Ugo Rondinone (nacido el 30 de noviembre de 1964) es un artista contemporáneo nacido en Suiza.
Rondinone es ampliamente conocido por su escultura de land art temporal a gran escala , Seven Magic Mountains (2016-2021), con sus siete tótems pintados con fluorescencia , hechos de piedras grandes del tamaño de un automóvil y apiladas a 32 pies (9,8 m) de altura. [1]
Ugo Rondinone nació en 1964 de padres italianos, Benito y Eufemia Rondinone, en la ciudad turística de Brunnen , Suiza. Su padre nació en Matera , Italia, una antigua ciudad construida sobre acantilados de piedra caliza y el sitio de La Pasión de Cristo de Mel Gibson y El Evangelio según San Mateo de Pier Paolo Pasolini , los cuales consolidan su estatus como un lugar religioso venerado. Benito Rondinone era un albañil que construía muros de piedra a mano. Benito creció en Sassi di Matera , una serie de viviendas en cuevas de la era paleolítica, que en 1993 fue declarada Patrimonio de la Humanidad por la Unesco, pero todavía era una comunidad mientras Benito crecía. Las condiciones eran insalubres e inseguras, y fue finalmente la protesta que siguió al relato de 1945 de Carlo Levi sobre su tiempo allí, "Cristo se detuvo en Eboli", lo que llevó al gobierno a reubicar a los residentes de Sassi di Matera, incluida la familia de Benito Rondinone, a viviendas de bajos ingresos cercanas. La educación de su padre ha contribuido en gran medida al trabajo de Rondinone, influyendo en su extenso cuerpo de trabajo en piedra, así como en su interés por los olivos del sur de Italia. En un artículo de 2013 para The New York Times , David Colman escribió sobre el trozo de piedra caliza que Rondinone lleva alrededor de su cuello en una correa de cuero, que había pasado de generación en generación en su familia durante muchos años: "Una piedra, un sasso, perforada con un agujero, se usaba alrededor del cuello como una especie de proto-identificación. Diferentes piedras eran usadas, 24 horas al día, 7 días a la semana, por diferentes trabajadores en los Sassi, dependiendo de a qué terrateniente estaban vinculados. Benito nunca lo había usado, ya que había abandonado la zona cuando aún era joven, pero su padre, Frederico, lo había usado y se lo había dado a su hijo, al igual que el padre de Frederico lo había usado y se lo había dado a él, y su padre antes que él”. [2] El hermano de Rondinone, Luca, siete años menor que él, vive en Brunnen. En Brunnen, Rondinone creció trilingüe, hablando francés, italiano y alemán.
En 1983 Rondinone se trasladó a Zúrich para convertirse en asistente de Hermann Nitsch y estudió en la Hochschule für angewandte Kunst de Viena , de 1986 a 1990, donde estudió con el artista Bruno Gironcoli . Rondinone también asistió a la Academia de Artes Aplicadas de Viena, donde estudió con Ernst Caramelle. En 1985, mientras estaba en la escuela, Rondinone conoció a su compañera de estudios Eva Presenhuber , que se convertiría en su marchante de arte en Zúrich y su esposa nominal.
En 1997, Rondinone fue aceptado en el Programa de Estudio Internacional del MoMA PS1 y se mudó a la ciudad de Nueva York, donde continúa viviendo y trabajando. En Nueva York comenzó una relación con el artista, escritor y poeta John Giorno , después de que ambos se conocieran en una lectura de poesía en la Iglesia de San Marcos en la que participaba Giorno. Rondinone y Giorno colaboraron en una exposición de 1999, que se convirtió en una relación romántica que duraría hasta la muerte de Giorno en 2019.
