El dub es un estilo musical electrónico que surgió del reggae a finales de los años 1960 y principios de los años 1970. Se considera comúnmente un subgénero del reggae, aunque se ha desarrollado para extenderse más allá de ese estilo. [1] Generalmente, el dub consiste en remezclas de grabaciones existentes [2] creadas mediante la manipulación significativa del original, generalmente a través de la eliminación de partes vocales, el énfasis en la sección rítmica (la pista de batería y bajo simplificada a veces se conoce como riddim ), la aplicación de efectos de estudio como eco y reverberación , y el doblaje ocasional de fragmentos vocales o instrumentales de la versión original u otras obras. [3]
El dub fue iniciado por ingenieros de grabación y productores como Osbourne "King Tubby" Ruddock , Hopeton "Scientist" Brown , Lee "Scratch" Perry , Errol Thompson y otros [1] a partir de finales de la década de 1960. A Augustus Pablo , que colaboró con muchos de estos productores, se le atribuye haber traído la melódica de sonido distintivo al dub, y también se encuentra entre los pioneros y creadores del género. Experimentos similares con grabaciones en la mesa de mezclas fuera de la escena dancehall también fueron realizados por los productores Clive Chin y Herman Chin Loy . [4] Estos productores, especialmente Ruddock y Perry, veían la mesa de mezclas como un instrumento, manipulando pistas para crear algo nuevo y diferente. El Roland Space Echo fue ampliamente utilizado por los productores de dub en la década de 1970 para producir efectos de eco y retardo. [5]
El dub ha influido en muchos géneros musicales, incluido el rock , más significativamente el subgénero del post-punk y otros tipos de punk , [6] pop , [7] hip hop , [6] post-disco y más tarde house , [8] techno , [8] ambient , [8] música electrónica de baile , [9] y trip hop . [8] El dub fue la base de los géneros jungle y drum and bass , así como una gran influencia en el dubstep , con su orientación en torno al bajo y la utilización de efectos de audio. [10] [11] [12] El dub tradicional ha sobrevivido, y algunos de los creadores, como Mad Professor, continúan produciendo material nuevo.
El uso de la palabra dub en un contexto de grabación se originó a fines de la década de 1920 con la llegada de las "películas sonoras" y se refería a agregar una banda sonora a una película; es una abreviatura informal de la palabra double . Durante los siguientes 40 años aproximadamente, el término se abrió camino en la grabación de audio en general, a menudo en el contexto de hacer una copia de una grabación en otra cinta o disco.
Fue en este sentido que el término se utilizó por primera vez en la industria discográfica jamaiquina: las nuevas grabaciones a menudo se copiaban inicialmente en discos de acetato únicos , conocidos coloquialmente como soft wax [13] o dub y más tarde como dubplates , para uso exclusivo de los operadores de sistemas de sonido ; reproducir una canción como grabación exclusiva en un sistema de sonido era una buena manera para que un productor probara la popularidad potencial de una grabación antes de comprometerse a prensar cientos o miles de copias de sencillos para la venta minorista. Inicialmente, estos acetatos simplemente serían la grabación estándar de una canción que aún no se había lanzado en un sencillo; sin embargo, alrededor de 1968-69, comenzaron a ser mezclas exclusivas con algunas o todas las voces mezcladas. El productor Bunny Lee señala:
"Sí... en aquellos días era realmente VERSIÓN, todavía no era dub porque era simplemente el ritmo. Un día ocurrió un incidente: Ruddy's (el operador del sistema de sonido Ruddy Redwood) estaba grabando dub , y cuando empezó, Smithy (el ingeniero de grabación Byron Smith) pareció empezar a poner la voz y Ruddy's dijo: no, haz que funcione y le quito toda la pista de acompañamiento. Le dije, está bien, vuelve a ejecutarlo y pongo la voz. No he hecho nada más así todavía".
