Yukinori Yanagi (柳幸典, Yanagi Yukinori , nacido en 1959) es un artista japonés contemporáneo.
Yukinori Yanagi es un artista japonés contemporáneo que ha abordado temas de soberanía nacional y transnacional , globalización y fronteras , así como la historia imperial y el nacionalismo de Japón . Se le considera uno de los primeros artistas japoneses de posguerra que critica abiertamente la sociedad y la política gubernamental japonesas. [1] Muchas de las obras de arte de Yanagi consisten en instalaciones de gran escala, específicas para un lugar , que interactúan con el movimiento y los símbolos del nacionalismo . [2]
Yanagi ha expuesto sus obras de arte ampliamente en Japón y Estados Unidos , y se convirtió en uno de los primeros artistas extranjeros que viven en Nueva York en ser invitados a exponer en la Bienal del Whitney , junto a Cai Guo-Qiang , en 2000. [3] [4] Su Las obras de arte se encuentran en colecciones de museos como el Museo de Arte Moderno (EE. UU.), la Tate Modern (Reino Unido), el Museo de Bellas Artes de Virginia (EE. UU.) y el Fabric Workshop and Museum (EE. UU.). [5] Su visión para la revitalización de la isla de Inujima se actualizó como el Museo de Arte Inujima Seirensho en 2008, una instalación de arte permanente de seis partes que se ha convertido en una ubicación integral de la Trienal Internacional de Arte Setouchi . [6] [7] [8]
Yanagi nació y creció en una región rural de Fukuoka, Japón. Crecer en la prefectura más cercana a la península de Corea le permitió a Yanagi crecer con una clara conciencia de la existencia de otras naciones y culturas. [9] [10] Ha hablado de sus experiencias infantiles al recoger 'objetos cotidianos' marcados con hangul coreano que habían llegado a la costa desde el Mar de Japón como el comienzo de su interés a largo plazo en las fronteras transpacíficas y transnacionales. y movimiento. [11] [10]
Como muchos japoneses de su generación, la familia de Yanagi fue parte del esfuerzo bélico del Imperio de Japón en la Guerra del Pacífico . El conocimiento de esta historia familiar ha informado la obra del artista: su padre era piloto de combate y su abuelo paterno trabajó en el control fronterizo en la antigua colonia japonesa de Manchukuo y estuvo detenido durante más de una década en Siberia y China tras la rendición de Japón . [12] En su obra de arte, Yanagi considera la continuidad y la diversidad con respecto a su propia posición y el lugar de la nación japonesa dentro de esta tumultuosa historia. [12]
Al crecer en la década de 1960, antes del desarrollo generalizado de los videojuegos , las actividades infantiles de Yanagi implicaban jugar con insectos en el campo, especialmente hormigas y polillas , y crear cosas a partir de diversos materiales, como hormigón y cera, de una ferretería propiedad de uno de sus parientes. [11] [12] Además, el tío de Yanagi era el artista de vanguardia Miyazaki Junnosuke, miembro de Kyushu-ha , lo que significaba que Yanagi estaba acostumbrado a ver objetos artísticos y esculturas desde una edad temprana. [12]
Yanagi obtuvo una licenciatura y una maestría en pintura de la Universidad de Arte Musashino en el oeste de Tokio (1985). [13]
Estaba interesado en el trabajo de los artistas de la generación Mono-ha , especialmente en las esculturas industriales de Noriyuki Haraguchi , [13] y se volvió cada vez más inquieto dentro de las convenciones del departamento de pintura de la Universidad. [11] A pesar de que le dijeron que el trabajo de graduación debe limitarse a obras planas y pintura al óleo únicamente, Yanagi creó una escultura con soportes de madera y posteriormente fue excluido de la exposición de tesis de posgrado en el Museo Metropolitano de Tokio. [1] [12] Para su primera exposición individual al año siguiente, quemó todas las obras de arte que realizó en la escuela de arte y exhibió las cenizas en grandes cajas de madera como la instalación Ground Transport Project (1985). [1] Fue en esta instalación donde Yanagi incluyó por primera vez el elemento de las hormigas vivas, una característica por la que se hizo conocido a lo largo de la década de 1990. [1]