Rondinone surgió como artista en la década de 1990. [3] Sus pinturas se destacan por sus anillos concéntricos de colores brillantes con formas de objetivos; [4] y paisajes estrictamente en blanco y negro de árboles retorcidos. [5]
Desde 1997, Rondinone ha incluido la práctica de hacer signos en su variada obra; toma frases de canciones pop y exclamaciones cotidianas y las convierte en esculturas con luces de neón y tonos de arco iris, entre ellas Hell, Yes (2001). [6] [7] Otra serie de instalaciones, Clockwork for Oracles (2008-2010) consiste en obras espejadas que se cuelgan al estilo de un salón sobre una pared de páginas del periódico local obtenido en el momento de la instalación. [8]
Posteriormente, Rondinone creó una serie que incluye pájaros fundidos en bronce ( primitivo , 2011), caballos ( primal , 2013) y peces ( primordial , 2018). [9]
Las figuras totémicas de Rondinone se han instalado en todo el mundo, desde el Jardín de las Tullerías en París (2009) hasta la Trienal de Yokohama (2011). [10] En 2013, exhibió una instalación llamada Human Nature en el Rockefeller Center , un grupo de nueve figuras monumentales hechas de losas toscamente talladas de piedra azul de una cantera en el norte de Pensilvania, que se asemejan a tótems de roca rudimentarios. [11] [12] De manera similar, Soul (2013) es un grupo de 37 figuras de piedra azul encontrada en el norte del estado de Nueva York, que miden desde poco menos de 3 pies hasta casi siete pies de alto. [13] Otra instalación escultórica, Vocabulary of Solitude (2016), involucra 45 esculturas de payasos que llevan nombres y están posicionados haciendo tareas cotidianas como 'despertarse, sentarse, caminar y ducharse'. [8]
Si nos remitimos al índice oficial de las obras de Ugo Rondinone, su corpus se origina con una serie de esculturas de flores en yeso y vaselina fechadas en 1988. Sin embargo, el artista suele iniciar su trayectoria con paisajes dibujados en tinta china, en un estilo que recuerda tanto al arte holandés del siglo XVII como al Romanticismo alemán. Basados en dibujos preparatorios que realizó durante paseos por el campo fuera de Viena, estos paisajes nostálgicos introdujeron una serie de elementos que también se pueden encontrar en sus obras posteriores: un protocolo que lo lleva a crear obras de arte basadas en "estudios" hechos a mano que, a través de varios "transportes" o transferencias que potencialmente incorporan pasos delegados a contratistas independientes, dan como resultado otra imagen; una atracción por las variaciones sobre un solo tema; el uso de "ciclos" y "sistemas", en particular los que transmite la nomenclatura en los títulos que atribuye a sus obras; y, por último, la creación de obras pertenecientes a su autobiografía. De hecho, esos primeros paisajes fueron creados como respuesta a una pérdida: el compañero del artista, Manfred Kirchner, había muerto de sida en 1988. “En medio de la crisis del sida”, recuerda Rondinone, “me alejé de mi dolor y encontré en la naturaleza una barandilla espiritual, un lugar de consuelo, regeneración e inspiración. En la naturaleza, uno entra en un espacio donde lo sagrado y lo profano, lo místico y lo secular vibran entre sí”. [14] El primer paisaje fue pintado el 23 de febrero de 1989. Rondinone exhibiría otros tres, producidos en marzo, junio y octubre respectivamente, en una exposición en el Kunstmuseum Luzern en Suiza ese mismo año, en la que su enfoque de la presentación podría considerarse la matriz de sus exposiciones posteriores. [15]
No se pueden disociar las exposiciones de Rondinone de sus obras, que, como resultado, evolucionan en formas de presentación que el artista reinventa sin cesar. Al igual que ocurre con la forma en que sus obras están sujetas a variaciones, modifica la manera en que se muestran su “contenido” y su “contenedor” de una exposición a otra. Estas modificaciones pueden ser infinitesimales o, por el contrario, implicar cambios profundos. Pueden abrir nuevas perspectivas o desplazarlas. Y pueden implicar la elaboración de un “escenario” de modo que, en cada presentación, la obra o las obras puedan verse como si nunca se hubieran mostrado antes. Las exposiciones también son una forma para el artista de jugar con vectores que son complementarios, cuando no contradictorios; una obra mostrada por Rondinone en un contexto específico a menudo se yuxtapone con propuestas “opuestas”. Esto se puede ver en sus paisajes. En la exposición de 1989, sus dibujos en tinta china se dispusieron de manera “homogénea”, mientras que una segunda exposición, celebrada en el mismo lugar un año después y dedicada a sus paisajes de 1990, los presentó junto a un muro temporal hecho de listones de madera pintados de blanco. Esta pared, prolongación de la entrada de la galería, aislaba el sistema expositivo de la fachada del espacio y lo disociaba de su “vida cotidiana”, creando una especie de corredor cuya cualidad confinada –propicia para la contemplación espiritual e introspectiva– ofrecía un poderoso contraste con la apertura al mundo y a la naturaleza sugerida por los paisajes. El primer “muro” imaginado por Rondinone le permitió invitar a un nuevo “protagonista” o “figura” a una obra para la que el espacio expositivo sería el escenario y el escenario privilegiados.
