El jardinero , también conocido como Retrato de un joven campesino o Campesino provenzal , es unapintura al óleo sobre lienzo de Vincent van Gogh , fechada en septiembre de 1889 y conservada en la Galería Nacional de Arte Moderno , en Roma . [2]
El cuadro, considerado el más importante del pintor holandés entre los que se encuentran en colecciones públicas italianas, es una obra maestra del periodo provenzal de Van Gogh [3] y muestra algunos de los temas fundamentales de su pintura, como el uso del retrato , la relación con la naturaleza y la combinación de colores primarios y complementarios .
Van Gogh, de forma inusual, no menciona El jardinero en ninguna de sus cartas [4] y por ello no le da ningún título. [5] En cualquier caso, el lienzo siempre ha pertenecido al catálogo razonado de las obras de Van Gogh. Apareció por primera vez en el catálogo elaborado en 1928 —revisado en 1970— por Jacob-Baart de la Faille, titulado «La obra de Vincent Van Gogh», que numeró el cuadro como 531. Después fue incluido en el catálogo «El van Gogh completo» (1980) de Jan Hulsker, que dio a El jardinero el número 1779. Para diferenciar entre ambos sistemas de catalogación , los críticos asocian las iniciales de los autores de los catálogos a los números de los distintos cuadros. Así pues, El jardinero es, respectivamente, F531 y JH1779, dependiendo del sistema de catalogación al que se haga referencia. [2] [6] En la colección de la Galería Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo de Roma, el lienzo está catalogado con el número de inventario 8638. [4]
Aunque la obra suele conocerse con el título de El jardinero , en realidad se trata de un título bastante reciente, que no expresa plenamente el tema ni el mensaje de la obra. [4] Se trata de un título probablemente inspirado en el fondo del cuadro que, más que recordar un campo cultivado, se asemeja a un jardín. En cambio, otras hipótesis sostienen que el título deriva de la posibilidad de que se trate del retrato del jardinero del hospital psiquiátrico de Saint Rémy , donde Vincent van Gogh estuvo internado entre abril de 1889 y mayo de 1890. [7] [8]
El amigo de Van Gogh , Émile Bernard , en sus cartas escritas en 1911, le dio el título de Paysan provençal ( en español : campesino provenzal ), [4] mientras que en la primera exposición de los impresionistas , organizada en el Liceo de Florencia en 1910, fue presentada como Cabeza de campesino . [3] De manera más general, en la catalogación de las obras de Van Gogh se la identifica como Campesino o como Retrato de un joven campesino , [2] [4] mientras que en la colección del museo romano ha prevalecido el título de El jardinero (campesino provenzal) . [4]
Van Gogh pintó el lienzo en septiembre de 1889 mientras residía en el hospital de Saint Rémy . [2] La datación del mes de ejecución es aproximada —aunque hoy casi todos los críticos la aceptan como válida— porque Van Gogh no menciona la obra en las numerosas cartas que escribió a su hermano Theo y amigos. [5]
En un primer momento, de hecho, se consideró que formaba parte del conjunto de obras que Van Gogh pintó en Arlés , un periodo comprendido entre febrero de 1888 y marzo de 1889. Posteriormente, se creyó que se trataba de una obra del periodo pasado en Saint Rémy (abril de 1889 – abril de 1890). Finalmente, los estudios de Hulsker situaron la obra en septiembre de 1889, periodo en el que el pintor estaba siendo tratado en el hospital Saint Paul de Mausole de Saint Rémy, vinculándola con el fuerte interés del pintor por los retratos durante ese periodo. [3] A principios de septiembre, Van Gogh, tras una grave crisis nerviosa y un periodo de inactividad, volvió a pintar con gran compromiso [4] y escribió a su hermano Theo : [9]
Mi deseo de hacer retratos estos días es terriblemente fuerte.
