Bel canto (italianopara 'hermoso canto' / 'hermosa canción',italiano: [ˈbɛl ˈkanto] ), con varias construcciones similares ( bellezze del canto , bell'arte del canto , pronunciado en inglés como / b ɛ l ˈ k ə n t ə ʊ / )—es un término con varios significados que se relacionan con el canto italiano.[1]
La frase no se asoció con una "escuela" de canto hasta mediados del siglo XIX, cuando los escritores de principios de la década de 1860 la usaron con nostalgia para describir una forma de cantar que había comenzado a decaer alrededor de 1830. [2] Sin embargo, "tampoco ni los diccionarios musicales ni generales consideraron oportuno intentar [una] definición [del bel canto ] hasta después de 1900". El término sigue siendo vago y ambiguo en el siglo XXI y a menudo se utiliza para evocar una tradición de canto perdida. [3]
Como se entiende generalmente hoy en día, el término bel canto se refiere al estilo vocal de origen italiano que prevaleció en la mayor parte de Europa durante el siglo XVIII y principios del XIX. Las fuentes de finales del siglo XIX y XX "nos llevarían a creer que el bel canto se restringía a la belleza y la uniformidad del tono, el fraseo en legato y la habilidad para ejecutar pasajes muy floridos, pero los documentos contemporáneos [los de finales del siglo XVIII y principios del XIX ] describen una forma multifacética de actuación mucho más allá de estos límites". [4] Las principales características del estilo bel canto fueron: [4]
El Diccionario de Música de Harvard de Willi Apel dice que bel canto denota "la técnica vocal italiana del siglo XVIII, con su énfasis en la belleza del sonido y la brillantez de la interpretación más que en la expresión dramática o la emoción romántica. A pesar de las repetidas reacciones contra el bel canto (o sus abusos, como la exhibición por sí misma; Gluck , Wagner ) y la frecuente exageración de su elemento virtuoso ( coloratura ), debe ser considerado como una técnica altamente artística y la única adecuada para la ópera italiana y para Mozart. Su desarrollo inicial está estrechamente relacionado con el de la ópera seria italiana ( A. Scarlatti , N. Porpora , JA Hasse , N. Jommelli , N. Piccinni )". [5]
Dado que el estilo bel canto floreció en el siglo XVIII y principios del XIX, la música de Handel y sus contemporáneos, así como la de Mozart y Rossini , se beneficia de la aplicación de los principios del bel canto . Las óperas recibieron el uso más dramático de estas técnicas, pero el estilo del bel canto se aplica igualmente al oratorio, aunque de una manera algo menos extravagante. Las arias de da capo que contenían estas obras supusieron desafíos para los cantantes, ya que la repetición de la sección inicial impidió que la trama avanzara. No obstante, los cantantes necesitaban que el drama emocional siguiera avanzando, por lo que utilizaron los principios del bel canto para ayudarles a interpretar el material repetido con una nueva apariencia emocional. También incorporaron adornos de todo tipo ( Domenico Corri dijo que las arias da capo fueron inventadas para ese propósito [ The Singer's Preceptor , vol. 1, p. 3]), [6] pero no todos los cantantes estaban equipados para hacer esto, algunos escritores, en particular el propio Domenico Corri, quien sugirió que cantar sin ornamentación era una práctica aceptable (ver The Singer's Preceptor , vol. 1, p. 3). Los cantantes embellecían regularmente tanto arias como recitativos, pero lo hacían adaptando sus adornos a los sentimientos predominantes de la pieza. [7]
Dos famosos maestros de este estilo en el siglo XVIII fueron Antonio Bernacchi (1685-1756) y Nicola Porpora (1686-1768), pero existieron muchos otros. Varios de estos profesores eran castrati . El cantante y autor John Potter declara en su libro Tenor: History of a Voice que:
Durante gran parte del siglo XVIII, los castrati definieron el arte del canto; Fue la pérdida de sus habilidades irrecuperables lo que con el tiempo creó el mito del bel canto , una forma de cantar y conceptualizar el canto que era completamente diferente de todo lo que el mundo había escuchado antes o volvería a escuchar. [8]
En otra aplicación, el término bel canto a veces se adjunta a las óperas italianas escritas por Vincenzo Bellini (1801–1835) y Gaetano Donizetti (1797–1848). Estos compositores escribieron obras valientes para el escenario durante lo que los musicólogos a veces llaman la " era del bel canto ". Pero el estilo de canto había comenzado a cambiar alrededor de 1830, cuando Michael Balfe escribió sobre el nuevo método de enseñanza que se requería para la música de Bellini y Donizetti ( A New Universal Method of Singing , 1857, p. iii), [9] y de modo que las óperas de Bellini y Donizetti fueron en realidad los vehículos de una nueva era del canto. El último papel importante de ópera para un castrato fue escrito en 1824 por Giacomo Meyerbeer (1791-1864). [10]
