La moda indígena americana es el diseño y la creación de prendas de vestir y accesorios de alta costura por parte de los indígenas americanos en los Estados Unidos . Es parte de un movimiento más amplio de moda indígena de las Américas .
Los diseñadores indígenas incorporan con frecuencia motivos y materiales tradicionales en sus obras de arte para vestir, lo que proporciona una base para crear artículos para la alta costura y los mercados de la moda internacional. Sus diseños pueden ser el resultado de técnicas como el trabajo con cuentas , la pluma , el cuero y las artes textiles , como el tejido, el trenzado y el tufting. En algunos casos, sin embargo, optan por no incluir ningún material asociado con las culturas indígenas.
En los Estados Unidos, según la Ley de Artes y Oficios Indígenas de 1990 , para calificar como diseñadores nativos americanos, los artistas deben estar inscritos en una tribu reconocida a nivel federal , una tribu reconocida a nivel estatal o estar certificados como artesanos tribales designados por el consejo tribal. [1]
Cuando los diseñadores nativos americanos irrumpieron por primera vez en la industria de la moda moderna en las décadas de 1940 y 1950, muchos adoptaron un enfoque panindio . Al seleccionar motivos e iconografías que se identificaban fácilmente como parte de la cultura indígena, pudieron ganar aceptación y desarrollar una cuota de mercado entre los compradores convencionales. A medida que el campo de los diseñadores nativos en la alta costura se expandió, los diseñadores individuales se alejaron del panindianismo y expresaron su identidad individual, ya sea que se basara o no en su herencia tribal específica. Muchos han tomado temas indígenas y los han incorporado a sus obras, mientras que otros han tomado prendas específicas y las han actualizado a la estética contemporánea cambiando escotes, largos de mangas, dobladillos y otras características.
Ha surgido una controversia sobre la apropiación indebida o el uso inapropiado del patrimonio cultural por parte de diseñadores no indígenas. El uso respetuoso de imágenes por parte de diseñadores convencionales que no son indígenas puede ayudar a ampliar la apreciación de las culturas nativas, pero el plagio de diseños o el uso inapropiado refuerza los estereotipos negativos y genera controversia. De manera similar, el uso de artesanías puede ampliar la conciencia si los diseñadores reciben una compensación justa por su trabajo y se les reconoce su contribución. Las controversias contemporáneas han estimulado acciones tanto de colaboración colectiva como legislativas para proteger los diseños y el patrimonio cultural de los diseñadores indígenas.
Los curadores de los principales museos han recopilado y exhibido prendas históricas de los pueblos indígenas americanos, con especial atención a la vestimenta anterior al siglo XX. En su mayor parte, estas colecciones no tuvieron en cuenta el cambio en las tendencias de vestimenta entre los pueblos indígenas provocado por las políticas de asimilación o por el acceso a la capacitación en sastrería y los textiles producidos industrialmente. [2] Sin embargo, los museos centrados en los indígenas han presentado exposiciones de moda nativa contemporánea. Por ejemplo, la exhibición "Native Fashion Now" de 2017 del Museo Nacional del Indio Americano en la ciudad de Nueva York presentó a la finalista de Project Runway Patricia Michaels [3] y el Museo de Artes y Cultura Indígenas en Santa Fe realizó exhibiciones ya en 2007 sobre la alta costura nativa y el fundador del Instituto de Artes Indígenas Estadounidenses, Lloyd Kiva New . [4]
Si bien los pueblos indígenas siempre han producido prendas de vestir, hasta el siglo XX las prendas que confeccionaban solían ser para uso personal, familiar o ceremonial. [5] Sin embargo, las políticas de asimilación forzada a lo largo del siglo XIX y principios del XX se centraron en erradicar la cultura de los nativos americanos, incluida la observancia religiosa, el idioma y otras prácticas tradicionales. [6] Más tarde, políticas como la Ley de Reorganización Indígena de 1934 cambiaron la estrategia para la educación de los pueblos indígenas, alentándolos en cambio a reconectarse con sus culturas, incluida la creación de vestimentas tradicionales. [7]
