Cuatro momentos del día es una serie de cuatro pinturas al óleo del artista inglés William Hogarth . Fueron completadas en 1736 y en 1738 fueron reproducidas y publicadas como una serie de cuatro grabados . Son representaciones humorísticas de la vida en las calles de Londres, los caprichos de la moda y las interacciones entre ricos y pobres. A diferencia de muchas de las otras series de Hogarth, como El progreso de una ramera , El progreso de un libertino , Industria y ociosidad y Las cuatro etapas de la crueldad , no representa la historia de un individuo, sino que se centra en la sociedad de la ciudad de una manera humorística. Hogarth no ofrece un juicio sobre si los ricos o los pobres son más merecedores de la simpatía del espectador. En cada escena, aunque las clases alta y media tienden a ser el foco, hay menos comparaciones morales que las que se ven en algunas de sus otras obras. Sus dimensiones son de aproximadamente 74 cm (29 pulgadas) por 61 cm (24 pulgadas) cada una.
Las cuatro imágenes representan escenas de la vida cotidiana en varios lugares de Londres a medida que avanza el día. La mañana muestra a una solterona mojigata que se dirige a la iglesia en Covent Garden pasando por delante de los juerguistas de la noche anterior; el mediodía muestra dos culturas en lados opuestos de la calle en St Giles ; la tarde muestra a una familia de tintoreros que regresa acalorada y molesta de un viaje a Sadler's Wells ; y la noche muestra sucesos vergonzosos en torno a un francmasón borracho que se tambalea hasta su casa cerca de Charing Cross .
Cuatro tiempos del día fue la primera serie de grabados que Hogarth publicó después de sus dos grandes éxitos, El progreso de una ramera (1732) y El progreso de un libertino (1735). Fue uno de los primeros grabados que se publicaron después de la Ley de Derechos de Autor de Grabado de 1734 (que Hogarth había ayudado a aprobar en el Parlamento ); El progreso de un libertino había aprovechado desde el principio la protección que brindaba la nueva ley. A diferencia de Harlot and Rake , los cuatro grabados de Tiempos del día no forman una narración consecutiva, y ninguno de los personajes aparece en más de una escena. Hogarth concibió la serie como "representando de manera humorística la mañana, el mediodía, la tarde y la noche". [1]
Hogarth se inspiró para la serie en las sátiras clásicas de Horacio y Juvenal , a través de sus contrapartes augustas , particularmente Trivia de John Gay y " A Description of a City Shower " y " A Description of the Morning " de Jonathan Swift . [2] Tomó sus modelos artísticos de otras series de "Times of Day", "The Seasons" y "Ages of Man", como las de Nicolas Poussin y Nicolas Lancret , y de escenas pastorales , pero los ejecutó con un giro al transferirlos a la ciudad. También se basó en el estilo flamenco de "Times of Day" conocido como points du jour , en el que los dioses flotaban sobre escenas pastorales de pastores y pastoras idealizados, [3] pero en las obras de Hogarth los dioses fueron reformulados como sus personajes centrales: la dama que va a la iglesia, una Aurora helada en Morning ; la chica de los pasteles, una hermosa Venus londinense en Noon ; la mujer embarazada, una Diana sudorosa en Evening ; y el masón , un Plutón borracho en la Noche . [1]
Hogarth diseñó la serie para un encargo original de Jonathan Tyers en 1736 en el que solicitó una serie de pinturas para decorar los palcos de la cena en los jardines de Vauxhall . [4] Se cree que Hogarth le sugirió a Tyers que los palcos de la cena en los jardines se decoraran con pinturas como parte de su renovación; entre las obras que se exhibieron cuando se completó la renovación estaba el cuadro de Hogarth de Enrique VIII y Ana Bolena . Los originales de Cuatro momentos del día se vendieron a otros coleccionistas, pero las escenas fueron reproducidas en Vauxhall por Francis Hayman , y dos de ellas, Tarde y Noche , colgaron en los jardines de placer hasta al menos 1782. [5]
Los grabados son imágenes especulares de las pinturas (ya que las placas grabadas se copian de las pinturas, la imagen se invierte cuando se imprime), lo que genera problemas para determinar las horas que se muestran en los relojes en algunas de las escenas. Las imágenes a veces se consideran parodias de la vida de la clase media en Londres en ese momento, pero los juicios morales no son tan duros como en algunas de las otras obras de Hogarth y las clases bajas tampoco escapan al ridículo. A menudo, el tema es el del exceso de orden frente al caos. [6] Las cuatro placas representan cuatro momentos del día, pero también se mueven a través de las estaciones: la mañana está ambientada en invierno, el mediodía en primavera y la tarde en verano. Sin embargo, la noche , a veces identificada erróneamente como que ocurre en septiembre, tiene lugar el Oak Apple Day en mayo en lugar de en otoño. [7]