Tras su primera exposición en la Galerie Walcheturm de Zúrich en 1991, en la que perpetuó la “narrativa” del Kunstmuseum Luzern y enfatizó la “dualidad” formada por paisajes abiertos al mundo y un espacio separado de él, en 1992, Rondinone presentó una familia de obras que era decididamente otra : sus pinturas solares. Relacionadas a su manera con el retiro espiritual y la “actividad sin sentido”, estas pinturas son consideradas por el artista como una continuación de los paisajes, excepto, por supuesto, por el hecho de que reemplazan los dibujos “figurativos” en blanco y negro por un espectro cromático tan iridiscente e hipnótico como “abstracto”. Lejano . Una especie de contraparte diurna de las escenas nocturnas, que refleja una vez más la ley de contrastes que es tan prominente en la obra de Rondinone.
Los años 1990 se caracterizan por una vertiginosa proliferación de obras, el “efecto dominó” [16] que el artista pone en marcha y que se alimenta de la “exposición como forma” [17] que otorga a su arte una perspectiva rizómica. Basta con observar los diferentes emparejamientos que se articulan en torno a las pinturas de soles para apreciar la amplitud de posibilidades. También surgen otras “figuras” independientes de estas pinturas. Este es particularmente el caso de Heyday, que parece ser casi idéntica a la exposición Cry me a river , organizada una vez más en la Galerie Walcheturm en Zurich en 1995. Un autorretrato escultórico del artista colocado en un entorno estéril, pero en contraste con presentaciones anteriores en la galería, un espacio que ya no está cerrado al paisaje urbano exterior, la obra, inspirada en el personaje ficticio Jean Des Esseintes en la novela de Joris-Karl Huysmans de 1884, À rebours , ofrece otra variación sobre las ideas de volverse hacia uno mismo y el retiro espiritual.
En los años noventa, Rondinone incorporó otra “figura” al corpus de su obra: el payaso. Los payasos aparecieron en su obra a principios de la década y luego fueron retratados en varios medios y modos de presentación diferentes: en dibujos o murales; en fotografías, videos o performances; y en instalaciones o esculturas, demostrando una vez más la impresionante libertad del artista. Algunos ejemplos incluyen dos grupos de esculturas hiperrealistas concebidas entre 2000 y 2002 (si hubiera algún lugar excepto el desierto) y entre 2014 y 2016 (vocabulario de la soledad), esta última una obra espectacular compuesta por cuarenta y cinco payasos “pasivos” esparcidos por todo el espacio de la exposición. “Como grupo”, explica Rondinone, “los cuarenta y cinco payasos representan a una sola persona, que divide su día de veinticuatro horas en cuarenta y cinco actividades domésticas (...) creando un ciclo de un bucle de veinticuatro horas”.
El tiempo es un tema recurrente para el artista y, como lo demuestra el vocabulario de la soledad, puede adoptar una apariencia tan sorprendente como inesperada. Según Ludovico Pratesi, Rondinone “situa su arte fuera del tiempo real, proyectándolo en una dimensión atemporal donde cada espectador puede crear su propio tiempo y espacio dentro de una obra experiencial, una Gesamtkunstwerk a través de la cual cada uno puede reflexionar sobre la vida y la condición del ser humano, o, como sugiere el artista, como 'una huida del mundo exterior hacia el interior'”. A partir de ahí, a través del tema de la temporalidad, omnipresente en su obra, se encuentra otra iteración de la idea de retirada o retiro, y de la idea de ciclo.
En los años noventa, Rondinone consolidó también su exploración de dos motivos ya presentes o abordados anteriormente en su obra: el árbol y la ventana, que se reunieron en una exposición en 1997 en la Galleria Bonomo de Roma. Regresar a ciertos motivos, cambiar sus perspectivas y abrirlos a nuevas elaboraciones son parte del modus operandi del artista, una manera para él de significar que una familia de obras nunca es estática, que puede dar lugar a supervivencias o mutaciones, a transfiguraciones y metamorfosis, a nuevos diálogos que aún no han sido imaginados. Los árboles de 1997 están “protegidos” con cinta adhesiva, “protección” y “aislamiento” son también procesos sujetos a adaptaciones recurrentes y muy diversificadas en la obra de Rondinone. Las diferentes capas de pintura aplicadas a “objetos” o “ambientes” concebidos por el artista vienen a la mente, al igual que los temas del disfraz o la parodia y de las máscaras que informan con frecuencia su trabajo.
Los disfraces. Crean una separación, una distancia basada en el principio del antagonismo. Este concepto atraviesa y define toda la trayectoria del artista. Blanco y negro o matices de gris por un lado, color por el otro. Masculino y femenino. Silencio y sonido. Día y noche. Apertura y recogimiento. Interior y exterior. Abstracto y figurativo. Personal e impersonal. Privado y público. Y en cada caso, dependiendo del “escenario” elegido o imaginado por el artista, hay variaciones sutiles en términos de (dis)junciones e (im)permeabilidades entre estas polaridades.
