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El arte vikingo , también conocido comúnmente como arte nórdico , es un término ampliamente aceptado para el arte de los nórdicos escandinavos y los asentamientos vikingos más lejanos, particularmente en las Islas Británicas e Islandia , durante la Era Vikinga de los siglos VIII al XI. El arte vikingo tiene muchos elementos de diseño en común con el arte celta , germánico , románico posterior y de Europa del Este, y comparte muchas influencias con cada una de estas tradiciones. [1]
En términos generales, el conocimiento actual del arte vikingo se basa en gran medida en objetos más duraderos de metal y piedra ; la madera , el hueso , el marfil y los tejidos se conservan con menos frecuencia. Por lo tanto, el registro artístico, tal como ha sobrevivido hasta nuestros días, sigue siendo significativamente incompleto. Las excavaciones arqueológicas en curso y los hallazgos oportunistas, por supuesto, pueden mejorar esta situación en el futuro, como de hecho lo han hecho en el pasado reciente.
El arte vikingo suele dividirse en una secuencia de estilos aproximadamente cronológicos, aunque fuera de Escandinavia las influencias locales suelen ser fuertes y el desarrollo de estilos puede ser menos claro.
Los orígenes regionales de los vikingos se encuentran en Escandinavia, la península más septentrional de la Europa continental, mientras que el término "vikingo" probablemente deriva de su propio término para las incursiones costeras, la actividad mediante la cual muchas culturas vecinas se familiarizaron con los habitantes de la región.
Los piratas vikingos atacaron objetivos adinerados en las costas noroccidentales de Europa desde finales del siglo VIII hasta mediados del siglo XI. Los vikingos, comerciantes y piratas marítimos precristianos, aparecen por primera vez en la historia registrada con su ataque a la comunidad monástica cristiana de la isla de Lindisfarne en el año 793.
Los vikingos emplearon inicialmente sus barcos largos para invadir y atacar las costas, puertos y asentamientos fluviales europeos de forma estacional. Posteriormente, las actividades vikingas se diversificaron para incluir viajes comerciales al este, oeste y sur de sus países de origen escandinavos, con viajes repetidos y regulares siguiendo los sistemas fluviales hacia el este hasta Rusia y las regiones del mar Negro y Caspio , y hacia el oeste hasta las costas de las Islas Británicas , Islandia y Groenlandia . Existe evidencia de que los vikingos llegaron a Terranova mucho antes de que los viajes posteriores de Cristóbal Colón llegaran al Nuevo Mundo .
Las actividades comerciales y mercantiles estuvieron acompañadas de asentamientos y colonización en muchos de estos territorios. [2]
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La madera fue sin duda el material principal de elección de los artistas vikingos, ya que era relativamente fácil de tallar, barata y abundante en el norte de Europa. La importancia de la madera como medio artístico se ve subrayada por la supervivencia fortuita de trabajos de ebanistería realizados al principio y al final del periodo vikingo, en concreto, las tallas de los entierros de barcos de Oseberg de principios del siglo IX y la decoración tallada de la iglesia de madera de Urnes del siglo XII. Como resume James Graham-Campbell : "Estas notables supervivencias nos permiten formarnos al menos una impresión de lo que nos falta en el corpus original del arte vikingo, aunque los fragmentos de madera y las tallas a pequeña escala en otros materiales (como asta, ámbar y marfil de morsa) proporcionan más pistas. Lo mismo es inevitablemente cierto en lo que respecta a las artes textiles, aunque el tejido y el bordado eran claramente artesanías bien desarrolladas". [3]
Con la excepción de las imágenes de piedra de Gotland, que prevalecieron en Suecia a principios del período vikingo, aparentemente el tallado de piedra no se practicó en otras partes de Escandinavia hasta mediados del siglo X y la creación de los monumentos reales en Jelling , Dinamarca . Posteriormente, y probablemente influenciado por la expansión del cristianismo, el uso de piedra tallada para monumentos permanentes se hizo más frecuente.
Más allá de los registros artefactos discontinuos de madera y piedra, la historia reconstruida del arte vikingo hasta la fecha se basa principalmente en el estudio de la decoración de la metalistería ornamental de una gran variedad de fuentes. [4] Varios tipos de contexto arqueológico han logrado preservar objetos de metal para el estudio actual, mientras que la durabilidad de los metales preciosos , en particular, ha preservado mucha expresión y esfuerzo artísticos.