El grabado de Evening fue obra de Bernard Baron , un grabador francés que vivía en Londres [8] y, aunque los diseños son de Hogarth, no se sabe si él mismo grabó alguna de las cuatro láminas. Las estampas, junto con una quinta imagen, Strolling Actresses Dressing in a Barn (Actrices paseantes vistiéndose en un granero ) de 1738, se vendieron por suscripción por una guinea (219 libras esterlinas en 2024), pagadera la mitad al hacer el pedido y la otra mitad al recibirlo. Después de la suscripción, el precio subió a cinco chelines por estampa (52 libras esterlinas en 2024), lo que hizo que el conjunto de cinco estampas fuera cuatro chelines más caro en total. [9] Aunque Strolling Actresses Dressing in a Barn (Actrices paseantes vistiéndose en un granero) no estaba directamente relacionado con las otras estampas, parece que Hogarth siempre pensó en vender las cinco estampas juntas, añadiendo a las Strolling Actresses Dressing in a Barn (Actrices paseantes vistiéndose en un granero ) como tema complementario, tal como había añadido Southwark Fair (La feria de Southwark) a la suscripción de The Rake's Progress (El progreso del libertino) . Mientras que los personajes de Four Times interpretan sus papeles sin ser conscientes de ello, la compañía de Strolling Actresses es plenamente consciente de las diferencias entre la realidad de sus vidas y los papeles que les toca interpretar. En ambas obras también aparecen representaciones de Aurora y Diana. [1] [4]
Hogarth anunció la venta de las impresiones en mayo de 1737, nuevamente en enero de 1738 y finalmente anunció que las placas estaban listas el 26 de abril de 1738. [4] Las pinturas se vendieron individualmente en una subasta el 25 de enero de 1745, junto con las pinturas originales de A Harlot's Progress , A Rake's Progress y Strolling Actresses Dressing in a Barn . [10] Sir William Heathcote compró Morning and Night por 20 guineas y £ 20 6 s respectivamente (£ 4,400 y £ 4,200 en 2024), y el duque de Ancaster compró Noon por £ 38 17 s (£ 8,100 en 2024) y Evening por £ 39 18 s (£ 8,300 en 2024). Un boceto preliminar adicional de Morning con algunas diferencias con la pintura final se vendió en una subasta posterior por £ 21 (£ 4,400 en 2024). [11]
En Morning , una dama se dirige a la iglesia, protegiéndose con su abanico de la impactante vista de dos hombres manoseando a las mozas del mercado. La escena es el lado oeste de la plaza de Covent Garden , indicado por una parte del pórtico palladiano de la iglesia de San Pablo de Inigo Jones visible detrás de Tom King's Coffee House , un lugar notorio celebrado en panfletos de la época. Henry Fielding menciona la cafetería tanto en The Covent Garden Tragedy como en Pasquin . En el momento en que Hogarth produjo este cuadro, la cafetería estaba a cargo de la viuda de Tom, Moll King , pero su reputación no había disminuido. Moll abrió las puertas una vez que las de las tabernas habían cerrado, lo que permitió a los juerguistas continuar disfrutando desde la medianoche hasta el amanecer. [12] La mansión con pórtico con columnas visible en el centro de la imagen, No. 43 King Street , se atribuye al arquitecto Thomas Archer (más tarde primer barón Archer ) y estaba ocupada por él en la fecha de las obras de Hogarth. [13] Estaba situado en el lado norte de la plaza, mientras que la cafetería estaba en el lado sur, como se representa en la pintura original de Hogarth. En la imagen, es temprano por la mañana y algunos juerguistas están terminando su velada: se ha desatado una pelea en la cafetería y, en la refriega, una peluca sale volando por la puerta. Mientras tanto, los vendedores ambulantes colocan sus frutas y verduras para el mercado del día. Dos niños que deberían estar yendo a la escuela se han detenido, embelesados por la actividad del mercado, en una referencia directa a la Descripción de la mañana de Swift en la que los niños "se quedan rezagados con las carteras en las manos". [2] Sobre el reloj está el Padre Tiempo y debajo de él la inscripción Sic transit gloria mundi . [a] El humo que sube de la chimenea de la cafetería conecta estos presagios con la escena de abajo.