Después de describir cómo Redwood hizo que su DJ tocara primero la versión vocal y luego la versión instrumental en un baile, y lo popular que fue esta novedad, Lee continuó:
"Al día siguiente, empiezo y simplemente pongo el ritmo. O... más abajo en la melodía, pongo un poco de voz y la saco de nuevo... sí. Ruddy solía encargarse de esa parte él mismo, ponía la voz y la sacaba. Todo lo que hacía Smithy era cortar el dub... " [13]
Los soundsystems jamaicanos siempre habían buscado grabaciones exclusivas desde sus orígenes a finales de los años 40. Sin embargo, cuando pinchaban discos de rhythm & blues americanos hasta los años 50, se trataba simplemente de discos que los operadores de soundsystems rivales no tenían y no podían identificar. Esto progresó a partir de finales de los años 50, pasando de tener músicos locales grabando una canción exclusivamente para reproducirla en un sistema de sonido en particular a tener mezclas exclusivas de una canción en acetato, lo que se hizo posible con la llegada de la grabación multipista en Jamaica. Desde el concepto de una versión con parte o la totalidad de las voces mezcladas dobladas en acetato, la escena de los soundsystems ávida de novedades impulsó rápidamente la evolución de mezclas cada vez más creativas en los primeros años de los años 70. En pocos años, el término dub se asoció a estas, independientemente de si estaban en un acetato exclusivo o "dubplate". A medida que el uso del término se amplió y evolucionó, Bob Marley y The Wailers utilizaron la orden " ¡dub this one!" . En los conciertos en vivo, significa "poner énfasis en el bajo y la batería". El baterista Sly Dunbar señala de manera similar un uso del término relacionado dubwise para significar usar solo batería y bajo. [14]
Es posible que el uso existente de la palabra dub con otros significados en Jamaica en la época del origen de la música haya ayudado a consolidar su uso en el contexto musical. Los significados más frecuentes se referían a una forma de baile erótico o a una relación sexual; [15] este uso está presente con frecuencia en los nombres de las canciones de reggae, por ejemplo, en "Dub the Pum Pum" de The Silvertones (donde pum pum es la jerga jamaiquina para los genitales femeninos), "Dub a Dawta" de Big Joe and Fay ( dawta es la jerga jamaiquina para hija ). "Sister Maggie Breast" de I-Roy presenta varias referencias al sexo :
Yo lo titulé en el lateral
Dime, hermanita, puedes correr, pero no puedes esconderte
. Deslízate, tienes que deslizarte, tienes que abrir bien las entrepiernas.La paz y el amor permanecen
Sin embargo, estas tres canciones se grabaron después de que el uso del dub como estilo de remezcla ya fuera habitual.
La música dub se caracteriza por una "versión" o "doble" [16] de una canción existente, a menudo instrumental, inicialmente casi siempre prensada en los lados B de discos de 45 RPM y típicamente enfatizando la batería y el bajo para un sonido popular en los sistemas de sonido locales . Una "versión" es un corte alternativo de una canción hecha para que el DJ "brinde" sobre ella (una forma de rap jamaicano ), generalmente con parte o toda la voz original eliminada. Estas "versiones" se usaron como base de nuevas canciones al regrabarlas con nuevos elementos. [17] Las pistas instrumentales generalmente se tratan con efectos de sonido como eco , reverberación , con instrumentos y voces entrando y saliendo de la mezcla. La eliminación parcial o total de voces y otros instrumentos tiende a enfatizar el bajo. La música a veces presenta otros ruidos, como pájaros cantando, truenos y relámpagos, agua fluyendo y productores gritando instrucciones a los músicos. Puede ser aumentada aún más por DJ en vivo. Se dice que los sonidos en múltiples capas con ecos y volúmenes variables crean paisajes sonoros o esculturas sonoras, que llaman la atención sobre la forma y la profundidad del espacio entre los sonidos, así como sobre los sonidos en sí. La música suele tener una sensación claramente orgánica, aunque los efectos se creen electrónicamente. [16] [18]
A menudo, estas pistas se utilizan para " toasters " que rapean letras muy rimadas y aliteradas . Se las llama "versiones de DJ". En las formas de reggae basadas en sistemas de sonido , al intérprete que usa un micrófono se lo conoce como " DJ " o " deejay " (mientras que en otros géneros, este intérprete podría denominarse "MC", que significa " Maestro de ceremonias ", o alternativamente, los términos de jerga desarrollados posteriormente: "Microphone Commander" o "Mic Control"), y la persona que elige la música y opera los platos se llama " selector " (a veces llamado DJ en otros géneros).
