Louise Nevelson (23 de septiembre de 1899 - 17 de abril de 1988) fue una escultora estadounidense conocida por sus monumentales piezas de pared de madera monocromáticas y esculturas al aire libre. Nacida en la gobernación de Poltava del Imperio ruso (actual Óblast de Kiev , Ucrania ), emigró con su familia a los Estados Unidos a principios del siglo XX. Nevelson aprendió inglés en la escuela y hablaba yiddish en casa.
A principios de la década de 1930 asistía a clases de arte en la Art Students League de Nueva York y en 1941 realizó su primera exposición individual. Nevelson experimentó con el arte conceptual temprano utilizando objetos encontrados y experimentó con la pintura y la impresión antes de dedicar su vida a la escultura. Generalmente creadas en madera, sus esculturas parecen rompecabezas, con múltiples piezas intrincadamente cortadas colocadas en esculturas de pared o piezas independientes, a menudo en 3-D. Las esculturas suelen estar pintadas en blanco o negro monocromático. [5]
Nevelson, figura destacada del panorama artístico internacional, participó en la 31ª Bienal de Venecia . Su trabajo ha sido incluido en colecciones corporativas y de museos en Europa y América del Norte. Nevelson sigue siendo una de las figuras más importantes de la escultura estadounidense del siglo XX.
Louise Nevelson nació Leah Berliawsky en 1899 en Pereiaslav , gobernación de Poltava , Imperio ruso , hija de Minna [4] [6] Sadie [7] e Isaac Berliawsky, [4] un contratista y comerciante de madera . [7] Aunque la familia vivía cómodamente, los parientes de Nevelson habían comenzado a abandonar el Imperio Ruso hacia Estados Unidos en la década de 1880.
Los Berliawsky tuvieron que quedarse atrás, ya que Isaac, el hermano menor, tuvo que cuidar de sus padres. Mientras aún estaba en Europa, Minna dio a luz a dos de los hermanos de Nevelson: Nathan (nacido en 1898) y Anita (nacida en 1902). [8] A la muerte de su madre, [8] Isaac se mudó a los Estados Unidos en 1902. [7] Después de su partida, Minna y los niños se mudaron al área de Kiev . Según la tradición familiar, la joven Nevelson estaba tan triste por la partida de su padre que se quedó muda durante seis meses. [8]
En 1905, Minna y los niños emigraron a los Estados Unidos, donde se unieron a Isaac en Rockland, Maine . [4] Isaac inicialmente luchó por establecerse allí, sufriendo de depresión mientras la familia se instalaba en su nuevo hogar. Trabajó como leñador antes de abrir un depósito de chatarra. [8] Su trabajo como leñador hizo de la madera una presencia constante en el hogar familiar, un material que ocuparía un lugar destacado en el trabajo de Nevelson. [9] Con el tiempo, se convirtió en un exitoso propietario de un almacén de madera y agente inmobiliario. [7] Otra niña, Lillian, nació en 1906. [8] Nevelson era muy cercana a su madre, quien sufría de depresión, tal vez provocada por la migración de la familia desde Rusia y su condición minoritaria como familia judía que vivía en Maine. Minna compensó excesivamente esto vistiendo a ella y a los niños con ropa "considerada sofisticada en el Viejo País". [8] Su madre vestía trajes extravagantes con mucho maquillaje; Nevelson describió el "disfraz" de su madre como "arte, su orgullo y su trabajo", y también la describió como alguien que debería haber vivido "en un palacio". [6]
La primera experiencia artística de Nevelson fue a la edad de nueve años en la Biblioteca Pública de Rockland , donde vio un molde de yeso de Juana de Arco . [10] Poco después decidió estudiar arte, tomando dibujo en la escuela secundaria, donde también se desempeñó como capitana de baloncesto. [4] [6] Pintó interiores en acuarela , en los que los muebles aparecían en una estructura molecular , similar a su trabajo profesional posterior. Figuras femeninas aparecían con frecuencia. En la escuela practicaba inglés, su segunda lengua, ya que en casa se hablaba yiddish . [6] [8] Descontenta con la situación económica de su familia, las diferencias de idioma, la discriminación religiosa de la comunidad y su escuela, Nevelson se propuso mudarse a la escuela secundaria en Nueva York. [11]