Hogarth reproduce todas las características de la escena pastoral en un paisaje urbano. Los pastores y las pastoras se convierten en mendigos y prostitutas, el sol en lo alto es reemplazado por el reloj de la iglesia, las montañas cubiertas de nieve se convierten en tejados nevados. Incluso el escenario de Covent Garden con montones de frutas y verduras se hace eco de la escena campestre. En el centro del cuadro, la gélida diosa del amanecer en forma de la recatada feligresa es seguida por su paje tembloroso de nariz roja, que refleja a Hesperus , el portador del amanecer. La mujer es la única que parece no verse afectada por el frío, lo que sugiere que puede ser su elemento. Aunque exteriormente está sorprendida, el vestido de la mujer, que es demasiado moderno para una mujer de su edad y en el cuadro se muestra de un llamativo amarillo ácido, puede sugerir que tiene otros pensamientos en mente. [4] Se la describe comúnmente como una solterona y se la considera una hipócrita , que asiste ostentosamente a la iglesia y lleva un elegante manguito de armiño mientras no muestra caridad hacia su lacayo helado o el mendigo que ve a medias frente a ella. Se dice que la figura de la solterona está basada en un pariente de Hogarth, quien, al reconocerse en la imagen, lo eliminó de su testamento. Fielding más tarde utilizó a la mujer como modelo para su personaje de Bridget Allworthy en Tom Jones . [12]
Un rastro de huellas peculiares muestra el camino que la mujer recorre con sus zuecos para evitar poner sus buenos zapatos en la nieve y la suciedad de la calle. [14] Un pequeño objeto cuelga a su lado, interpretado de diversas maneras como un cascanueces o un par de tijeras en forma de esqueleto o un retrato en miniatura, insinuando, tal vez, una decepción romántica. Aunque claramente es un retrato en la pintura, el objeto es indistinto en las impresiones del grabado. Sin embargo, otras partes de la escena son más claras en la impresión: en el fondo, un curandero está vendiendo su medicina curalotodo , y mientras que en la pintura el cartel publicitario es poco más que un contorno transparente, en la impresión, el nombre del Dr. Rock se puede discernir inscrito en el tablero debajo del escudo real, lo que sugiere que su medicina se produce por designación real. El vendedor puede ser el propio Rock. [15] La opinión de Hogarth sobre Rock queda clara en la penúltima placa de A Harlot's Progress , donde se lo ve discutiendo sobre tratamientos con el Dr. Misaubin mientras Moll Hackabout muere sin atención en un rincón.