Tras la muerte del pintor, la obra entró en el mercado de coleccionistas hasta llegar a la galería parisina de Paul Rosemberg , donde fue comprada en 1910 por Gustavo Sforni, intelectual y pintor macchiaioli que a principios del siglo XX trajo a Florencia, ciudad en la que vivía, varias obras de arte de la pintura moderna: entre ellas estaban el Retrato de Monsieur Chocquet (1889) [10] de Paul Cézanne , dos óleos de Maurice Utrillo y un pastel de Edgar Degas . [1] Tras su llegada a Italia , El jardinero fue cedido para la exposición italiana dedicada a los impresionistas organizada por el escritor y pintor Ardengo Soffici entre abril y mayo de 1910 en las salas del Club Liceo de Florencia. [11] La exposición llevaba el nombre de « Prima mostra italiana dell'impressionismo ». [11] El lienzo, expuesto bajo el número 71, [1] se presentó junto a obras de Paul Cézanne, Edgar Degas, Jean-Louis Forain , Paul Gauguin , Henri Matisse , Claude Monet , Camille Pissarro , Pierre-Auguste Renoir , Henri de Toulouse-Lautrec y dieciocho esculturas de Medardo Rosso . [12] [11] Ese mismo año, Soffici dio una opinión no muy positiva sobre El jardinero , ya que en la obra de Van Gogh observó una ruptura con las enseñanzas de Cézanne, artista al que tenía en alta estima: [1]
Virtudes no le faltan... (pero cuando aflora, falla). Razón por la cual quizá la madurez de los años le hubiera llevado a una comprensión más sencilla de la naturaleza... en lugar de una naturaleza sincera de artista, una voluntad retorcida, en pugna con una materia rebelde e invicta.
Tras la exposición temporal, la obra volvió a manos de su propietario, Sforni. Este último, tras las críticas a la exposición de Florencia, pensó que sus contemporáneos criticarían la obra si la exponía en Italia, por lo que la guardó celosamente en su propia casa, permitiendo que la vieran únicamente sus amigos e intelectuales que, como él, estaban atentos a las nuevas tendencias extranjeras y a las innovaciones de los impresionistas y postimpresionistas . [3] [1]
Tras la muerte del coleccionista en 1940, su tío abogado Giovanni Verusio heredó el cuadro junto con toda su colección en la que, además de los autores franceses citados, figuraban las obras de Fattori —más de cuarenta en total, entre óleos y dibujos—, Signorini y Severini . [13] Aunque Van Gogh aún no había alcanzado la popularidad que le reportó el mercado del arte en los años 1980, el cuadro ya era reconocido como la pieza más preciada y valiosa de esa colección, de modo que durante el final de la Segunda Guerra Mundial Verusio, que se había refugiado en una masía de la campiña toscana , lo escondió en una caja de madera bajo la paja de un invernadero de limoneros en Pian dei Giullari para protegerlo del saqueo de los soldados alemanes. [13]
Después de la guerra, en 1945, fue expuesta en el Palacio Pitti , en la exposición de pintura francesa organizada por Berenson titulada « La peinture française à Florence ». [3] También fue exhibida en 1952, en la exposición retrospectiva organizada por Lamberto Vitali en el Palacio Real de Milán con el título «Vincent Van Gogh». [3] La obra comenzó a ganar importancia en el territorio nacional y en 1954 el Estado italiano declaró el cuadro obra de interés histórico y artístico.
En 1966, la esposa del abogado, Sandra Verusio, logró poner a salvo el lienzo durante la inundación de Florencia llevándolo a Roma. [13] Allí, el lienzo permaneció en el comedor de la casa durante unos diez años, aunque a menudo fue reemplazado por una copia. La posesión del cuadro permitió a la familia entrar en los salones de la alta sociedad e interactuar con las grandes personalidades de su tiempo gracias a las numerosas solicitudes que recibió el matrimonio Verusio para poder admirar el Van Gogh. Por allí pasaron figuras del mundo artístico como Renato Guttuso y el crítico de arte Giuliano Briganti , así como otras personalidades importantes de diferentes ámbitos: por ejemplo, el abogado Agnelli vino a la casa de la familia Verusio en varias ocasiones para admirar el lienzo. [14] [15] La fama del cuadro, sin embargo, inevitablemente condujo a varios intentos de robo. La señora Verusio, hablando de los ladrones, dijo en 1998 durante una entrevista: [13]
Han venido cinco veces a llevárselo, pero nunca lo han conseguido. Se han conformado con pieles y plata. Sin embargo, aquel cuadro se había convertido en un problema. Durante las vacaciones lo llevaba al banco con el Cinquecento , acompañado únicamente por un viejo criado. ¡Qué temeridad!