A partir de 1986, Yanagi comenzó a exhibir obras de arte que abordaban cuestiones de “movimiento” desde la perspectiva de una persona ajena al sistema del mundo del arte. Esto incluyó su instalación Ground Transposition (1987), que incluía grandes esculturas esféricas escaladas a la forma humana en relación con las proporciones del tamaño de los escarabajos peloteros y la bola de estiércol que ruedan como parte de su ecología. [2] La escala proporcional era una referencia al simbolismo del antiguo Egipto del escarabajo pelotero como un 'mayordomo del sol' encargado de empujar físicamente el peso del sol a través del cielo cada día, lo que para Yanagi era una referencia directa a la sol naciente de la bandera japonesa y el peso del nacionalismo japonés que sentía el artista. [2] A finales de la década de 1980, Yanagi expuso su trabajo en varias galerías de Tokio , Kanagawa y Fukuoka , incluida una destacada exposición individual celebrada en la Hillside Gallery de Daikanyama , en la que ejecutó una pieza de performance llena de humo titulada I Feel Yellow (1987). . Recibió el Premio a la Excelencia en Documentos de Arte del Museo de Bellas Artes de la Prefectura de Tochigi en 1987. [14]
A pesar de la prometedora trayectoria de su carrera artística en Tokio después de su graduación, Yanagi estaba cada vez más desilusionado con el mundo del arte japonés y describió su sensación de "estar atrapado en una bandera japonesa gigante, en una jaula, engullido por la identidad nacional". [11] El artista se mudó a Estados Unidos en 1988 para obtener una maestría en Bellas Artes del Departamento de Escultura de la Escuela de Graduados de la Escuela de Arte de Yale (1990), donde estudió con Vito Acconci y Frank Gehry , entre otros. [7]
En Yale, Yanagi comenzó a ampliar su compromiso con el nacionalismo y la historia japoneses después de tener la oportunidad de leer las obras de destacados intelectuales japoneses de antes de la guerra, como Nishida Kitarō y Kuki Shūzō , así como textos y documentos de o sobre la Guerra del Pacífico que fueron De difícil acceso en Japón pero disponible en Estados Unidos. [12] [11] Estos estudios permitieron al joven artista obtener una imagen más completa de la Segunda Guerra Mundial y cuestionar las omisiones y narrativas identitarias de las perspectivas japonesa y estadounidense de su historia nacional en tiempos de guerra. [15] Comenzó a comprometerse seriamente con la idea de " deambular como una posición permanente ", creando obras de arte para disolver la fijeza de los símbolos asociados con naciones y regiones, intentando dar cuenta de los cambios que ocurren a través del tiempo y las circunstancias. [dieciséis]
En el primer año de su maestría en Bellas Artes en la Universidad de Yale , Yanagi comenzó a pensar en la figura de la hormiga errante como una alegoría multifacética del movimiento transnacional. [11] [12] Comenzó a incorporar regularmente insectos en sus obras de arte, un elemento vivo que se volvió emblemático del trabajo de Yanagi desde la década de 1990. Pensaba en la colonia de hormigas como una sociedad comunal perfectamente organizada , ejemplar por un lado de obediencia ciega, pero también reflejo de un ecosistema imparable de partes activas que podían superar y desmantelar cualquier concepto de límites o fronteras nacionales . [15] [11]
A Yanagi se le ocurrió Ant Following Plan (1988) al final de su primer semestre, en el que siguió los movimientos errantes de una sola hormiga en el piso oscuro de su espacio de estudio de 5 por 9 metros, casi vacío, usando un rojo grueso. tiza. [12] Poco después, debutó con American Flag Ant Farm (1989), que creó a partir de una granja de hormigas de juguete del tío Milton agregando un panel adicional con color arena para que apareciera como la bandera estadounidense . [15] Las hormigas 'errantes' crearon túneles que desintegraron las barras y estrellas de la bandera, superponiendo elementos macro y micro (nación versus hormiga) para desmantelar y criticar la permanencia del símbolo de la unidad nacional estadounidense. [12]
Estos trabajos anteriores demostraron ser muy impactantes e influyeron en gran medida en los trabajos de Yanagi durante los siguientes diez años. Continuó trabajando y ampliando su 'Ant Farm Series' de 1990 a 2002. También resurgió la técnica del 'seguimiento de hormigas' en 1994 para su serie en curso 'Wandering Position' (1994-presente)' en la que realiza calcos en vivo de una hormiga errante en un lugar específico ( San Diego, California en 1994; Alcatraz, California , 1996; Galería Anomalía, Tokio , 2021). [13] [12] También utiliza esta técnica para crear obras más convencionales para espacios de galería tradicionales en papeles de gran formato y planchas de cobre . [12]
Después de graduarse de Yale, Yanagi se mudó a Nueva York , donde comenzó a trabajar a nivel internacional.