En 1942, el antropólogo estadounidense Frederic H. Douglas , buscó resaltar la belleza de la moda nativa americana presentando un desfile de moda con prendas confeccionadas por nativos americanos entre 1830 y 1950. [8] Durante la misma década, Lloyd Kiva New , un cherokee que se había graduado del Art Institute of Chicago, comenzó a viajar por Europa y Estados Unidos con líneas de ropa y accesorios que había diseñado, utilizando telas tejidas y teñidas a mano y artesanías de cuero . En 1945, New abrió un estudio en Scottsdale, Arizona , con el respaldo financiero de Douglas, [9] que inicialmente se centró en cinturones, sombreros y carteras. Influenciado por las bolsas de medicina Navajo , sus carteras, decoradas con metales trabajados a mano, se convirtieron en una especialidad. [10] Al reconocer la necesidad de reducir los costos laborales, comenzó a combinar el trabajo a máquina con la artesanía e instituyó un programa de aprendizaje para satisfacer las crecientes demandas de producción mientras orientaba sus diseños para el mercado de alta gama. [11]
Ganando cobertura de revistas nacionales como Harper's Bazaar y The New Yorker , New comenzó a vender sus bolsos en Elizabeth Arden Salon y Neiman Marcus . [12] Expandiéndose hacia la ropa con un enfoque en cortes clásicos y diseños simples usando materiales de calidad, New incorporó telas Cherokee tejidas, abalorios y trabajos en plata en una línea de abrigos y vestidos para mujeres y trajes de hombres, [13] capitalizando el mercado de ropa de lujo que surgió después de la Segunda Guerra Mundial . [14] El "estilo sudoeste chic" se convirtió en una tendencia nacional a principios de la década de 1950. [15] En 1951, New fue el único diseñador nativo americano que participó en el Atlantic City International Fashion Show, ganando reconocimiento nacional. [16] Comenzó a consultar con artistas e incorporó telas serigrafiadas usando motivos nativos, como diseños de tejido de cestas Pima , patrones de cerámica Hopi , elementos Navajo y Zuni yei , basándose en una variedad de estéticas tribales. Al igual que los diseñadores que lo siguieron, sus símbolos sagrados y su iconografía fueron modificados para secularizarse. [17]
Para alentar a otros artistas indígenas a dedicarse al diseño de moda y salvaguardar las tradiciones culturales que temía que pudieran perderse, [18] New centró su atención en la educación en 1959, patrocinando un proyecto de diseño de verano, conocido como el Proyecto de Artes Indígenas del Suroeste. El proyecto experimental finalmente resultó en la fundación por parte de New y otros artistas del Instituto de Artes Indígenas Americanas (IAIA) en 1962. [19] El propósito de la escuela era proporcionar una educación que fomentara el orgullo por la herencia indígena de los estudiantes y presentara el desarrollo de habilidades diseñadas para mejorar sus oportunidades económicas. [20] New impartió un curso de textiles impresos centrado en técnicas de teñido, y Azalea Thorpe (escocesa) enseñó tejido. [21] Josephine Myers-Wapp ( comanche ) fue contratada para instruir a los estudiantes en las técnicas tradicionales utilizadas para hacer prendas y accesorios, sentando las bases para la apreciación estética de las tradiciones tribales. [22] Enseñó a los estudiantes a utilizar materiales tradicionales como plumas, cuero y conchas, y métodos que incluían abalorios, cintas y tejido para crear prendas. [23] En 1965, la IAIA ya organizaba desfiles de moda locales. En tres años, los estudiantes habían comenzado a mostrar sus trabajos en otros lugares de Arizona, Nuevo México, Texas y Nueva York. [24] En diez años, la reputación de los programas de diseño textil de la escuela había ganado reconocimiento internacional. [25]
Durante la década de 1970, los diseñadores nativos americanos comenzaron a hacerse un nombre durante los movimientos indio y natural , como Jewel Gilham ( Blackfeet ) y Remonia Jacobsen ( Otoe / Iowa ). [26] Gilham atendió a las mujeres trabajadoras, diseñando trajes de pantalón y vestidos largos hechos de telas de poliéster con inserciones de fieltro que representaban figuras geométricas y motivos nativos. [26] [27] [28] El trabajo de Jacobsen presentó vestidos holgados con técnicas decorativas, como cintas bordadas al estilo Otoe y Iowa, apliques inspirados en las tradiciones seminolas , leggings de piel de venado estampados en diseños kiowa, así como influencias de siluetas decorativas de Pueblo y Sioux. [29] Impulsados por el Movimiento Indio Americano y por los Derechos Civiles , los consumidores contraculturales encontraron atractivo en el trabajo de Gilham y Jacobsen. Además, su moda fomentó una unidad panindia en la búsqueda del poder político a través de la autoexpresión. [30]