Cansado de esta situación, el abogado Verusio decidió vender el lienzo, que fue adquirido en 1977 por la cifra de 600 millones de liras , muy por debajo del precio del cuadro en la época, que se estimó en al menos 1.200 millones. Fue comprado por el galerista romano Silvestro Pierangeli, [13] ya que el Estado italiano en ese momento no ejerció su derecho de tanteo. [16] Lo que realmente ocurrió es que Pietrangeli actuó como intermediario de un comprador anónimo, que, como se descubrió en 1983, era el galerista suizo Ernst Beyeler . [16] El Estado italiano se movilizó solo en 1988, en pleno auge del mercado del coleccionismo impresionista , cuando Beyeler anunció que iba a vender la obra al Museo Guggenheim de Venecia por la suma de catorce mil millones de liras. En esa operación quedó demostrado que durante la primera negociación, Beyeler no resultó ser el verdadero comprador, ya que en el acta de venta el nombre registrado era el de Pierangeli. [17]
Así, en 1989 el Estado italiano exigió ejercer su derecho de tanteo y recompró el cuadro, reembolsando a Beyeler la misma cantidad que había pagado en 1977: 600 millones de liras. Beyeler consideró que la cifra estaba demasiado por debajo del precio de mercado —si el Estado no hubiera recomprado el cuadro, el Museo Guggenheim le habría pagado 25 veces más— y demandó al Estado italiano. Tras perder todos los procesos iniciados en Italia , recurrió al Tribunal Europeo de Derechos Humanos en Estrasburgo . [18] Mientras tanto, en 1995, el cuadro fue trasladado a Roma y a la Galería Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo , donde se colocó junto al otro cuadro de Van Gogh propiedad de la Galería, L'arlésienne (Madame Ginoux) . [19]
En 2000, el tribunal europeo dictó sentencia por primera vez: afirmó que el Estado italiano tenía un derecho de preferencia, pero consideró que había ejercido su derecho demasiado tarde y había pagado un precio demasiado bajo, de modo que había disfrutado de un «enriquecimiento injustificado». [18] El proceso sobre quién debía ser el verdadero propietario de la obra terminó en mayo de 2002, después de más de un cuarto de siglo, cuando los jueces de Estrasburgo reconocieron al Estado italiano su legítima posesión y propiedad de la obra. En consecuencia, El jardinero entró oficialmente y de iure en la colección del museo romano. Los jueces concedieron a Beyeler una indemnización de un millón trescientos mil euros más cincuenta y cinco mil euros de reembolso de los costes del proceso. [17] Giuliano Urbani, el entonces ministro de Bienes Culturales, expresó su gran satisfacción con respecto a la sentencia: [16]
La sentencia de los jueces del Tribunal Europeo de Derechos Humanos de Estrasburgo, que rechaza la petición de restitución del famoso lienzo al galerista Beyeler, ha cerrado definitivamente un episodio judicial que se venía desarrollando desde hacía años. El jardinero de Van Gogh , como ya había demostrado el robo de la Galería Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo de Roma en mayo de 1998, permanece en Italia y servirá para enriquecer el ya rico patrimonio cultural estatal; una demostración de que, una vez más, la prioridad del Ministerio de Bienes y Actividades Culturales es proteger y mantener la integridad de nuestro patrimonio artístico.
