I due Foscari (Los dos Foscari) es unaóperaen tres actos deGiuseppe VerdiconlibretodeFrancesco Maria Piave, basado en la obra histórica de 1821,Los dos Foscari,deLord Byron.
Tras su éxito con Ernani , Verdi recibió un encargo del Teatro Argentina de Roma y se puso a trabajar con Piave en la consideración de dos temas, uno de los cuales acabó convirtiéndose en esta ópera. I due Foscari se estrenó en Roma el 3 de noviembre de 1844 y tuvo un éxito generalizado, aunque no al nivel de Ernani , que siguió siendo la ópera más popular de Verdi hasta Il trovatore en 1853.
Después de Ernani , Verdi había considerado un gran número de proyectos para el futuro y la obra de Byron era uno de ellos. Foscari incluso había sido considerado ya en 1843 cuando La Fenice de Venecia se acercó a él, pero fue rechazado por inadecuado porque la historia incluía críticas a acciones de la República de Venecia que podrían haber sido ofensivas para las grandes familias que habían gobernado la República, incluida la actual familia Foscari. [1]
Al mismo tiempo, el compositor había aceptado un encargo del Teatro Argentina de Roma y había considerado el tema de Lorenzino de' Medici en el que Piave ya había comenzado a trabajar. Verdi animó al libretista a continuar su trabajo y luego presentar la obra a las autoridades romanas, pero, como respaldo, escribió: "Pero, por si la policía no lo permite, tendremos que pensar en una alternativa rápida y sugiero Los dos Foscari . Me gusta la trama y el esquema ya está en Venecia". [2] Parece que Verdi ya la había presentado a La Fenice en algún momento anterior, por lo que animó a Piave a trabajar en ella, "pero apegarse estrictamente a Byron", señaló. [2]
Al final, el Teatro Argentina rechazó el libreto de De Medici y lo sustituyeron por I due Foscari . Esto le dio a Verdi la oportunidad de releer la obra de Byron y, al hacerlo, llegó a la conclusión (que expresó en una carta a Piave) de que era mejor que el libretista NO se “apego a Byron”: “…la obra no tiene la grandeza teatral necesaria para una ópera; así que estrujen sus sesos y traten de encontrar algo que cause un poco de revuelo, particularmente en el primer acto”, y continúa enfatizando que “es un tema hermoso, delicado y lleno de patetismo”. [3] De esta manera, el tono más bien bajo de la pieza original se destacaba en contraste directo con la ópera que la sustituyó. Sin embargo, como señala el musicólogo Roger Parker , parece que Verdi estaba “concentrándose en enfrentamientos personales en lugar de grandes efectos escénicos”. [4]
Tras recibir el libreto a mediados de mayo, el compositor envió una larga serie de cartas al libretista a lo largo de varios meses instruyéndole sobre muchos puntos que eran necesarios cambios. En ellas se revelaba "hasta qué punto Verdi intervino en la realización del libreto, ya que gran parte de la estructura a gran escala de la ópera estaba dictada por sus instintos teatrales cada vez más exigentes". [4] Una vez terminada la música durante el verano, I due Foscari se estrenó en Roma el 3 de noviembre de 1844.
Siglo XIX
La reacción al estreno se vio atenuada por varios elementos ajenos a Verdi, entre ellos el reciente aumento de los precios de las entradas por parte de la dirección y la calidad más bien mediocre de las voces de los intérpretes. Pero la recepción que la dirección dio al compositor fue muy entusiasta, al igual que la de parte de la prensa, especialmente el crítico de Rivista di Roma , que señaló que "incluso más que en Ernani , Verdi se ha esforzado por sacudirse su antigua manera de ser, por volver a las fuentes de la pasión y el afecto". [5]
Hasta la década de 1860, la ópera se representó en Italia en al menos 22 ciudades, entre ellas Livorno, Trieste, Nápoles, Parma, Bérgamo, el Teatro Carignano de Turín, Bolonia, Catania, Florencia, Cremona, Milán y Módena hasta la temporada de 1846. Se representó en Barcelona en 1845 (julio), en Lisboa y París en 1846, en Venecia y Prato en 1847, y en Palermo y el Teatro Regio (Turín) entre 1850 y 1851. [6]
Las primeras representaciones en el Reino Unido se dieron en Londres en el Her Majesty's Theatre el 10 de abril de 1847. En los EE. UU., la ópera se presentó por primera vez en Boston el 10 de mayo de 1847. [7] París vio una producción en diciembre de 1846 en el Théâtre des Italiens , y fue retomada por varios de los principales teatros de ópera italianos.