Cuando Josephine Wapp se retiró en 1975, Sandy Fife Wilson ( Muscogee ) se hizo cargo de la instrucción de su curso de técnicas tradicionales y ofreció "Diseño de Moda Tradicional y Contemporáneo" para incluir las tendencias de moda actuales. [31] [32] Los estudiantes de Fife formaron el grupo Full Moon Fashions y comenzaron a apuntar a mujeres no nativas como posibles compradoras para sus productos. [33] En 1982, cuando Wendy Ponca ( Osage ) [34] se hizo cargo de los cursos de diseño de moda en la IAIA, los rebautizó como artes de la fibra de acuerdo con otros planes de estudio universitarios acreditados, ofreciendo tres niveles de instrucción. [35] Fundó el Waves of the Earth Fashion Group y exigió a sus estudiantes que participaran en los desfiles de moda de la IAIA, dándoles la oportunidad de mostrar sus creaciones y descubrir cómo comercializar sus obras. [36] Ponca cambió la dirección de la moda nativa americana [35] al permitir que los diseñadores determinaran si sus obras incluirían influencias y medios tradicionales. [37] Les enseñó diseño de prendas, integridad estructural y teoría del color, pero permitió que los estudiantes interpretaran cómo usaban las lecciones. [38] El enfoque de Ponca fue ignorar las demandas de hacer que los diseños se ajustaran a las definiciones estereotipadas de la identidad indígena. En cambio, fomentó la creatividad [39] y la innovación, como el uso de mylar , un material de la era espacial para crear diseños que reflejaran la conexión de Osage con el cielo. [40]
El desfile de moda del Mercado Indio de Santa Fe , organizado durante casi dos décadas por la experta en moda Jeri Ah-be-hill ( Kiowa ), se convirtió rápidamente en otro lugar para exhibir el trabajo de los estudiantes, [41] [39] utilizando el cuerpo como un lugar para mostrar diseños, en lugar de galerías. [39] Native Uprising , inicialmente llamado Native Influx, se fundó en la década de 1980 como una asociación colaborativa de artistas, diseñadores y modelos indígenas, que eran ex alumnos de IAIA, con el propósito expreso de construir un movimiento de diseño de moda nativo contemporáneo y permitir que los miembros se beneficien de sus desfiles de moda. [42] Con New como asesor y Ponca como coordinador, el grupo incluyó a muchos miembros que se hicieron un nombre en la moda, por ejemplo, Marcus Amerman ( Choctaw ), que actuó como director de escena [43] y RoseMary Diaz ( Santa Clara Pueblo ), que se especializó en diseño de moda y escritura creativa, antes de dedicarse a escribir sobre moda. [44]
En 1981, Margaret Wood ( navajo / seminola ) de Arizona, conocida por su diseño de moda así como por sus colchas , [45] [46] publicó Native American Fashion: Modern Adaptations of Traditional Designs . [47] El libro fue el primer tratamiento de la moda nativa americana contemporánea y sigue siendo el único tratamiento en profundidad del tema. [48] También en la década de 1980, diseñadores indígenas como Luanne Belcourt ( chippewa-cree ) y Myrtle Raining Bird (chippewa-cree) operaron su empresa Sitting Eagles , comercializando prendas hechas a medida en su reserva para compradores de alto nivel. [49] Jeanette Ferrara ( Isleta Pueblo ) abrió un estudio de diseño conocido por sus abrigos y chalecos que incorporaban algodón, lana y terciopelo, y Ardina Moore ( Quapaw / Osage ) fundó Buffalo Sun en Oklahoma en 1983. [50] Geraldine Sherman ( Lakota ) diseñó prendas para la comercializadora y antropóloga no nativa Helene Hagan para que produjera prendas con iconografía nativa americana. Hagan las comercializó, enfatizando su significado espiritual y simbólico. [50] [51]
