Wassily Wassilyevich Kandinsky [a] (16 de diciembre [ OS 4 de diciembre] 1866 - 13 de diciembre de 1944) fue un pintor y teórico del arte ruso. A Kandinsky se le atribuye generalmente el mérito de ser uno de los pioneros de la abstracción en el arte occidental . Nacido en Moscú, pasó su infancia en Odessa , donde se graduó en la Escuela de Arte de Odessa . Se matriculó en la Universidad de Moscú , estudiando derecho y economía. Con éxito en su profesión, le ofrecieron una cátedra (cátedra de Derecho romano ) en la Universidad de Dorpat (hoy Tartu, Estonia). Kandinsky comenzó a estudiar pintura (dibujo natural, bocetos y anatomía) a la edad de 30 años.
En 1896 Kandinsky se instaló en Munich, estudiando primero en la escuela privada de Anton Ažbe y luego en la Academia de Bellas Artes . Regresó a Moscú en 1914, después del estallido de la Primera Guerra Mundial. Después de la Revolución Rusa , Kandinsky "se convirtió en un miembro de la administración cultural de Anatoly Lunacharsky " [1] y ayudó a establecer el Museo de la Cultura de la Pintura. [2] Sin embargo, para entonces "su perspectiva espiritual... era ajena al materialismo argumentativo de la sociedad soviética", [3] y las oportunidades le atraían en Alemania, a la que regresó en 1920. Allí enseñó en la escuela de arte Bauhaus. y arquitectura desde 1922 hasta que los nazis lo cerraron en 1933. Luego se mudó a Francia, donde vivió el resto de su vida, convirtiéndose en ciudadano francés en 1939 y produciendo algunas de sus obras de arte más destacadas. Murió en Neuilly-sur-Seine en 1944, tres días antes de cumplir 78 años.
Kandinsky nació en Moscú, hijo de Lidia Ticheeva y Vasily Silvestrovich Kandinsky, un comerciante de té. [4] [5] Una de sus bisabuelas fue la princesa Gantimurova . [6] Kandinsky aprendió de diversas fuentes mientras estuvo en Moscú. Estudió muchos campos mientras estaba en la escuela, incluidos derecho y economía. Más adelante en su vida, recordaría haber sentido fascinación y estímulo por el color cuando era niño. Su fascinación por el simbolismo del color y la psicología continuó a medida que crecía.
En 1889, a los 23 años, formó parte de un grupo de investigación etnográfica que viajó a la región de Vologda , al norte de Moscú. En Miradas al pasado , relata que las casas e iglesias estaban decoradas con colores tan brillantes que al entrar en ellas sentía que se adentraba en un cuadro. Esta experiencia y su estudio del arte popular de la región (particularmente el uso de colores brillantes sobre un fondo oscuro) se reflejaron en gran parte de sus primeros trabajos.
Unos años más tarde comparó por primera vez la pintura con la composición musical en la forma por la que se haría conocido, escribiendo: "El color es el teclado, los ojos son la armonía, el alma es el piano con muchas cuerdas. El artista es la mano que toca, tocando una tecla u otra, para provocar vibraciones en el alma". [7]
Kandinsky también era tío del filósofo ruso-francés Alexandre Kojève (1902-1968).
La creación de obras abstractas de Kandinsky siguió a un largo período de desarrollo y maduración de un pensamiento intenso basado en sus experiencias artísticas. Llamó a esta devoción a la belleza interior , fervor de espíritu y deseo espiritual necesidad interior ; [8] era un aspecto central de su arte. Algunos historiadores del arte sugieren que la pasión de Kandinsky por el arte abstracto comenzó cuando un día, al regresar a casa, encontró uno de sus propios cuadros colgado boca abajo en su estudio, y lo miró fijamente durante un rato antes de darse cuenta de que era su propio trabajo . 9] sugiriéndole el poder potencial de la abstracción.