Siglo XX y más allá
En la época moderna, Foscari ha recibido numerosas producciones. Hubo un aluvión de actuaciones después de la Segunda Guerra Mundial (Viena, Barcelona, Londres, Leningrado, Nueva York) y, tras una puesta en escena de La Fenice en 1957 con Leyla Gencer y Tullio Serafin , Piero Cappuccilli dirigió muchas representaciones en Italia a finales de esa década y durante la siguiente, y la producción de Roma de 1968 se retomó en el Metropolitan y en Chicago. [8] En 1977 se representó en el Liceu de Barcelona con Vicente Sardinero y Pedro Lavirgen .
La Scala la presentó en 1988, también con Renato Bruson , versión que está disponible en DVD. Fue interpretada por el Teatro di San Carlo de Nápoles en 2000 y grabada en DVD. La Royal Opera presentó la ópera en junio de 1995 con Vladimir Chernov y June Anderson en los papeles principales. La Sarasota Opera de Florida la incluyó en marzo de 2008 como parte de su "Ciclo Verdi". Se presentó durante las temporadas 2008/09 de La Scala y la Asociación Bilbaína de Amantes de la Ópera (ABAO) en Bilbao, España.
También han sido habituales las representaciones de óperas en concierto. La Orquesta de la Ópera de Nueva York ha presentado versiones de concierto en tres ocasiones: la primera en octubre de 1981 con Renato Bruson en el papel principal; la segunda en abril de 1992 con Vladimir Chernov como el Dogo; y la tercera en diciembre de 2007, con Paolo Gavanelli como el Dogo. [9]
La Ópera de Los Ángeles presentó una nueva producción en septiembre de 2012, con el director general de la compañía y tenor Plácido Domingo cantando el papel de barítono de Francesco Foscari por primera vez. Las representaciones fueron dirigidas por el director musical de la compañía, James Conlon . [10] La producción fue dirigida por Thaddeus Strassberger en su debut para la compañía de Los Ángeles. [10]
Hoy en día, Foscari se representa regularmente tanto en producciones teatrales como en versiones de concierto. [11]
Escena 1: Fuera de la Sala del Consejo del Palacio Ducal
Los miembros del Consejo de los Diez esperan entrar en la Sala del Consejo para juzgar el caso de Jacopo Foscari, el hijo del Dogo, que ha sido acusado de asesinato. A la llegada de Loredano (enemigo jurado de Jacopo) y su amigo Barbarigo, anuncian que el Dogo ya ha entrado en la Sala. Todos entran en la Sala.
Jacopo, que acaba de regresar del exilio, es sacado de la prisión y expresa su amor por volver a ver Venecia: Dal più remoto esilio / "Desde el lugar más lejano del exilio". Cuando lo convocan para que entre en la Cámara y le dicen que puede esperar la misericordia del consejo, Jacopo estalla de rabia: Odio solo ed odio atroce / "Sólo el odio, el odio cruel, está encerrado en sus pechos". Entra en la Cámara.
Escena 2: Un salón en el palacio.
Lucrezia Contarini, la esposa de Jacopo, se entera por sus damas de compañía de que el proceso se está llevando a cabo en la Sala del Consejo. Enseguida pide ver al Dogo, el padre de Jacopo, pero éste le dice que debe rezar por la libertad de Jacopo. Furiosa, implora al cielo que sea misericordioso: Tu al cui sguardo onnipossente / "Tú bajo cuya mirada todopoderosa todos se alegran o lloran". Su amiga Pisana entra llorando; le cuenta la noticia de que Jacopo ha sido condenado a un nuevo exilio y esto provoca otro estallido de furia de Lucrezia: La clemenza! s'aggiunge lo scherno! / "¿Su misericordia? ¡Ahora añaden insulto!". Pisana y las damas le ruegan que confíe en la misericordia de Dios.
Escena 3: Fuera de la Sala del Consejo
El Consejo de los Diez abandona la Cámara proclamando que la evidencia fue claramente suficiente para condenar a Jacopo y que sus acciones serán vistas como justas y equitativas.
Escena 4: La habitación privada del dux
Entra el dux, Francesco Foscari, y se sienta con cansancio. Expresa su angustia por lo que le ha sucedido a su hijo, pero, como su padre, siente que no hay nada que pueda hacer para salvarlo: O vecchio cor che batte / "Oh, antiguo corazón que late en mi pecho...". Lucrecia entra llorando y, cuando intenta denunciar las acciones del consejo, Francesco le recuerda su posición como defensor de la ley de Venecia. Enfadada, denuncia que la ley está llena de odio y venganza y exige que le devuelva a su marido: Tu pur lo sai che giudice / "Lo sabes demasiado bien". La escena termina con el dux lamentando los límites de su poder y los conflictos entre ser gobernante y padre, mientras Lucrecia sigue exigiendo su ayuda. Ver sus lágrimas le da algo de esperanza.