Una de las razones principales para producir múltiples versiones era económica; un productor de discos podía usar una grabación que poseía para producir numerosas versiones a partir de una única sesión de estudio. Una versión también era una oportunidad para que un productor o ingeniero de remezclas experimentara y expresara su lado más creativo. La versión era típicamente el lado B de un sencillo y se usaba para experimentar y proporcionar algo para que los DJ hablaran, mientras que el lado A se dedicaba más a menudo a la pista original orientada a la voz. En la década de 1970, comenzaron a producirse LP de pistas dub; estos podían ser, de diversas formas: una colección de nuevas mezclas dub de riddims utilizados previamente en varios sencillos, generalmente por un solo productor; la versión dub de un LP vocal existente con mezclas dub de todas las pistas; o, lo menos común, una selección de riddims originales inéditos mezclados en un estilo dub. [ cita requerida ]
La música dub y el toasting introdujeron una nueva era de creatividad en la música reggae. Desde sus inicios, el toasting y la música dub se desarrollaron juntos y se influyeron mutuamente. El desarrollo de la cultura del sound system influyó en el desarrollo de las técnicas de estudio en Jamaica, [19] y los primeros DJ , incluidos Duke Reid y Prince Buster , entre otros, hacían toasting sobre versiones instrumentales del reggae y desarrollaban música reggae instrumental. [20]
En 1968, el operador de sistema de sonido de Kingston, Jamaica, Rudolph "Ruddy" Redwood fue al estudio Treasure Isle de Duke Reid para grabar una copia única del éxito de The Paragons "On The Beach". El ingeniero Byron Smith omitió la pista vocal por accidente, pero Redwood conservó el resultado y lo tocó en su siguiente baile con su DJ Wassy brindando por el ritmo. [21] El disco instrumental entusiasmó a la gente del sistema de sonido y comenzaron a cantar la letra de la pista vocal sobre la instrumental. La invención fue un éxito y Ruddy tuvo que tocar la instrumental continuamente durante media hora o una hora ese día. [22] Al día siguiente, Bunny Lee , que fue testigo de esto, le dijo a King Tubby que necesitaban hacer más pistas instrumentales, ya que "a esa gente le encantan", y grabaron las voces de " Ain't Too Proud To Beg " de Slim Smith . Gracias al enfoque innovador de King Tubby, la pista instrumental resultante era más que una pista sin voz: King Tubby intercambió las voces y la parte instrumental, tocando primero las voces, luego el riddim y luego mezclándolos . A partir de ese momento, comenzaron a llamar a esas pistas "versiones". [22] Otra fuente señala 1967 y no 1968 como el año inicial de la práctica de poner versiones instrumentales de pistas de reggae en la cara B de los discos. [23]
En Studio One, la motivación inicial para experimentar con pistas instrumentales y mezclas de estudio fue corregir el riddim hasta que tuviera una "sensación", de modo que un cantante, por ejemplo, pudiera cantar cómodamente sobre él. [22]
Otra razón para experimentar con las mezclas era la rivalidad entre los sistemas de sonido. Los técnicos de sonido de los sistemas de sonido querían que las pistas que tocaban en los bailes fueran ligeramente diferentes cada vez, por lo que encargaban numerosas copias del mismo disco a un estudio, cada una con una mezcla diferente. [24]
En 1973, gracias a los esfuerzos de varios innovadores, ingenieros y productores independientes y competitivos, las "versiones" instrumentales de reggae de varios estudios habían evolucionado hasta convertirse en el "dub", un subgénero del reggae.
El innovador álbum The Undertaker de Derrick Harriott y los Crystallites, diseñado por Errol Thompson y con "Efectos de sonido" acreditados a Derrick Harriott, fue uno de los primeros álbumes de reggae estrictamente instrumentales en su lanzamiento en 1970.
En 1973, al menos tres productores, Lee "Scratch" Perry y el equipo de ingenieros de estudio/productores de Aquarius, Herman Chin Loy y Errol Thompson, reconocieron simultáneamente que había un mercado activo para este nuevo sonido "dub" y, en consecuencia, comenzaron a lanzar los primeros álbumes que consistían estrictamente en dub. En la primavera de 1973, Lee "Scratch" Perry lanzó Upsetters 14 Dub Blackboard Jungle , mezclado en colaboración con King Tubby y más conocido como "Blackboard Jungle Dub". Se considera una grabación histórica de este género. [25]
En 1974, Keith Hudson lanzó su clásico Pick a Dub , ampliamente considerado como el primer álbum dub deliberadamente temático, con pistas mezcladas específicamente en el estilo dub con el propósito de aparecer juntas en un LP, y King Tubby lanzó sus dos álbumes debut At the Grass Roots of Dub y Surrounded by the Dreads en el National Arena .