En 1896, a la edad de 30 años, Kandinsky abandonó una prometedora carrera docente en derecho y economía para inscribirse en la Academia de Múnich , donde entre sus profesores figuraría finalmente Franz von Stuck . [10] No se le concedió la admisión de inmediato y comenzó a aprender arte por su cuenta. Ese mismo año, antes de abandonar Moscú, vio una exposición de pinturas de Monet . Quedó especialmente cautivado por el estilo impresionista de Haystacks ; esto, para él, tenía un poderoso sentido del color casi independiente de los objetos mismos. Posteriormente escribiría sobre esta experiencia:
Que era un pajar me informó el catálogo. No pude reconocerlo. Este no reconocimiento fue doloroso para mí. Consideré que el pintor no tenía derecho a pintar indistintamente. Sentí vagamente que faltaba el objeto del cuadro. Y noté con sorpresa y confusión que la imagen no sólo me había cautivado, sino que se había grabado de forma indeleble en mi memoria. La pintura adquirió un poder y un esplendor de cuento de hadas. [11]
- Wassily Kandinsky
Kandinsky fue influenciado de manera similar durante este período por Lohengrin de Richard Wagner que, en su opinión, empujó los límites de la música y la melodía más allá del lirismo estándar. [12] También fue influenciado espiritualmente por Madame Blavatsky (1831-1891), la exponente más conocida de la teosofía . La teoría teosófica postula que la creación es una progresión geométrica que comienza con un solo punto. El aspecto creativo de la forma se expresa mediante una serie descendente de círculos, triángulos y cuadrados. El libro de Kandinsky Sobre lo espiritual en el arte (1910) y Punto y línea al plano (1926) se hicieron eco de este principio teosófico. Las ilustraciones de John Varley en Thought-Forms (1901) lo influyeron visualmente. [13]
En el verano de 1902, Kandinsky invitó a Gabriele Münter a unirse a él en sus clases de pintura de verano al sur de Munich, en los Alpes. Ella aceptó y su relación se volvió más personal que profesional. La escuela de arte, generalmente considerada difícil, fue fácil para Kandinsky. Fue durante este tiempo que comenzó a emerger como teórico del arte además de pintor. El número de sus pinturas existentes aumentó a principios del siglo XX; Mucho queda de los paisajes y ciudades que pintó, utilizando amplias franjas de color y formas reconocibles. Sin embargo, en su mayor parte las pinturas de Kandinsky no presentaban figuras humanas; una excepción es Domingo, vieja Rusia (1904), en la que Kandinsky recrea una visión muy colorida (y fantasiosa) de campesinos y nobles frente a las murallas de una ciudad. Pareja a caballo (1907) representa a un hombre a caballo, sosteniendo a una mujer mientras pasan por una ciudad rusa con paredes luminosas a través de un río azul. El caballo está silenciado mientras las hojas de los árboles, el pueblo y los reflejos en el río brillan con manchas de color y brillo. Este trabajo demuestra la influencia del puntillismo en la forma en que la profundidad de campo se colapsa en una superficie plana y luminiscente. El fauvismo también es evidente en estas primeras obras. Los colores se utilizan para expresar la experiencia de Kandinsky sobre el tema, no para describir la naturaleza objetiva.
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Quizás la más importante de sus pinturas de la primera década del siglo XX fue El jinete azul (1903), que muestra una pequeña figura envuelta en una capa sobre un caballo veloz que corre a través de un prado rocoso. La capa del jinete es de color azul medio, lo que proyecta una sombra azul más oscura. En primer plano hay sombras azules más amorfas, las contrapartes de los árboles en otoño en el fondo. El jinete azul en la pintura es prominente (pero no está claramente definido) y el caballo tiene un andar antinatural (que Kandinsky debe haber conocido) [ cita requerida ] . Esta disyunción intencional, que permitía a los espectadores participar en la creación de la obra de arte, se convirtió en una técnica cada vez más consciente utilizada por Kandinsky en los años siguientes; culminó con las obras abstractas del período 1911-1914. En El jinete azul , Kandinsky muestra al jinete más como una serie de colores que en un detalle específico. Esta pintura no es excepcional en ese sentido en comparación con los pintores contemporáneos, pero muestra la dirección que Kandinsky tomaría sólo unos años más tarde.