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Escena 1: La prisión estatal
Jacopo está solo en prisión y lamenta su destino. Se imagina que está siendo atacado por Carmagnola , un famoso condotiero (soldado) que fue ejecutado en Venecia ( Non maledirmi o prode / "Poderoso guerrero, no me maldigas"), y se desmaya. Todavía delirante, descubre que Lucrecia está con él; ella le cuenta la decisión del consejo y el castigo de un nuevo exilio. Sin embargo, ella intenta mantener viva alguna esperanza y promete unirse a él en el exilio si es necesario.
El dux llega y declara que, a pesar de que se vio obligado a actuar con severidad, ama a su hijo. Jacopo se siente reconfortado – Nel tuo paterno amplesso / "En el abrazo de un padre se apacigua mi dolor" – pero se siente aún más perturbado por la afirmación del dux de que su deber debe prevalecer sobre su amor por su hijo.
Loredano llega para anunciar el veredicto oficial y preparar a Jacopo para su partida. Desprecia las súplicas de los Foscari y ordena a sus hombres que saquen a Jacopo de su celda. En un trío final, Jacopo, el dux y Lucrecia expresan sus emociones conflictivas y, mientras se llevan a Jacopo, el padre y la nuera se van juntos.
Escena 2: La Sala del Consejo
Loredano se muestra inflexible: no habrá piedad y Lucrecia y sus hijos no podrán acompañar a Jacopo en su destierro. El dux lamenta su incapacidad para ayudar, actuando, como debe ser, en el papel de dux antes que en el de padre. Lucrecia entra con sus dos hijos. Jacopo los abraza mientras Lucrecia suplica a los consejeros en vano. Jacopo es llevado.
Escena 1: La Piazetta de San Marco
Mientras el pueblo reunido expresa su alegría por estar juntos, Loredano y Barbarigo esperan la llegada de la galera que llevará a Jacopo al exilio. Jacopo es conducido fuera, seguido por su esposa y Pisana, y expresa sus sentimientos hacia Lucrecia: All'infelice veglio / "Infeliz mujer, infeliz sólo por mí". Juntos, en un gran número coral, Jacopo, Lucrecia, Pisana, Barbarigo, Loredano y el pueblo de Venecia expresan cada uno sus sentimientos. Jacopo comienza: O padre, figli, sposa / "Padre, hijos, esposa, os doy un último adiós", y la escena termina con Jacopo escoltado hasta la galera mientras Lucrecia se desmaya en los brazos de Pisana.
Escena 2: El Palacio Ducal
El dogo, desconsolado, expresa sus sentimientos –Egli ora parte! (¡Ahora se va!)– y se imagina solo en su vejez. Barbarigo le trae pruebas de que su hijo era inocente, mientras Lucrecia entra para anunciar la muerte de Jacopo: Più non vive... l'innocente (Ya no es... el inocente). Al salir, un sirviente anuncia que el Consejo de los Diez desea reunirse con el dogo.
El consejo, a través de su portavoz Loredano, anuncia que ha decidido que Francesco, debido a su edad, debe renunciar a su cargo de dux. Furioso, denuncia la decisión: Questa dunque è l'iniqua mercede / "Esta es, pues, la injusta recompensa...". Pide que traigan a su nuera y, poco a poco, va dejando de lado los atavíos de su cargo. Cuando entra Lucrezia y se dirige a él con el familiar título de "príncipe", declara: "¡Príncipe! Eso era, ahora ya no lo soy". Justo en ese momento, se oye la campana de San Marcos anunciando que se ha elegido un sucesor. Cuando suena por segunda vez, Francesco reconoce que ha llegado el fin: Quel bronzo feral / "Qué toque fatal". Cuando la campana suena de nuevo, muere; Loredano señala: "Ya he pagado".
¿Qué quiere decir? Sigue explicando que "ninguna de las cabalettas comienza con la habitual anticipación instrumental...[....]... los números están ensamblados con mayor coherencia incluso que Ernani ...[....y...]... la partitura es más sensible que en cualquiera de las óperas escritas anteriormente y en muchas otras escritas después..." [13] En conjunto, Foscari está más adelantado de lo que podría imaginarse inicialmente.
David Kimbell, en su artículo The New Penguin Opera Guide , aclara algunos de estos elementos de las siguientes maneras:
Concluye con la idea de que "esta ópera sigue siendo una de las partituras más íntimas e introspectivas del compositor", [14] pero le toca a Roger Parker resumirlo todo:
Notas
Fuentes