La frase " bel canto " no se usó comúnmente hasta finales del siglo XIX, cuando se opuso al desarrollo de un estilo más pesado y poderoso de canto con inflexión del habla asociado con la ópera alemana y, sobre todo, con Richard Los dramas musicales revolucionarios de Wagner . Wagner (1813-1883) condenó el modelo de canto italiano, alegando que le preocupaba simplemente "si G o A saldrían rotundamente". Abogó por una nueva escuela de canto germánica que atraería "a los espiritualmente enérgicos y profundamente apasionados a la órbita de su incomparable expresión". [11]
Los músicos y compositores franceses nunca abrazaron los extremos más floridos del estilo del bel canto italiano del siglo XVIII . No les gustaba la voz de castrato y, debido a que valoraban la enunciación clara de los textos de su música vocal, se oponían a que la palabra cantada quedara oscurecida por una fioritura excesiva . [ cita necesaria ]
La popularidad del estilo bel canto propugnado por Rossini, Donizetti y Bellini se desvaneció en Italia a mediados del siglo XIX. Fue superado por un enfoque del canto más pesado, más ardiente y menos elaborado, que era necesario para interpretar las obras innovadoras de Giuseppe Verdi (1813-1901) con el máximo impacto dramático. Los tenores, por ejemplo, comenzaron a inflar su tono y a emitir el Do agudo (e incluso el Re agudo) directamente desde el pecho en lugar de recurrir a una suave voz de cabeza o falsete como lo habían hecho anteriormente, sacrificando la agilidad vocal en el proceso. [ cita necesaria ] Los sopranos y barítonos reaccionaron de manera similar a sus colegas tenores cuando se enfrentaron a las composiciones llenas de drama de Verdi. [ cita necesaria ] Sometieron la mecánica de la producción de su voz a mayores presiones y cultivaron la excitante parte superior de sus respectivos rangos a expensas de sus notas inferiores suaves pero menos penetrantes. [ cita necesaria ] Al menos inicialmente, las técnicas de canto de las contraltos y bajos del siglo XIX se vieron menos afectadas por las innovaciones musicales de Verdi, que fueron desarrolladas por sus sucesores Amilcare Ponchielli (1834-1886), Arrigo Boito (1842-1918). y Alfredo Catalani (1854–1893).
Una de las razones del eclipse del antiguo modelo de canto italiano fue la creciente influencia en el mundo musical de los detractores del bel canto , que lo consideraban anticuado y lo condenaban como una vocalización carente de contenido. Para otros, sin embargo, el bel canto se convirtió en el arte desaparecido de la expresión musical elegante, refinada y de tono dulce. Rossini se lamentaba en una conversación que tuvo lugar en París en 1858: "Ay de nosotros, hemos perdido nuestro bel canto". [12] De manera similar, el llamado estilo alemán fue tan ridiculizado como anunciado. En la introducción a una colección de canciones de maestros italianos publicada en 1887 en Berlín bajo el título Il bel canto , Franz Sieber escribió: "En nuestra época, cuando los gritos más ofensivos bajo el atenuante del 'canto dramático' se han extendido por todas partes, Cuando las masas ignorantes parecen mucho más interesadas en cuán fuerte que cuán hermoso es el canto, tal vez sea bienvenida una colección de canciones que, como lo indica el título, puedan ayudar a restaurar el bel canto al lugar que le corresponde. [10]
A finales del siglo XIX y principios del XX, el término bel canto fue resucitado por profesores de canto en Italia, entre los cuales el barítono retirado de Verdi Antonio Cotogni (1831-1918) fue una figura preeminente. Cotogni y sus seguidores lo invocaron contra un estilo de vocalismo sin precedentes, vehemente y cargado de vibrato, que los cantantes utilizaron cada vez más alrededor de 1890 para satisfacer las apasionadas demandas del verismo escrito por compositores como Giacomo Puccini (1858-1924), Ruggero Leoncavallo (1857-1919 ). ), Pietro Mascagni (1863–1945), Francesco Cilea (1866–1950) y Umberto Giordano (1867–1948), así como los desafíos auditivos que plantean las obras escénicas no italianas de Richard Strauss (1864–1949) y otros compositores de la era romántica tardía y moderna temprana, con sus líneas vocales vigorosas y angulosas y sus texturas orquestales frecuentemente densas.