La proliferación (de familias) de obras ha continuado en el siglo XXI en un número creciente de exposiciones o instalaciones, lo que ha permitido al artista fomentar una narrativa cada vez más diversificada. Ya sea en galerías o instituciones de arte, en espacios urbanos o entornos naturales, estas presentaciones no dejan de expandir el “efecto dominó” establecido al comienzo de su carrera. Cabe señalar también que, en paralelo a su arte, Rondinone ha añadido otro logro a su lista de logros al oficiar como curador, en exposiciones en las que también promovería una visión inspirada en el tema del antagonismo. En consonancia con el desarrollo anterior de sus ideas, el artista también amplió durante este período ciertos “temas” o “motivos”, sometiéndolos a variaciones y transformaciones, desplazamientos y fenómenos de supervivencia, al mismo tiempo que inventaba otros nuevos, siempre con el interés de generar diálogos entre familias de obras. Muchas de estas están afiliadas a una estética postminimalista y se articulan en esculturas, a veces asociadas al trabajo sobre el sonido y el lenguaje, y renegocian formas geométricas que pueden ser cerradas o abiertas dependiendo del contexto.
Algunas formas o temas de este período, como el muro, la ventana o la puerta, se sitúan sólidamente en el contexto de sus obras anteriores; otras trazan un rumbo completamente nuevo. Muros, ventanas y puertas son motivos que para Rondinone también pueden representar un umbral, un paso. Una frontera. Un límite que permite pasar de un lugar o una atmósfera a otro. Pueden ser «aisladores», a veces aislándonos del mundo exterior, a veces haciéndonos permeables a él, en algunos casos incluso entrelazando estos «opuestos». Otra recurrencia: algunas familias de obras están vinculadas a obras de arte históricas, como sus ventanas de metal (la primera creada entre 2015 y 2018), que hacen referencia a la obra de Caspar David Friedrich .
Para citar a Bob Nickas, la producción de Rondinone es un “campo expandido con muchos centros”. En los últimos años, el artista ha seguido afirmando la ley de los contrastes y los opuestos, con la contraposición de obras en blanco y negro; otras en tonos grises, “terrosos” o minerales, y obras multicolores. La primera categoría incluye árboles blancos creados entre 2003 y 2011, la instalación Gracias silencio de 2005, el grupo de esculturas titulado Poema (2006-2007), pinturas de cielos estrellados realizadas entre 2008 y 2012, la familia de máscaras Moonrise (2003-2005) o la instalación “espectral” Thanx 4 nothing de 2015. En los tonos más grisáceos, terrosos y minerales: las nubes de 2008 y su diario; los desnudos de 2010-2011, los pájaros de 2011; Los caballos de 2013-2014; los peces de 2016, y una gran familia de esculturas “arcaicas” y “atemporales” en piedra azul creadas a partir de 2013. En cuanto al color, éste no deja de impregnar las obras del artista y las presentaciones expositivas, sometiendo regularmente a familias de obras inicialmente producidas en tonos “neutros” a un espectro cromático más amplio. Un ejemplo es la escultura de cera de una mujer desnuda expuesta en 2021 en la galería Kamel Mennour de París, en la que el carácter policromado del desnudo se reflejaba en el espacio en el que se exhibía, irradiando tanto la obra como su entorno. Para concluir, se pueden citar, en el contexto de la trayectoria de Rondinone en general y en sus obras policromadas en particular, las familias de montañas (2015-2018) y monjas + monjes (2020). Las montañas constituyen alternativas coloridas y abstractas a las esculturas figurativas de piedra azul, mientras que las monjas + monjes (2020), que encapsulan las preguntas espirituales que Rondinone plantea en su obra, combinan a la perfección muchos de los vectores “contradictorios” que la caracterizan. Realizadas en bronce pintado, estas esculturas fueron concebidas en un principio en forma de modelos de piedra caliza, lo que permite al artista combinar en una misma propuesta un origen del mundo mineral y un tratamiento cromático extremadamente artificial. En ellas convergen naturaleza y cultura. Y el círculo, una forma que se ha vuelto icónica en la estética de Rondinone, vuelve a aparecer.