El dub ha seguido evolucionando y su popularidad ha aumentado y disminuido con los cambios en la moda musical. Casi todos los sencillos de reggae aún llevan una versión instrumental en el lado B y los sistemas de sonido aún las utilizan como lienzo en blanco para cantantes en vivo y DJ.
En 1986, la banda japonesa Mute Beat crearía música dub utilizando instrumentos en vivo como trompetas en lugar de equipos de estudio, y se convirtió en un precursor de la música de club. [26]
En la década de 1980, el Reino Unido se convirtió en un nuevo centro de producción de dub, siendo Mikey Dread , Mad Professor y Jah Shaka los más famosos. También fue la época en la que el dub hizo notar su influencia en el trabajo de productores más experimentales y de corte más duro, como Mikey Dread con UB40 y The Clash , Adrian Sherwood y la lista de artistas de su sello On-U Sound . Muchas bandas caracterizadas como post-punk fueron fuertemente influenciadas por el dub. Bandas más conocidas como The Police , The Clash y UB40 ayudaron a popularizar el dub, siendo el álbum Present Arms In Dub de UB40 el primer álbum de dub en llegar al top 40 del Reino Unido.
Junto con el reggae en esta época (principios de los 80) y las mezclas dub de cara B, un número cada vez mayor de productores de discos post-disco estadounidenses (en su mayoría con base en el estado de Nueva York y Nueva Jersey) en colaboración con DJs destacados decidieron proporcionar sencillos de 12 pulgadas con mezclas dub alternativas, antes de la era de los "remixes". Esto se refleja en la producción de discos como "Don't Make Me Wait" de The Peech Boys , "Reach Up" de Toney Lee y artistas principalmente de sellos de la ciudad de Nueva York como Prelude o West End . En las mezclas antes mencionadas, se acentuó el ritmo del disco, se eliminaron las partes vocales "innecesarias" y se agregaron otras características amigables para los DJ que facilitaban el trabajo, como elegir secciones clave para reproducir sobre otros discos, lo que aumentaba el efecto de pista de baile.
Los estilos contemporáneos también se denominan "dubtronica", "dub-techno", "steppers" o música electrónica influenciada por la música dub. [27]
El profesor de Yale Michael Veal describió el dub como "el sonido de una sociedad que se desgarra por las costuras". Su libro, "Starship Africa", dice que la diáspora africana se refleja en el dub por el "uso extensivo de dispositivos de reverberación/delay y la fragmentación de la superficie de la canción"; considera el uso de la reverberación en el dub como una "metáfora sonora de la condición de la diáspora". Veal escribió que los creadores del dub usaban el eco y la reverberación para provocar recuerdos de la cultura africana en sus oyentes. [28] King Tubby, Lee Perry, Eroll Thompson, Mad Professor, Jah Shaka, Denis Bovell y Linton Kwesi Johnson influyeron en los músicos de rock. Desde la década de 1980 en adelante, el dub ha sido influenciado por, y a su vez ha influenciado, al techno , dubtronica/dub techno , jungle , drum and bass , dubstep , house music , punk y post-punk , trip hop , ambient music y hip hop , con sonido dub electrónico. Músicos y bandas como Culture Club , [29] Bill Laswell , Jah Wobble , New Age Steppers , [30] Public Image Ltd , The Pop Group , The Police , Massive Attack , The Clash , Adrian Sherwood , Killing Joke , [31] Bauhaus y otros demuestran claras influencias del dub en sus respectivos géneros, y sus innovaciones a su vez han influido en la corriente principal del género dub.
En 1987, la banda estadounidense de grunge rock Soundgarden lanzó una versión dub de la canción "Fopp" de Ohio Players junto con una versión rock más tradicional de la canción. [32] A finales de la década de 1990 aparecieron DJ que se especializaron en tocar música de estos músicos, como Unity Dub del Reino Unido. En el Reino Unido, Europa y Estados Unidos, los productores de discos independientes siguen produciendo dub. Antes de formar The Mars Volta, Cedric Bixler , Omar Rodríguez y otros miembros grabaron una serie de álbumes de dub bajo el nombre de De Facto desde 1999.