De 1906 a 1908 Kandinsky pasó mucho tiempo viajando por Europa (fue asociado del grupo simbolista Rosa Azul de Moscú), hasta que se instaló en la pequeña localidad bávara de Murnau . En 1908 compró una copia de Thought-Forms de Annie Besant y Charles Webster Leadbeater . En 1909 se incorporó a la Sociedad Teosófica . La Montaña Azul (1908-1909) fue pintada en esta época, demostrando su tendencia hacia la abstracción. Una montaña azul está flanqueada por dos grandes árboles, uno amarillo y otro rojo. Una procesión, con tres jinetes y varios más, cruza al pie. Los rostros, la ropa y las sillas de montar de los jinetes son cada uno de un solo color, y ni ellos ni las figuras que caminan muestran ningún detalle real. Los planos y los contornos también son indicativos de la influencia fauvista. El amplio uso del color en La montaña azul ilustra la inclinación de Kandinsky hacia un arte en el que el color se presenta independientemente de la forma y en el que a cada color se le presta la misma atención. La composición es más plana; el cuadro se divide en cuatro secciones: el cielo, el árbol rojo, el árbol amarillo y la montaña azul con los tres jinetes.
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Las pinturas de Kandinsky de este período son grandes masas coloreadas y expresivas evaluadas independientemente de las formas y líneas; estos ya no sirven para delimitarlos, sino que se superponen libremente para formar pinturas de extraordinaria fuerza. La música fue importante para el nacimiento del arte abstracto, ya que la música es abstracta por naturaleza: no intenta representar el mundo exterior, sino que expresa de manera inmediata los sentimientos internos del alma. Kandinsky utilizó en ocasiones términos musicales para identificar sus obras; Llamó a sus pinturas más espontáneas "improvisaciones" y describió las obras más elaboradas como "composiciones".
Además de pintar, Kandinsky fue un teórico del arte; su influencia en la historia del arte occidental proviene quizás más de sus trabajos teóricos que de sus pinturas. Ayudó a fundar la Neue Künstlervereinigung München (Asociación de Nuevos Artistas de Múnich), de la que se convirtió en su presidente en 1909. Sin embargo, el grupo no pudo integrar el enfoque radical de Kandinsky (y otros) con los conceptos artísticos convencionales y el grupo se disolvió a finales de 1911. Kandinsky Luego formó un nuevo grupo, el Blue Rider ( Der Blaue Reiter ), con artistas de ideas afines como August Macke , Franz Marc , Albert Bloch y Gabriele Münter . El grupo publicó un almanaque ( The Blue Rider Almanac ) y realizó dos exhibiciones. Se planearon más de cada uno, pero el estallido de la Primera Guerra Mundial en 1914 puso fin a estos planes y envió a Kandinsky de regreso a Rusia a través de Suiza y Suecia.
Sus escritos en The Blue Rider Almanac y el tratado "Sobre lo espiritual en el arte" (que se publicó en 1910) fueron a la vez una defensa y promoción del arte abstracto y una afirmación de que todas las formas de arte eran igualmente capaces de alcanzar un nivel de espiritualidad. . Creía que el color podía utilizarse en una pintura como algo autónomo, aparte de la descripción visual de un objeto u otra forma.
Estas ideas tuvieron un impacto internacional casi inmediato, particularmente en el mundo de habla inglesa. [14] Ya en 1912, Michael Sadleir revisó Sobre lo espiritual en el arte en el Art News, con sede en Londres . [15] El interés en Kandinsky creció rápidamente cuando Sadleir publicó una traducción al inglés de Sobre lo espiritual en el arte en 1914. Ese año se publicaron extractos del libro en el periódico Blast de Percy Wyndham Lewis y en el periódico cultural semanal de Alfred Orage The New. Edad . Sin embargo, Kandinsky había recibido alguna atención anteriormente en Gran Bretaña; en 1910 participó en la Exposición de Artistas Aliados (organizada por Frank Rutter ) en el Royal Albert Hall de Londres . Esto resultó en que su trabajo fuera elogiado en una reseña de esa muestra realizada por el artista Spencer Frederick Gore en The Art News . [dieciséis]
El interés de Sadleir por Kandinsky también llevó a que las primeras obras de Kandinsky ingresaran en una colección de arte británica; El padre de Sadleir, Michael Sadler , adquirió varios grabados en madera y la pintura abstracta Fragmento para la Composición VII en 1913 tras una visita de padre e hijo para encontrarse con Kandinsky en Munich ese año. Estas obras fueron expuestas en Leeds , ya sea en la universidad o en las instalaciones del Leeds Arts Club , entre 1913 y 1923. [17]
![Mit Dem Schwarzen Boden, 1912, Centro Pompidou, París[19]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d2/Vassily_kandinsky,_con_l'arco_nero,_1912.JPG/1280px-Vassily_kandinsky,_con_l'arco_nero,_1912.JPG)
El sol funde todo Moscú en un solo punto que, como una tuba loca, hace vibrar todo el corazón y toda el alma. Pero no, esta uniformidad del rojo no es la hora más bella. Es sólo el acorde final de una sinfonía que lleva todos los colores al cenit de la vida el que, como el fortissimo de una gran orquesta, Moscú obliga y permite que resuene.
