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Un atelier ( francés: [atəlje] ) es el taller o estudio privado de un artista profesional en bellas artes o artes decorativas o un arquitecto , donde un maestro principal y varios asistentes, estudiantes y aprendices pueden trabajar juntos produciendo bellas artes o arte visual publicado bajo el nombre o la supervisión del maestro.
Los ateliers fueron la práctica vocacional estándar para los artistas europeos desde la Edad Media hasta el siglo XIX, y común en otras partes del mundo. En la Europa medieval, esta forma de trabajar y enseñar a menudo era impuesta por regulaciones gremiales locales , como las del Gremio de pintores de San Lucas , y de otros gremios de artesanos. Los aprendices generalmente comenzaban a trabajar en tareas simples cuando eran jóvenes y, después de algunos años, con conocimientos y experiencia cada vez mayores, se convertían en oficiales , antes de convertirse posiblemente en maestros. Este sistema maestro-aprendiz fue reemplazado gradualmente a medida que los gremios, alguna vez poderosos, decayeron y la academia se convirtió en un método de entrenamiento favorito. Sin embargo, muchos artistas profesionales continuaron utilizando estudiantes y asistentes como lo habían hecho en los talleres; a veces el artista pagaba a los estudiantes asistentes, mientras que a veces estos pagaban honorarios al artista para aprender. [1]
En arte, el taller está formado por un artista maestro , generalmente un pintor , escultor o arquitecto profesional (o, desde mediados del siglo XIX, un fotógrafo de bellas artes) , que trabaja con un pequeño número de estudiantes para capacitarlos en artes visuales o bellas artes. Un atelier también puede ser el espacio de trabajo y estudio de un diseñador de moda de alta costura , de un peluquero o de un artista en general. Las escuelas Atelier se pueden encontrar en todo el mundo, particularmente en América del Norte y Europa Occidental . [2]
Aunque los métodos varían, la mayoría de los talleres de pintura capacitan a los estudiantes en las habilidades y técnicas asociadas con la creación de alguna forma de arte representacional, la creación de imágenes bidimensionales que parecen reales al espectador. Tradicionalmente incluyen sesiones de dibujo o pintura de desnudos .
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El tamaño de la vista es un método para dibujar y pintar un objeto exactamente como aparece para el artista, en una escala de uno a uno. El artista primero establece un punto de vista donde el sujeto y la superficie de dibujo parecen tener el mismo tamaño. Luego, utilizando una variedad de herramientas de medición, que pueden incluir niveles , espejos , plomadas , cuerdas y palos, el artista dibuja el sujeto de modo que, visto desde el punto de vista establecido, el dibujo y el sujeto tengan exactamente las mismas dimensiones. . Cuando se hace correctamente, el dibujo a tamaño de mira puede dar como resultado dibujos extremadamente precisos y realistas. También se puede utilizar para dibujar las dimensiones exactas de un modelo en preparación para una pintura. [ cita necesaria ]
Los talleres que siguen el método del tamaño de la vista generalmente coinciden en que la práctica del dibujo cuidadoso es la base de la pintura , enseñando una forma de realismo basada en observaciones cuidadosas de la naturaleza con atención al detalle. Con este método, los estudiantes progresan a través de una serie de tareas como dibujo en molde, pintura en molde, dibujo y pintura a partir del modelo vivo y naturaleza muerta. Los estudiantes deben completar cada tarea a satisfacción del instructor antes de pasar a la siguiente. Este sistema se conoce como "progresión sistemática" o "enseñanza y aprendizaje sistemáticos". [ cita necesaria ]
Los estudiantes del taller suelen comenzar esta progresión dibujando modelos de yeso . Estos yesos suelen ser caras, manos u otras partes de la anatomía humana . Los moldes de yeso brindan algunos de los beneficios de los modelos humanos vivos, como la presencia de sombras naturales . También tienen sus propias ventajas: permanecen perfectamente quietos y su color blanco permite al estudiante centrarse en los tonos puros de las sombras en escala de grises . [ cita necesaria ]
Uno de los objetivos de los estudiantes de tamaño visual es adquirir la habilidad suficiente para transferir una imagen precisa al papel o al lienzo sin la ayuda de un dispositivo mecánico. El pintor realista contemporáneo Adrian Gottlieb señala que "si bien los pintores profesionales que siguen una carrera a tiempo completo desarrollarán un 'ojo' que excluye la necesidad de dispositivos de medición y plomadas (herramientas necesarias durante el período de formación), el método de observación en sí no se abandona. en cambio, se convierte en una segunda naturaleza. El tamaño de la vista se puede enseñar y aplicar junto con una sensibilidad particular al gesto para crear imágenes realistas; especialmente cuando se aplica a retratos y obras figurativas". [ cita necesaria ]
Darren R. Rousar, ex alumno de Richard F. Lack y Charles Cecil , así como autor de Cast Drawing Using the Sight-Size Approach , está de acuerdo y define la medición en términos amplios. Dice que "un artista completamente capacitado que usa Sight-size nunca usará una plomada o incluso pensará conscientemente en medir literalmente. Él o ella se esforzará por lograr en la pintura la misma impresión retiniana que se ve en la naturaleza". [3]