Se graduó de la escuela secundaria en 1918, [4] y comenzó a trabajar como taquígrafa en un despacho de abogados local. Allí conoció a Bernard Nevelson, copropietario junto con su hermano Charles de Nevelson Brothers Company, una empresa naviera. Bernard le presentó a su hermano y Charles y Louise Nevelson se casaron en junio de 1920 en una boda judía en el Hotel Copley Plaza de Boston. Habiendo satisfecho la esperanza de sus padres de que ella se casara con un miembro de una familia rica, ella y su nuevo esposo se mudaron a la ciudad de Nueva York, [11] donde comenzó a estudiar pintura, dibujo, canto, actuación y danza. [7] También quedó embarazada y en 1922 dio a luz a su hijo Myron (más tarde llamado Mike), quien creció hasta convertirse en escultor. [6] [7] Nevelson estudió arte, a pesar de la desaprobación de sus suegros. Ella comentó: "La familia de mi marido era terriblemente refinada. Dentro de ese círculo se podía conocer a Beethoven, pero Dios no lo quiera si fueras Beethoven". [11]
En 1924 la familia se mudó a Mount Vernon, Nueva York , una popular zona judía del condado de Westchester . Nevelson estaba molesta con la mudanza, que la alejó de la vida de la ciudad y de su entorno artístico. [11] Durante el invierno de 1932-1933 se separó de Charles, sin querer convertirse en la esposa socialité que él esperaba que fuera. [7] Ella nunca buscó apoyo financiero [7] de Charles, y en 1941 la pareja se divorció. [4]
A partir de 1929, Nevelson estudió arte a tiempo completo en la Art Students League . [4] Nevelson atribuyó el mérito a una exposición de kimonos Noh en el Museo Metropolitano de Arte como un catalizador para que ella estudiara más arte. [6] En 1931, envió a su hijo Mike a vivir con su familia y se fue a Europa, pagando el viaje vendiendo un brazalete de diamantes que su ahora exmarido le había regalado con motivo del nacimiento de Mike. [6] En Munich estudió con Hans Hofmann [7] antes de visitar Italia y Francia. Al regresar a Nueva York en 1932, volvió a estudiar en la Art Students League. Conoció a Diego Rivera en 1933 y trabajó como su asistente en su mural El hombre en la encrucijada en Rockefeller Plaza . Los dos tuvieron un romance que provocó un distanciamiento entre Nevelson y la esposa de Rivera, Frida Kahlo , una artista que Nevelson admiraba mucho. [6] Poco después, Nevelson comenzó a tomar clases de escultura en la Alianza Educativa .
Nevelson continuó experimentando con otros medios artísticos, incluida la litografía y el aguafuerte , pero decidió centrarse en la escultura. Sus primeras obras fueron creadas a partir de yeso, arcilla y tattistone. Durante la década de 1930, Nevelson comenzó a exhibir su trabajo en exposiciones colectivas. En 1935, enseñó pintura mural en el Madison Square Boys and Girls Club en Brooklyn como parte de Works Progress Administration (WPA). Trabajó para la WPA en las divisiones de pintura y escultura de caballete hasta 1939. [4] En 1936, Nevelson ganó su primer concurso de escultura en las Galerías ACA de Nueva York. [12] Durante varios años, la empobrecida Nevelson y su hijo caminaron por las calles recogiendo leña para quemarla en su chimenea. Esta leña sirvió de punto de partida para el arte que la hizo famosa. [6] Su trabajo durante la década de 1930 exploró la escultura, la pintura y el dibujo. Nevelson también creó dibujos a tinta y lápiz, animales semiabstractos de terracota y pinturas al óleo . [13]
En 1941, Nevelson tuvo su primera exposición individual en la Galería Nierendorf, que la representó hasta 1947. Durante su estancia en Nierendorf, Nevelson obtuvo una caja de limpiabotas de un lustrabotas local . Expuso la caja en el Museo de Arte Moderno , lo que le atrajo la primera atención importante que recibió por parte de la prensa. Un artículo sobre ella apareció en Art Digest en noviembre de 1943. [14] Ese año, Nevelson expuso su trabajo en la exposición de Peggy Guggenheim Exposición de 31 mujeres en la galería Art of This Century de Nueva York. [15]
