Noriyuki Haraguchi (1946-2020) fue un artista japonés conocido como una figura destacada del Mono-ha y el Post-mono-ha, con una atención precisa prestada a los materiales utilizados (a menudo industriales), su disposición espacial, la relación con el espacio de exposición y el alcance procesual de la práctica artística. Sus primeras obras hacen referencia a la estética y los materiales del militarismo y la industria pesada. A partir de la década de 1970, su trabajo giró hacia cuestiones relacionadas con la percepción y la representación creando una conversación compleja entre materiales en bruto y manufacturados que exploran nociones de modernidad, industrialización y naturaleza en obras con una belleza formal cautivadora. [1]
Haraguchi nació en Yokosuka, Japón, en 1946. El puerto de Yokosuka tiene una historia ilustre, ya sea en términos de apertura al mundo (en la era Edo ) o como base naval en tiempos de guerra (en la era Meiji ). Cuando nació Haraguchi, el puerto ya era utilizado por el ejército estadounidense. Pasó su infancia en Hokkaido, donde su padre trabajaba como técnico de radar. El paisaje extremo tuvo una considerable influencia en él. [2]
Cuando era adolescente, Haraguchi regresó a Yokosuka. Impresionado por el puerto y la base naval, comenzó a dibujar intensamente. En esa época, utilizó una forma tradicional, concretamente el dibujo de paisajes, para representar las transformaciones e intervenciones destructivas que vio en su entorno, a medida que el país entraba en una fase de floreciente crecimiento económico. [2]
Durante la década de 1960, estudió en la Universidad Nihon de Tokio. Participó en las protestas contra la guerra de Vietnam. Se graduó en 1970, especializándose en pintura al óleo. Fue en esta época cuando desarrolló su primera serie artística, que trata directamente sobre el conflicto. [1]
Haraguchi estuvo asociado con Mono-ha (Escuela de las Cosas) , un movimiento artístico de la década de 1960 en Japón y Corea que exploró las correlaciones entre los mundos natural e industrial. [1] [3] Mientras que sus contemporáneos, Nobuo Sekine , Lee Ufan y Kishio Suga son conocidos por usar materiales naturales, Haraguchi utilizó componentes industriales como aceite usado , vigas en I , piezas de automóviles, miniaturas y modelos, plásticos y caucho. [4] [5]
Desde el principio, la obra de Haraguchi ha operado en niveles formales muy diferentes: demarcaciones superficiales claramente temporales, cuerpos (materiales) "colocados" y reflejados en entornos definidos (exteriores e interiores), y esculturas que no sólo representan la realidad sino que también la imitan en otro material. [6]
Haraguchi fue también una figura central de la Conexión Nichidai (también conocida como "Grupo Yokosuka", debido a la vida temprana de Haraguchi en Yokosuka), compuesta por estudiantes del departamento de bellas artes de la Universidad Nihon (Tokio). Este grupo corresponde a uno de los tres grupos principales de Mono-ha, en términos de formación académica e intercambio intelectual. Graduados en la época de los disturbios estudiantiles, pertenecían a una generación que podía ver en ellos cualquier signo positivo para el cambio histórico. [7]
Haraguchi a menudo recreaba detritos de aviones, barcos y armas de destrucción masiva en sus esculturas, como A-7 E Corsair II (2011), Tsumu 147 (1966), [5] y Battleship Ref. A (1966). [8] Sus primeras obras artísticas, con apenas dieciocho años, fueron: Ships (1964) y Submarines (1964) . Se trata de modelos a escala de estos amenazantes pero fascinantes barcos y submarinos, algunos de los cuales están parcialmente destruidos, colocados sobre un bloque blanco y encapsulados en una capucha transparente. [2] Su icónica escultura A-4E Skyhawk (1968-69) fue una reproducción a escala real del avión de combate de la Marina de los EE. UU. del mismo nombre. La escultura fue creada detrás de barricadas en la Universidad Nihon durante una manifestación estudiantil cuando la policía antidisturbios tomó el campus durante las protestas contra la Guerra de Vietnam . [4] [9] La escultura tiene un impacto inmediato por su tamaño, ya que la reproducción confronta al espectador con la presencia inmediata de armamento aéreo. Por otro lado, su construcción descuidada y su aterrizaje obviamente no muy suave en el suelo de la galería hacen un comentario irónico sobre el poder y el poderío militar. Una pieza ineficaz de equipo militar, condenada al fracaso, yace en el suelo, "solo" útil como escultura. [6] La comprensión del artista de la calidad de modelo de su propia obra es la siguiente: el arte crea modelos conceptuales pero tangibles de la realidad.
