The Hunger (primavera/verano de 1996) es la séptima colección del diseñador británico Alexander McQueen para su casa de moda homónima . La colección se inspiró principalmente en The Hunger , unapelícula de terror erótico sobre vampiros de 1983. McQueen tenía un respaldo financiero limitado, por lo que la colección se creó con un presupuesto mínimo. Como era habitual en McQueen en las primeras etapas de su carrera, la colección se centró en prendas de corte impecable y enfatizó la sexualidad femenina. Fue su primera colección que incluyó ropa masculina.
El desfile de The Hunger se celebró en el Museo de Historia Natural de Londres el 23 de octubre de 1995, durante la Semana de la Moda de Londres . Al igual que los desfiles profesionales anteriores de McQueen, The Hunger se diseñó con imágenes de sexualidad, violencia y muerte, siendo la más destacada un corsé de plástico translúcido con gusanos reales en su interior. Las modelos desnudaron sus pechos y realizaron gestos obscenos en la pasarela, y el desfile concluyó con McQueen mostrando el trasero al público.
La recepción crítica de The Hunger fue mixta. Algunos críticos la consideraron el punto culminante de una temporada aburrida, mientras que otros denigraron la inmadurez percibida de McQueen como diseñador. Algunos repitieron acusaciones de que el trabajo de McQueen era misógino. El análisis retrospectivo se ha centrado en la inspiración cinematográfica detrás de la colección y la imaginería gótica del corsé de gusano. Muchas de las personas que trabajaron en The Hunger con McQueen se convertirían en colaboradores de larga data. Las prendas de The Hunger aparecieron en ambas representaciones de la exposición retrospectiva Alexander McQueen: Savage Beauty .
El diseñador de moda británico Alexander McQueen era conocido por sus diseños imaginativos, a veces controvertidos, y sus dramáticos desfiles de moda . [6] [7] Durante sus casi veinte años de carrera, exploró una amplia gama de ideas y temas, incluidos el historicismo , el romanticismo , la feminidad, la sexualidad y la muerte. [8] [6] [7] Comenzó como aprendiz en Savile Row , ganándose la reputación de sastre experto. [9] [10] [11] En octubre de 1990, a la edad de 21 años, McQueen comenzó el curso de nivel de maestría en diseño de moda en Central Saint Martins (CSM), una escuela de arte de Londres. [12] [13] McQueen conoció a varios de sus futuros colaboradores en CSM, incluido el impresor Simon Ungless y Sebastian Pons. [14] [15] También cultivó un interés en superar a su colega diseñador británico John Galliano , cuyo trabajo era conocido por ser creativo y teatral. [16] [17] [18]
McQueen se graduó con su maestría en 1992. Su colección de grado, Jack the Ripper Stalks His Victims , fue comprada en su totalidad por la editora de revistas Isabella Blow , quien se convirtió en su mentora y su musa . [19] [20] La reputación de McQueen por sus impactantes desfiles comenzó temprano; la ropa sexualizada y el estilo agresivo en su primer desfile profesional, Nihilism (primavera/verano de 1994), fue descrito por The Independent como un "espectáculo de terror". [21] La continuación, Banshee (otoño/invierno de 1994), presentó a una modelo que pretendía poner un dedo en su vagina en la pasarela. [22] La sexta colección de McQueen, Highland Rape (otoño/invierno de 1995), provocó acusaciones de misoginia. La controversia resultante se considera el punto de lanzamiento de la fama de McQueen y se le atribuye el mérito de conducir a su nombramiento como diseñador jefe de la casa de moda de lujo francesa Givenchy . [23] [24] [25]
Al principio de su carrera, McQueen no contaba con ningún respaldo financiero, por lo que sus primeras colecciones se crearon con presupuestos mínimos. Compraba cualquier tela barata o retazos de tela que estuvieran disponibles. [26] Los colaboradores a menudo trabajaban por un salario mínimo o recibían el pago en prendas de vestir. Algunos aceptaron trabajar gratis porque estaban interesados en trabajar con McQueen y sabían que de todos modos no podía pagarles, mientras que otros a quienes se les había prometido una compensación simplemente nunca recibieron el pago. [27] [28]