— Wassily Kandinsky [20]
De 1918 a 1921, Kandinsky estuvo involucrado en la política cultural de Rusia y colaboró en la educación artística y la reforma de los museos. Pintó poco durante este período, pero dedicó su tiempo a la enseñanza artística, con un programa basado en el análisis de la forma y el color; también ayudó a organizar el Instituto de Cultura Artística de Moscú del que fue el primer director. Su visión espiritual y expresionista del arte fue finalmente rechazada por los miembros radicales del instituto por considerarla demasiado individualista y burguesa. En 1921, Kandinsky fue invitado a ir a Alemania para asistir a la Bauhaus de Weimar por su fundador, el arquitecto Walter Gropius .
En mayo de 1922 asistió al Congreso Internacional de Artistas Progresistas y firmó la "Proclamación de Fundación de la Unión de Artistas Internacionales Progresistas". [21]
Kandinsky impartió la clase de diseño básico para principiantes y el curso de teoría avanzada en la Bauhaus ; también impartió clases de pintura y un taller en el que aumentó su teoría del color con nuevos elementos de la psicología de las formas. El desarrollo de sus trabajos sobre el estudio de las formas, en particular de los puntos y las líneas, le llevó a la publicación de su segundo libro teórico ( Point and Line to Plane ) en 1926. Sus exámenes de los efectos de las fuerzas sobre las líneas rectas, que llevaron a la contrastación tonos de líneas curvas y angulosas, coincidió con las investigaciones de los psicólogos de la Gestalt, cuyo trabajo también fue discutido en la Bauhaus. [22] Los elementos geométricos adquirieron cada vez más importancia tanto en su enseñanza como en su pintura, particularmente el círculo, el semicírculo, el ángulo, las líneas rectas y las curvas. Este período fue intensamente productivo. Esta libertad se caracteriza en sus obras por el tratamiento de planos ricos en colores y gradaciones, como en Amarillo – rojo – azul (1925), donde Kandinsky ilustra su distancia de los movimientos constructivismo y suprematismo influyentes en ese momento.
Amarillo – rojo – azul (1925) , de dos metros de ancho (6 pies 7 pulgadas), con varias formas principales: un rectángulo amarillo vertical, una cruz roja inclinada y un gran círculo azul oscuro; una multitud de líneas negras rectas (o sinuosas), arcos circulares, círculos monocromáticos y tableros de ajedrez de colores dispersos contribuyen a su delicada complejidad. Esta simple identificación visual de las formas y de las principales masas coloreadas presentes en el lienzo es sólo un primer acercamiento a la realidad interna de la obra, cuya apreciación requiere una observación más profunda, no sólo de las formas y los colores involucrados en la pintura, sino también de su relación, su relación absoluta. y posiciones relativas sobre el lienzo y su armonía.
Kandinsky fue uno de los Die Blaue Vier (Cuatro Azules), que se formó en 1923 con Paul Klee , Lyonel Feininger y Alexej von Jawlensky , por instigación de Galka Scheyer , quien promovió su trabajo en Estados Unidos a partir de 1924. Debido a la hostilidad de la derecha, la Bauhaus abandonó Weimar y se instaló en Dessau en 1925. Tras una campaña de difamación nazi, la Bauhaus abandonó Dessau en 1932 para trasladarse a Berlín , hasta su disolución en julio de 1933. Kandinsky abandonó entonces Alemania y se instaló en París.
Kandinsky, que vivía en un apartamento en París, creó su obra en un salón-estudio. En sus pinturas aparecen formas biomórficas con contornos flexibles y no geométricos, formas que sugieren organismos microscópicos pero que expresan la vida interior del artista. Kandinsky utilizó composiciones de color originales, que evocaban el arte popular eslavo. Ocasionalmente también mezclaba arena con pintura para darle una textura granular y rústica a sus pinturas.