Aunque expone regularmente en galerías, Rondinone es quizás más conocido por obras de arte público monumentales como Human Nature (2014), nueve torres colosales de rocas de piedra azul apiladas que se caracterizaron como un Stonehenge urbano durante su exhibición de 2013 en el Rockefeller Center de Nueva York, donde atrajeron a unos quince millones de espectadores. Un número igual de personas han experimentado Seven Magic Mountains, una instalación de pilares de piedra pintados en colores intensos y vibrantes que Rondinone colocó en el desierto de Nevada, a las afueras de Las Vegas, y copresentada por el Art Production Fund y el Nevada Museum of Art. Su serie de arcos de tejados de colores del arco iris, pintados con lemas como "Hell NO!" (New Museum, Nueva York) y "Breathe, Walk, Die" (Rockbund Museum, Shanghái), está en curso. En 2018, Tate Liverpool encargó Liverpool Mountain (2018), una escultura de "montaña" al aire libre como instalación permanente en el patio del edificio. [18]
Seven Magic Mountains , encargada, producida y financiada por el Art Production Fund (APF) y el Nevada Museum of Art , siguió el trabajo de Rondinone Human Nature, un proyecto del Public Art Fund de monumentales figuras de palo de piedra dispuestas en el entorno altamente artificial del Rockefeller Center en Manhattan , y representa lo opuesto: tótems de neón altamente artificiales ubicados en el entorno natural. [1]
Una escultura similar, la Miami Mountain de 35 pies , construida en 2015, se encuentra afuera del Bass Art Museum en Collins Park, Miami Beach, Florida, a partir de diciembre de 2021. [19]
La primera dirección de Rondinone en Nueva York fue un antiguo salón de baile del Lower East Side en la calle 2 y la avenida B, donde vivió y trabajó hasta 2003, cuando compró un loft en Broadway en el East Village. En 2007, adquirió un loft estudio en la planta baja del 39 de Great Jones Street. Hoy es el satélite de la galería Presenhuber en Nueva York, pero Rondinone mantiene un programa de exposiciones de nuevos trabajos de otros artistas en su escaparate [20] . En 2011, adquirió la antigua iglesia bautista Mount Moriah de 20.000 pies cuadrados (1.900 m 2 ) desacralizada en el 2050 de la Quinta Avenida en Harlem por 2,8 millones de dólares. [21] [20] La exesposa de Rondinone, Presenhuber, paga el alquiler de uno de los dos apartamentos, completo con su propia escalera y cocina, dentro de su casa de Harlem.
En 2005, el artista y Giorno compraron una casa de verano en Barryville, Pensilvania, cerca de Delaware Water Gap , donde se unen Nueva York, Pensilvania y Nueva Jersey. El paisaje dio lugar directamente a dos nuevos conjuntos de obras. Sus primeras esculturas de piedra se hicieron con rocas que recogió de muros como los que había construido su padre en Matera. Una cantera cercana dio lugar a las monumentales esculturas de piedra azul que hizo para una instalación de arte público en el Rockefeller Center, Human Nature , en 2013.
Desde 2014, tiene un segundo estudio en su casa de vacaciones en Mattituck, Long Island , donde recoge madera a la deriva para crear esculturas de barcos. También posee una propiedad en Matera , Italia. [20]
En 2014, Rondinone completó la construcción de la Casa n.º 1 , un proyecto que el artista imaginó como una Gesamtkunstwerk habitable , construida en un claro del bosque cerca de la pequeña ciudad de Würenlos , cerca de Zúrich. [22] Fue construida junto con los arquitectos Andreas Fuhrimann y Gabrielle Hächler y representa una amalgama de influencias estilísticas, mostrando influencias japonesas, así como elementos del estilo Art and Crafts europeo. El interior contiene referencias directas al arte de Rondinone; la chimenea es una "réplica funcional" de STILL.LIFE. (JOHNS FIREPLACE) , una obra de Rondinone a tamaño real de 2008 realizada en bronce fundido, plomo y pintura. La casa fue vendida a la diseñadora de moda georgiana Demna Gvasalia , directora creativa de Balenciaga y fundadora de Vetements .