En 1991, Yanagi expuso World Flag Ant Farm (1990) en LACE ( Los Angeles Contemporary Exhibitions ) de Los Ángeles en una de las exposiciones individuales más destacadas que lanzaron su carrera internacional. [17] World Flag Ant Farm era una instalación a gran escala que constaba de 180 'banderas' nacionales que representaban a los miembros de las Naciones Unidas en ese momento. [11] Cada 'bandera' estaba hecha de una caja de plástico llena de arena de colores siguiendo el patrón de la bandera. Están interconectados por tubos de plástico mientras colgaban de la pared. [12] [11] Como sugiere el título, toda la obra de arte funcionaba como una multitud de colonias de hormigas interconectadas que el público podía ver a través del plástico. [2] A medida que los pequeños insectos atravesaron cada bandera y llevaron granos de arena de colores a otras áreas, los colores y signos de unidad nacional se mezclaron y comenzaron a disolver las banderas individuales, creando una imagen borrosa de una bandera única y más ambigua. [12]
World Flag Ant Farm fue bien recibido y el enfoque de Yanagi fue considerado "icónico", especialmente en el contexto del fin de la Guerra Fría y la creciente globalización y los estudios poscoloniales , incluso apareciendo en la portada de la revista de arte internacional Art in America , a pesar de también enfrentando duras críticas por parte de activistas por los derechos de los animales. [1] [12] [18] El constante 'deambular' de las hormigas a través de cada símbolo nacional fue un ejemplo del compromiso continuo de Yanagi con los procesos a menudo confusos de la globalización, el cruce de fronteras transnacionales, el movimiento diaspórico de los pueblos y el último precariedad de nacionalidad, raza e identidad. [15] [11] [2] Yanagi ha dicho que se identifica personalmente con la pieza, que está relacionada con las “fronteras que he tenido que cruzar o las barreras que he enfrentado al tratar de definirme como japonés”. [19] [20] The World Flag Ant Farm se exhibió en la 45ª Bienal de Venecia en 1993, donde Yanagi se convirtió en el primer artista japonés en recibir el Premio Aperto como artista emergente. [21] En 1992, con la ayuda del Consejo Cultural Asiático , Yanagi fue invitado al Programa de Estudio Internacional en el Centro de Arte Contemporáneo PS1 en Nueva York . [22]
Esta obra de arte marcó la maduración de la idea de la granja de hormigas de Yanagi y el comienzo de una larga serie de proyectos de granjas de hormigas en los que las colonias de hormigas disolverían lentamente los símbolos del nacionalismo , incluidas las banderas , la moneda y el arte estadounidense. World Flag Ant Farm (1990) está en la colección de la Casa Benesse, Museo de Arte Contemporáneo de Naoshima, Naoshima . [23]
Yanagi produjo muchos más proyectos de granjas de hormigas basadas en banderas con una amplia variedad de combinaciones geopolíticas diferentes en los años posteriores a su debut en World Flag Ant Farm (1990), mientras vivía en Nueva York pero viajaba a Japón con regularidad. [23] Algunas de las instalaciones de granjas de hormigas más grandes que realizó después de World Flag Ant Farm incluyen: The World Flag Ant Farm 1991 -Asia- (1991); América (1994), que conecta todas las naciones de América del Norte y del Sur; Granja de hormigas de Asia y el Pacífico (1995); y Eurasia (2001). [12] Algunas de las piezas más políticas que produjo incluyeron: The 38th Parallel (1991) que conecta Corea del Norte y del Sur ; Pacífico: el Proyecto Ant Farm (1996), que conecta Japón y Estados Unidos; Union Jack Ant Farm (1994), que abarca el antiguo Imperio Británico ; DMZ (1995) que conecta Corea del Norte y Corea del Sur y una zona ambigua entre ellas que alude a la DMZ ; y 2 China (1997), que conecta China y Taiwán . [12]