Durante la década de 1890, los directores del Festival de Bayreuth iniciaron un estilo de canto wagneriano particularmente contundente que estaba totalmente en desacuerdo con los ideales italianos del bel canto . Llamado " Sprechgesang " por sus defensores (y apodado "la corteza de Bayreuth" por algunos oponentes), el nuevo estilo wagneriano priorizaba la articulación de las palabras individuales de los libretos del compositor sobre la entrega en legato. Este enfoque del vocalismo anti-legato basado en texto se extendió por las partes de Europa de habla alemana antes de la Primera Guerra Mundial .
Como resultado de todos estos factores, el concepto de bel canto quedó envuelto en mística y confundido por una plétora de nociones e interpretaciones individuales. Para complicar aún más las cosas, la musicología alemana de principios del siglo XX inventó su propia aplicación histórica para el bel canto , utilizando el término para denotar el lirismo simple que pasó a primer plano en la ópera veneciana y la cantata romana durante las décadas de 1630 y 1640 (la era de los compositores Antonio Cesti , Giacomo Carissimi y Luigi Rossi ) como reacción contra el estilo rappresentativo anterior, dominado por el texto . [1] Este uso anacrónico del término bel canto tuvo amplia circulación en Die Musik des Barocks de Robert Haas [13] y, más tarde, en Música en la época barroca de Manfred Bukofzer . [14] Dado que el estilo de canto de la Italia de finales del siglo XVII no difería de manera marcada del del siglo XVIII y principios del XIX, se puede establecer una conexión; pero, según Jander, la mayoría de los musicólogos están de acuerdo en que es mejor limitar el término a su uso de mediados del siglo XIX, designando un estilo de canto que enfatizaba la belleza del tono y la experiencia técnica en la interpretación de música que era muy florida o presentaba largos , pasajes de cantilena fluidos y difíciles de sostener . [10]
En la década de 1950, se acuñó la frase "renacimiento del bel canto " para referirse a un interés renovado por las óperas de Donizetti, Rossini y Bellini. Estos compositores habían comenzado a pasar de moda durante los últimos años del siglo XIX y sus obras, aunque nunca desaparecieron por completo del repertorio interpretativo, se representaron con poca frecuencia durante la primera mitad del siglo XX, cuando las óperas de Wagner, Verdi y Puccini mantuvo el dominio. Esa situación cambió significativamente después de la Segunda Guerra Mundial con la llegada de un grupo de directores de orquesta emprendedores y el surgimiento de una nueva generación de cantantes como Montserrat Caballé , Maria Callas , Leyla Gencer , Joan Sutherland , Beverly Sills y Marilyn Horne , que habían adquirido Técnicas del bel canto . Estos artistas dieron nueva vida a las composiciones escénicas de Donizetti, Rossini y Bellini, tratándolas seriamente como música y repopularizándolas en toda Europa y América. Hoy en día, algunas de las óperas más representadas en el mundo, como El barbero de Sevilla de Rossini y Lucia di Lammermoor de Donizetti , pertenecen a la era del bel canto .
Muchas óperas del siglo XVIII que requieren hábiles habilidades de bel canto también han experimentado resurgimientos de posguerra, desde los menos conocidos Mozart y Haydn hasta extensas obras barrocas de Handel, Vivaldi y otros.
Los musicólogos ocasionalmente aplican la etiqueta " técnica del bel canto " al arsenal de logros y conceptos vocales virtuosos impartidos por los profesores de canto a sus alumnos durante finales del siglo XVIII y principios del XIX. Muchos de estos profesores eran castrati.
"Todos [sus] trabajos pedagógicos siguen la misma estructura, comenzando con ejercicios sobre notas individuales y eventualmente progresando a escalas y adornos improvisados", escribe Potter [15], quien continúa: "La ornamentación realmente creativa requerida para las cadencias, que involucra modelos y fórmulas que podrían generar material recién improvisado, llegó hacia el final del proceso."