Desde el inicio del dub a finales de los años 1960, su historia ha estado entrelazada con la de la escena punk rock en el Reino Unido. The Clash trabajó en colaboraciones que involucraron a creadores de dub reggae jamaicanos como Lee "Scratch" Perry (cuyo " Police & Thieves ", coescrito con Junior Murvin , fue versionado por los Clash en su primer álbum) y Mikey Dread (en el álbum Sandinista! ). Además, el grupo inglés Ruts DC, una encarnación post-Malcolm Owen del legendario grupo punk con influencia del reggae The Ruts , lanzó Rhythm Collision Dub Volume 1 (sesión Roir), con la experiencia de Mad Professor . Muchas bandas de punk rock en los EE. UU. estuvieron expuestas al dub a través de la banda de punk rasta Bad Brains de Washington, DC , que se estableció y lanzó su material más influyente durante la década de 1980. Blind Idiot God colocó la música dub junto a sus pistas de noise rock más rápidas e intensas . El dub fue adoptado por algunos grupos de punk rock de los años 90, con bandas como Rancid y NOFX escribiendo canciones originales en un estilo dub. [33] A menudo, las bandas consideradas ska punk tocan canciones influenciadas por el dub; una de las primeras bandas de este tipo en hacerse popular fue Sublime , cuyos álbumes presentaban originales y remixes de dub. Continuaron influyendo en bandas estadounidenses más recientes como Rx Bandits y The Long Beach Dub Allstars . Además, el dub influyó en algunos tipos de pop , incluidas bandas como No Doubt . El quinto álbum de No Doubt, Rock Steady , presenta una variedad de sonidos dub populares como reverberación y eco. Como lo señaló la propia banda, No Doubt está fuertemente influenciada por la estética musical y las técnicas de producción jamaicanas, incluso grabando su álbum Rock Steady en Kingston, Jamaica , y produciendo lados B con influencias dub en su álbum Everything in Time B-sides. Todavía existe cierta controversia sobre si las bandas de pop-ska como No Doubt pueden considerarse parte del linaje del dub. Otras bandas siguieron los pasos de No Doubt, fusionando influencias del pop-ska y el dub, como Save Ferris y Vincent.
También hay algunas bandas punk británicas que crean música dub. Capdown lanzó su álbum Civil Disobedients , que incluye la canción "Dub No. 1", mientras que Sonic Boom Six y The King Blues toman fuertes influencias del dub, mezclando el género con la ética y las actitudes punk originales. La banda de post-punk Public Image Ltd , liderada por John Lydon , ex miembro de Sex Pistols , a menudo usa líneas de bajo con influencias del dub y el reggae en su música, especialmente en su música anterior a través de varios bajistas que eran miembros del grupo, como Jah Wobble y Jonas Hellborg . Su canción " Rise ", que alcanzó el puesto número 11 en la lista británica en 1986, usa una línea de bajo con influencia del dub/reggae.
La banda británica de post-punk Bauhaus estuvo muy influenciada por la música dub, hasta el punto de que el bajista de Bauhaus, David J, mencionó que su canción insignia, " Bela Lugosi's Dead ", "era nuestra interpretación del dub". [34] [35] [36]
Bandas shoegaze como Ride con su canción "King Bullshit" y la introducción de "Time Machine" han explorado y experimentado con el dub. Slowdive también escribió "Souvlaki Space Station" y su instrumental "Moussaka Chaos" como testimonio de la influencia del dub, mientras que Kitchens of Distinction lanzó "Anvil Dub".