Pacífico: el proyecto Ant Farm (1996) ganó especial fuerza en los círculos artísticos y académicos y ahora forma parte de la colección del Tate Museum . [23] Para crearlo, Yanagi no sólo incluyó a los países que bordean el Océano Pacífico , sino también a las naciones que alguna vez tuvieron colonias en el Pacífico, así como a grupos indígenas como los maoríes de Nueva Zelanda que aún no han recuperado la soberanía sobre sus territorios. territorios. [23] Como tal, el trabajo cuestionó las historias regionales "neutrales" y los símbolos de soberanía, abordando en cambio la historia de la contestación violenta en la región de Asia Pacífico . [23] [10]
A finales de la década de 1990, Yanagi también comenzó a crear proyectos de granjas de hormigas que interactuaban con una variedad de monedas nacionales , creando instalaciones centradas en motivos a gran escala de billetes estadounidenses, japoneses, europeos y otros . [24] [18] Algunas obras incluyen In God We Trust (1999), Dollar Pyramid (2000), Yukichi KV644955H (2002) y Euro Circuit (2002). El Eurocircuit constaba de 12 unidades de colonias de hormigas , una de las cuales representaba el valor más alto de moneda en efectivo de cada país que se unió originalmente a la Unión Europea . [25] A medida que las hormigas atraviesan la instalación, las monedas distintivas se disuelven gradualmente en un billete "universal", lo que demuestra las reflexiones de Yanagi sobre las posibilidades de un mundo cada vez más transnacional. [25]
Desde principios de la década de 1990, Yanagi también produjo una serie de esculturas e instalaciones específicas que tenían como objetivo deconstruir la ideología nacionalista del Japón moderno a través del motivo del Hinomaru , o la bandera japonesa . La primera de estas obras, Hi-no-maru 1/36, fue producida para su primera exposición individual en Nueva York en el espacio alternativo STOREFRONT for Art and Architecture en 1990. [16] Hi-no-maru 1/36 (1990) fue diseñado teniendo en cuenta el espacio de exposición triangular único de STOREFRONT. [12] [16] Ubicado en una esquina radial de 10 partes, Yanagi creó un espejo infinito usando reflejos en paredes opuestas de espejos en ángulo para producir la ilusión de un círculo rojo con rayos radiantes, una referencia directa a la bandera adoptada por El ejército imperial japonés durante la Guerra del Pacífico . [12] [16] Este trabajo se exhibió junto con American Flag Ant Farm (1989), convirtiéndose en un debut en Nueva York que demostró el compromiso continuo de Yanagi con la inestabilidad de las fronteras nacionales y su propio "atrapamiento dentro de la movilidad". [dieciséis]
Una pieza particularmente aclamada de esta serie es Banzai Corner (1991). Para este trabajo, Yanagi dispuso filas de figuras de juguete rojas de Ultraman y Ultra Seven en un arco con sus cuerpos mirando hacia una esquina reflejada para producir la imagen de un círculo rojo. [26] Los uniformes de los juguetes crean una ilusión que una vez más alude a los rayos radiantes de la bandera militar del Imperio Japonés. [26] Cada personaje ha sido cuidadosamente dispuesto de modo que su brazo derecho se levante en el aire para implicar un 'Banzai' victorioso en alabanza al hinomaru, pero los espectadores pueden ver que en realidad las figuras solo celebran su propio reflejo. [26] El uso que hace Yanagi de las figuras de Ultraman y Ultra Seven para esta obra de arte se ha atribuido a la identidad okinawense del creador del personaje, Tetsuo Kinjō, quien creció durante la ocupación estadounidense de Okinawa . [26] Para Yanagi, la idea de alienación y alteridad en Japón no solo se refiere a naciones extranjeras, sino también “a las personas que viven en Japón: coreanos , chinos , nativos ainu y okinawenses ”. [12]
