, normalmente de textos budistas, y a menudo utilizando papel teñido de azul para un buen contraste. En el Tíbet se empezó a utilizar, relativamente tarde, como color de fondo para imágenes, restringido a algunos temas únicamente. [47] En la India se utilizaba sobre todo en los bordes o en elementos de imágenes, como el cielo; esto es especialmente común en el llamativo estilo de la pintura del Decán . Las miniaturas mogoles pueden tener paisajes bellamente pintados y bordes de animales pintados en oro sobre un fondo de un color similar. También se pueden añadir motas de oro durante la fabricación del papel. [48]
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