El propietario de la escuela de arte, Charles H. Cecil, escribe:
El arte de los talleres que utilizan el método del tamaño de la vista recuerda a menudo a la escultura griega y romana de la antigüedad clásica , como el Apolo Belvedere . Las pinturas pueden favorecer las imágenes visuales del arte neoclásico de mediados del siglo XVIII al XIX. El método del tamaño de la vista también se presta a estilos de retrato en los que los artistas desean una imagen precisa, natural, fiel a la vida o incluso casi fotográfica del modelo, como es evidente en el trabajo de Bouguereau . [ cita necesaria ]
El método de medición comparativa requiere precisión proporcional, pero permite al artista variar el tamaño de la imagen creada. Esta técnica abarca ampliamente cualquier método de dibujo que implique realizar mediciones precisas principalmente a simple vista. En el período de formación inicial, los estudiantes pueden utilizar un lápiz, un pincel o una plomada para hacer comparaciones, pero no hay transferencia de mediciones 1:1 del tema directamente al papel. Las escuelas que enseñan este método incluyen The Water Street Atelier y la Academia Sueca de Arte Realista. [ cita necesaria ]
En su ensayo, "El método del tamaño de la vista y sus desventajas", el pintor e instructor Hans-Peter Szameit, de la Academia Sueca de Arte Realista, analiza las desventajas del tamaño de la vista, describiéndolo esencialmente como la fabricación de un objeto producido mecánicamente. imagen limitada a un tamaño, el "tamaño de vista". [5]
Otro método tradicional de taller incorpora el uso de ilusiones que engañan al espectador haciéndole creer que una imagen es precisa. Este método se enseña con mayor frecuencia junto con la teoría de composición avanzada. Dado que no es necesario copiar el sujeto con precisión para lograr una ilusión exitosa, este método permite al artista experimentar con muchas opciones conservando lo que parece ser una imagen realista.
En un ejemplo, el Estudio de una figura masculina, para Mercurio descendiendo (c. 1613-1614 (dibujado), en La educación de María de Médicis [6] ), Rubens ha oscurecido el punto donde las piernas se unen al torso. Este es un factor que contribuye a la facilidad con la que puede experimentar con éxito con una variedad de posiciones de piernas dramáticamente diferentes. Se ven al menos tres pares de pies. El espectador no se ve perturbado por un apego ilógico si el apego no es visible y la imagen bidimensional resultante es agradable a la vista. Esto permite al artista elegir entre un gran número de alternativas muy diferentes, basándose en preferencias personales o estéticas más que en precisión. En el ejercicio mencionado es posible experimentar con numerosas manipulaciones relacionadas con el tamaño y la ubicación de cada parte del cuerpo y al mismo tiempo utilizar una colección de ilusiones de escorzo bidimensionales para conservar la apariencia de realismo. [7]
Además de las partes del cuerpo, los artistas pueden depender de la manipulación de muchos otros elementos para lograr una ilusión exitosa. Estos pueden incluir: la manipulación del color, el valor, las características de los bordes, las formas superpuestas y una serie de diferentes tipos de aplicaciones de pintura, como el glaseado y el desbarbado . El trabajo desarrollado de esta manera no comenzaría con un dibujo, sino más bien con la colocación de todos los elementos relevantes necesarios para el éxito de las ilusiones, así como de la composición en su conjunto. [8] [9]
Muchas de las ilusiones diseñadas para imitar la realidad también aceleran el proceso de pintura, lo que permite a los artistas tener más tiempo para diseñar y completar obras complejas a gran escala. [ cita necesaria ]
Los estudiantes individuales de este método estudian una selección diversa de viejos maestros, aunque muchos comienzan sus estudios con pintores del Alto Renacimiento (décadas de 1490 a 1527), manieristas (1520 a 1580), barrocos (1600 a 1725) e impresionistas (décadas de 1870 a 1880). , entre ellos Leonardo da Vinci , Degas , Miguel Ángel , Rafael , Rubens y Tiziano . Sin embargo, debido a que el énfasis está en la creatividad, a menudo lo que se estudia es el diseño de la composición y la aplicación y uso de materiales, con menos atención a la reproducción de un estilo o tema en particular. [ cita necesaria ]
Por lo tanto, los estudiantes de estos talleres exhibirán una amplia gama de estilos personales y una cantidad cada vez mayor de experimentación creativa. El resultado es un grupo cuyo arte es altamente individualizado, en el que cada estudiante persigue sus propios intereses individuales. En el taller de Léon Bonnat (1846-1855) había una gran diversidad . Julius Kaplan caracterizó a Bonnat como "un profesor liberal que enfatizaba la simplicidad en el arte por encima del alto nivel académico, así como el efecto general más que el detalle". [10] [11]
Algunos de los estudiantes más notables de Bonnat incluyen: Fred Barnard , Georges Braque , Gustave Caillebotte , Suzor-Coté , Raoul Dufy , Thomas Eakins , Aloysius O'Kelly , John Singer Sargent , Henri de Toulouse-Lautrec y Marius Vasselon [11] [12 ] [13]
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