Entre la noche del 19 y el 20 de mayo de 1998, el cuadro se ganó un espacio en todas las portadas de los periódicos por ser objeto de un robo en la Galería Nacional de Arte Moderno de Roma. Además de El jardinero , los ladrones se llevaron L'arlésienne (Madame Ginoux) , también pintada por Van Gogh en 1890, y Le Cabanon de Jourdan , obra de Paul Cézanne (1906). [20] El robo fue perpetrado por tres ladrones armados, descalzos y con pasamontañas que esperaron en el interior del recinto hasta el cierre del museo. [20]
Los ladrones ataron, amordazaron y amenazaron a punta de pistola a los guardias. El camarero del museo se percató de que la entrada seguía abierta, por lo que alertó a los carabineros , quienes acudieron y liberaron a los guardias. [20] El robo tuvo una fuerte repercusión mediática por la fama de Van Gogh y Cézanne y el valor estimado de las obras; de tal manera que fue comparado con robos precedentes como el de la Natividad de Caravaggio , robado en 1969 del Oratorio de San Lorenzo de Palermo, y el Retrato de una dama de Gustav Klimt , robado el año anterior de la Pinacoteca Ricci Oddi de Piacenza [21] y recuperado en 2019. [22]
A diferencia del robo de Palermo, que no se ha recuperado hasta 2022, los tres lienzos de Roma se recuperaron cuarenta y seis días después. La policía arrestó a ocho personas por el robo. [21] El líder italo-belga de la banda de ladrones, Eneo Ximenes, comentó al ser arrestado: [21]
Felicidades, hiciste un buen trabajo, estoy jodido.
En el período que transcurrió entre el robo y la recuperación, los cuadros habían sido llevados a Turín para ser vendidos a un comprador. Este último se había echado atrás en el último momento a causa de la tensión mediática que había suscitado el suceso y no quiso comprarlo a pesar de un importante descuento sobre la venta ofrecido por los ladrones, que inicialmente habían negociado la operación con un precio que partía de quince a veinte mil millones de liras. [21] Francesco Pellegrino reconstruyó el robo de las obras de Van Gogh y Cézanne en el volumen Ore 22, furto in galleria , editado por Natyvi Contemporanea en 2013 y prologado por Walter Veltroni , que era ministro de Bienes Culturales en el momento del robo.
El cuadro puede considerarse una obra maestra del pintor holandés [1] y un ejemplo excepcional de sus retratos del periodo provenzal, [3] ocupando un lugar destacado entre las ciento cuarenta pinturas que produjo durante su estancia en el hospital de Saint Rémy . [23] Van Gogh lo pintó el año anterior a su muerte, ocurrida el 27 de julio de 1890, en el apogeo de su madurez artística. A ese mismo año —1889— pertenecen otras de sus obras maestras como La noche estrellada , Jarrón con lirios y sus Autorretratos . Por ello, presenta algunos elementos importantes de su estilo personal.
La obra se incluye en la serie de numerosos retratos que el pintor realizó de las personas que le rodeaban. Como él mismo comentó a su hermano en una carta fechada el 19 de septiembre de 1889: [24]
Siempre que tengo la oportunidad, trabajo en retratos que a veces creo que son la parte más seria y mejor del resto de mi trabajo.
En este caso, Van Gogh retoma el tema de los campesinos; un tema cargado de implicaciones evangélicas y simbólicas , [4] al que se enfrentó tanto en su temprana etapa artística en Neunen como en las diversas copias del tema en las obras de Millet . [25] A diferencia de los cuadros anteriores, donde se evidenciaba la vida rural y las duras condiciones de trabajo en el campo, el joven retrata aquí al hombre que vive en armonía con una naturaleza amable, [26] que empatiza con ella y con sus procesos inmutables de fertilidad y regeneración, de vida y muerte. [4] Las propias soluciones estilísticas y pictóricas que llevó a cabo en el retrato denotan esa sintonía, sobre todo en las líneas de la composición que hacen que el sujeto se funda con el paisaje; en la luminosidad del cuadro y en la combinación de colores. [4]