Tanto los hombres como las mujeres llevaban joyas, aunque de diferentes tipos. Las mujeres casadas sujetaban sus sobrevestidos cerca del hombro con pares iguales de broches grandes. Los eruditos modernos a menudo los llaman "broches de tortuga" debido a su forma abovedada. Las formas y estilos de los broches emparejados de las mujeres variaban regionalmente, pero muchos usaban calados . Las mujeres a menudo ensartaban cadenas de metal o hilos de cuentas entre los broches o adornos suspendidos de la parte inferior de los broches. Los hombres usaban anillos en sus dedos, brazos y cuellos, y mantenían sus capas cerradas con broches penanulares , a menudo con alfileres extravagantemente largos. Sus armas a menudo estaban ricamente decoradas en áreas como las empuñaduras de las espadas . Los vikingos usaban principalmente joyas de plata o bronce, estas últimas a veces doradas , pero se ha encontrado una pequeña cantidad de piezas grandes y lujosas o conjuntos en oro macizo, probablemente pertenecientes a la realeza o figuras importantes.
Con frecuencia se recuperan objetos de metal decorados de uso cotidiano en tumbas del período vikingo , debido a la práctica generalizada de realizar entierros acompañados de ajuar funerario . El difunto estaba vestido con sus mejores ropas y joyas, y era enterrado con armas, herramientas y artículos domésticos. Menos comunes, pero igualmente significativos, son los hallazgos de objetos de metales preciosos en forma de tesoros , muchos aparentemente escondidos para su custodia por propietarios que luego no pudieron recuperar su contenido, aunque algunos pueden haber sido depositados como ofrendas a los dioses.
Recientemente, dada la creciente popularidad y legalidad de la detección de metales , una frecuencia cada vez mayor de hallazgos únicos y fortuitos de objetos y adornos de metal (que probablemente representan pérdidas accidentales) está creando un corpus en rápida expansión de nuevo material para estudio.
Las monedas vikingas encajan bien en esta última categoría, pero no obstante forman una categoría separada de artefactos del período vikingo, y su diseño y decoración son en gran medida independientes de los estilos en desarrollo característicos del esfuerzo artístico vikingo más amplio.
Una fuente no visual de información sobre el arte vikingo se encuentra en el verso escáldico , la forma compleja de poesía oral compuesta durante la era vikinga y transmitida hasta que se escribió siglos después. [5] Varios versos hablan de formas pintadas de decoración que rara vez han sobrevivido en madera y piedra. El poeta escaldo del siglo IX Bragi Boddason , por ejemplo, cita cuatro escenas aparentemente no relacionadas pintadas en un escudo. Una de estas escenas representaba la expedición de pesca del dios Thor , motivo que también se menciona en un poema del siglo X de Úlfr Uggason que describe las pinturas en una sala recién construida en Islandia.
Una tradición artística continua, común a la mayor parte del noroeste de Europa y que se desarrolló a partir del siglo IV d.C., formó las bases sobre las que se construyeron el arte y la decoración de la era vikinga: a partir de ese período, la producción de los artistas escandinavos se centró ampliamente en variedades de ornamentación animal intrincada utilizada para decorar una amplia variedad de objetos.
El historiador de arte Bernhard Salin fue el primero en sistematizar el ornamento animal germánico, dividiéndolo en tres estilos (I, II y III). [6] Los dos últimos fueron subdivididos posteriormente por Arwidsson [7] en tres estilos más: Estilo C, floreciente durante el siglo VII y hasta el siglo VIII, antes de ser reemplazado en gran medida (especialmente en el sur de Escandinavia) por el Estilo D. Los estilos C y D proporcionaron la inspiración para la expresión inicial del ornamento animal dentro de la Era Vikinga, el Estilo E, comúnmente conocido como el Estilo Oseberg / Broa. Tanto los estilos D como E se desarrollaron dentro de un amplio contexto escandinavo que, aunque en consonancia con la ornamentación animal del noroeste de Europa en general, exhibió poca influencia de más allá de Escandinavia.