Tras el éxito de The Birds (primavera/verano de 1995), McQueen había conseguido financiación de Eo Bocci, un fabricante de moda italiano. Bocci consiguió un acuerdo de distribución con Bus Stop, una filial de la firma japonesa de ropa Onward Kashiyama. [23] [28] [29] El contrato con Bus Stop exigía la inclusión de ropa masculina, una novedad en la carrera de McQueen. [28] [30] La producción de la colección estuvo a cargo del fabricante milanés MA Commerciale. [31] Fleet Bigwood, profesor de CSM, contribuyó al diseño de las telas. [32] [33]
A pesar del respaldo financiero, McQueen seguía operando bajo restricciones financieras. [23] [28] [29] Al igual que con colecciones anteriores, la mayoría de los colaboradores de McQueen en The Hunger trabajaron por poco o ningún salario, creyendo que la exposición y la oportunidad de trabajar con McQueen era valiosa en sí misma. [28] [34] Simon Ungless aceptó un honorario bajo de £ 500 para diseñar estampados. [34] Pons, consciente de que McQueen vivía en la pobreza, "nunca le pidió dinero", bajo el supuesto de que "iba a dar sus frutos a largo plazo". [28]
The Hunger es la séptima colección de McQueen para su casa de moda homónima , para la temporada primavera/verano de 1996. Se inspiró en las películas de terror erótico The Hunger (1983), que presentaba un triángulo amoroso entre dos vampiros y un médico humano, y Cat People (1982), en la que una joven descubre que es una seductora mujer gato . [30] [35] Como era típico de McQueen, la colección se centró en una sastrería elegante, materiales experimentales y piel expuesta estratégicamente. [36] [37] [38] Antes del desfile, declaró que su intención era producir "ropa usable" que equilibrara la expresión artística con las preocupaciones comerciales. [39] Le dijo a su amigo y colaborador Pons que "quería romper algunas reglas y hacer algo un poco impactante". [40]
La paleta de colores de la colección era principalmente rojo, blanco y negro. [38] McQueen hizo uso de materiales naturales como cuero y plumas, e incorporó estampados con temas de la naturaleza con diseños de manchas de leopardo, espinas y plumas. [5] [28] [30] También hizo que la consultora textil Kim Hassler produjera un suéter hecho con la piel del perro de su madre. [41] La sexualidad estaba al frente y al centro. Una de las camisas de hombre presentaba un diseño estilo grafiti que hacía referencia al acto sexual del fisting . [36] Muchas prendas presentaban cortes y cortes extremos, exponiendo el forro o la carne desnuda del modelo. Tanto la ropa de hombre como la de mujer tenían cortes que dejaban al descubierto los senos y los muslos. [38] Dependiendo de la ubicación, los cortes evocaban visualmente la vulva o la autolesión al cortarse, algo que McQueen a veces hacía. [30] [42] [43] Los pantalones de corte bajo por los que McQueen se había hecho famoso aparecieron tanto en ropa de hombre como de mujer. [36] [44] El resto de la ropa de hombre se componía principalmente de camisas de vestir abotonadas de manga corta , pantalones de frente plano y chaquetas de cuero . [36]
Algunos elementos apuntaban a su colección de graduación, Jack the Ripper Stalks His Victims , incluidos collares puntiagudos, manchas de sangre, adornos que imitaban la carne humana y huellas de espinas. [30] [45] [46] En The Hunger , el motivo visual de la sangre derramada evocaba el folclore sobre vampiros que bebían e intercambiaban sangre. [45] La pieza más significativa de la colección es un corsé moldeado creado a partir de dos capas de plástico translúcido que encierran gusanos reales, yuxtaponiendo la sexualidad con imágenes que sugieren decadencia. [30] [47] Las capas fueron premoldeadas en un modelo de ajuste , y McQueen ensambló el corsé con gusanos frescos y vivos dos horas antes del desfile. [43]
El desfile de The Hunger se realizó el 23 de octubre de 1995 durante la Semana de la Moda de Londres . [31] [33] A McQueen se le asignó el codiciado lugar de la final debido a su desfile anterior, Highland Rape . [33] [48] El lugar fue una carpa en el East Lawn del Museo de Historia Natural de Londres . [30] [33] Para ese momento, McQueen se había convertido en un atractivo tan fuerte que algunas personas intentaron ingresar a sus desfiles con invitaciones fotocopiadas. [49] Se informó que la asistencia a The Hunger aumentó un 30% en comparación con la temporada anterior. [38] A pesar del apoyo financiero de Bocci, el presupuesto para el desfile fue, según se informa, de solo £ 600. [50] En respuesta a las críticas de Highland Rape , McQueen desinvitó a varios periodistas de moda a The Hunger y relegó al menos a otro a un asiento indeseable en la tercera fila. [41] La madre de McQueen y su tía Renee tenían asientos en primera fila. [51]