Este período corresponde a una síntesis de la obra anterior de Kandinsky en la que utilizó todos los elementos, enriqueciéndolos. En 1936 y 1939 pintó sus dos últimas composiciones importantes, el tipo de lienzos elaborados que no había producido en muchos años. La composición IX tiene diagonales poderosas y muy contrastadas cuya forma central da la impresión de un embrión en el útero. Pequeños cuadrados de colores y bandas de colores destacan sobre el fondo negro de la Composición X como fragmentos (o filamentos ) de estrellas, mientras que enigmáticos jeroglíficos en tonos pastel cubren una gran masa granate que parece flotar en la esquina superior izquierda del lienzo. En la obra de Kandinsky algunas características son obvias, mientras que ciertos toques son más discretos y velados; se revelan sólo progresivamente a quienes profundizan su conexión con su obra. [24] Su intención era que sus formas (que armonizó y colocó sutilmente) resonaran con el alma del observador.
Al escribir que "la música es el maestro supremo", [25] Kandinsky se embarcó en las primeras siete de sus diez composiciones . Los tres primeros sobreviven sólo en fotografías en blanco y negro tomadas por el también artista y amigo Gabriele Münter . La composición I (1910) fue destruida por un ataque aéreo británico en la ciudad de Braunschweig, en Baja Sajonia, la noche del 14 de octubre de 1944. [26]
Si bien existen estudios, bocetos e improvisaciones (particularmente de la Composición II ), un ataque nazi a la Bauhaus en la década de 1930 resultó en la confiscación de las tres primeras composiciones de Kandinsky. Fueron exhibidos en la exposición " Arte Degenerado " patrocinada por el Estado y luego destruidos (junto con obras de Paul Klee , Franz Marc y otros artistas modernos) [ cita necesaria ]
Fascinado por la escatología cristiana y la percepción de una Nueva Era venidera, [27] un tema común entre las primeras siete composiciones de Kandinsky es el apocalipsis (el fin del mundo tal como lo conocemos). Al escribir sobre el "artista como profeta" en su libro Sobre lo espiritual en el arte , Kandinsky creó pinturas en los años inmediatamente anteriores a la Primera Guerra Mundial que mostraban un cataclismo venidero que alteraría la realidad individual y social. Al tener una creencia devota en el cristianismo ortodoxo , [28] Kandinsky se basó en las historias bíblicas del Arca de Noé , Jonás y la ballena, la resurrección de Cristo , los cuatro jinetes del Apocalipsis en el libro del Apocalipsis , los cuentos populares rusos y las experiencias mitológicas comunes de la muerte. y renacimiento. Sin intentar nunca representar ninguna de estas historias como una narrativa, utilizó sus imágenes veladas como símbolos de los arquetipos de muerte, renacimiento y destrucción, creación que consideraba inminentes en el mundo anterior a la Primera Guerra Mundial .
Como afirmó en Sobre lo espiritual en el arte (ver más abajo), Kandinsky sentía que un artista auténtico que crea arte a partir de "una necesidad interna" habita en la punta de una pirámide que se mueve hacia arriba. Esta pirámide progresiva está penetrando y avanzando hacia el futuro. Lo que ayer era extraño o inconcebible, hoy es algo común; Lo que hoy es vanguardia (y sólo lo entienden unos pocos) mañana será conocimiento común. El artista-profeta moderno se encuentra solo en la cúspide de la pirámide, haciendo nuevos descubrimientos y marcando el comienzo de la realidad del mañana. Kandinsky era consciente de los recientes avances científicos y de los avances de los artistas modernos que habían contribuido a formas radicalmente nuevas de ver y experimentar el mundo.
La Composición IV y las pinturas posteriores se ocupan principalmente de evocar una resonancia espiritual en el espectador y el artista. Como en su pintura del apocalipsis junto al agua ( Composición VI ), Kandinsky pone al espectador en la situación de experimentar estos mitos épicos traduciéndolos a términos contemporáneos (con una sensación de desesperación, agitación, urgencia y confusión). Esta comunión espiritual entre espectador-pintor-artista-profeta puede describirse dentro de los límites de las palabras y las imágenes.
