Michelangelo Antonioni ( nacido el 29 de septiembre de 1912 - fallecido el 30 de julio de 2007) fue un director y cineasta italiano . Es más conocido por su "trilogía sobre la modernidad y sus descontentos " [ 1 ] —L'Avventura ( 1960 ) , La Notte ( 1961 ) y L'Eclisse (1962) — y la película en inglés Blowup ( 1966 ) . Sus películas han sido descritas como "piezas de humor enigmáticas e intrincadas" [2] que presentan tramas elusivas, una composición visual sorprendente y una preocupación por los paisajes modernos. [3] Su obra influyó sustancialmente en el cine de arte posterior . [4] Antonioni recibió numerosos premios y nominaciones a lo largo de su carrera, siendo el único director en haber ganado la Palma de Oro , el León de Oro , el Oso de Oro y el Leopardo de Oro .
Antonioni nació en una familia próspera de terratenientes en Ferrara , Emilia-Romaña . Era hijo de Elisabetta (de soltera Roncagli) e Ismaele Antonioni. [5] El director explicó al crítico de cine italiano Aldo Tassone:
Mi infancia fue feliz. Mi madre... era una mujer cálida e inteligente que había sido obrera en su juventud. Mi padre también era un buen hombre. Nacido en una familia de clase obrera, consiguió conseguir una posición cómoda a base de cursos nocturnos y trabajo duro. Mis padres me dieron rienda suelta para hacer lo que quisiera: con mi hermano pasábamos la mayor parte del tiempo jugando al aire libre con amigos. Curiosamente, nuestros amigos eran invariablemente proletarios y pobres. Los pobres todavía existían en esa época, se los reconocía por su ropa. Pero incluso en la forma en que vestían había una fantasía, una franqueza que me hacía preferirlos a los muchachos de familias burguesas. Siempre sentí simpatía por las jóvenes de familias de clase obrera, incluso más tarde, cuando fui a la universidad: eran más auténticas y espontáneas. [6]
—Miguel Ángel Antonioni
De niño, Antonioni era aficionado al dibujo y a la música. Violinista precoz, dio su primer concierto a los nueve años. Aunque abandonó el violín con el descubrimiento del cine en la adolescencia, el dibujo seguiría siendo una pasión para toda la vida. "Nunca dibujé, ni siquiera de niño, ni marionetas ni siluetas, sino fachadas de casas y portones. Uno de mis juegos favoritos consistía en organizar ciudades. Ignorante de arquitectura, construía edificios y calles atiborradas de figuritas. Inventaba historias para ellas. Estos acontecimientos de la infancia —yo tenía once años— eran como pequeñas películas." [7]
Tras graduarse en Economía en la Universidad de Bolonia , en 1935 comenzó a escribir como periodista de cine para el periódico de Ferrara Il Corriere Padano .
En 1940, Antonioni se trasladó a Roma, donde trabajó para Cinema , la revista oficial de cine fascista editada por Vittorio Mussolini . Sin embargo, Antonioni fue despedido unos meses después. Más tarde ese año, se inscribió en el Centro Sperimentale di Cinematografia para estudiar técnica cinematográfica, pero lo abandonó después de tres meses. Posteriormente fue reclutado en el ejército y sobrevivió a la condena a muerte como miembro de la Resistencia italiana . [8]
En 1942, Antonioni coescribió Un piloto vuelve con Roberto Rossellini y trabajó como asistente de dirección en I due Foscari de Enrico Fulchignoni . En 1943, viajó a Francia para ayudar a Marcel Carné en Les visiteurs du soir y comenzó una serie de cortometrajes con Gente del Po (1943), una historia de pescadores pobres del valle del Po . Cuando Roma fue liberada por los aliados, el material fílmico fue transferido a la " República de Saló " fascista y no pudo ser recuperado ni editado hasta 1947. El metraje completo nunca fue recuperado. Estas películas eran estudios semidocumentales neorrealistas de las vidas de la clase trabajadora. [9]
Sin embargo, el primer largometraje de Antonioni, Cronaca di un amore ( Historia de un amor , 1950), se alejó del neorrealismo al retratar a las clases medias. Continuó haciéndolo en una serie de otras películas: I vinti ( Los vencidos , 1952), un trío de historias, cada una ambientada en un país diferente (Francia, Italia e Inglaterra), sobre la delincuencia juvenil; La signora senza camelie ( La dama sin camelias , 1953) sobre una joven estrella de cine y su caída en desgracia; y Le amiche ( Las amigas , 1955) sobre mujeres de clase media en Turín. Il grido ( El grito , 1957) fue un regreso a las historias de la clase trabajadora, retratando a un trabajador de fábrica y su hija. Cada una de estas historias trata sobre la alienación social . [9]
En Le Amiche (1955), Antonioni experimentó con un estilo radicalmente nuevo: en lugar de una narrativa convencional, presentó una serie de eventos aparentemente desconectados y utilizó tomas largas como parte de su estilo. [9] Antonioni volvió a su uso en L'avventura (1960), que se convirtió en su primer éxito internacional. En el Festival de Cine de Cannes de 1960 recibió una mezcla de vítores y abucheos, [10] [11] pero ganó un premio del jurado y se hizo popular en los cines de arte y ensayo de todo el mundo. La notte (1961), protagonizada por Jeanne Moreau y Marcello Mastroianni , y L'Eclisse (1962), protagonizada por Alain Delon y Monica Vitti , siguieron a L'avventura . Estas tres películas a menudo se conocen como una trilogía. [12] [13] [14] La notte ganó el Oso de Oro en el 11º Festival Internacional de Cine de Berlín , [15] Su primera película en color, Il deserto rosso ( El desierto rojo , 1964), trata temas similares y a veces se considera la cuarta película de la "trilogía". [1] Las cuatro películas presentaban a Vitti, su pareja romántica en ese momento.