Su obra más conocida es Oil Pool (1971), que se mostró por primera vez en Kassel, Alemania, en la Documenta 6. [1] [3] Estas esculturas consisten en una estructura de contención rectangular de baja altura construida de acero y llena de aceite residual espeso y opaco con una superficie brillante que parece piedra negra pulida. Durante su vida, creó alrededor de 20 de estas esculturas en todo el mundo. La escultura, en su manifestación en Teherán, mide 14 por 21 pies y 7 pulgadas de profundidad. Contiene aproximadamente 1,190 galones de petróleo. [10] El título oficial de la escultura es Matter and Mind (Materia y mente) . [10]
Haraguchi dijo en una breve declaración para la documenta 6 : "Reconocemos las condiciones de nuestro entorno -la situación, podríamos decir- relacionándolas con conceptos universales, ya sean el cosmos, la naturaleza, las leyes de la física o simplemente el espacio en el que nos encontramos... Un espacio de exposición crea un tipo particular de situación autónoma, cerrada, que puede entenderse conceptualmente. Como el objetivo es expresar la totalidad de todas nuestras percepciones en esta situación, transmito mis conceptos de una forma extremadamente simplificada. En mi trabajo quiero presentar todos los elementos involucrados en el proceso de percepción, incluyéndome a mí mismo, en una relación fija y equilibrada. Mi objetivo es objetivar la horizontalidad, la verticalidad, la materialidad, los reflejos, los fluidos, los contenedores, los fenómenos físicos de todo tipo, incluyéndome a mí mismo (cuerpo, sentimientos y pensamientos)". [11]
Haraguchi realizó esta pieza en 1975 y 1976 en la Galería Nirenoko y en la Galería Maki de Tokio, moviendo veintisiete placas de acero (cada una de 180x22,5 cm) por el espacio, "ocupando" así el suelo y las paredes en una variedad de configuraciones. [12]
Sin título (1982) está hecha de placas de acero superpuestas. Se utilizan veinticinco capas de acero para hacer una pirámide cortada, como una pila de numerosas superficies, siendo cada una de ellas la superficie más alta por un momento. Así, la calidad procesal de la obra, su construcción a lo largo de un período de tiempo, se convierte en un criterio importante de la obra; al mismo tiempo, uno puede imaginarse igualmente la obra siendo desmontada, desmontada pieza por pieza. Un efecto similar se crea también en 100, Revisada de 1985-6, que consiste en una pirámide de vigas de madera y láminas de cobre en ángulo. [13]
En la década de 1990, Haraguchi revisó obras anteriores, en particular sus acciones de 1975-76, ya sea a través de la figura del rectángulo vertical o de diversas modalidades de demarcación espacial. Además, el artista vuelve una y otra vez a su trabajo con óleo negro brillante. Cambia la posición del centro al borde de la habitación, la forma muta del rectángulo al círculo y al cuadrado, se exploran combinaciones con cuadros de pared o placas de acero que parecen particiones, pero en todas ellas la noción de espacio como tal determina la forma que adopta la obra, como ya sucedió en su primera instalación a mediados de la década de 1970. Su obra parece progresar en ciclos, como una performance de repetición devocional, siempre buscando producir algo nuevo en el proceso. [14]
Los factores materiales de una obra, el acto de crearla, el tiempo y el lugar de su creación son únicos y transitorios. Sólo hay una vida, y, de la misma manera, sólo hay un arte. Sólo cuenta el proceso continuo, no los resultados. Por eso me muevo constantemente a otro lugar y repito una acción en muchas ocasiones. Una serie de improvisaciones sin principio ni fin.
—Noriyuki Haraguchi [15]
La obra de Haraguchi ha sido descrita como personal y política a la vez, ya que su lugar de nacimiento, Yokosuka, es una ciudad portuaria donde Estados Unidos desplegó sus fuerzas durante la era de la guerra de Vietnam. Su obra hace referencia al complejo militar-industrial y a la correlación entre la modernidad japonesa y la relación militar de Estados Unidos con él. [9]
La obra de Haraguchi ha sido expuesta en el Museo de Arte Moderno (1988, 2012-2013), [16] Nueva York, el Museo Tate (2016), [17] la Hamburger Kunsthalle (1974), la Städtische Galerie, Múnich (2001), Documenta 6 (1977), Kassel, Bienal de París (1977), y otros lugares. [3]
El Museo de Arte Contemporáneo de Teherán adquirió Oil Pool para su colección permanente. [1] [18] La obra de Haraguchi también está en la colección del Museo Tate Modern de Londres [19] y del Museo Kröller-Müller en los Países Bajos. [20]
Se elaboró un catálogo razonado de su obra: Helmut Friedel, ed., Noriyuki Haraguchi: Catalogue Raisonne 1963-2001 , alemán e inglés (Hatje Cantz Publishers, 2001). [21]
{{cite book}}: Mantenimiento de CS1: otros ( enlace )