La idea generalizada hoy en día de que los cantantes deben abstenerse de improvisar y adherirse siempre estrictamente a la letra de la partitura publicada de un compositor es un fenómeno comparativamente reciente, promulgado durante las primeras décadas del siglo XX por directores dictatoriales como Arturo Toscanini (1867-1957), quien Defendió las óperas dramáticas de Verdi y Wagner y creía en mantener a los artistas bajo control interpretativo. Esto lo notan tanto Potter [16] como Michael Scott . [17]
Potter señala, sin embargo, que a medida que avanzaba el siglo XIX:
La tendencia general... era que los cantantes no fueran enseñados por castrati (quedaban pocos) y que los estudios serios comenzaran más tarde, a menudo en uno de los nuevos conservatorios en lugar de con un profesor privado. Las técnicas y la pedagogía tradicionales todavía eran reconocidas, pero la enseñanza generalmente estaba en manos de tenores y barítonos que para entonces al menos una vez estaban alejados de la tradición misma.
Los profesores de principios del siglo XIX describían la voz como compuesta de tres registros. El registro del pecho era el más bajo de los tres y el registro de la cabeza el más alto, con el passaggio en el medio. Estos registros debían combinarse suavemente y ecualizarse por completo antes de que un cantante en formación pudiera adquirir el dominio total de su instrumento natural, y la forma más segura de lograr este resultado era que el aprendiz practicara ejercicios vocales asiduamente. Los profesores de la era del bel canto creían firmemente en los beneficios de la vocalización y el solfeo . Se esforzaron por fortalecer los músculos respiratorios de sus alumnos y equiparlos con atributos vocales consagrados como "pureza de tono, perfección del legato, fraseo informado por un portamento elocuente y adornos exquisitamente torneados", como se señala en la introducción al Volumen 2. de The Record of Singing de Scott .
Durante el siglo XIX se produjeron importantes mejoras en el sistema existente de clasificación de voces a medida que el repertorio operístico internacional se diversificó, se dividió en escuelas nacionalistas distintivas y se expandió en tamaño. Hacia finales del siglo XIX surgieron categorías completamente nuevas de cantantes, como la mezzosoprano y el bajo barítono wagneriano , al igual que nuevas subcategorías como la soprano de coloratura lírica , la soprano dramática y la spinto soprano, y varios grados de tenor, que se extienden desde lírica pasando por spinto hasta heroico. Estos cambios clasificatorios han tenido un efecto duradero en la forma en que los profesores de canto designan las voces y los directores de los teatros de ópera emiten las producciones.
Sin embargo, no hubo uniformidad generalizada entre los seguidores del bel canto del siglo XIX a la hora de transmitir sus conocimientos e instruir a los estudiantes. Cada uno tenía sus propios regímenes de entrenamiento y nociones favoritas. Sin embargo, fundamentalmente todos suscribieron el mismo conjunto de preceptos del bel canto , y los ejercicios que idearon para mejorar el apoyo respiratorio, la destreza, el alcance y el control técnico siguen siendo valiosos y, de hecho, algunos profesores todavía los utilizan. [1]
Manuel García (1805-1906), autor del influyente tratado L'Art du chant , fue el más destacado del grupo de pedagogos que perpetuaron los principios del bel-canto en enseñanzas y escritos durante la segunda mitad del siglo XIX. Su hermana menor, Pauline Viardot (1821-1910), de ideas afines , también fue una importante profesora de voz, al igual que sus contemporáneos Mathilde Marchesi , Camille Everardi , Julius Stockhausen , Carlo Pedrotti , Venceslao Persichini, Giovanni Sbriglia , Melchiorre Vidal y Francesco Lamperti. (junto con el hijo de Francesco, Giovanni Battista Lamperti ). Las voces de varios de sus antiguos alumnos se pueden escuchar en grabaciones acústicas realizadas en las dos primeras décadas del siglo XX y reeditadas desde entonces en LP y CD. Algunos ejemplos en disco de cantantes del siglo XIX de importancia histórica y artística cuyos estilos y técnicas vocales ejemplifican los ideales del bel canto incluyen los siguientes:
Sir Charles Santley (nacido en 1834), Gustav Walter (nacido en 1834), Adelina Patti (nacida en 1843), Marianne Brandt (nacida en 1842), Lilli Lehmann (nacida en 1848), Jean Lassalle (nacida en 1847), Victor Maurel (nacida en 1848), Marcella Sembrich (nacida en 1858), Lillian Nordica (nacida en 1857), Emma Calvé (nacida en 1858), Nellie Melba (nacida en 1861), Francesco Tamagno (nacida en 1850), Francesco Marconi (nacida en 1853), Léon Escalais (nacida en 1859), Mattia Battistini (nacido en 1856), Mario Ancona (nacido en 1860), Pol Plançon (nacido en 1851) y Antonio Magini-Coletti y Francesco Navarini (ambos nacidos en 1855).
Notas
Fuentes
Artículos
Material digitalizado
Bel canto de Harvard