Como indican los ensayos y las teorizaciones de Der Blaue Reiter Almanac con el compositor Arnold Schoenberg , Kandinsky también expresó que la comunión entre el artista y el espectador estaba disponible tanto para los sentidos como para la mente ( sinestesia ). Al escuchar tonos y acordes mientras pintaba, Kandinsky teorizó que (por ejemplo), el amarillo es el color del do central en una trompeta de metal; el negro es el color del cierre y del fin de las cosas; y que las combinaciones de colores producen frecuencias vibratorias, similares a los acordes tocados en un piano. En 1871 el joven Kandinsky aprendió a tocar el piano y el violonchelo. [29] [30]
Kandinsky también desarrolló una teoría de las figuras geométricas y sus relaciones, afirmando, por ejemplo, que el círculo es la forma más pacífica y representa el alma humana. [ verificación fallida ] Estas teorías se explican en Punto y línea al plano (ver más abajo).
La legendaria escenografía de Kandinsky para una representación de " Cuadros de una exposición " de Mussorgsky ilustra su concepto sinestésico de una correspondencia universal de formas, colores y sonidos musicales. [31] En 1928, en el teatro de Dessau, Wassily Kandinsky realizó la puesta en escena de "Cuadros de una exposición". En 2015 se animaron los diseños originales de los elementos escénicos con la moderna tecnología de vídeo y se sincronizaron con la música según las notas preparatorias de Kandinsky y el guión del director de Felix Klee.
En otro episodio con Münter durante los años del expresionismo abstracto bávaro , Kandinsky estaba trabajando en su Composición VI . Después de casi seis meses de estudio y preparación, su intención era que la obra evocara un diluvio, un bautismo, una destrucción y un renacimiento simultáneamente. Después de delinear el trabajo en un panel de madera del tamaño de un mural, se bloqueó y no pudo continuar. Münter le dijo que estaba atrapado en su intelecto y que no alcanzaba el verdadero tema de la imagen. Ella le sugirió que simplemente repitiera la palabra uberflut ("diluvio" o "inundación") y se concentrara en su sonido en lugar de en su significado. Repitiendo esta palabra como un mantra, Kandinsky pintó y completó la obra monumental en un lapso de tres días. [32] [ cita necesaria ]
El arte de Wassily Kandinsky tiene una confluencia de música [33] y espiritualidad. Con su aprecio por la música de su época y su disposición cinestésica, [34] las obras de Kandinsky tienen un marcado estilo de expresionismo en sus primeros años. Pero abrazó todo tipo de estilos artísticos de su época y de sus predecesores, es decir, el Art Nouveau (formas orgánicas sinuosas), el fauvismo y el Blaue Reiter (colores impactantes), el surrealismo (misterio) y la Bauhaus ( constructivismo ), sólo para avanzar hacia el abstraccionismo mientras exploraba la espiritualidad. En arte. Sus pinturas sin objetos [35] muestran una abstracción espiritual sugerida por sonidos y emociones a través de una unidad de sensación. [36] Impulsados por la fe cristiana y la necesidad interna [37] de un artista, sus pinturas tienen la ambigüedad de la forma representada en una variedad de colores, así como la resistencia contra los valores estéticos convencionales del mundo del arte.
Su firma o estilo individual se puede definir y dividir en tres categorías a lo largo de su carrera artística: Impresiones (elemento representacional), Improvisaciones (reacción emocional espontánea), Composiciones (obras de arte definitivas). [ cita necesaria ]
A medida que Kandinsky comenzó a alejarse de su inspiración inicial del impresionismo, sus pinturas se volvieron más vibrantes, pictográficas y expresivas, con formas más nítidas y cualidades lineales claras.
Pero finalmente Kandinsky fue más allá; rechazar la representación pictórica con huracanes arremolinados de colores y formas más sinestésicos, eliminando las referencias tradicionales a la profundidad, presentando glifos desnudos y abstractos; pero lo que permaneció constante fue su búsqueda espiritual de formas expresivas. [ cita necesaria ]
La armonía emocional es otro rasgo destacado de las últimas obras de Kandinsky. [38] Con diversas dimensiones y tonos brillantes equilibrados a través de una cuidadosa yuxtaposición de proporciones y colores, confirmó la universalidad de las formas en sus obras de arte, allanando así el camino para una mayor abstracción.