El joven, del que no se nos dice con precisión quién es, aparece de medio busto, en el centro del lienzo, como ocurría en otros muchos retratos que Van Gogh realizó ese año, como Retrato del doctor Rey o Retrato del vigilante jefe Trabuc . El pintor retrató al jardinero de frente, dividiendo el modo de representación en dos partes: rostro y busto. Concentró su atención en los detalles del rostro, que pintó minuciosamente con pequeñas pinceladas, representándolo de forma casi fotográfica. Con esta técnica diseñó las cejas arqueadas y densas, la barba ligeramente descuidada, la piel bronceada y los labios, que están delimitados por una línea roja. [2] La expresión, ligeramente sombría, se caracteriza por una mirada dirigida hacia abajo y, dada la pequeña divergencia de las pupilas, parece serena pero con cierto velo de melancolía. [4]
La barba y el sombrero enmarcan el rostro, que parece casi simétrico y está realizado con pequeñas pinceladas, primero en verde oliva y luego en negro. El sombrero —que además de esos colores incluye violeta y matices de rojo y marrón— está torcido de tal manera que crea una línea oblicua hacia el hombro izquierdo. El pintor diseñó el busto y los hombros de forma asimétrica, utilizando una técnica mucho más inmediata. El joven viste una camisa blanca con líneas verticales rojas y verdes, realizadas con una pincelada muy rápida y dinámica, con trazos largos y más anchos que los del rostro. Esta camisa está delimitada a la altura de los hombros por una línea oscura que traza el contorno del protagonista y se caracteriza por un flujo ondulado, propio de la calidad expresiva del estilo tardío de Van Gogh. [27]
Debajo de la camisa se encuentra una camisa de rayas horizontales amarillas y azules, también realizada con pinceladas rápidas y verticales y muy juntas. A pesar de los tonos más suaves y apagados en comparación con los que utilizó en el período de Arles, [7] el vestuario del campesino contiene una de las innovaciones más significativas del autor holandés: la combinación equilibrada de los colores complementarios [4] rojo y verde en la camisa y los primarios amarillo y azul en la camisa. [8] Esto se convirtió en uno de los elementos estilísticos más importantes de su carrera e influyó enormemente en nuevas generaciones de artistas como los fauvistas . [28] [29]
En este lienzo encontramos un paisaje bien definido que se extiende en la distancia; algo anómalo en la obra de Van Gogh, que retrataba a sus personajes con fondos monocromos, en interiores, o con fondos ricamente decorados, con efecto de papel pintado, como en los retratos del matrimonio Roulin. Otros retratos con ambientación al aire libre fueron Niño con naranja (1890), Joven campesina con sombrero de paja sentada frente a un campo de trigo (1890) y Niña de blanco (1890); pero en ninguno de ellos encontramos la profundidad escénica y la elaborada composición del fondo de El jardinero. Sin embargo, sí la encontramos en las dos copias del cuadro Dos muchachas (ambas de 1890), donde al fondo se pueden reconocer unas casas, y también en Retrato del doctor Gachet (1890), realizado con la técnica del aguafuerte y con una valla que limita un jardín con setos y una pequeña planta.
En el paisaje de fondo de El jardinero hay una pincelada meditada y detallada que transmite la sensación del entorno donde se encuentra el protagonista. A la izquierda se encuentra el verde luminoso de la pradera, realizado en pinceladas cortas, verticales y rítmicas; en colores como el blanco, amarillo, verde y azul, que, combinados, crean un juego de sombras proyectadas por las plantas del jardín. Un poco por encima del hombro, notamos que la pincelada se vuelve horizontal y aligera su tonalidad, creando una línea oblicua que sigue tanto la del hombro como la del sombrero, dando forma a un pequeño camino. A la derecha, en cambio, la pincelada es más sinuosa y caótica, lo que se justifica con la presencia de algunos arbustos. [30]
La época en la que pinta El jardinero se corresponde con los años en los que el paisaje y el sol de Provenza fascinaron a Van Gogh, momento en el que realizó la serie de los olivos y los cuadros dedicados a los cipreses y a los campos de cereales. [7] [31] En la última parte del cuadro, la vegetación de arbustos y plantas se funde con la pradera, dando la sensación de que la hierba se desarrolla al compás de las ramas de los árboles. La pincelada es intensa pero suavemente dibujada, curva y elegante, [30] retomando soluciones técnicas ya experimentadas en paisajes pintados al aire libre, [31] [32] para conseguir una idea de movimiento, [7] hasta terminar en la parte superior del cuadro, donde se hacen presentes el resto de las plantas y dos pequeños muros en la distancia.