Aunque las formulaciones preliminares se hicieron a finales del siglo XIX, la historia del arte vikingo alcanzó su madurez a principios del siglo XX con la publicación detallada de las tallas de madera ornamentadas descubiertas en 1904 como parte del entierro en barco de Oserberg por el arqueólogo noruego Haakon Shetelig .
Es importante destacar que fue el arqueólogo inglés David M. Wilson , quien en colaboración con su colega danés Ole Klindt-Jensen produjo en 1966 el trabajo de investigación Viking Art , quien creó las bases para la caracterización sistemática del campo que todavía se emplea hoy en día, junto con un marco cronológico desarrollado.
David Wilson continuó produciendo estudios sobre el arte vikingo, principalmente en inglés, en los años siguientes, y en las últimas décadas se le unió la historiadora de arte noruega Signe Horn Fuglesang con su propia serie de publicaciones importantes. Juntos, estos académicos han combinado autoridad y accesibilidad para promover una mayor comprensión del arte vikingo como expresión cultural.
El arte de la era vikinga está organizado en una secuencia imprecisa de fases estilísticas que, a pesar de la superposición significativa en estilo y cronología, pueden definirse y distinguirse debido tanto a los elementos de diseño formal como a las composiciones y motivos recurrentes:
No es de extrañar que estas fases estilísticas aparezcan en su forma más pura en la propia Escandinavia; en otras partes del mundo vikingo, aparecen con frecuencia notables mezclas de culturas e influencias externas. En las Islas Británicas, por ejemplo, los historiadores del arte identifican versiones "insulares" distintivas de motivos escandinavos, a menudo directamente junto a la decoración vikinga "pura".
El estilo Oseberg caracteriza la fase inicial de lo que se ha considerado arte vikingo. [8] El estilo Oseberg toma su nombre de la tumba del barco Oseberg , un barco largo bien conservado y muy decorado descubierto en un gran túmulo funerario en la granja Oseberg cerca de Tønsberg en Vestfold , Noruega , que también contenía una serie de otros objetos de madera ricamente decorados. [9]
Actualmente ubicado en el Museo de Barcos Vikingos , Bygdøy , y con más de 70 pies de largo, el Barco Oseberg contenía los restos de dos mujeres y muchos objetos preciosos que probablemente fueron sustraídos por ladrones poco antes de que fuera encontrado. El barco Oseberg en sí está decorado con un estilo más tradicional de entrelazado de animales que no presenta el motivo de la bestia agarrando. Sin embargo, se encontraron cinco postes de madera tallada con cabezas de animales en el barco, y el conocido como el poste de cabeza de animal carolingio está decorado con bestias agarrando, al igual que otros ajuares funerarios del barco. [10] La cabeza carolingia representa una bestia gruñona, posiblemente un lobo, con ornamentación superficial en forma de animales entrelazados que se retuercen y giran mientras agarran y muerden.
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El estilo Broa , que debe su nombre a una montura para bridas encontrada en Broa, parroquia de Halla, Gotland, a veces se incluye con el estilo Oseberg y, a veces, se considera como propio.
El estilo Borre abarca una gama de patrones geométricos entrelazados/nudos y motivos zoomorfos (de un solo animal), reconocidos por primera vez en un grupo de monturas de arneses de bronce dorado recuperadas de una tumba de barco en el cementerio de túmulos de Borre cerca del pueblo de Borre , Vestfold , Noruega , y de donde deriva el nombre del estilo. El estilo Borre prevaleció en Escandinavia desde finales del siglo IX hasta finales del siglo X, un marco temporal respaldado por datos dendrocronológicos proporcionados por sitios con artefactos característicos del estilo Borre [11]
La "bestia que agarra" con un cuerpo en forma de cinta sigue siendo una característica de este estilo y de los anteriores. Al igual que con los patrones geométricos de esta fase, el impulso visual del estilo Borre resulta del relleno del espacio disponible: las trenzas de animales en forma de cinta se entrelazan firmemente y los cuerpos de los animales se disponen para crear composiciones compactas y cerradas. Como resultado, cualquier fondo está marcadamente ausente, una característica del estilo Borre que contrasta fuertemente con las composiciones más abiertas y fluidas que prevalecieron en el estilo Jellinge superpuesto.