Yanagi también produjo una obra de neón del tamaño de una valla publicitaria, Hinomaru Illumination (1992), que se exhibió en su exposición individual en la Casa Benesse, Museo de Arte Contemporáneo de Naoshima , Kagawa en 1993; Galería de Televisión Art Market Fuji en 2001; [27] como obra de arte en la ventana central de la exposición fundamental “Arte japonés después de 1945: Grito contra el cielo” en el Museo Guggenheim SoHo en 1994; [28] así como nuevamente en su exposición individual “Akitsushima” en el Museo de Arte Contemporáneo de la ciudad de Hiroshima en 2001. [12] Esta obra de neón está visualmente relacionada con otros artistas neo-pop japoneses de principios de la década de 1990, pero también expone la “débil base de la ilusión nacional” de los símbolos nacionales que se aprovechan cuando es conveniente: un símbolo que puede "encenderse" y "apagarse" a voluntad. [12] Por ejemplo, para Amaterasu y Haniwa (1993) la bandera de neón se exhibió en el contexto de la Diosa del Sol sintoísta Amaterasu , junto con estatuillas de arcilla haniwa que evocan el período Kofun o Yamato que se ha asociado con el origen cultural japonés. [12] Además, para Hinomaru Container (1992) Yanagi creó otro espacio de ilusión reflejada dentro de un contenedor de envío con forma de túmulo antiguo ( kofun ) pero que se acumula con un símbolo del yen de neón refractado (¥) , criticando la combinación de consumismo e identidad. . [12]
Yanagi problematizó explícitamente la Esfera de Coprosperidad del Gran Este de Asia y su legado en su obra The Chrysanthemum Carpet (1994), exhibida por primera vez en la exposición individual de Yanagi en la Galería Peter Blum de Nueva York en 1995. [29] [30] La obra de arte consiste de una gran alfombra roja diseñada para parecerse a un pasaporte japonés . [31] [30] Incluía un contorno de la característica flor de crisantemo que es el Sello Imperial de Japón , pero con solo uno de sus pétalos dorados adheridos y los 15 restantes esparcidos por la extensión de la alfombra. [31] [30] El texto negro tejido en la alfombra destaca claramente sobre el fondo rojo, que dice “él me ama, él no me ama” en los idiomas de los países asiáticos que alguna vez estuvieron dominados por Japón bajo la proclamada Gran Coalición de Asia Oriental. Esfera de prosperidad . [9] En la parte inferior de la alfombra, ocultos a la vista, Yanagi inscribió textos de tres secciones distintivas de la Constitución japonesa : el artículo 19 (libertad de pensamiento), el artículo 20 (libertad de religión) y el artículo 21 (libertad de expresión, prensa y expresión). [30] Además de confrontar directamente el debate sobre la pérdida de la memoria nacional y el revisionismo histórico con respecto al período de guerra, al yuxtaponer el símbolo imperial visible con las obstruidas garantías constitucionales democráticas escondidas debajo, la instalación de Yanagi señaló las contradicciones estructurales de la modernización de Japón. [12] [30] La Constitución Meiji que marcó el surgimiento de Japón como un estado nación moderno restauró el absolutismo del sistema imperial japonés y estableció una democracia ; además, la constitución japonesa de posguerra fue establecida por las fuerzas de ocupación estadounidenses . La decisión del artista de impedir que los principios democráticos se vean en la parte inferior de la alfombra alude a la sutil continuidad de la supervivencia del sistema imperial japonés, incluso en la posguerra. [30]
En el espacio de exposición, la alfombra roja de Yanagi condujo a una fotografía de la era de la Ocupación del general Douglas MacArthur del SCAP de pie con el emperador Hirohito , titulada Crisantemo y espada [32] con una cita del poeta y novelista Mishima Yukio superpuesta en rojo, que decía “ ¿Por qué debería ¿Su Majestad Imperial se vuelve humana? [30] Esta inclusión evoca críticas a las continuidades y discontinuidades de la soberanía japonesa 'antes' y 'después' de la Guerra del Pacífico , lo que implica la resistencia del nacionalismo japonés así como la ocupación estadounidense de Japón décadas después. [31] Sobre esta obra, el artista afirmó: ""Todas estas personas murieron por el emperador porque pensaban que era un dios, y resultó que era solo un hombre pequeño con voz humana". [19] La alfombra de Yanagi y la fotografía histórica se han instalado juntas en varias exposiciones juntas en la década de 1990, incluso en el Centro de Arte Contemporáneo Art Tower Mito en Ibaraki y la Galería Nacional de Australia en Canberra , las cuales también incluyeron pinturas de guerra de la Guerra del Pacífico como parte de la instalación.