Antonioni firmó entonces un acuerdo con el productor Carlo Ponti que le permitiría libertad artística en tres películas en inglés que serían estrenadas por MGM . La primera, Blowup (1966), [16] fue un éxito internacional de crítica y público y ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 1967. Ambientada en el Londres vibrante , la película fue protagonizada por David Hemmings como fotógrafo de moda y se basó libremente en un cuento del escritor franco-argentino Julio Cortázar . La segunda película, Zabriskie Point (1970), se ambienta en Estados Unidos y sigue la contracultura . La banda sonora presenta música de Pink Floyd , Grateful Dead y Rolling Stones . Sin embargo, Zabriskie Point fue un fracaso crítico y comercial, y ha sido llamada "la peor película jamás hecha por un director de genio". [17] La tercera, The Passenger (1975), protagonizada por Jack Nicholson y Maria Schneider , recibió elogios de la crítica pero le fue mal en taquilla.
En 1966, Antonioni redactó un tratamiento titulado "Technically Sweet", que luego desarrolló en un guion con Mark Peploe , Niccolo Tucci y Tonino Guerra , con planes de comenzar a filmar a principios de la década de 1970 con Jack Nicholson y Maria Schneider. Al borde de la producción en la selva amazónica, Ponti retiró repentinamente el apoyo y el proyecto fue abandonado, con Nicholson y Schneider avanzando para protagonizar The Passenger . [18] En 2008, "Technically Sweet" se convirtió en una exposición colectiva internacional comisariada por las artistas con sede en Copenhague Yvette Brackman y Maria Finn, en la que se exhibieron en Nueva York las creaciones de los artistas, trabajando en múltiples medios y basadas en el manuscrito de Antonioni. [19] Uno de estos fue el cortometraje "Sweet Ruin", dirigido por Elisabeth Subrin y protagonizado por Gaby Hoffmann . [20] La viuda de Antonioni, Enrica , y el director André Ristum anunciaron planes para producir una película basada en el guión, con filmaciones en Brasil y Cerdeña que comenzarán en 2023. [21] [ necesita actualización ]
En 1972, Antonioni fue invitado a China para filmar los logros de la Revolución Cultural . [22] : 13 El documental resultante, Chung Kuo, China , fue fuertemente condenado por las autoridades chinas como "antichino" y "anticomunista". [23] [24] Se mostró por primera vez en China el 25 de noviembre de 2004 en Pekín, con un festival de cine organizado por la Academia de Cine de Pekín para honrar las obras de Antonioni. La película ahora es bien considerada por el público chino, particularmente por las personas que vivieron durante la Revolución Cultural. [22] : 14
En 1980, Antonioni dirigió Il mistero di Oberwald ( El misterio de Oberwald ), basada en la obra de teatro de Jean Cocteau , L'Aigle à deux têtes ( El águila de dos cabezas ). Con Monica Vitti como protagonista, la película se adentra en un enfoque experimental para la mejora del color a través del tratamiento electrónico. El proceso implica inicialmente capturar el metraje en video y transferirlo a película de 35 mm durante la posproducción.
Identificazione di una donna ("Identificación de una mujer"), una película de 1982 filmada en Italia, explora los temas recurrentes que se encuentran en su trilogía italiana. En 1985, Antonioni sufrió un derrame cerebral que lo dejó afásico y parcialmente paralizado. A pesar de su incapacidad para hablar o escribir, Antonioni continuó dirigiendo películas, incluida Beyond the Clouds (1995), para la que Wim Wenders fue contratado como director de respaldo para filmar varias escenas. Como Wenders ha explicado, "sin alguien más, ninguna película suya encontraría aseguradoras". Sin embargo, durante el montaje, Antonioni rechazó casi todo el material filmado por Wenders, excepto algunos interludios cortos. [25] Compartieron el Premio FIPRESCI en el Festival de Cine de Venecia con Cyclo .