Kandinsky solía utilizar el negro en sus pinturas para realzar el impacto de las formas de colores brillantes, mientras que sus formas eran a menudo enfoques biomórficos para aportar surrealismo a su arte. [39]
Los análisis de Kandinsky sobre formas y colores no son el resultado de asociaciones de ideas simples y arbitrarias, sino de la experiencia interna del pintor. Pasó años creando pinturas abstractas y sensorialmente ricas, trabajando con la forma y el color, observando incansablemente sus propias pinturas y las de otros artistas, notando sus efectos en su sentido del color. [40] Esta experiencia subjetiva es algo que cualquiera puede hacer: no observaciones científicas y objetivas, sino internas y subjetivas, lo que el filósofo francés Michel Henry llama "subjetividad absoluta" o " vida fenomenológica absoluta ". [41]
Publicado en Munich en 1911, el texto de Kandinsky, Über das Geistige in der Kunst ( Sobre lo espiritual en el arte ), define tres tipos de pintura; impresiones , improvisaciones y composiciones . Mientras que las impresiones se basan en una realidad externa que les sirve de punto de partida, las improvisaciones y composiciones representan imágenes que emergen del inconsciente, aunque la composición se desarrolla desde un punto de vista más formal. [42]
Después de graduarse en 1892, Kandinsky se casó con su prima, Anja Chimiakin, y se convirtió en profesora de Jurisprudencia en la Universidad de Moscú . [43]
En el verano de 1902, Kandinsky invitó a Gabriele Münter a unirse a él en sus clases de pintura de verano al sur de Munich, en los Alpes. Ella aceptó y su relación se volvió más personal que profesional. En 1911, el pintor expresionista alemán fue uno de los varios artistas que se unieron a Kandinsky en su grupo Blue Rider ( Der Blaue Reiter ), que terminó con el inicio de la Primera Guerra Mundial.
Kandinsky y Münter se comprometieron en el verano de 1903, cuando él todavía estaba casado con Anja, y viajaron extensamente por Europa, Rusia y el norte de África hasta 1908. Se separó de Anja en 1911. [43]
De 1906 a 1908, Kandinsky viajó por Europa. En 1909, Münter compró una casa de verano en la pequeña ciudad bávara de Murnau , y la pareja recibió felizmente a sus colegas allí. La propiedad todavía se conoce como Russenhaus y más tarde usaría el sótano para ocultar a los nazis muchas obras de Kandinsky y otros . Al regresar a Munich, Kandinsky fundó la Neue Kunstler Vereinigung (Asociación de Nuevos Artistas) en 1909. [43]
Regresó a Moscú en 1914 cuando estalló la Primera Guerra Mundial. La relación entre Kandinsky y Münter empeoró debido a tensiones mutuas y decepciones por su falta de compromiso con el matrimonio. [44] Su relación terminó formalmente en 1916 en Estocolmo.
En 1916 conoció a Nina Nikolaevna Andreevskaya (1899-1980), con quien se casó el 11 de febrero de 1917, cuando ella tenía 17 o 18 años y él 50. A finales de 1917 tuvieron un hijo, Wsevolod o Lodya, como lo llamaban en la familia. Lodya murió en junio de 1920. Ya no hubo niños. [43] [ verificación fallida ]
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Después de la Revolución Rusa tuvo oportunidades en Alemania, a donde regresó en 1920. Allí enseñó en la escuela de arte y arquitectura Bauhaus desde 1922 hasta que los nazis la cerraron en 1933.
Luego se mudó a Francia con su esposa, donde vivió el resto de su vida, convirtiéndose en ciudadano francés en 1939 y produciendo algunas de sus obras de arte más destacadas.
Murió en Neuilly-sur-Seine el 13 de diciembre de 1944, tres días antes de cumplir 78 años.