En la década de 1940 comenzó a producir estudios de figuras cubistas en materiales como piedra, bronce , terracota y madera. En 1943, realizó una exposición en la Galería Norlyst llamada El payaso como centro de su mundo en la que construyó esculturas sobre el circo a partir de objetos encontrados . La exposición no fue bien recibida y Nevelson dejó de utilizar objetos encontrados hasta mediados de la década de 1950. [4] A pesar de la mala recepción, las obras de Nevelson en este momento exploraron tanto resúmenes figurativos inspirados en el cubismo [13] como la influencia explotadora y experimental del surrealismo . La década proporcionó a Nevelson los materiales, movimientos y experimentos de creación propia que moldearían su estilo modernista característico en la década de 1950. [dieciséis]
Durante la década de 1950, Nevelson expuso su trabajo con la mayor frecuencia posible. Sin embargo, a pesar de los premios y la creciente popularidad entre los críticos de arte , continuó teniendo problemas económicos. Comenzó a impartir clases de escultura en programas de educación para adultos en el sistema escolar público de Great Neck . [4] Su propio trabajo comenzó a crecer hasta alcanzar un tamaño monumental, yendo más allá de las obras a escala humana de principios de la década de 1940. Nevelson también visitó América Latina y fue influenciado por las ruinas mayas y las estelas de Guatemala . [16] En 1954, la calle de Nevelson en Kips Bay estaba entre las que estaban programadas para demolición y reurbanización, y su uso cada vez mayor de materiales de desecho en los años siguientes se basó en los desechos que dejaban en las calles sus vecinos desalojados. [17] En 1955, Nevelson se unió a la Grand Central Modern Gallery de Colette Roberts, donde realizó numerosas exposiciones individuales.
Allí expuso algunas de sus obras más notables de mediados de siglo: Bride of the Black Moon , First Personage , y la exposición "Moon Garden + One", que mostró su primera pieza mural, Sky Cathedral , en 1958. De 1957 a 1958, fue presidenta del Capítulo de Artists' Equity de Nueva York, donde forjó una larga amistad y defensa [18] con Norman Carton , ex presidente de Artist Equity de Filadelfia. En 1958, Carton ayudó a Nevelson a incorporarse a la Martha Jackson Gallery , donde trabajó y expuso. [19] En Martha Jackson, se le garantizaron ingresos y se volvió financieramente segura. Ese año, fue fotografiada y apareció en la portada de Life [20] y tuvo su primera exposición individual de Martha Jackson.
En 1960, realizó su primera exposición individual en Europa en la Galerie Daniel Cordier de París. Más tarde, ese mismo año, una colección de su obra, agrupada como "Dawn's Wedding Feast", se incluyó en la exposición colectiva "Sixteen Americans" en el Museo de Arte Moderno. En 1962, realizó su primera venta de museo al Museo Whitney de Arte Americano , que compró la pared negra Young Shadows . Ese mismo año, su obra fue seleccionada para la 31ª Bienal de Venecia y se convirtió en presidenta nacional de Artists' Equity , cargo que ocupó hasta 1964. [4]
En 1962 dejó la Galería Martha Jackson para trabajar brevemente en la Galería Sidney Janis . Después de una primera exposición fallida en la que no se vendió ninguna de sus obras, Nevelson tuvo una pelea con la dueña de la galería, Janis, por sumas que él le adelantó y que no pudo recuperar. Nevelson y Janis entablaron una polémica batalla legal que dejó a Nevelson arruinado, deprimido y en riesgo de quedarse sin hogar. [21] Sin embargo, en ese momento a Nevelson se le ofreció una beca de artista financiada de seis semanas en Tamarind Lithography Workshop (ahora Tamarind Institute ) en Los Ángeles, lo que le permitió escapar del drama de la ciudad de Nueva York. Ella explicó: "Normalmente no habría ido. No me importaba mucho la idea de las impresiones en ese momento, pero necesitaba desesperadamente salir de la ciudad y todos mis gastos estaban pagados". [22]