Rondinone hizo su debut como comisario en 2007 para la exposición The Third Mind en el Palais de Tokyo , París, para la que se le dio a Rondinone "carta blanca" para concebir la muestra, que se realizó en honor al 70 cumpleaños de John Giorno. Esta exposición mostró obras desde la década de 1960 hasta principios de la década de 2000, y Rondinone recibió una recepción crítica positiva por su curaduría. [23]
Cinco años después, en 2012, Rondinone organizó The Spirit Level en la Gladstone Gallery de Nueva York, esta vez para celebrar el 75.º cumpleaños de Giorno. La muestra, que se llevó a cabo simultáneamente en las dos sedes de la Gladstone Gallery de Nueva York, incluyó obras de 18 artistas “dispares”, “un rango generacional y geográfico que abarcaba desde neoyorquinos contemporáneos hasta europeos poco conocidos”. [24] Rondinone tomó prestada su propia práctica de crear ambientes cerrados para esta muestra, pintando las puertas de la galería para eliminar la influencia en forma de luz o distracción del exterior. Karen Rosenberg elogió la muestra en su reseña para The New York Times, escribiendo: “En conjunto, sin embargo, “The Spirit Level” es un jardín de delicias sobrenaturales y un excelente argumento para extender el ciclo de vida de la muestra grupal organizada por artistas”. [25]
En su tercer esfuerzo curatorial, Rondinone reunió a artistas y poetas en la Wiener Secession , Viena, en 2015. Giorno es el único poeta representado en la muestra; más bien, el título proviene de la convicción de Rondinone de que el arte y la poesía están interconectados. Ese mismo año, curó Ugo Rondinone: I Heart John Giorno , que regresó al Palais de Tokyo. Rondinone pasó cuatro años curando esta exposición, que contenía obras de y sobre Giorno. Entre ellas se encontraba la película de Andy Warhol de 1963 “Sleep”, una película del poeta durmiendo, y otra llamada “John Washing Dishes”. [26] Rondinone incluyó su propio trabajo, un molde de bronce de tamaño natural de la chimenea de John Giorno de 2007, así como un retrato de Giorno hecho por Elizabeth Peyton . Laura Hoptman, curadora del Museo de Arte Moderno y amiga tanto de Rondinone como de Giorno, dijo sobre la exposición: “Por mucho que la muestra exhiba la notable dedicación que Ugo tiene a la extraordinaria carrera de John, la decisión de John de darle a Ugo su trabajo de toda la vida —su obra completa— para hacer una instalación es un acto de amor que creo que no tiene precedentes, al menos en la historia del arte reciente”, escribió Hoptman en un correo electrónico. “Es materia de mito. O al menos una historia de O. Henry”. [26]
Ugo Rondinone: I ♥︎ John Giorno fue una extensión de la muestra de Rondinone en el Palais de Tokyo de 2015, compuesta por 18 "capítulos" celebrados en 13 lugares de Manhattan en 2017: "Cada capítulo toma la forma de una instalación inmersiva diseñada por Rondinone y dedicada a un cuerpo de trabajo, un interés, una relación o una colaboración que ha marcado la vida de Giorno". [27] Se produjo una edición especial de The Brooklyn Rail para la exposición y sirvió como catálogo de la exposición.
Rondinone posee una extensa colección de arte con al menos 200 piezas. Esto incluye un gran falo rosa de la serie Penetralia de Sarah Lucas (2008), que se exhibe en la sala de estar de la iglesia renovada de Rondinone en Harlem. Rondinone incluyó obras de la serie Penetralia de Lucas en The Spirit Level en la Galería Gladstone en 2012. El baño de Rondinone en su casa de Harlem contiene una pared de vidrieras hecha por su compatriota el artista suizo Urs Fischer . [28]
El debut de Rondinone en una exposición fue en una muestra colectiva en 1985 en la Galerie Marlene Frei, Zurich. Rondinone hizo un debut significativo en 1989 en WEIHNACHTSAUSSTELLUNG , la "Exposición de Navidad" en Lucerna . Esta muestra de varios artistas incluyó tres de las pinturas de paisajes de Rondinone, uno de sus trabajos más reconocibles e intrincados. Rondinone había pintado su primera de estas pinturas de paisajes de gran formato en febrero de ese mismo año, una serie que finalmente incluiría 103 pinturas. Estos paisajes están hechos en tinta china, pintados por la propia mano de Rondinone con un pequeño pincel chino. Los paisajes de Rondinone no están pintados de la vida; más bien, "el artista compila sus fantasías forestales a partir de motivos individuales tomados principalmente de obras del siglo XVIII, aunque sin revelar concretamente sus fuentes de imagen". [29] Rondinone no intenta representar una visión mimética de la naturaleza, sino que compila imágenes y motivos que se adaptan a un estado de ánimo determinado. En las décadas transcurridas desde su debut, las pinturas de paisajes de Rondinone han demostrado ser un conjunto de obras perdurables y elogiadas en la obra del artista.