El jardinero se encuentra en la Galería Nacional de Arte Moderno de Roma. [2] Aunque Van Gogh creó aproximadamente 871 pinturas [nota 1] y una gran cantidad de dibujos y bocetos, solo tres se encuentran en colecciones públicas italianas. Las otras dos son L'Arlésienne (Madame Ginoux) (1890), [33] que se conserva en Roma junto a El jardinero , y Mujeres bretonas (1888), que permanece en la Colección Grasi de la Galleria d'Arte Moderna . [34] [35] [nota 2]
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Hasta 2011, El jardinero estuvo en la Sala XIV, dedicada al impresionismo , sus inicios y su desarrollo, junto a obras de autores italianos menos famosos que habían ido a París para empaparse de la esencia de las nuevas corrientes artísticas europeas. Dada la importancia de la obra, la sala fue llamada a menudo "La sala del jardinero". [36] Allí, el lienzo se colocó junto a otras obras internacionales [nota 3] como Regreso de pesca (ca. 1900) de Hendrik Willem Mesdag ; Cazadores furtivos en la nieve (1867) de Gustave Courbet , que puede definirse como un avance a las tendencias impresionistas; Place Saint-Michelle et la Sainte Chapelle (1896) de Jean-François Raffaelli ; Nenúfares en rosa (1897-1899) de Claude Monet y la pintura al pastel de Edgar Degas Aprè le bain (ca. 1886); estos dos últimos verdaderos protagonistas del movimiento francés; el otro lienzo de Van Gogh, L'Arlésienne (Madame Ginoux) y el cuadro Le cabanon de Jourdan (1906) de Cézanne , protagonista del postimpresionismo .
En cuanto a los artistas italianos, estuvieron presentes las tres grandes obras de Giuseppe De Nittis dedicadas a Las carreras en el Bois de Boulogne de 1881; la obra Sueños de Vittorio Matteo Corcos ; el célebre Retrato de Giuseppe Verdi (1886) de Giovanni Boldini ; el retrato de El hijo Edward, con Egisto Fabbri y Alfredo Muller (1895) de Michele Gordigiani y dos esculturas de Medardo Rosso , una de ellas el Retrato de Henry Ruart (1889–1890), a quien los críticos consideran el único escultor verdaderamente impresionista . [37] [38]
El 21 de diciembre de 2011, el museo reabrió sus puertas al público con un nuevo itinerario expositivo. [39] Todas las obras que anteriormente estaban incluidas en la “Sala del jardinero”, a excepción de los dos Van Gogh, permanecieron en la Sala XIV, titulada “La cuestión impresionista”, donde se incluyeron más esculturas: dos de Edgar Degas y toda la colección dedicada a Medardo Rosso. Los Van Gogh, en cambio, fueron trasladados a la Sala XV, titulada “La utopía humanitaria”, y colocados en una pared suelta en el centro de la sala para que sean las primeras obras que los visitantes encuentren en su recorrido. [40]
Ambos lienzos se exponen junto a Il sole (1904) de Giuseppe Pellizza da Volpedo , Il mendicante (1902), I malati (1903) y La pazza (1905) de Giacomo Balla , Il viatico (1884) de Angelo Morbelli , Il viaggio della vita (1905) de John Quincy Adams , Retirando las redes (1896) de Joaquín Sorolla , After Tired Work (1910) de Döme Skuteczky, Contadino al lavoro (1908-1910) de Umberto Boccioni , The Meal (1910-1914) de Albin Egger Lienz , Los trabajadores (1905) de Costantino Meunier, Nosocomio (1895) de Silvio Rotta y Ritratto di Giovanni Cena (ca. 1909) de Felice Carena . [40]
Por tanto, El jardinero es una obra fundamental en el breve recorrido cronológico y artístico que el museo realiza en torno a la corriente impresionista , el arte plenairista y los estudios dedicados al color. [37] El jardinero es un vínculo con los artistas que dedicaron su arte y sus carreras a las innovaciones simbolistas y a la mezcla entre socialismo y positivismo , sin olvidar la marginación social, tema que Van Gogh siempre tocó en sus obras de forma muy sensible. [39]
De todos modos, a lo largo de los años, el cuadro El jardinero también ha sido objeto de diferentes préstamos para exposiciones temporales, llegando a ser exhibido tanto en otras ciudades italianas como Génova [41] y Siena , [42] como fuera de Italia, en ciudades como Viena [43] o Filadelfia . [44] Además, el cuadro ha formado parte de diferentes exposiciones temporales que mostraban pinturas recuperadas por el Arma dei Carabinieri tras algunos robos, celebradas en Roma en 1999 [45] y 2004. [41]