En 2012, Christie's subastó Studie für Improvisation 8 (Estudio para la improvisación 8) de Kandinsky , una vista de 1909 de un hombre empuñando una espada en un pueblo con los tonos del arco iris, por 23 millones de dólares. La pintura había estado prestada en el Kunstmuseum Winterthur , Suiza, desde 1960 y fue vendida a un coleccionista europeo por la Fundación Volkart, el brazo caritativo de la firma suiza de comercio de materias primas Volkart Brothers. Antes de esta venta, el último récord del artista se estableció en 1990, cuando Sotheby's vendió su Fuga (1914) por 20,9 millones de dólares. [45] El 16 de noviembre de 2016, Christie's subastó Rigide et courbé (rígido y doblado) de Kandinsky , una gran pintura abstracta de 1935, por 23,3 millones de dólares, un nuevo récord para Kandinsky. [46] [47] Solomon R. Guggenheim originalmente compró la pintura directamente al artista en 1936, pero no se exhibió después de 1949, y luego fue vendida en una subasta a un coleccionista privado en 1964 por el Museo Solomon R. Guggenheim . [47]
La obra de 1990 Six Degrees of Separation se refiere a una pintura de "Kandinsky de doble cara". [48] No se sabe que exista tal pintura; en la versión cinematográfica de la obra de 1993 , la pintura de doble cara se representa con el cuadro de Kandinsky de 1913 Líneas negras en un lado y su cuadro de 1926 Varios círculos en el otro lado. [49]
La película Double Jeopardy de 1999 hace numerosas referencias a Kandinsky, y una pieza suya, Sketch , ocupa un lugar destacado en la trama. La protagonista, Elizabeth Parsons (Ashley Judd), utiliza la entrada del registro de la obra para localizar a su marido con su nuevo alias. En la película también aparecen dos variaciones de la portada del almanaque de Blue Rider . [50]
En 2014, Google conmemoró el cumpleaños número 148 de Kandinsky presentando un Doodle de Google basado en sus pinturas abstractas . [51] [52]
En 2014 se publicó un libro biográfico ilustrado titulado The Noisy Paint Box: The Colors and Sounds of Kandinsky's Abstract Art. Sus ilustraciones de Mary GrandPre le valieron el premio Caldecott Honor en 2015 .
En julio de 2001, Jen Lissitzky, hijo del artista El Lissitzky , presentó una demanda de restitución contra la Fundación Beyeler en Basilea, Suiza, por la "Improvisación nº 10" de Kandinsky. [53] Se llegó a un acuerdo en 2002. [54]
En 2013, la familia Lewenstein presentó una demanda para la restitución del Cuadro con casas de Kandinsky en poder del Museo Stedelijk . [55] [56] En 2020, un comité establecido por el ministro de cultura holandés encontró fallas en el comportamiento del Comité de Restitución, lo que provocó un escándalo en el que dos de sus miembros, incluido su presidente, dimitieron. Más tarde ese año, un tribunal de Ámsterdam dictaminó que el Museo Stedelijk podía conservar la pintura de la colección judía de Lewenstein, a pesar del robo nazi. [57] [58] Sin embargo, en agosto de 2021, el Ayuntamiento de Ámsterdam decidió devolver el cuadro a la familia Lewenstein. [59] [60]
En 2017, Robert Colin Lewenstein, Francesca Manuela Davis y Elsa Hannchen Guidotti presentaron una demanda contra el Bayerische Landesbank ("BLB") para la restitución de Das Bunte Leben de Kandinsky . [61] [62]
Nota: Varias secciones de este artículo han sido traducidas de su versión francesa: Escritos teóricos sobre el arte , La Bauhaus y Las grandes síntesis artísticas. Para referencias completas y detalladas en francés, consulte la versión original en fr:Vassily Kandinsky.
Kandinsky realizó más estudios para esta composición que para cualquier otra: más de treinta dibujos, acuarelas y bocetos. Sin embargo, según Gabriele Münter, la versión final se pintó en sólo tres días.
La ciudad de Ámsterdam compró las obras de Kandinsky que fueron robadas por los alemanes en una subasta en octubre de 1940, apenas seis meses después de que comenzara la ocupación. De Volkskrant espera reconsiderar la cuestión de la devolución del cuadro tras la decisión del gobierno del viernes. Antes del robo nazi, el cuadro era propiedad de Hedwig Loewenstein-Feigerman, quien lo heredó de su marido, el coleccionista de arte judío Emmanuel Albert Lowenstein, propietario del cuadro desde 1923.
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![Primera acuarela abstracta sin título, 1910-1913, Centro Pompidou, París[18]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/79/Untitled_(First_Abstract_Watercolor)_by_Wassily_Kandinsky.jpg/1280px-Untitled_(First_Abstract_Watercolor)_by_Wassily_Kandinsky.jpg)
,_oil_on_canvas,_94_x_130_cm,_Museum_Boijmans_Van_Beuningen.jpg/1280px-Wassily_Kandinsky,_1911,_Reiter_(Lyrishes),_oil_on_canvas,_94_x_130_cm,_Museum_Boijmans_Van_Beuningen.jpg)
![Pequeños mundos I, 1922, Galería Nacional de Dinamarca, Copenhague[23]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/84/Vassily_Kandinsky,_1922_-_Kleine_Welten_I_(new_file).jpg/1280px-Vassily_Kandinsky,_1922_-_Kleine_Welten_I_(new_file).jpg)