La diseñadora de moda y profesional de la salud, Marjorie Bear Don't Walk ( Chippewa - Salish ), diseñó alta costura para mujeres trabajadoras y exhibió sus modas con técnicas de apliques en conferencias. Shed dirigía un negocio de pedidos por correo , lo que permitía a los clientes proporcionarle sus materiales preferidos, que luego ella incorporaba a sus diseños. [52] En 1984, Selina Curley ( Apache -Navajo) fundó una empresa de diseño, Traditions by Selina, destinada a preservar las tradiciones de su herencia. Sus diseños típicos se basan en el vestido de campamento apache con una falda amplia hasta los tobillos y mangas largas. [53] [54]
El Museo Wheelwright del Indio Americano , ubicado en Santa Fe, Nuevo México, albergó Talking Threads: Contemporary Native American Fashions en 1986. La exhibición presentó diseños de Joyce Begay-Foss (Navajo), Loretta Tah-Martin ( Apache - Ponca ) y Michelle Tsosie Naranjo (Santa Clara-Navajo- Laguna Pueblo -Mission), entre otros. [55] Al año siguiente, se estableció el Red Earth Festival en Oklahoma City , mostrando creaciones del diseñador no nativo Michael Kors , junto con Phyllis Fife (Muscogee), para demostrar que la ropa nativa era parte de la moda convencional. Fife fue parte de un grupo de diseñadores nativos conocidos como Fashion Drums of Red Earth , quienes han hecho del desfile de moda del Red Earth Festival un evento anual, demostrando que la ropa nativa se puede usar todos los días y no simplemente como vestuario ceremonial. [56] También en 1987, Patta Joest (Choctaw) estableció su firma Patta LT con la etiqueta Dancing Rabbit , para crear alta moda, produciendo prendas contemporáneas con elementos de diseño de la herencia tribal de los bosques del sudeste . Incluían vestidos de lágrimas Cherokee y chalecos de patchwork Seminole , incorporando características como abalorios al estilo de las tribus de las llanuras . Su línea también incluía sujetadores y lencería innovadores, así como faldas de palo de escoba . [57]
La Ley de Artes y Oficios Indios de 1990 fue aprobada por el Congreso de los Estados Unidos . Especificaba que para que los artistas comercializaran sus obras como nativos americanos, debían estar inscritos en una tribu reconocida por el estado o el gobierno federal o estar certificados por un consejo tribal como miembro y debían revelar su tribu afiliada. [58] La ley tenía como objetivo reducir la apropiación indebida de diseños nativos americanos por parte de no nativos que deseaban sacar provecho del mercado indígena. Para los indígenas estadounidenses, sus símbolos, como el tocado , tienen propiedades ceremoniales y sagradas. El uso inapropiado de tales objetos, como el uso del tocado por parte de Next Top Model en 2014 para modelos no nativas y su uso en Dallas por Chanel para su desfile Métiers d'Art , eran sucesos demasiado frecuentes. Aunque la ley ilegalizaba la venta de artículos por parte de personas no afiliadas como miembros de una tribu, poco se podía hacer cuando se usurpaban diseños, símbolos o nombres. La ley, escrita para proteger a las tribus y sus culturas en su conjunto, no cubre a los individuos, con el resultado de que no hay protección para las obras de los diseñadores de moda. Como parte de su tradición tribal, los símbolos de varias tribus no suelen ser marcas registradas , pero una excepción es el nombre "Navajo", que se registró legalmente como marca en 1943. [5]
En la década de 1990 se produjo una división en los estilos de diseño de moda de los nativos americanos, con un grupo que buscaba siluetas simples con transiciones definidas y suaves entre las líneas de tela, mientras que el otro grupo se centró en la alta costura indígena de vanguardia . Entre los que favorecían las líneas clásicas y limpias estaban Betty David ( Spokane ), [59] conocida por sus abrigos de piel de oveja ; [60] Dorothy Grant ( Haida ), [59] que se formó en la Escuela de Diseño de Moda Helen Lefeaux de Vancouver y cuyo trabajo incluye imágenes de la flora y la fauna del noroeste del Pacífico , arte de líneas de formas y diseños de cestería; [45] [61] y Penny Singer (Navajo), [59] que añadió imágenes fotográficas en tela a sus camisas y accesorios tradicionales para hombres y mujeres decorados con cuentas y trabajos de cintas. [62] [63] Virgil Ortiz ( Pueblo Cochiti ) y Grant fueron los primeros diseñadores de moda nativos americanos en exponer en un evento en Manhattan. Realizaron un desfile juntos en la Semana de la Moda Mercedes-Benz de Nueva York en 2009, [64] aunque el trabajo de Ortiz generalmente es conocido como más vanguardista y destacado por incorporar colores, formas y símbolos de la cerámica en su diseño de moda. [62] Angela DeMontigny (Chippewa-Cree/ Métis ) del suroeste de Ontario , una diseñadora de las Primeras Naciones canadienses, también siguió las líneas tradicionales clásicas, con elementos vanguardistas basados inicialmente en prendas de cuero y gamuza antes de diversificarse en joyas y accesorios. [65] [66]