McQueen solía trabajar con amigos y conocidos, y The Hunger no fue la excepción. La cantante islandesa Björk , que en ese entonces estaba saliendo con Goldie , la amiga música de McQueen , produjo la banda sonora del programa. [29] [30] [52] Goldie fue reclutada para desfilar en el desfile, junto con otras personas del círculo social de McQueen: Susanne Oberbeck de la banda pop No Bra , Jimmy Pursey de la banda punk Sham 69 y la periodista Alix Sharkey. [29] [31] [41] El sombrerero Philip Treacy , otro de los protegidos de Blow, proporcionó los tocados; fue la primera de muchas colaboraciones. [53] Muchos otros miembros del personal habían trabajado con McQueen en desfiles anteriores. Eugene Souleiman y Val Garland volvieron a peinar y maquillar a las modelos, respectivamente. [41] El desfile de pasarela de The Hunger estuvo dedicado a la amiga de McQueen, Katy England, que en ese momento se desempeñaba como su directora creativa . [30] Sam Gainsbury, quien se había desempeñado como director de casting de The Birds , produjo el programa. [30] [54]
El joyero Shaun Leane , que había trabajado en Highland Rape , creó accesorios para el desfile de The Hunger . [b] [30] [55] Las joyas de plata que hizo tenían la intención de evocar la animalidad y el hambre; Leane recordó más tarde que McQueen le había ordenado que "creara algo que de alguna manera creara un poco de distinción entre todas las chicas". [5] Leane creó dos diseños principales para The Hunger . El pendiente "Tusk" era una curva larga y delgada de plata que se usaba individualmente en lugar de en pares. Leane llamó al segundo diseño principal "stag piece", un anillo de plata espinoso que rodeaba las caderas. [5] [30] [55]
Son las cosas feas las que noto más, porque otras personas tienden a ignorarlas.
McQueen, en una entrevista con The Face , noviembre de 1996 [2]
La pasarela de The Hunger era blanca, sin escenografía. [41] La periodista Dana Thomas describió la banda sonora como "música de club palpitante puntuada con aullidos de mono". [41] El maquillaje era felino, con cejas dibujadas hasta la frente en cortes exagerados, y el cabello estaba hecho al estilo de los años 80: salmonetes y cortes de pelo mohicanos . [c] [41] [58] [59] Al igual que en los desfiles anteriores de McQueen, el estilo de las modelos era explícitamente sexual; los atuendos se cortaban para exponer la ropa interior o los senos. [60] [59] Se animó a las modelos una vez más a mostrar actitud en la pasarela: muchas hicieron gestos obscenos hacia el público , como el dedo o la señal de la V. [31] [61] [62] Otras mostraron sus pechos debajo de chaquetas que llevaban sin camisa. [41]
El Hambre comprendía 95 looks, 28 de los cuales eran de ropa de hombre, mezclados con ropa de mujer. [30] [41] [63] Las chaquetas y pantalones a medida dominaron la primera mitad, mientras que la segunda mitad se centró en vestidos y faldas más suaves. [41] Stella Tennant llevaba el Look 22, un vestido blanco con un estampado de leopardo en la mitad inferior. [41] Los looks 32 y 50, un vestido midi y un conjunto de dos piezas, estaban hechos de malla plateada y combinados con cubiertas faciales completas creadas por Treacy que se parecían a máscaras de esgrima . [41] [63] [64] El Look 35, un vestido blanco midi, tenía una sección media impresa toscamente en negro, con su abertura sobre la capa desde los senos hasta el ombligo; el efecto general se ha comparado con la vulva. [3] [42] El corsé de gusano apareció como Look 64, combinado con una chaqueta gris entallada y una falda de seda roja, con una pieza de cadera plateada de Shaun Leane usada sobre la falda. [a] [4] [63]
Al final del desfile, McQueen mostró su trasero al público, lo que luego explicó como un gesto de frustración por las altas expectativas y el limitado apoyo que le dieron el British Fashion Council y la prensa. [31]