En Tamarind, Nevelson realizó veintiséis litografías, convirtiéndose en el artista más productivo en completar la beca hasta ese momento. Las litografías que creó fueron algunos de sus trabajos gráficos más creativos, utilizando materiales no convencionales como estopilla, encaje y textiles sobre la piedra litográfica para crear interesantes efectos de textura. [23] Con nueva inspiración creativa y fondos repuestos, Nevelson regresó a Nueva York. Se unió a Pace Gallery en el otoño de 1963, donde realizó exposiciones regularmente hasta el final de su carrera. En 1967, el Museo Whitney acogió la primera retrospectiva de la obra de Nevelson, mostrando más de cien piezas, incluidos dibujos de la década de 1930 y esculturas contemporáneas. [4] En 1964 creó dos obras: Homenaje a 6.000.000 I y Homenaje a 6.000.000 II como homenaje a las víctimas del Holocausto . [24] Nevelson contrató a varios asistentes a lo largo de los años, incluida Diana MacKown . En ese momento, Nevelson había solidificado el éxito comercial y crítico. [4]
Nevelson continuó utilizando madera en sus esculturas, pero también experimentó con otros materiales como aluminio, plástico y metal. Black Zag X de 1969, en la colección del Museo de Arte de Honolulu, es un ejemplo de los ensamblajes completamente negros del artista que incorporan la formica plástica . En el otoño de 1969, la Universidad de Princeton le encargó la creación de su primera escultura al aire libre . [4] Después de completar sus primeras esculturas al aire libre, Nevelson declaró: "Recuerden, tenía poco más de setenta años cuando comencé con la escultura monumental al aire libre... Había atravesado los recintos de madera. Había atravesado las sombras. "Había atravesado los recintos y había salido a la luz." Nevelson también elogió los nuevos materiales como el plexiglás y el acero corten , que calificó de "bendición". [25]
Abrazó la idea de que sus obras pudieran resistir el cambio climático y la libertad de ir más allá de las limitaciones de tamaño. Estas obras de arte públicas fueron creadas por Lippincott Foundry. Los encargos de arte público de Nevelson fueron un éxito monetario, pero la historiadora del arte Brooke Kamin Rapaport afirmó que el "gesto intuitivo" de Nevelson no es evidente en las grandes acerías. [25] A pesar de ello, Nevelson recibió la medalla Edward MacDowell en 1969. [1] [2] [3]
En 1972-1973, creó sus esculturas Dream Houses , de pequeños trozos de madera ensamblados en formas de casas y característicamente [26] pintados de negro. Las obras se diferencian de muchas de sus piezas por ser completamente tridimensionales en lugar de presentar una sola fachada, aunque cada fachada es reconocible como una obra de Nevelson. [26]
En 1973, el Walker Art Center comisarió una importante exposición de su obra, que viajó durante dos años. En 1975, diseñó la capilla de la Iglesia Luterana de San Pedro en Midtown Manhattan . [4] Cuando se le preguntó sobre su papel como artista judía creando arte de temática cristiana, Nevelson afirmó que su trabajo abstracto trascendió las barreras religiosas. [24] También en 1975, creó e instaló una gran escultura de madera titulada Bicentennial Dawn en el nuevo Palacio de Justicia de los Estados Unidos James A. Byrne en Filadelfia . [27] [28]
Durante la última mitad de su vida, Nevelson solidificó su fama y su personalidad cultivando un estilo para su yo "pequeña pero extravagante" [29] que contribuyó a su legado: vestidos dramáticos, bufandas y grandes pestañas postizas . [30] Cuando Alice Neel le preguntó a Nevelson cómo se vestía tan bellamente, Nevelson respondió "Joder, querido, jodido", en referencia a su estilo de vida sexualmente liberado . El diseñador Arnold Scaasi creó muchas de sus prendas. [6]
Nevelson murió el 17 de abril de 1988. [4]
En el momento de su muerte en 1995, su amigo Willy Eisenhart estaba trabajando en un libro sobre Nevelson. [31] [32]
Cuando Nevelson estaba desarrollando su estilo, muchos de sus colegas artísticos soldaban metal para crear esculturas a gran escala. Nevelson decidió ir en la dirección opuesta explorando las calles en busca de inspiración y encontrándola en la madera. [20] Las esculturas más notables de Nevelson son sus relieves de madera, parecidos a paredes, basados en collages , que consisten en múltiples cajas y compartimentos que contienen formas abstractas y objetos encontrados, desde patas de sillas hasta balaustres . [33] Nevelson describió estas esculturas inmersivas como "ambientes". [34] Las piezas de madera también eran restos de desechos, piezas encontradas en las calles de Nueva York. [35]