Hogarth revisó Morning en su boleto de licitación, La batalla de los cuadros , para la subasta de sus obras, celebrada en 1745. En este, sus propias pinturas están representadas siendo atacadas por filas de viejos maestros ; Morning es apuñalado por una obra que presenta a San Francisco mientras Hogarth contrasta la falsa piedad de la solterona mojigata con la piedad genuina del santo católico. [16] [b]
La escena tiene lugar en Hog Lane, parte del barrio marginal de St Giles con la iglesia de St Giles in the Fields al fondo. Hogarth volvería a presentar a St Giles como fondo de Gin Lane y First Stage of Cruelty . La imagen muestra a los hugonotes saliendo de la iglesia francesa en lo que ahora es Soho (o quizás la capilla hugonote en West Street, St Giles). [17] Los refugiados hugonotes habían llegado en la década de 1680 y se establecieron como comerciantes y artesanos, particularmente en el comercio de la seda; y la iglesia francesa fue su primer lugar de culto. Hogarth contrasta su delicadeza y alta costura con el desaliño del grupo al otro lado de la calle; el cadáver podrido de un gato que ha sido apedreado hasta la muerte tirado en la cuneta que divide la calle es lo único que los dos lados tienen en común. [c] Los miembros mayores de la congregación visten trajes tradicionales, mientras que los miembros más jóvenes visten la moda de la época. Los niños están vestidos como adultos: el niño en primer plano se pavonea con sus mejores galas mientras que el niño de espaldas al espectador tiene el pelo recogido con una redecilla al estilo "francés". [18]
En el extremo derecho, un hombre negro acaricia los pechos de una mujer, distrayéndola de su trabajo, [19] mientras su plato de tarta se tambalea como su virtud. [20] La confusión sobre si la ley permitía la esclavitud en Inglaterra y la presión de los abolicionistas hicieron que a mediados del siglo XVIII hubiera una población considerable de negros libres en Londres; pero el estatus de este hombre no está claro. [21] El hombre negro, la niña y el niño llorón desempeñan los papeles de Marte , Venus y Cupido que habrían aparecido en las escenas pastorales que Hogarth está imitando. Delante de la pareja, un niño ha dejado su tarta en la mesa, pero el plato se ha roto, derramando la tarta en el suelo, donde un niño la está devorando rápidamente. Los rasgos del niño están modelados a partir de los de un niño en primer plano de la primera versión de Poussin de El rapto de las sabinas (ahora conservada en el Museo Metropolitano de Arte ). [22]
La composición de la escena yuxtapone al hombre hugonote, correcto y recatado, y a su esposa e hijo, impecablemente vestidos, con estos tres, que forman su propio "grupo familiar" al otro lado de la cuneta. [4] La cabeza de Juan el Bautista en una bandeja es el anuncio de la pastelería, que proclama "Buena comida". Debajo de este cartel está la pareja abrazándose, extendiendo la metáfora de la buena comida más allá de un simple plato de comida, y aún más abajo, la chica de la calle come con avidez la tarta, llevando el tema al pie de la imagen. IRF Gordon ve la línea vertical de platos que se caen desde la ventana superior hacia abajo como un símbolo del desorden en este lado de la calle. [1] El hombre reducido a una cabeza en el cartel, en lo que se supone que es la fantasía de la mujer, se refleja en la "Buena Mujer" retratada en el tablero detrás, que solo tiene un cuerpo, su cabeza molesta eliminada para crear el ideal del hombre de una "buena mujer". [23] En la ventana superior de la "Buena Mujer", una mujer arroja un plato con una pierna de carne a la calle mientras discute, lo que ofrece un marcado contraste con la "buena" mujer retratada en el cartel de abajo. [24] Ronald Paulson ve la cometa que cuelga de la iglesia como parte de una trinidad de signos; la cometa indica el propósito de la iglesia, el ascenso al cielo, al igual que los otros carteles de "Buena Comida" y la "Buena Mujer" indican las predilecciones de los que están en ese lado de la calle. [23] Sin embargo, también lo señala como otro guiño a la tradición pastoral: aquí, en lugar de elevarse sobre los campos, cuelga impotente en la pared de la iglesia. [4]
La hora no está clara. Allan Cunningham afirma que son las once y media [25] y sugiere que Hogarth utiliza la hora temprana para destacar el desenfreno que se desarrolla frente a la iglesia, aunque el grabado muestra las manecillas en una hora que también podría ser las doce y media [26] y la pintura muestra una fina manecilla dorada que señala las doce y diez.