En 1994, recibió un Oscar honorífico "en reconocimiento a su lugar como uno de los maestros del estilo visual del cine". La estatuilla, que le entregó Jack Nicholson, fue robada más tarde por ladrones y tuvo que ser reemplazada. Anteriormente, Antonioni había recibido nominaciones al Oscar a Mejor Director y Mejor Guión por Blowup (1967).
La última película de Antonioni, dirigida cuando tenía más de 90 años, fue un segmento de la película antológica Eros (2004), titulada Il filo pericoloso delle cose ( El peligroso hilo de las cosas ). Los episodios del cortometraje están enmarcados por una serie de pinturas enigmáticas de Antonioni, un automóvil deportivo de lujo que tiene dificultades para negociar los estrechos carriles y los arcaicos puentes de piedra del entorno de la ciudad de provincia, una mujer en bikini que realiza una coreografía críptica en una playa, y la canción "Michelangelo Antonioni", compuesta y cantada por Caetano Veloso . [26] La película no fue bien recibida internacionalmente. En Estados Unidos, Roger Ebert afirmó que no era ni erótica ni trataba sobre erotismo. [27] El lanzamiento en DVD de la película en Estados Unidos incluye otro cortometraje de 2004 de Antonioni, Lo sguardo di Michelangelo ( La mirada de Miguel Ángel ).
Antonioni murió en Roma, a los 94 años, el 30 de julio de 2007, el mismo día que el reconocido director sueco Ingmar Bergman . [28] Antonioni fue velado en el Ayuntamiento de Roma, donde una gran pantalla mostró imágenes en blanco y negro de él entre sus sets de filmación y detrás de escena. Fue enterrado en su ciudad natal de Ferrara el 2 de agosto de 2007.
Resulta demasiado simplista decir, como muchos han hecho, que condeno el mundo industrial inhumano que oprime a los individuos y los conduce a la neurosis. Mi intención... era traducir la poesía de un mundo en el que hasta las fábricas pueden ser bellas. Las líneas y curvas de las fábricas y sus chimeneas pueden ser más bellas que las siluetas de los árboles, a los que ya estamos demasiado acostumbrados. Es un mundo rico, vivo y funcional... Hay gente que se adapta y otra que no puede, quizá porque está demasiado apegada a formas de vida que ya están pasadas de moda.
—Antonioni, entrevistado sobre Desierto rojo (1964). [29]
El crítico Richard Brody describió a Antonioni como "el modernista ejemplar del cine " y uno de sus "grandes pictorialistas: sus imágenes reflejan, con una fría tentación, las abstracciones que lo fascinaron". [30] AllMovie afirmó que "sus películas, un cuerpo seminal de piezas de humor enigmáticas e intrincadas, rechazaron la acción en favor de la contemplación, defendiendo la imagen y el diseño sobre el personaje y la historia". [2] Stephen Dalton, del British Film Institute, describió los influyentes sellos visuales de Antonioni como " tomas extremadamente largas , arquitectura moderna sorprendente, uso pictórico del color [y] pequeñas figuras humanas a la deriva en paisajes vacíos", señalando similitudes con los "paisajes oníricos urbanos vacíos" del pintor surrealista Giorgio de Chirico . [3] La historiadora de cine Virginia Wright Wexman destaca la lentitud de su cámara y la ausencia de cortes frecuentes, afirmando que "obliga a prestar toda nuestra atención al continuar la toma mucho después de que otros la cortarían". [31] Antonioni también es conocido por explotar el color como un elemento expresivo significativo en sus obras posteriores, especialmente en Il deserto rosso , su primera película en color. [32]
Las tramas de Antonioni eran experimentales, ambiguas y elusivas, y a menudo presentaban personajes de clase media que sufrían de aburrimiento, desesperación o sexo sin alegría. [3] El historiador de cine David Bordwell escribe que en las películas de Antonioni, "las vacaciones, las fiestas y las actividades artísticas son esfuerzos vanos por ocultar la falta de propósito y emoción de los personajes. La sexualidad se reduce a la seducción casual, la iniciativa a la búsqueda de riqueza a cualquier precio". [4] The New Yorker escribió que "Antonioni capturó una nueva sociedad burguesa que pasó de la creación física a la intelectual, de la materia a la abstracción, de las cosas a las imágenes, y la crisis de identidad personal y autorreconocimiento que resultó", llamando a sus colaboraciones de la década de 1960 con Monica Vitti "un momento crucial en la creación del modernismo cinematográfico ". [33] Richard Brody afirmó que sus películas exploran "la forma en que los nuevos métodos de comunicación (principalmente los medios de comunicación masivos, pero también las abstracciones de la industria de alta tecnología, la arquitectura, la música, la política e incluso la moda) tienen un efecto de retroalimentación en los pensadores educados y de cuello blanco que los crean", pero señaló que "no sentía nostalgia por lo premoderno". [30]
Wexman describe la perspectiva de Antonioni sobre el mundo como la de un " intelectual marxista y existencialista posreligioso ". [31] En un discurso en Cannes sobre L'Avventura , Antonioni dijo que en la era moderna de la razón y la ciencia, la humanidad todavía vive por
"una moral rígida y estereotipada que todos reconocemos como tal y que, sin embargo, sostenemos por cobardía y pura pereza [...] Hemos examinado esas actitudes morales con mucho cuidado, las hemos diseccionado y analizado hasta el cansancio. Hemos sido capaces de todo eso, pero no hemos sido capaces de encontrar otras nuevas."