Nevelson tomó objetos encontrados y los pintó con spray para disfrazar su función o significado real. [16] Nevelson se llamó a sí misma "la recicladora original " debido a su uso extensivo de objetos desechados. Encontró una fuerte influencia en el cubismo y lo describió como "una de las mayores conciencias a las que jamás haya llegado la mente humana". [13] También encontró influencia en el arte , los sueños, el cosmos y los arquetipos de los nativos americanos y mayas . [6] Además, Nevelson se inspiró en la obra de Joaquín Torres García , un artista uruguayo que "en Estados Unidos probablemente fue subestimado precisamente por su gran influencia; la deuda de Adolph Gottlieb y Louise Nevelson con su obra nunca ha sido plenamente reconocida" . [36]
La paleta limitada de blanco y negro de Nevelson se volvió central. [13] Pintó con spray [35] sus paredes de negro hasta 1959. [33] Nevelson afirmó que el negro "significa totalidad. Significa: lo contiene todo. Contenía todo el color. No era una negación del color. Era una aceptación". . Porque el negro abarca todos los colores. El negro es el color más aristocrático de todos. El único color aristocrático... He visto cosas que se transformaron en negro que adquirieron grandeza. [6] En la década de 1960, comenzó a incorporar el blanco y el oro en sus obras. [33]
Nevelson dijo que el blanco era el color que "convocaba la promesa emocional y de la madrugada". [ cita necesaria ] Ella describió su fase dorada como la " fase barroca ", inspirada por haberle dicho cuando era niña que las calles de Estados Unidos estaban "pavimentadas de oro" y por el materialismo y hedonismo del color, el Sol y la Luna. . Nevelson investigó las túnicas Noh y las colecciones de monedas de oro del Museo Metropolitano de Arte en busca de inspiración. [37]
A través de su trabajo, Nevelson a menudo exploraba su complicado pasado, su presente conflictivo y su futuro anticipado. [35] Un símbolo común que aparece en la obra de Nevelson es la novia, como se ve en Bride of the Black Moon (1955). Esto hacía referencia a su fuga del matrimonio en sus primeros años de vida, así como a su independencia a lo largo de su vida. [38] Sus obras de Sky Cathedral a menudo tardaron años en crearse; Sky Cathedral: Night Wall , de la colección del Museo de Arte de Columbus , tardó 13 años en construirse en su estudio de la ciudad de Nueva York. En la serie Sky Cathedral , Nevelson comentó: "Este es el Universo, las estrellas, la luna, y tú y yo, todos". [33]
El trabajo de Nevelson se ha exhibido en muchas galerías estadounidenses, incluidas la Galería Anita Shapolsky , la Galería Woodward y la Galería Pace en la ciudad de Nueva York y la Galería Margot en Lake Worth, Florida. [39] [40] [41]
Su obra está incluida en colecciones de museos de todo el mundo como Pérez Art Museum Miami , [42] [43] Florida; Museo Smithsonian de Arte Americano , [44] Washington DC; Tate , [45] Londres; el Museo Whitney de Arte Americano , Museo de Brooklyn , Museo de Arte Moderno, Nueva York ; [46] y el Museo Guggenheim . [47]
Nevelson ha sido descrita como "la primera mujer en ganar fama en Estados Unidos por su arte público". [48] En 1978, la ciudad de Nueva York encargó un jardín de esculturas, Louise Nevelson Plaza (anteriormente Legion Memorial Square), ubicado entre Maiden Lane , Liberty Street y William Street en el Bajo Manhattan , para exhibir algunas de sus esculturas a gran escala. Se convirtió en el primer espacio público de la ciudad de Nueva York en llevar el nombre de un artista. [49] Habiendo sufrido modificaciones significativas desde sus inicios, incluido un rediseño completo de la plaza en 2007-2010, ahora es administrada por el Banco de la Reserva Federal de Nueva York . [7] En diciembre de 1978, Nevelson dedicó otra escultura pública en el Bajo Manhattan; Titulado Sky Gate, Nueva York, se instaló en el vestíbulo del entrepiso del 1 World Trade Center en el sitio opuesto del Distrito Financiero. [50]
Louise Nevelson construyó su escultura de la misma manera que construyó su pasado: moldeando cada una con su legendario sentido de identidad mientras creaba una iconografía extraordinaria a través de medios abstractos.