En 1997, Yanagi creó una versión más pequeña de Chrysanthemum Carpet como edición limitada titulada Loves Me/Loves Me Not (1997) durante su residencia en Fabric Workshop and Museum en Filadelfia, Pensilvania . [9]
En 1995, 50 años después del final de la Segunda Guerra Mundial, Yanagi se convirtió en el primer artista en abordar específicamente el artículo 9 de la Constitución japonesa , que renunciaba a la capacidad de Japón para hacer la guerra después del final de la Segunda Guerra Mundial . [26] Para conmemorar la importancia del año, el Museo de Queens en Nueva York acogió la exposición individual de Yanagi titulada "Proyecto Artículo 9". [33] Para esta exposición, Yanagi produjo una serie de instalaciones textuales que se centraban explícitamente en la cláusula del Artículo 9 de la constitución japonesa de posguerra . [33] Modificó una fotografía del general del SCAP Douglas MacArthur de pie con el emperador Hirohito (la misma foto utilizada en su instalación Chrysanthemum Carpet ) y preparó dos nuevas obras de arte de instalación a gran escala, Forbidden Box (1995) y Article 9 (1995). [30] [33]
Yanagi superpuso una fotografía histórica del general del SCAP Douglas MacArthur y el emperador Hirohito juntos con el texto completo del artículo 9 de la Constitución de Japón en tres formas diferentes: la versión borrador escrita originalmente por MacArthur , la versión japonesa finalizada y su traducción al inglés. [30] Según la directora ejecutiva del Museo de Queens, Carma C. Fauntleroy, la concentración de Yanagi en elementos textuales y la traducción llevó a "los espectadores a reflexionar sobre los caprichos de la comunicación a través del lenguaje y sus implicaciones en los ámbitos nacional e internacional". [33]
Yanagi utilizó su residencia en Fabric Workshop and Museum en Filadelfia, Pensilvania, para crear The Forbidden Box (1995) para la exposición. [9] La instalación se realizó a partir de dos láminas de gran tamaño de tela de gasa de nailon transparente, con serigrafías de la nube en forma de hongo gigante que se produjo cuando Estados Unidos arrojó la bomba atómica sobre la ciudad de Hiroshima en 1945. [9] Además de En la imagen, las hojas de tela de 17 pies de largo también representan el texto del Artículo 9, con la versión escrita originalmente por MacArthur impresa en la hoja posterior, y la traducción al inglés de la versión japonesa en el frente, pensada como una forma de Los espectadores pueden ver las diferencias en la retórica entre Estados Unidos y Japón. [9] [26] Como una nube de humo, las láminas de tela parecen salir de una caja de plomo que tenía las palabras " Little Boy ", el nombre de la bomba atómica, inscritas en la tapa. [9] [26] Yanagi ha declarado que incluyó la caja como una forma de reunir dos cuentos populares, el cuento popular infantil japonés de Urashima Tarō y el mito griego de la Caja de Pandora . [9] [26] Sobre esto, Yanagi afirmó, "la universalidad de los cuentos infantiles nos permite saber que nosotros, como especie, compartimos valores y esperanzas fundamentales comunes en todo el mundo". [26] Las mitologías de la caja son paralelas a la alegoría de Yanagi para Japón, que reconoce a la vez la victimización de Japón después de las bombas atómicas pero también el propio papel de la nación como agresor colonial en Asia Pacífico : la caja de Pandora reveló una esperanza para un futuro. mundo sin más víctimas de la guerra nuclear . [26]
Yanagi también produjo una instalación de luces de neón a gran escala titulada simplemente “Artículo 9” para la exposición, que consiste en un conjunto de letreros de neón encerrados en marcos de cajas de plástico que deletreaban la versión japonesa del Artículo 9. [33] Sin embargo, los letreros de neón Estaban desmontados, aparentemente desechados en un montón de partes desunidas y brillantes de color rojo, incomprensibles en su conjunto. Arrojaron luz roja alrededor del espacio de exposición sobre las otras obras de Yanagi.