Desde su inicio en 1989, Rondinone ha organizado al menos una exposición, a menudo muchas más, en diferentes partes del mundo cada año. También en 1989, el mismo año de la aparición de Rondinone en la escena artística, Presenhuber aceptó la dirección de la organización sin fines de lucro Galerie Walcheturm en Zurich, siempre y cuando pudiera dirigir su propio programa en un espacio de proyectos. En 1991, presentó los dibujos de paisajes de Rondinone hasta la fecha en una muestra titulada "Soy un árbol". Después de esta exposición, Presenhuber ha seguido mostrando la obra de Rondinone en Europa y Nueva York. En 1995, Presenhuber volvió a mostrar la obra de Rondinone en la Galerie Walcheturm con la exposición Cry me a river , que fue la primera exposición de autorretratos escultóricos de Rondinone. Esta instalación es esencial para comprender la obra más amplia de Rondinone porque funciona como un contraste a su método habitual de manipulación artística. Rondinone es conocido por crear “mundos” en sus instalaciones que bloquean el exterior, a menudo tapiando ventanas, cubriendo ventanas y puertas con películas de colores translúcidas o por otros medios para crear una instalación autónoma que no contiene influencias del exterior; esta obra hace lo contrario, obligando tanto a los que están dentro como a los que están fuera a interactuar con el otro y enmarcando a los que están a ambos lados como participantes de la obra. Un muñeco de peluche que se parecía al artista estaba desplomado contra la pared del espacio de exposición, visible para los transeúntes a través de una gran ventana de vidrio. El título de la exposición fue tomado posteriormente para su obra de 1997 CRY ME A RIVER, el primero de sus icónicos letreros de neón, y un ejemplo de la frecuente reutilización de títulos por parte de Rondinone en exposiciones, obras y poemas.
En 2007 representó a Suiza en la 52ª Bienal de Venecia junto a Urs Fischer . Para esta ocasión, Rondinone produjo una serie de sus característicos olivos fundidos, fabricados en aluminio y esmalte blanco: AIR GETS INTO EVERYTHING EVEN NOTHING (2006); WISDOM? PEACE? BLANK? ALL OF THIS? (2007); y GET UP GIRL A SUN IS RUNNING THE WORLD (2006). GET UP GIRL A SUN IS RUNNING THE WORLD (2006) se mostró anteriormente como parte del proyecto de colaboración de Rondinone de noviembre de 2006 con Art on the Plaza de Creative Time en el Ritz Carlton Plaza, Battery Park, Nueva York. De acuerdo con la ley italiana, estos moldes se realizan en el lugar en la ciudad natal de los padres de Rondinone, Matera, con caucho, y solo más tarde en el estudio se transforman a través de cera y luego toman su forma final de aluminio. El aire entra en todo, incluso en nada (2006) fue parte de esta instalación del Rockefeller Center y ahora es parte de las Colecciones Permanentes del Des Moines Art Center . La ciudad de Nueva York y Des Moines representan entornos urbanos marcadamente diferentes y, en cada uno de ellos, el aire entra en todo, incluso en nada plantea preguntas sobre “el tiempo, el desplazamiento y la relación entre el entorno natural y el artificial”. [30]
La escultura de neón de Rondinone Hell, Yes! (2001) estuvo instalada en la fachada del New Museum desde su apertura en 2007 hasta 2010. [10]
Las esculturas fundidas del mundo orgánico aparecen a lo largo de la carrera de Rondinone y particularmente en su serie de naturalezas muertas , una variedad de objetos efímeros fundidos en bronce para hacerlos permanentes. En su exposición de 2012 Lifelike en el Museo de Arte de Nueva Orleans, Rondinone mostró la primera obra de esta serie, STILL.LIFE. (FOLDED CARDBOARD) (2007), hecha para parecer un trozo de cartón doblado que descansa sobre el suelo y se apoya contra la pared. Thank you Silence en el Museo M de Lovaina en 2012 ejemplificó el interés de Rondinone en estas formas preservadas; allí, el artista exhibió primitivas (2011-2012), 59 pájaros fundidos en bronce. Cada uno de los pájaros fue esculpido a mano por el artista; sus huellas dactilares visibles en las piezas finales son evidencia de esto. [31] Rondinone se limitó a crear un pájaro cada día: “Esta imposición de una restricción de tiempo ayudó al artista a lograr una calidad ingenua e infantil en el modelado del pájaro”. [31]
Las obras de Nuns + monks son una serie de esculturas de bronce pintadas en dos tonos de 2019 y 2020 que están hechas a partir de moldes de piedra caliza. La construcción de estas figuras a partir de piedra caliza está en línea con las obras anteriores del artista, pero la inspiración de Rondinone también vino de la escultura italiana de principios del siglo XX: “Cabe explicar que la creación de estas obras se nutrió de la asidua frecuentación de Rondinone al departamento de escultura medieval del Museo Metropolitano de Nueva York, y además de una poderosa confrontación con los Cardenales de Giacomo Manzù, cuya particular modernidad, permeada por un clasicismo que desafía el tiempo y la categorización, correspondía inevitablemente a su interés”. [32]
Rondinone ha realizado exposiciones individuales en importantes instituciones de todo el mundo, entre ellas Kunstmuseum Luzern (2024); Palais de Tokyo , París (2018); Fundación Casa Wabi, Oaxaca (2018); Berkeley Art Museum y Pacific Film Archive , Berkeley, California (2017); Garage , Moscú (2017); The Bass Museum, Miami (2016); Place Vendôme , París (2016); Mercati di Traiano , Roma (2016); Rockbund Art Museum , Shanghái (2014); Art Institute of Chicago (2013); Nasher Sculpture Center , Dallas (2013); M Museum, Lovaina, Bélgica (2013); Cycladic Art Museum, Atenas (2012); New Orleans Museum of Art (2012); Aargauer Kunsthaus , Aarau, Suiza (2010); Le Consortium , Dijon (2004); Australian Centre for Contemporary Art , Melbourne (2004); Museo de Arte Contemporáneo de Sídney (2003); Centro Georges Pompidou , París (2003); Kunsthalle Wien , Viena (2002); y Centro de Arte Contemporáneo, Ginebra (1996).