Otros diseñadores nativos americanos de principios de los años 1990 incluyeron a la maestra tejedora Margaret Roach Wheeler ( Chickasaw / Choctaw ), quien obtuvo una maestría en arte en la Universidad Estatal de Pittsburg en Kansas, bajo la tutela de Marjorie Schick ; [45] [67] Aresta LaRusso fundó Deerwater Design en Flagstaff en 1994 con artículos hechos de telas de seda o lana y piel de ciervo o alce. Para actualizar su diseño contemporáneo, utilizó piel de cebra e impala, decorada con abalorios, flecos y plata. [68] [69]
Wendy Ponca, una de las líderes del grupo de vanguardia, dejó IAIA en 1993. Después de ser reemplazada por Pearl Sunrise (Navajo), una tejedora reconocida, el plan de estudios de moda en IAIA fue eliminado en 1995, [70] aunque el impulso para las obras de alta costura producidas por diseñadores nativos estaba aumentando. [71] Entre los estudiantes de Ponca en IAIA en la década de 1990 estaban los diseñadores Pilar Agoyo ( Ohkay Owingeh / Cochiti / Kewa ), que trabaja en el vestuario de varias películas, incluyendo Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal (2008) y Los Vengadores (2012), [72] y Patricia Michaels ( Taos Pueblo ), que pasó a ocupar el segundo lugar en la temporada 11 de Project Runway . [73] Su chaqueta de mujer se titulaba "Texto desgastado: No Trespassing por el Jefe de Guerra de Taos". ganó el premio Best of Class en la categoría de textiles en el Mercado Indio de Santa Fe en 2010. [34] Otra de las estudiantes de Ponca, Brenda Wahnee ( Comanche ), desarrolló su propia línea Com-N-Acha , con diseños de moda de vanguardia. Sus obras se presentaron en 2003 en la fiesta Grammy Fest. [59] [74] Tazbah Gaussoin ( Pueblo Picuris /Navajo), Consuelo Pascual (Navajo/ Maya ) y Rose Bean Simpson (Pueblo de Santa Clara) fueron otras estudiantes de Ponca que comenzaron a hacerse un nombre en los círculos de la moda en la década de 1990. [75]
En 2005, la IAIA, con el apoyo de la Fundación WK Kellogg , patrocinó Tribal Fusions , como un esfuerzo de moda intercultural, uniendo a diseñadores de África con Marcus Amerman, Dorothy Grant, Patricia Michaels y Virginia Yazzie Ballenger para el desfile de moda anual en el Mercado Indio de Santa Fe. Fue una oportunidad única para que los diseñadores de diversas poblaciones indígenas compartieran diseños y métodos de empoderamiento económico. [76] En 2009, Jessica Metcalfe ( Chippewa ), una académica que obtuvo su doctorado en la Universidad de Arizona, creó un blog de moda llamado "Beyond Buckskin". [77] Metcalfe usó el blog para promover a los diseñadores nativos americanos, para hablar sobre cómo encajan en la cultura popular y también para responsabilizar a las empresas cuando intentaban apropiarse de la cultura nativa. [78] Al año siguiente, Patricia Michaels formó UNRESERVED Alliance , en un intento de garantizar que los diseñadores de moda nativos americanos estuvieran representados en la Semana de la Moda de Nueva York . [79] De manera similar a Native Uprising, fundado dos décadas antes, el colectivo de diseñadores tenía como objetivo, a través de la colaboración, mejorar la inclusión de los artistas indígenas. [80]
A medida que los diseñadores nativos americanos reconocieron que el marketing dirigido únicamente a los pueblos indígenas limitaba la sostenibilidad de su negocio, crearon cada vez más prendas derivadas de su herencia cultural pero adaptadas para atraer a una estética más amplia. Los primeros diseñadores tendían a abordar la moda desde una perspectiva panindia, pero los diseñadores indígenas contemporáneos a menudo "se quedan dentro del ámbito de sus propias técnicas tradicionales de vestimenta tribal o regional". [81] En 2012, Kelly Holmes ( Cheyenne River Lakota ), una exmodelo, fundó Native Max , "la primera revista de moda nativa americana". [5] Jessica Metcalf ( Turtle Mountain Chippewa ), que escribió el blog "Beyond Buckskin", abrió una boutique de moda en Gardena, Dakota del Norte, el mismo año. [77] Metcalfe, junto con el fotógrafo Anthony Thosh Collins y la diseñadora Bethany Yellowtail ( Northern Cheyenne / Crow ) crearon una compilación de moda llamada Beyond Buckskin Lookbook que, según ella, es la "primera compilación de moda nativa moderna producida exclusivamente por nativos". [78] [82] En 2014, Loren Aragon (Acoma Pueblo) y Valentina Aragon (Diné) fundaron la marca de alta costura ACONAV conocida por sus diseños asimétricos que mezclan ideas culturales con siluetas modernas. [83] Virgil Ortiz (Cochiti Pueblo) crea diseños de moda futuristas que hacen referencia a la Rebelión Pueblo de 1680 mezclada con narrativas de ciencia ficción sobre luchadores por la libertad ambientados en el año 2180. [84]
En 2016, una exposición de investigación, "Native Fashion Now", comisariada por Karen Kramer en el Museo Peabody Essex en Salem, Massachusetts , viajó al Museo de Arte Philbrook en Tulsa, Oklahoma , al Museo de Arte de Portland en Oregón y al Museo Nacional del Indio Americano del Smithsonian en Manhattan . La exposición y su catálogo se centraron en la moda nativa americana contemporánea. Con diseños de 75 diseñadores de moda de todo Canadá y Estados Unidos, la exhibición presentó una variedad de estilos y diseños de diversas culturas, como Alano Edzerza ( nación Tahltan ), Maya Stewart (Chickasaw/Muscogee/Choctaw) y Bethany Yellowtail (Cheyenne del Norte/Crow), entre otros. [5] [85] Becki Bitternose (George Gordon), que diseña chaquetas y abrigos a partir de mantas Pendleton, apareció en la Semana de la Moda de Nueva York de 2016. [86]
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Las empresas y personas no nativas han intentado utilizar motivos y nombres nativos americanos en sus diseños de ropa. [87] Ya en la década de 1940, los diseñadores anglosajones en los Estados Unidos habían desarrollado un tipo de vestidos de una y dos piezas llamados " vestidos squaw ". [88] Estos atuendos se basaban en faldas mexicanas y navajos y vestidos de campamento apache occidentales. [89] Los vestidos, también conocidos como vestidos de fiesta, kachina, tohono o de patio, "representaban tanto la feminidad idealizada como la americanidad debido a sus orígenes nativos americanos". [89] Estos vestidos, que se apropiaban conscientemente de estilos indígenas, se consideraban una "sensación de moda" de la época, según el Arizona Daily Star . [90] El estilo navajo que influyó en la creación de los vestidos squaw fue en sí mismo una adaptación de los estilos europeos por parte de las mujeres navajo. [91] El corpiño de un vestido squaw se inspiró en los estilos apache occidental y tohono o'odham. [92] Los vestidos squaw fueron populares en los Estados Unidos durante unos 20 años. [93] La "diseñadora" original del vestido Squaw fue Dolores Gonzales de Tucson, Arizona. [93] La propia Gonzales dijo de sus vestidos: "Yo no los diseñé; los tomé como modelo. Las mujeres indias ya los usaban". [94] Otras personas involucradas en la promoción y el trabajo en los diseños incluyeron a los diseñadores Cele Peterson y George Fine. [93]
Urban Outfitters creó una colección en 2011 llamada "Navajo", que incluía ropa interior, sombreros y otros artículos con arte basado en alfombras tradicionales navajo . La Nación Navajo respondió emitiendo una orden de cese y desistimiento sobre el uso de la palabra "Navajo". [87] La banda pop No Doubt lanzó un video de 2012 con imágenes estereotipadas de la frontera estadounidense y terminó retirando el video y emitiendo una disculpa. [95] [96] Victoria's Secret vistió a una modelo con un bikini "inspirado en los nativos" y un tocado de guerra gigante en su desfile de moda ese mismo año. [97] Victoria's Secret fue nuevamente acusada de apropiación cultural en su desfile de moda de 2017, que presentó atuendos inspirados en la moda nativa tradicional. [98]
Otro problema relacionado con la moda de los nativos americanos es la representación estereotipada de la vestimenta de los pueblos indígenas en las representaciones de los medios de comunicación. [99] Los nativos americanos son retratados con mayor frecuencia en contextos históricos vistiendo ropas tradicionales. [99]
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