Steve Hogarth , cantante de la banda de rock británica Marillion , reconoció la influencia del dub en su álbum de 2001 Anoraknophobia . [37]
Al Cisneros , fundador y bajista del grupo de Doom Metal OM, ha dejado constancia de la influencia del reggae y el dub en su estilo de tocar el bajo. [38]
El dub tradicional ha sobrevivido, y algunos de los creadores del dub, como Lee "Scratch" Perry y Mad Professor, han producido música en el siglo XXI. Los nuevos artistas siguen preservando el sonido dub tradicional, algunos con ligeras modificaciones pero con un enfoque principal en reproducir las características originales del sonido en un entorno en vivo. Algunos de estos artistas incluyen a Dubblestandart de Viena, Austria (que grabó el álbum Return from Planet Dub en colaboración con Lee "Scratch" Perry y tocando en vivo con él); Liquid Stranger de Suecia; artistas de la ciudad de Nueva York, incluidos Ticklah (también conocido como Victor Axelrod , Earl Maxton, Calbert Walker y Douglass & Degraw), Victor Rice , Easy Star All-Stars y Dub Trio, que han grabado y tocado en vivo con Mike Patton y actualmente están de gira como banda de acompañamiento de Matisyahu ); Subatomic Sound System (que ha remezclado material de Lee "Scratch" Perry y Ari Up); Dub is a Weapon; King Django ; Dr. Israel; Giant Panda Guerilla Dub Squad de Rochester, Nueva York; el campeón de peso pesado del dub de San Francisco y Colorado, Gaudi ; Ott del Reino Unido, que ha lanzado varios álbumes influyentes a través de Twisted Records , Boom One Sound System y Dubsmith del sello Boom One Records ; Future Pigeon de Los Ángeles; artistas alemanes como Disrupt y Rootah del sello Jahtari ; Twilight Circus de los Países Bajos; Moonlight Dub Experiment de Costa Rica; y Stand High Patrol de Francia. Un uso más ecléctico de las técnicas del dub es evidente en el trabajo de BudNubac, que mezcla la big band cubana con técnicas del dub. El productor de dub moderno Ryan Moore ha recibido elogios de la crítica por su proyecto Twilight Circus . En 2022 se lanzó Sly & Robbie vs. Roots Radics "The Dub Battle" producido por el artista e ingeniero de dub argentino Hernan "Don Camel" Sforzini, este trabajo es el primero en reunir a todas las leyendas del dub en un solo álbum doblando todo el álbum "The Final Battle", nominado al Grammy en 2019. Este álbum incluye los últimos dubs producidos por Lee "Scratch" Perry y Bunny "Striker" Lee, también versiones dub producidas por King Jammy, Mad Professor, Dennis Bovell, Don Camel y dos versiones dub inéditas de King Tubby. [39]
La música dub está en diálogo con la estética cultural del afrofuturismo . Habiendo surgido de Jamaica , este género es considerado como el producto de los pueblos de la diáspora , cuya cultura refleja la experiencia de la dislocación, la alienación y el recuerdo. A través de la creación de paisajes sonoros que llenan el espacio, ecos desvanecidos y la repetición dentro de las pistas musicales, los artistas dub pueden aprovechar conceptos afrofuturistas como la no linealidad del tiempo y la proyección de sonidos pasados en un espacio futuro desconocido. En un ensayo de 1982, [40] Luke Ehrlich describe el dub a través de este alcance particular:
Con el dub, la música jamaiquina se desvaneció por completo. Si el reggae es África en el Nuevo Mundo, entonces el dub debe ser África en la luna; es la música psicodélica que esperaba escuchar en los años 60 y no escuché. El bajo y la batería evocan un espacio oscuro y vasto, un retrato musical del espacio exterior, con sonidos suspendidos como planetas brillantes o fragmentos de instrumentos que pasan a toda velocidad, dejando rastros como cometas y meteoritos. El dub es un montaje musical caleidoscópico que toma sonidos originalmente pensados como partes entrelazadas de otro arreglo y, al usarlos como materia prima, los convierte en sonidos nuevos y diferentes; luego, en su propio ritmo y formato, reorganiza continuamente estos nuevos sonidos en yuxtaposiciones inusuales.
Al mismo tiempo, el papel de la música dub en el canon musical negro marca un tema de la diáspora de la que nació la música. Debido a la estructura sonora de ecos y reverberaciones, el dub puede crear un mundo onírico que simboliza el trauma generacional de la diáspora africana como resultado de la esclavitud. [41] Esta comprensión del dub le da el poder de asumir las emociones más oscuras relacionadas con la diáspora, incluida la violencia. En las mezclas dub de King Tubby , se pueden escuchar elementos sonoros de neumáticos chirriantes, disparos y sirenas de policía. [42] El artista Arthur Jafa dijo esto sobre la música dub y la diáspora en 1994 durante un discurso de apertura en la Conferencia de la Organización de Diseñadores Negros: [42]
Esas experiencias grupales que reconfiguran quiénes somos [los afroamericanos] como comunidad. Uno de los sitios primarios críticos sería el Pasaje Medio. Si entiendes el nivel de horror dirigido hacia un grupo de personas, entonces comienzas a tener una idea de la magnitud, el impacto y el nivel de trauma que eso tuvo en la comunidad afroamericana, y cómo fue particularmente una de las primeras experiencias grupales que remodelaron una "psique africana" en el comienzo de una psique afroamericana... Ahora, por ejemplo, miras la música negra y ves ciertas cosas estructurales que realmente tratan de recuperar todo este sentido de ausencia, pérdida, no saber. Una de las cosas en las que estoy pensando es la música dub... termina hablando realmente de experiencias comunes porque la estructura de la música trata de cosas que se abandonan y vuelven, realmente recuperando todo este sentido de pérdida, ruptura y reparación que es muy común en la experiencia de las personas negras en la diáspora.