— El Museo Judío, 2007 [35]
Entre 1966 y 1979, Nevelson donó sus trabajos a numerosas instituciones sin fines de lucro en varias entregas. Ahora, están completamente digitalizados y en la colección de Archives of American Art . [4] El Museo de Arte Farnsworth en Rockland, Maine, alberga la segunda colección más grande de sus obras, incluidas las joyas que ella diseñó. [10] En 2000, el Servicio Postal de los Estados Unidos lanzó una serie de sellos postales conmemorativos en honor de Nevelson. [51]
Al año siguiente, su amigo y dramaturgo Edward Albee escribió la obra Occupant como homenaje al escultor. El espectáculo se estrenó en Nueva York en 2002 con Anne Bancroft interpretando a Nevelson, pero debido a la enfermedad de Bancroft nunca pasó de los avances. El Teatro J de Washington DC organizó una reposición en noviembre de 2019. [52] La imagen distintiva y excéntrica de Nevelson ha sido documentada por muchos fotógrafos célebres. [6] Nevelson figura en Heritage Floor, entre otras mujeres famosas, en la obra maestra de Judy Chicago de 1974-1979 , The Dinner Party . [53]
Tras la muerte de Nevelson, su patrimonio valía al menos 100 millones de dólares. Su hijo Mike sacó 36 esculturas de su casa. La documentación mostró que Nevelson había legado estas obras (por valor de millones) a su amiga y asistente durante 25 años, Diana MacKown . [54] [55]
En 2005, Maria Nevelson, la nieta más joven, estableció la Fundación Louise Nevelson, una organización sin fines de lucro 501c(3). Su misión es educar al público y celebrar la vida y obra de Louise Nevelson, promoviendo así su legado y su lugar en la historia del arte estadounidense. Maria Nevelson da numerosas conferencias sobre su abuela en museos y ofrece servicios de investigación.
No soy feminista. Soy una artista que resulta ser mujer.
— Luisa Nevelson [11]
Louise Nevelson ha sido una pieza clave en el movimiento artístico feminista . Nevelson , a quien se le atribuye haber desencadenado el examen de la feminidad en el arte, cuestionó la visión de qué tipo de arte crearían las mujeres con sus obras de arte oscuras, monumentales y con forma de tótem que los historiadores del arte han considerado masculinas . [30] Nevelson creía que el arte reflejaba al individuo, no "etiquetas masculino-femenino", y decidió asumir su papel de artista, no de artista femenina. [56] Las reseñas de las obras de Nevelson en la década de 1940 la descartaron como simplemente una mujer artista. Un crítico de su exposición de 1941 en la Galería Nierendorf declaró: "Supimos que la artista es una mujer a tiempo para controlar nuestro entusiasmo. Si hubiera sido de otra manera, podríamos haber aclamado estas expresiones escultóricas como seguramente una gran figura entre los modernos". [ cita necesaria ] Otra reseña mostró un sexismo similar : "Nevelson es escultora; viene de Portland, Maine. Negarás ambos hechos e incluso podrías insistir en que Nevelson es un hombre, cuando veas sus Retratos en pintura , que muestran esto. mes en la galería Nierendorf." [57]
Some Living American Women Artists / Last Supper (1972) de Mary Beth Edelson se apropió de La última cena de Leonardo da Vinci al colocar las cabezas de mujeres artistas notables sobre la cabeza de cada hombre, y Nevelson estaba entre ellas. Esta imagen, que aborda el papel de la iconografía religiosa y de la historia del arte en la subordinación de las mujeres, se convirtió en "una de las imágenes más icónicas del movimiento artístico feminista ". [58] [59]
Incluso con su influencia sobre las artistas feministas, la opinión de Nevelson sobre la discriminación dentro del mundo del arte rayaba en la creencia de que los artistas que no estaban obteniendo éxito por motivos de género sufrían de falta de confianza. Cuando el Feminist Art Journal le preguntó si padecía sexismo en el mundo del arte, Nevelson respondió: "Soy la liberación de una mujer". [60] El ex presidente del Museo de Arte Americano Crystal Bridges dijo: "En el caso de Nevelson, ella era la artista más feroz que existía. Era la más decidida, la más contundente, la más difícil. Simplemente se abrió paso a la fuerza". Y esa era una forma de hacerlo, pero no todas las mujeres eligieron o pudieron tomar esa ruta". [3]
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