La comprensión de las intenciones de Hogarth con esta imagen es ambigua, ya que los dos lados de la calle, uno francés y el otro inglés, parecen igualmente satirizados. A principios del siglo XIX, Cooke y Davenport sugirieron que en esta escena las simpatías de Hogarth parecen estar con las clases bajas y más específicamente con los ingleses. Aunque hay desorden en el lado inglés de la calle, sugirieron, hay una abundancia de "buena comida" y los personajes tienen mejillas sonrosadas y están bien alimentados. Incluso la chica de la calle puede comer hasta saciarse. Los hugonotes de cara afeitada, por otro lado, tienen sus costumbres y vestimenta tratadas tan despiadadamente como cualquier personaje de la serie. [18] Sin embargo, esto podría decir más sobre el auge del nacionalismo inglés en la época en que Cooke y Davenport escribieron que sobre la intención real de Hogarth. Hogarth volvió a burlarse de las modas continentales en Matrimonio a la moda (1743-1745) e hizo un ataque más directo a los franceses en La puerta de Calais , que pintó inmediatamente después de regresar a Inglaterra en 1748 después de ser arrestado como espía mientras dibujaba en Calais. [1]
A diferencia de las otras tres imágenes, Evening se desarrolla ligeramente fuera de la zona edificada de la ciudad, con vistas de colinas ondulantes y amplios cielos nocturnos. La vaca que se está ordeñando en el fondo indica que son alrededor de las cinco en punto. Mientras que en Morning el frío invernal invade la escena, Evening se ve oprimido por el calor del verano. Una mujer embarazada y su marido intentan escapar de la claustrofóbica ciudad viajando al elegante Sadler's Wells (la entrada de piedra del Teatro Sadler's Wells se muestra a la izquierda). Cuando Hogarth produjo esta serie, el teatro había perdido cualquier vestigio de moda y fue satirizado por tener un público compuesto por comerciantes y sus pretenciosas esposas. Ned Ward describió a la clientela en 1699 como: [27]
Carniceros y alguaciles, y gente de ese tipo,
mezclados con una alimaña entrenada para la horca,
como bueyes y limas, ladrones de casas y matones,
con boxeadores, vendedores ambulantes y esa clase de comerciantes,
informadores, ladrones, cuatreros y matones.
El marido, cuyas manos manchadas revelan que es tintorero de profesión, parece agobiado mientras lleva en brazos a su exhausta hija menor. En impresiones anteriores (y en la pintura), sus manos son azules, para mostrar su ocupación, mientras que el rostro de su esposa está coloreado con tinta roja. La colocación de los cuernos de la vaca detrás de su cabeza lo representa como un cornudo y sugiere que los niños no son suyos. Detrás de la pareja, sus hijos repiten la escena: el bastón del padre sobresale entre las piernas del hijo, haciendo las veces de caballito de madera , mientras que la hija está claramente a cargo, exigiéndole que le entregue su pan de jengibre . Se imprimieron un número limitado de pruebas en las que faltaban la firma de la niña y del artista; [28] Hogarth añadió la niña burlona para explicar las lágrimas del niño. [9]
El calor se hace tangible por la apariencia nerviosa de la mujer mientras se abanica (el abanico en sí muestra una escena clásica, tal vez Venus, Adonis y Cupido ); [29] la perra perezosa preñada que mira con nostalgia hacia el agua; y la vigorosa parra que crece al costado de la taberna. Como suele suceder en la obra de Hogarth, la expresión de la perra refleja la de su amo. [30] La familia se apresura a casa, pasando por el New River y una taberna con un cartel que muestra a Sir Hugh Myddleton , quien casi se arruina al financiar la construcción del río para traer agua corriente a Londres en 1613 (una tubería de madera se encuentra al lado del curso de agua). A través de la ventana abierta se pueden ver otros refugiados de la ciudad refugiándose del calor opresivo en el bar. Aunque parecen más alegres que el tintorero y su familia, Hogarth se burla de estas personas que escapan al campo para tomar aire fresco solo para reproducir el aire lleno de humo y las condiciones de hacinamiento de la ciudad acurrucándose en la concurrida taberna con sus pipas. [31]
La última imagen de la serie, Night , muestra actividades desordenadas al amparo de la noche en Charing Cross Road, identificada por la estatua ecuestre de Carlos I de Inglaterra de Hubert Le Sueur y los dos pubs; [32] esta parte de la calle ahora se conoce como Whitehall. En el fondo, el carro lleno de muebles que pasa sugiere a los inquilinos escapando de su propietario en un "revoloteo a la luz de la luna". En la pintura, la luna está llena , pero en la impresión aparece como una media luna.