Una característica diagnóstica más particular del estilo Borre reside en una "cadena de anillos" simétrica de doble contorno (o "trenza de anillos"), cuya composición consiste en círculos entrelazados separados por barras transversales y una superposición de rombos . La cadena de anillos de Borre termina ocasionalmente con una cabeza de animal en alto relieve, como se ve en los accesorios de correa de Borre y Gokstad.
Las crestas de los diseños en metalistería suelen estar melladas para imitar el alambre de filigrana empleado en las mejores piezas de artesanía. [12]
El estilo Jellinge es una fase del arte animal escandinavo durante el siglo X. [16] El estilo se caracteriza por cuerpos de animales marcadamente estilizados y a menudo en forma de banda. [16] Originalmente se aplicó a un complejo de objetos en Jelling , Dinamarca , como la Copa de Gorm y la gran piedra rúnica de Harald Bluetooth , pero más recientemente el estilo se incluye en el estilo Mammen. [16]
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El estilo Mammen toma su nombre de su objeto tipo, un hacha recuperada de un entierro masculino rico marcado como túmulo (Bjerringhø) en Mammen , en Jutlandia , Dinamarca (según la dendrocronología, la madera utilizada en la construcción de la cámara funeraria fue talada en el invierno de 970-971). Ricamente decorada en ambos lados con diseños de plata incrustada, el hacha de hierro probablemente era un arma ceremonial de desfile que era propiedad de un hombre de estatus principesco, su ropa funeraria tenía bordados elaborados y estaba adornada con seda y piel.
En una de las caras, el hacha Mammen presenta un gran pájaro con cuerpo dentado, cresta, ojo circular y cabeza erguida y pico con orejera. Una gran espiral de concha marca la cadera del pájaro, de donde emergen sus alas finamente alargadas: el ala derecha se entrelaza con el cuello del pájaro, mientras que el ala izquierda se entrelaza con su cuerpo y cola. El borde exterior del ala muestra una muesca semicircular típica del diseño del estilo Mammen. La cola está representada como un triple zarcillo, cuyo tratamiento particular en el hacha Mammen -con extremos abiertos en forma de gancho- forma una característica del estilo Mammen en su conjunto. Para complicar el diseño está la orejera de la cabeza del pájaro, que se entrelaza dos veces con el cuello y el ala derecha, al tiempo que también brotan zarcillos a lo largo del borde de la hoja. En la parte superior, cerca del mango, el hacha Mammen presenta un nudo entrelazado en un lado, una máscara humana triangular (con nariz grande, bigote y barba en espiral) en el otro; Este último resultaría ser un motivo favorito del Estilo Mammen, heredado de estilos anteriores.
Por otro lado, el hacha Mammen presenta un diseño foliar (de hojas) que se extiende desde espirales en la base con zarcillos delgados en forma de "pellets" que se extienden y entrelazan a través de la cabeza del hacha hacia el mango.
El estilo Ringerike recibe su nombre del distrito de Ringerike al norte de Oslo , Noruega, donde la arenisca rojiza local se empleaba ampliamente para tallar piedras con diseños del estilo. [17]
El objeto tipo más comúnmente utilizado para definir el estilo Ringerike es una piedra tallada de 2,15 metros (7 pies 1 pulgada) de altura de Vang en Oppland . Aparte de una inscripción conmemorativa rúnica en su borde derecho, el campo principal de la piedra de Vang está lleno de un adorno de zarcillo equilibrado que surge de dos espirales de concha en la base: los tallos principales se cruzan dos veces para terminar en zarcillos lobulados. En el cruce, otros zarcillos surgen de bucles y motivos en forma de pera aparecen desde los centros de zarcillos en el bucle superior. Aunque axial en concepción, surge una asimetría básica en la deposición de los zarcillos. Rematando el patrón de zarcillos aparece un gran animal que camina en una representación de doble contorno con caderas en espiral y una lapa labial. Si comparamos el diseño animal de la Piedra Vang con el animal relacionado de la cabeza del hacha de Mammen, este último carece de la axialidad que se ve en la Piedra Vang y sus zarcillos son mucho menos disciplinados: la voluta de Mammen es ondulada, mientras que la de Vang parece tensa y uniformemente curvada, características que marcan una diferencia clave entre el ornamento de Mammen y el de Ringerike. Sin embargo, la interrelación entre los dos estilos es obvia cuando se compara el animal de la Piedra Vang con el que se encuentra en la Piedra Jelling .