El desfile de The Hunger no fue bien recibido por el personal de la industria, especialmente en comparación con el éxito de Highland Rape , que había hecho famoso a McQueen como diseñador. [65] [66] Richard Benson, ex editor de la revista The Face, recordó que la audiencia no se impresionó: "Recuerdo claramente las luces encendiéndose al final [...] y ver a los editores de moda sacudiendo la cabeza y chasqueando la lengua en señal de desaprobación". [49] Pocas personas fueron al backstage para ver a McQueen, quien estaba angustiado por la reacción y asumió que su carrera en la moda había terminado. [31] La editora de moda Suzy Menkes fue al backstage para asegurarle que no era así. [31] Las cifras de ventas lo confirmaron. Al día siguiente, Women's Wear Daily ( WWD ) informaba que "McQueen afirmó haber recibido ya pedidos por valor de 1,1 millones de dólares estadounidenses " (aproximadamente 700 000 libras esterlinas ). [39] En su biografía de McQueen de 2015, Gods and Kings , la periodista Dana Thomas informa que los pedidos minoristas totalizaron £400.000 (aproximadamente $630.000). [67]
El autor Andrew Wilson resumió la recepción contemporánea de la colección como "lejos de ser amable". [31] Muchos periodistas estaban divididos entre elogios personales para McQueen y decepción por los resultados. [68] [69] [70] Colin McDowell en The Sunday Times elogió el "ingenio y la conciencia" de McQueen, diciendo que entendía la rebeldía de la "nueva feminidad", pero sintió que la ropa real era un "lío mal pensado" y dijo que McQueen necesitaría más tiempo para desarrollar su visión en realidad. [68] Iain R. Webb de The Times estaba igualmente dividido; pensó que McQueen era "extremadamente inteligente" y poseía "habilidades de corte únicas", pero estaba demasiado inmerso en su personaje de "joven enojado". [69] Sally Brampton en The Guardian sintió que la sastrería en The Hunger fue una mejora con respecto a las dos temporadas anteriores de McQueen, pero escribió que todavía necesitaba "frenar algunas de sus rabietas más infantiles" para ser realmente genial. [70] En The Daily Telegraph , Hilary Alexander calificó la sastrería de McQueen como "tan precisa como vanguardista". Se quejó de la cantidad de modelos con la piel al descubierto que se mostraron y dijo que McQueen "no debería haberse molestado" en mostrarle el trasero a la audiencia, llamándolo un "chico pálido y ligeramente rechoncho". [71] [72]
A pesar de su decepción, algunos críticos sintieron que The Hunger fue un punto brillante en una Semana de la Moda de Londres decepcionante. [39] [70] Tanto WWD como Amy Spindler de The New York Times sintieron que McQueen era uno de los pocos diseñadores que había mostrado colecciones interesantes. [39] [73] Brampton calificó el resto de los desfiles de "sombríos" en comparación con los de McQueen. [70] McDowell criticó la temporada por falta de creatividad, sosteniendo a McQueen como "encabezando la originalidad del pensamiento" que sentía que la moda británica necesitaba. [68] En una reseña del Sunday Telegraph de los diseños de la temporada, Alexander fue ampliamente crítico, preguntando si alguno de los jóvenes diseñadores, incluido McQueen, realmente estaba produciendo moda. [71] Webb sintió que todos los diseñadores se estaban esforzando demasiado y deseaba que The Hunger "no doliera tanto de ver". [69]
Los críticos elogiaron algunos aspectos del desfile, sobre todo los retrocesos de la colección a la moda punk de los años 1980: el pelo peinado en picos o cortes de pelo mohicanos , los pechos desnudos en las mujeres y los pendientes usados como individuales en lugar de en pares. [c] [58] [74] Jane de Teliga en The Sydney Morning Herald señaló que el resurgimiento del punk parecía haberse "convertido ahora en una tradición en los desfiles ingleses". [74] Luella Bartley del Evening Standard llamó a la colección "punk neotérico que parecía afilado como una navaja en lugar de Johnny Rotten ". [58] Escribiendo en el International Herald Tribune , Menkes destacó el uso modernista del encaje de McQueen, "laminado con pintura de coche o cortado en patrones corporales abstractos". [75] Spindler sintió que McQueen se había basado en su sastrería de Savile Row para producir "la ropa más perversa y fetichista de cualquier pasarela". [73] Algunos sintieron que la colección mostraba el crecimiento personal de McQueen. La periodista del Evening Standard Alison Veness y el personal de WWD encontraron que la colección era más madura que Highland Rape . [39] [44] Veness sintió que un McQueen más joven habría cubierto los diseños con sangre para demostrar su punto, pero en The Hunger , solo había "insinuado algo desagradable", demostrando una nueva moderación. [44] El redactor del Vancouver Sun sugirió que McQueen estaba "poniéndose en la piel de John Galliano ". [76]