La erudición tradicional ha sostenido que la noche es el 29 de mayo, Oak Apple Day , un día festivo que celebraba la Restauración de la monarquía (demostrado por las ramas de roble sobre el letrero del barbero y en algunos de los sombreros de los súbditos, que recuerdan al roble real en el que Carlos II se escondió después de perder la Batalla de Worcester en 1651). Alternativamente, Sean Shesgreen ha sugerido que la fecha es el 3 de septiembre, conmemorando la batalla de Worcester en sí, una datación que preserva la progresión estacional de invierno a primavera, verano y otoño. [33]
Charing Cross era un punto de parada central para los carruajes, pero la estrecha y congestionada carretera era escenario frecuente de accidentes; aquí, una hoguera provocó el vuelco del carruaje volador de Salisbury. Las hogueras festivas eran habituales, pero arriesgadas: el fuego de una casa ilumina el cielo a lo lejos. Un chico de la tienda de campaña sopla la llama de su antorcha, [4] los niños de la calle juegan con el fuego y uno de sus fuegos artificiales cae por la ventanilla del carruaje.
A un lado de la calle hay un cirujano barbero cuyo cartel anuncia Afeitado, sangrado y dientes dibujados con un toque. ¡Ecce signum! Dentro de la tienda, el barbero, que puede estar borracho, [34] afeita al azar a un cliente, tapándose la nariz como la de un cerdo, mientras manchas de sangre oscurecen la tela bajo su barbilla. Los cirujanos y los barberos habían sido una sola profesión desde 1540 y no se separarían definitivamente hasta 1745, cuando los cirujanos se separaron para formar la Compañía de Cirujanos . [35]
En primer plano, un francmasón borracho , identificado por su delantal y medallón cuadrado como el Venerable Maestro de una logia , está siendo ayudado a llegar a casa por su Tyler , mientras el contenido de un orinal se vacía sobre su cabeza desde una ventana. En algunos estados de la impresión, una mujer de pie detrás de la ventana lo mira, lo que sugiere que su remojo no es accidental. El francmasón se identifica tradicionalmente con Sir Thomas de Veil , que fue miembro de la primera logia de Hogarth, el predecesor de Henry Fielding como magistrado de Bow Street y el modelo para el personaje de Fielding, Justice Squeezum en The Coffee-House Politician (1730). Era impopular por su dura sentencia a los vendedores de ginebra, que se consideró hipócrita ya que era conocido por ser un bebedor entusiasta. Lo apoya su Tyler, un sirviente equipado con espada y apagavelas, que puede ser el hermano Montgomerie, el Gran Tyler. [36]
Por todas partes hay pubs y burdeles. La taberna Earl of Cardigan está a un lado de la calle, y enfrente está el Rummer , cuyo cartel muestra un rummer (un vaso corto de ala ancha) con un racimo de uvas en el palo. Las logias masónicas se reunieron en ambas tabernas durante la década de 1730, y la Logia en el Rummer and Grapes en la cercana Channel Row fue la más inteligente de los cuatro fundadores de la Gran Logia. El tabernero está adulterando un tonel de vino, una práctica recordada en la poesía de Matthew Prior, que vivió con su tío Samuel Prior, el propietario sucesivo tanto del Rummer and Grapes como del Rummer . [32]
Mi tío, que en paz descanse, cuando vivía,
podría haberme ideado formas de prosperar;
me habría enseñado a llenar
mis cubas con sidra o con la marea menguante del Rin.