Elftermarzzweitausendundzwolf (2015) se exhibió en Art Basel Miami en 2015; Business Insider incluyó la obra en su compilación de “Las obras de arte más extravagantes que vimos en Art Basel” y dijo que la pieza era “perfecta para selfies”: “Los ladrillos de colores brillantes están pintados en un tamaño mayor al real, como un escenario visto demasiado de cerca para que surta efecto una ilusión de realismo. Son primitivos, aunque nada es más moderno que una pared independiente”. [33]
El precio más alto de Rondinone en una subasta fue el de su obra A DAY LIKE THIS.MADE OF NOTHING AND NOTHING ELSE de 2009 , que se vendió en Sotheby's en noviembre de 2018 por 1.131.000 dólares. La pieza pertenecía anteriormente al mecenas, coleccionista y fideicomisario del museo David Teiger, quien instaló la escultura de aluminio fundido y esmalte blanco de casi cinco metros de alto y cinco de ancho en el jardín delantero de su casa en Nueva Jersey. La obra se vendió como parte de The History of Now: The Collection of David Teiger Sold to Benefit Teiger Foundation for the Support of Contemporary Art . La venta de UN DÍA COMO ESTE. HECHO DE NADA Y DE NADA MÁS superó el récord anterior de Rondinone para una obra vendida en subasta, que estaba en manos de su Get up girl a sun is running the world de 2006 , vendida a través de Phillips de Pury & Company en junio de 2011 por $864,340, también un olivo fundido en aluminio y esmalte blanco. Esta obra había sido exhibida previamente en la Iglesia de San Stae, Venecia, como parte del Pabellón Suizo en la 52.ª Bienal de Venecia junto con obras de Urs Fischer. [34]
Rondinone está representado por Esther Schipper, Galerie Eva Presenhuber (Zúrich, Nueva York) , [35] Sadie Coles HQ (Londres), [36] Galerie Kamel Mennour (París), Kukje Gallery (Seúl), Krobath (Viena) y Gladstone Gallery (Nueva York, Bruselas). [37] Su obra se encuentra en numerosas colecciones públicas y privadas, entre ellas el Centro Georges Pompidou (París), el Museo Albertina (Viena), el Museo de Israel (Jerusalén), el Museo de Arte de Dallas , el Museo de Arte Carnegie (Pittsburgh, PA), la Kunsthaus de Zúrich y la Galería de Arte de Nueva Gales del Sur (Sídney, Australia), entre muchas otras.
El amante y compañero de Rondinone durante la última parte de su vida fue el difunto poeta y activista John Giorno. En 2017, Rondinone montó una exposición llamada “I ♥ John Giorno ” en trece lugares de Manhattan. Una exposición que él llamó una carta de amor ampliada a John. [40] La pareja se conoció en 1997 cuando Rondinone le pidió a John que participara en una de sus exposiciones. [40]
En 2017, a Rondinone le diagnosticaron cáncer de vejiga de alto grado . [41] En septiembre de 2019, el artista organizó una subasta en Sotheby's Nueva York llamada "STOP BLADDER CANCER". Rondinone y otros 14 artistas donaron su trabajo a la subasta, cuyas ganancias se destinaron a la investigación del tratamiento del cáncer de vejiga en el Weill Medical College de la Universidad de Cornell, donde el propio oncólogo de Rondinone está trabajando para desarrollar un tratamiento para esta enfermedad. [42]