No existe un consenso retrospectivo claro sobre The Hunger . En su biografía de McQueen, Judith Watt la llamó la primera colección comercialmente viable de McQueen, pero sintió que no logró equilibrar las preocupaciones artísticas y comerciales, lo que la convirtió en uno de sus esfuerzos más débiles. [62] En Gods and Kings , Thomas la describió como la colección "más comercial y lograda" de la carrera de McQueen hasta ese momento, pero argumenta que los medios estaban "cansándose de las payasadas de chico malo de McQueen". [67]
En su libro Vogue On: Alexander McQueen , Chloe Fox conectó The Hunger con la colección Dante (otoño/invierno de 1996) de McQueen. Ella los vio como ejemplos del tipo de "mundos visuales fantásticos y siniestros", llenos de sexualidad y muerte, que McQueen creó en su carrera temprana. [49] Rebecca Arnold, al analizar la interacción de la sexualidad y la brutalidad en la moda para Fashion Theory , destacó el trabajo temprano de McQueen como un ejemplo de esta estética. De The Hunger , sintió que las modelos en sus corpiños moldeados "parecían vampirescas y despreciaban la atención que atraían". Ella llamó a esta estética brutal una "forma de resistencia" a la dependencia de la moda dominante en imágenes poco realistas de personas saludables y hermosas. [77]
El historiador de moda Alistair O'Neill analizó The Hunger en un ensayo que analizaba la dependencia de McQueen del cine como fuente de inspiración. En su opinión, The Hunger mostraba la capacidad de McQueen para trasladar tropos y temas del cine a la moda, sirviendo como "parte comentario, parte intervención". [45] McQueen se inspiró en otra película de vampiros , Drácula de Bram Stoker (1992), para su colección de ropa masculina Otoño/Invierno 2006 sin título. [78]
El estilo violento y sexualizado que McQueen utilizó al principio de su carrera a menudo dio lugar a que la prensa lo acusara de misoginia , y The Hunger no fue una excepción. [83] McQueen se opuso constantemente a esta caracterización. [24] [79] En una entrevista de abril de 1995 después de Highland Rape , había dicho que diseñaba teniendo en mente a sus amigas lesbianas y que no intentaba atraer a la mayoría de las mujeres heterosexuales. [61] En respuesta a las acusaciones de la prensa de que los diseños de The Hunger eran misóginos, McQueen refutó que la mayoría de las modelos femeninas que desfilaron en el desfile eran lesbianas. [61]
Se ha prestado mucha atención analítica al corsé de gusano y a la forma en que yuxtapone lo deseable con lo indeseable. La teórica de la moda Caroline Evans lo analizó como un ejemplo de cómo las modelos de pasarela de McQueen estaban "blindadas a través del glamour". [84] En la pasarela, el corsé se combinó con una chaqueta entallada cuyos hombros y solapas estaban "retraídos como una incisión quirúrgica" para revelar el torso desnudo de la modelo debajo. [84] Evans encontró un parecido visual con los transi , o monumentos cadavéricos, una forma de efigie de tumba que representa un cadáver en descomposición, pero argumentó que la "vitalidad agresiva [...] de la modelo afirma el derecho de los vivos a apoderarse de la iconografía de los muertos", lo que para ella "sugiere un desafío robusto". [1] Cita a Peter Stallybrass y Allon White para argumentar que la imagen del corsé con forma de gusano en la modelo produce "una imagen en la que 'el asco ... lleva la impronta del deseo ' ". [1] De manera similar, la autora Ana Finel Honigman escribió que el corsé convertía "el shock en seducción". [85]