Nueve años después, expresó una actitud similar en una entrevista, diciendo que detestaba la palabra "moralidad": "Cuando el hombre se reconcilie con la naturaleza, cuando el espacio se convierta en su verdadero trasfondo, estas palabras y conceptos habrán perdido su significado y ya no tendremos que usarlos". [34] El crítico Roland Barthes afirmó que el enfoque de Antonioni "no es el de un historiador, un político o un moralista, sino más bien el de un utópico cuya percepción busca señalar el nuevo mundo, porque está ansioso por este mundo y ya quiere ser parte de él". [35] Añadió que su arte "consiste en dejar siempre abierto y como indeciso el camino del significado ". [35]
Bordwell explica que Antonioni fue extremadamente influyente en las películas de arte : "Más que cualquier otro director, alentó a los cineastas a explorar la narrativa elíptica y abierta". [4] The Guardian lo describió como, "en esencia, un director de secuencias extraordinarias", y aconsejó a los espectadores que "olvidaran la trama, los personajes o el diálogo, su significado se transmite en términos absolutamente formales ". [36]
El director de cine Akira Kurosawa consideró a Antonioni uno de los cineastas más interesantes. [37] Stanley Kubrick incluyó La noche como una de sus diez películas favoritas en una encuesta de 1963. [38] Andrei Tarkovski estuvo profundamente influenciado por Antonioni, especialmente para el desarrollo de su película Nostalgia . En una entrevista con Serge Kaganski en 2004, Jean-Luc Godard juzga que Antonioni es el cineasta que más ha influido en el cine contemporáneo. Wim Wenders consideró a Antonioni como un maestro y los dos colaboraron como directores para la película Más allá de las nubes . Miklós Jancsó considera a Antonioni como su maestro. El director estadounidense Martin Scorsese rindió homenaje a Antonioni después de su muerte en 2007, afirmando que sus películas "planteaban misterios, o más bien el misterio de quiénes somos, qué somos, los unos para los otros, para nosotros mismos, para el tiempo. Se podría decir que Antonioni estaba mirando directamente a los misterios del alma". [3] Los directores estadounidenses Francis Ford Coppola y Brian De Palma rindieron homenaje a Antonioni en sus propias películas. [3]
Sin embargo, el estilo sobrio y los personajes sin propósito de Antonioni no han recibido elogios universales. Ingmar Bergman declaró en 2002 que, si bien consideraba que las películas de Antonioni Blowup y La notte eran obras maestras, las otras películas le parecían aburridas y señaló que nunca había entendido por qué Antonioni era tan estimado. Orson Welles lamentó el uso del plano secuencia por parte del director italiano : "No me gusta detenerme en las cosas. Es una de las razones por las que me aburre tanto Antonioni: la creencia de que, porque una toma es buena, va a mejorar si la sigues mirando. Te da un plano completo de alguien caminando por una calle. Y piensas: 'Bueno, no va a llevar a esa mujer todo el camino por esa calle'. Pero lo hace . Y luego ella se va y tú sigues mirando la calle después de que ella se ha ido". [39]
El actor estadounidense Peter Weller , a quien Antonioni dirigió en Más allá de las nubes , explicó en una entrevista de 1996: "No hay ningún director vivo, excepto tal vez Kurosawa , Bergman o Antonioni, por el que me desharía y haría cualquier cosa. Conocí a Antonioni hace tres años en Taormina en un festival de cine . Me presenté y le dije que adoraba sus películas, sus contribuciones al cine, porque fue el primer tipo que realmente comenzó a hacer películas sobre la realidad de la vacuidad entre las personas, la dificultad de atravesar este espacio entre amantes en la época moderna... y él nunca te da una respuesta, Antonioni, eso es lo hermoso". [40]