Las obras de arte de Yanagi de la muestra "Proyecto Artículo 9" se exhibieron en Japón en el Kirin Plaza Osaka en 1995. [33] Forbidden Box y Article 9 también se incluyeron más de 10 años después en la exposición del curador japonés Watanabe Shinya "Into the Atomic Sunshine” entre obras de otros artistas que abordaron la historia de la guerra de Japón en Hillside Gallery en Daikanyama en 2008, Puffin Room en Nueva York en 2008 y el Museo y Museo de Arte de la Prefectura de Okinawa en 2009. [26] [34] [35]
En 1992, Yanagi fue invitado a realizar una exposición individual en el nuevo Museo de Arte Contemporáneo de Naoshima (ahora Benesse House en Benesse Art Site Naoshima). [7] Se enamoró de Naoshima y del Mar Interior de Seto, regresando muchas veces de su estudio en Japón en los años siguientes, buscando una oportunidad para iniciar un proyecto a largo plazo en el área que abordara las dañinas cicatrices que dejó la rápida industrialización. de Japón había abandonado la hermosa región durante el Período Meiji . [7] Después de tres años de buscar un sitio apropiado, Yanagi encontró Inujima en la prefectura de Okayama en 1995, una isla despoblada salpicada de ruinas de una refinería de cobre que data del período industrial Meiji, y la inspiración para el Proyecto Inujima de Yanagi. fue formado. [7]
En 1995, a Yanagi se le ocurrió su visión de revitalizar toda la isla de Inujima ; Su objetivo era renovar la desaparecida "seirensho" (refinería) de cobre como una obra de arte permanente y específica del sitio que utiliza energía renovable, un proyecto que se realizó con el apoyo del director ejecutivo de Benesse Corporation en ese momento, Soichiro Fukutake . [7] [6] Yanagi y Fukutake pudieron adquirir la ' Casa Shōtō ' de Mishima Yukio , la antigua residencia del novelista y poeta cuyo trabajo Yanagi había abordado en sus obras de arte durante la década anterior. [2] [30] Utilizando partes desmanteladas y reconstruidas de la residencia de Mishima, Yanagi pasó años construyendo una serie de instalaciones tituladas Hero Dry Cell (2008) dentro de la refinería de cobre, creando una obra de arte permanente que también se fusionó con la herencia arquitectónica de la refinería de cobre. sitio. [6] [7] [8]
Después de 13 años de trabajo colaborativo, el Proyecto de Arte Inujima de Yanagi se inauguró en 2008 como Museo de Arte Inujima Seirensho. [6] [7] [8] El Museo de Arte Inujima Seirensho se ha convertido en un precursor de la Trienal Internacional de Arte Setouchi , un festival de arte contemporáneo que se lleva a cabo en las islas del Mar Interior de Seto . [36] En 2010, la Trienal Internacional de Arte Setouchi inaugural contó con tres instalaciones creadas por Yanagi en colaboración con el arquitecto Kazuyo Sejima , además del Museo de Arte Injuma Seirensho [7]
Debido a su proyecto a largo plazo en Japón, Yanagi comenzó a viajar a menudo entre sus estudios en Nueva York e Inujima, y finalmente el artista cerró sus estudios en los Estados Unidos para regresar a Japón a tiempo completo. Se instaló en un estudio de diseño propio situado en la cara norte de las montañas frente al mar de Genkai , en la ciudad de Itoshima , prefectura de Fukuoka . En 2005, comenzó a trabajar como profesor asociado en la Facultad de Arte de la Universidad de la ciudad de Hiroshima . Comenzó una especialización en Teoría y Arte Contemporáneo en la Facultad de Artes y lanzó el Proyecto de Arte de Hiroshima, utilizando instalaciones que no se utilizaban debido a la exposición a la radiación como sitios para exhibir obras de arte. [37]