En un análisis de las tendencias góticas de McQueen , Catherine Spooner señaló el corsé de gusanos como una de sus "prendas más inherentemente góticas". [86] Para ella, los gusanos hacían referencia a temas góticos de muerte, decadencia y, con "su similitud con las sanguijuelas, los vampiros con los que se asociaba la colección". [86] Ella vio el conjunto a través de la lente de lo "abyecto", desarrollado por la crítica cultural Julia Kristeva : la repulsión experimentada durante los encuentros con cualquier cosa que "no respete fronteras, posiciones, reglas". [86] Spooner sintió que el corsé jugaba con los límites corporales al enmarcar a los gusanos tanto dentro como fuera del cuerpo. Además, la chaqueta entallada y el corsé estructurado contrastan con la colocación aleatoria de los gusanos, yuxtaponiendo "la estructura contrarrestada con el caos, [y] la belleza con el horror". [86] El sociólogo Henrique Grimaldi Figueredo hace referencia a Spooner en su análisis de los desfiles de McQueen, coincidiendo en que el corsé de gusano ejemplificaba lo abyecto como una "alusión al abatimiento de los cuerpos". [87]
Muchas de las personas que empezaron a trabajar con McQueen en The Hunger se convirtieron en colaboradores habituales. Sam Gainsbury pasó a producir todos los desfiles de McQueen con su compañera Anna Whiting. [30] Pons empezó a trabajar para McQueen en Givenchy tras graduarse en CSM en 1997, y después pasó a la propia marca de McQueen, donde trabajó hasta el año 2000. [15] Tanto Sean Leane como Philip Treacy trabajaron regularmente con McQueen hasta su muerte en 2010. [88] [89] Para la colección otoño/invierno 2006 de McQueen , The Widows of Culloden , Leane y Treacy colaboraron en un tocado con joyas adornado con alas de pájaro. [90] [91] El diseño de pendientes Tusk que Leane creó para The Hunger se convirtió en una firma de marca para su casa de joyería. [88] Durante el período en el que sus carreras se superpusieron, los periodistas de moda continuaron comparando a McQueen y Galliano, a veces refiriéndose a ellos como rivales. [92] [93] [94]
Después del show, McQueen le admitió a Ungless que nunca tuvo el dinero para pagarle, pero le dio un certificado de regalo de £1000 para la boutique londinense Browns . [34] Cuando Ungless intentó usar el certificado, el personal le informó que era robado. Ungless, enojado por el engaño, les dijo que McQueen se lo había dado. McQueen sintió que Ungless había dañado su reputación al hacerlo y estaba furioso. Los dos se reconciliaron; Ungless le dijo a Wilson que "comenzaron a reírse de eso" después. [95]
McQueen volvió a los conceptos desarrollados para The Hunger a lo largo de su carrera. El corpiño moldeado reapareció en muchas colecciones para su propia marca y para Givenchy. [96] Para la temporada de alta costura de Givenchy primavera/verano de 1998, mostró un corpiño transparente lleno de mariposas, que Caroline Evans comparó con el corsé de gusano de The Hunger . [97] Según Kristin Knox, la máscara de esgrima que cubría todo el rostro que se mostró en el look 32 "llegó a ser considerada como una de sus marcas registradas" después de que aparecieran estilos similares en colecciones posteriores. [63] [64] La colaboradora de McQueen , Sarah Burton , quien se convirtió en directora creativa de la marca después de su muerte, hizo referencia al pecho con cortes verticales del look 35 en su colección final para la marca, para la primavera/verano de 2024. Abrió el desfile con un vestido negro corto con corsé, el corte del pecho sin adornos. El corte apareció nuevamente en el look 37, adornado con bordados dorados. En su reseña para Vogue , Sarah Mower comparó esta versión con un artefacto religioso y la llamó "casi una celebración sagrada del máximo poder creativo del cuerpo femenino". [98]
El corsé de gusano y un pendiente de Tusk de Shaun Leane aparecieron en ambas representaciones de la exposición retrospectiva Alexander McQueen: Savage Beauty , en el Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York en 2011 y en el Museo Victoria y Alberto de Londres en 2015. [99] El Look 58, un vestido transparente con plumas, se agregó para la segunda puesta en escena, que incluyó 66 artículos que no aparecieron en el original. [63] [100] La Galería Nacional de Victoria (NGV) en Australia posee el Look 50, la parte superior de máscara de esgrima de malla con corsés plateados. [101] [102]
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