William Gibson menciona con frecuencia el doblaje en la novela de ciencia ficción Neuromancer de 1984 .
Mientras trabajaban, Case fue tomando conciencia de la música que latía constantemente en el grupo. Se llamaba dub, un mosaico sensual elaborado a partir de vastas bibliotecas de pop digitalizado; era adoración, dijo Molly, y un sentido de comunidad. Case tiró de una de las sábanas amarillas; era ligera pero aun así incómoda. Zion olía a verduras cocidas, humanidad y marihuana.
"Monitoreamos muchas frecuencias. Siempre escuchamos. Una voz, surgida de la Babel de las lenguas, nos habló. Nos tocó un poderoso dub".
La explicación más sencilla del sound system jamaiquino sería la de un individuo que maneja un sistema mecánico compuesto por la amplificación y difusión musical, que incluiría platos, altavoces y un sistema de megafonía. En este sistema, el deejay es la persona que habla sobre el disco. No hay que confundirlo con el término americano DJ, que se refiere al encargado de seleccionar las pistas en un evento con música. Este papel se conoce como selector en la cultura del dub del sound system, que también desempeña un papel vital en el sistema, especialmente en los dancehalls jamaicanos.
El sound system ha tenido un lugar prevalente en la producción musical en Jamaica durante más de 60 años. La verdadera importancia y relación entre el sound system y la música dub se puede encontrar en las versiones dubbed de sonidos que se convirtieron en la fuente de la música dub. Estas versiones dubbed de canciones consistían en la pista original, sin las voces. A través del paisaje sonoro del reggae y el Sound System jamaiquino, los artistas dub pudieron manipular creativamente estas versiones dubbed o remixes de canciones. Estos remixes dub estaban fuertemente influenciados por efectos, samples vocales y eran esenciales para la progresión del dub. Los remixes, a menudo denominados versiones, eran los lados B de un disco específico. El músico dub añadía pausas dramáticas y cortes en la versión para que la canción tuviera una influencia y una sensación dub. Los artistas que usaban el sound system para crear pistas dub se referían a su creación de remixes de ciertas versiones de discos. En el contexto de un sound system, las versiones permiten una mayor improvisación vocal y expresiones del DJ . Estos remixes o versiones no hubieran sido posibles sin el sound system jamaicano y su progresión a lo largo de los años.
En el corazón del reggae y de la cultura jamaiquina se encuentra el sistema de sonido. A principios de los años 50, el sistema de sonido consistía en un tocadiscos , un amplificador y un par de altavoces. En el siglo XXI, se han convertido en producciones a mayor escala [ cita requerida ]
En el momento en que Jamaica obtuvo su independencia de Gran Bretaña en 1962, la cultura estaba en plena transformación y el país atravesaba una especie de crisis de identidad. Durante los años 40 y 50, el público jamaiquino había empezado a preferir los discos de R&B estadounidenses a la música de producción local. La cultura del sound system jamaiquino y la música dub ayudaron a cimentar las formas musicales jamaicanas en la identidad cultural nacional jamaiquina en ese momento crítico del desarrollo de la nación. [43]
David J: "Estábamos muy influenciados por el reggae, especialmente por el dub. Quiero decir, básicamente
Bela
era nuestra interpretación del dub".
A partir de esos elementos básicos, "Bela Lugosi's Dead" cruje solo con percusión, un ritmo vibrante y estridente en el que una línea de bajo de tres notas se introduce gradualmente antes de que la guitarra tratada de
Ash
se deslice, haciendo eco y haciendo eco del dub más atmosférico.