A ambos lados de la calle hay carteles que indican The Bagnio y The New Bagnio . En apariencia, se trataba de un baño turco , pero bagnio había llegado a significar una casa desordenada. [37]
El sexto conde de Salisbury escandalizó a la sociedad al conducir y volcar una diligencia. [38] John Ireland sugiere que el "Salisbury Flying Coach" volcado debajo del cartel "Earl of Cardigan" era una burla amable del Gran Maestre , cuarto conde de Cardigan, George Brudenell , más tarde duque de Montagu , quien también era famoso por su conducción imprudente de carruajes; [39] y también refleja el final de Gay's Trivia en el que el carruaje vuelca y se estrella por la noche. [2]
Cuatro tiempos del día fue la primera serie de grabados que Hogarth había publicado desde el éxito de La ramera y el libertino (y sería la única serie que publicaría hasta Matrimonio a la moda en 1745), por lo que se esperaba con entusiasmo. Al enterarse de su inminente publicación, George Faulkner escribió desde Dublín que tomaría 50 series. [40] La serie carece de las lecciones morales que se encuentran en la serie anterior y se retoma en Matrimonio a la moda , y su falta de fuerza significó que no logró el mismo éxito, aunque ha encontrado un nicho duradero como una instantánea de la sociedad de la época de Hogarth. En la subasta de 1745, las pinturas de Cuatro tiempos del día recaudaron más que las de El libertino ; y Noche , que generalmente se considera la peor de la serie, alcanzó el total individual más alto. Cunningham comentó sarcásticamente: "Tal era la recompensa entonces, a la que los mecenas del genio creían que merecían estas obras". [41] Aunque Horace Walpole elogió la impresión que acompañaba a la obra, Actrices paseantes vistiéndose en un granero , como la mejor de las obras de Hogarth, tuvo poco que decir de Cuatro tiempos del día , excepto que no se sentía deficiente en comparación con las otras obras de Hogarth. [42]
La mañana y la noche se encuentran actualmente en la Colección Bearsted del National Trust en Upton House, Warwickshire . La colección fue reunida por Walter Samuel, segundo vizconde de Bearsted y donada al Trust, junto con la casa, en 1948. El mediodía y la tarde permanecen en la Colección Ancaster en el castillo de Grimsthorpe , Lincolnshire. [43]
a. ^ Tanto Ireland como Paulson marcan las 6.55 am, aunque la pintura original muestra las 7.05 am. La diferencia se debe a la inversión de la imagen.
En 1708, E. Hatton registró la inscripción debajo del reloj como Ex hoc Momento pendat Eternitas en su Nueva vista de Londres y no mencionó una figura sobre ella. La fecha 1715 se muestra en la caja del reloj en el volumen de 1717 de Vitruvius Britannicus , por lo que tal vez indica que el reloj había sido reemplazado y la inscripción cambiada a Sic transit gloria mundi como se muestra aquí. [44]
b. ^ La batalla de las pinturas es la versión de Hogarth de La batalla de los libros de Swift . [45]
c. ^ Las obras de Hogarth indican que los gatos no eran mascotas habituales en Londres durante su vida. A menudo se los representa sufriendo las consecuencias de la vida de un vagabundo en las calles, en contraste con los perros, que normalmente se muestran reflejando los sentimientos de sus amos o poniendo a prueba de buen humor los límites de la sociedad (una notable excepción es la primera lámina de Las cuatro etapas de la crueldad en la que la crueldad de la sociedad se refleja en la tortura del perro fiel). [30]