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En cuanto a la metalistería, el estilo Ringerike se aprecia mejor en dos veletas de cobre dorado , procedentes de Källunge, Gotland y de Söderala, Hälsingland (la veleta de Söderala ), ambas en Suecia. La primera muestra en una cara dos bucles axialmente construidos en forma de serpientes, de las que a su vez brotan zarcillos colocados simétricamente. Las cabezas de serpiente, así como el animal y la serpiente del reverso, encuentran un tratamiento más florido que en la piedra de Vang: todas tienen orejeras, las serpientes llevan coletas, mientras que todos los animales tienen un ojo en forma de pera con la punta dirigida hacia el hocico, una característica diagnóstica del estilo Ringerike.
El estilo Ringerike evolucionó a partir del anterior estilo Mammen . Recibió su nombre de un grupo de piedras rúnicas con motivos animales y vegetales en el distrito de Ringerike al norte de Oslo . Los motivos más comunes son leones, pájaros, animales con forma de banda y espirales. [18] Algunos elementos aparecen por primera vez en el arte escandinavo, como diferentes tipos de cruces, palmetas y lazos con forma de pretzel que unen dos motivos. [16] La mayoría de los motivos tienen contrapartes en el arte anglosajón , insular y otoniano . [18]
El estilo Urnes fue la última fase del arte animal escandinavo durante la segunda mitad del siglo XI y principios del siglo XII. [19] El estilo Urnes recibe su nombre de la puerta norte de la iglesia de madera de Urnes en Noruega , pero la mayoría de los objetos del estilo son piedras rúnicas en Uppland , Suecia , por lo que algunos académicos prefieren llamarlo estilo de piedra rúnica . [19]
El estilo se caracteriza por animales delgados y estilizados que se entrelazan en patrones apretados. [19] Las cabezas de los animales se ven de perfil, tienen ojos delgados en forma de almendra y hay apéndices enrollados hacia arriba en las narices y los cuellos. [19]
El estilo temprano ha recibido una datación que se basa principalmente en la piedra rúnica U 343 , la piedra rúnica U 344 y un cuenco de plata de alrededor de 1050, que se encontró en Lilla Valla. [20] La versión temprana de este estilo en piedras rúnicas comprende las Piedras rúnicas de Inglaterra que hacen referencia a Danegeld y Canuto el Grande y las obras de Åsmund Kåresson . [20]
El estilo de Urnes medio ha recibido una datación relativamente firme basada en su aparición en monedas emitidas por Harald Hardrada (1047-1066) y por Olav Kyrre (1080-1090). Dos tallas de madera de Oslo han sido datadas en torno a 1050-1100 y la tabla de Hørning está datada por dendrocronología en torno a 1060-1070. [21] Sin embargo, hay evidencia que sugiere que el estilo de Urnes medio se desarrolló antes de 1050 en la forma en que lo representan los maestros de runas Fot y Balli . [21]
El estilo Urnes medio seguiría siendo popular junto con el estilo Urnes tardío del maestro de runas Öpir . [21] Es famoso por un estilo en el que los animales son extremadamente delgados y forman patrones circulares en composiciones abiertas. [21] Este estilo no era exclusivo de Öpir y Suecia, sino que también aparece en una tabla de Bølstad y en una silla de Trondheim , Noruega . [21]
Las piedras rúnicas de Jarlabanke muestran rasgos tanto de este estilo tardío como del estilo de mediados de Urnes de Fot y Balli, y fue el tipo Fot-Balli el que se mezclaría con el estilo románico en el siglo XII. [21]
El estilo románico-urnés no aparece en las lápidas, lo que sugiere que la tradición de hacer lápidas se había extinguido cuando apareció el estilo mixto, ya que está bien representado en Gotland y en el continente sueco. [22] El estilo románico-urnés se puede fechar independientemente del estilo gracias a las representaciones de Oslo en el período 1100-1175, la datación dendrocronológica del frontal de Lisbjerg en Dinamarca en 1135, así como los relicarios irlandeses que datan de la segunda mitad del siglo XII. [22]
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