Dentro de la extinta refinería de cobre que conforma el Museo de Arte Inujima Seirensho, Yanagi pasó más de una década construyendo una instalación de arte permanente de seis partes titulada Hero Dry Cell (2008) que utilizó espejos, luz natural, piedras locales, elementos acuáticos y elementos arquitectónicos. collage para crear una instalación interconectada de múltiples capas sobre la modernización de Japón y el legado de la posguerra. [7] [2]
Hero Dry Cell se compone de seis partes que se despliegan dentro del museo "como un pergamino de mano" en el siguiente orden: Icarus Cell, Solar Rock, Slag Note, Mirror Note, Icarus Tower y Solar Note . [30] La segunda parte, Solar Rock (2008) es de particular interés, ya que utiliza una fuga de luz natural para crear la ilusión de un eclipse total: un hinomaru negro . [30] Se crea un medio círculo de sombra negro con luz y luego se refleja en un charco de agua oscuro reunido debajo en una gran losa de granito local de Inujima , creando la ilusión de un círculo completo de un Sol Negro saliendo, tal vez otra adición al de Yanagi. Hinomaru Serie que critica el nacionalismo de la era imperial asociado con la bandera japonesa. [30] El megalito de granito incrustado en el suelo de Solar Rock puede estar relacionado con el gran interés de Yanagi en el movimiento Mono-ha . [30] Frente al hinomaru negro, el 'collage arquitectónico' de Yanagi parecía flotar en el aire mientras los paneles deconstruidos de una habitación de tatami de la antigua residencia de Mishima Yukio se alineaban perfectamente para guiar la mirada de los espectadores hacia las sombras. abismo del Sol Negro, incluso cuando las ventanas captan la luz y deslumbran la retina simultáneamente. [38] Esta sensación es descrita de manera similar por el propio artista cuando relata su primera mañana en Inujima en 1995: el sol naciente dejó una "huella en su retina" que se desarrolló en esta instalación de seis partes que funciona como una "imagen residual del sol que vio esa primera mañana." [7]
Después de la finalización del Proyecto Inujima, Yanagi ha asumido más proyectos de revitalización, como el desafío de transformar una antigua escuela secundaria en la remota isla de Momoshima en la Prefectura de Hiroshima , estableciendo ART BASE MOMOSHIMA en el área del Canal Onomichi en 2012. [39] [2]
En 2016, la exposición individual a gran escala de Yanagi en el BankART1929 de Yokohama exploró las últimas tres décadas de la obra del artista, llenando todo el museo. [40] Dio a conocer una nueva obra de instalación, Proyecto God-zilla (2016), una obra antinuclear sobre el desastre nuclear de Fukushima Daiichi de 2011 . [41] [42]
Granja de hormigas con bandera mundial (1990) - Casa Benesse, Museo de Arte Contemporáneo de Naoshima, Naoshima
Banzai Corner (1991) - Fundación Fukutake, Japón
Hinomaru Illumination (1992) - Museo de Arte, Kochi , Japón
Contenedor Hinomaru - Tipo túmulo Yamato (1992) - Museo de Arte Contemporáneo de Tokio
Alfombra de crisantemo (1994) - Galería Nacional de Australia
Artículo 9 (1994)
La Caja Prohibida (1995) - The Fabric Workshop and Museum , Filadelfia , EE.UU.
Pacífico - The Ant Farm Project - (1996) - Tate Modern , Reino Unido
Pirámide del dólar (2000) - Museo de Bellas Artes de Virginia
Museo de Arte Inujima Seirensho (2008) - Fundación Fukutake, Japón