The American Epic Sessions es una película documental en la que un ingeniero restaura el legendario primersistema de grabación de sonido eléctrico perdido hace mucho tiempo de 1925, y veinte artistas contemporáneos rinden homenaje a la trascendental máquina al intentar grabar canciones en ella por primera vez en 80 años. [1] [2] [3] La película fue dirigida y coescrita por Bernard MacMahon y está protagonizada por Nas , Alabama Shakes , Elton John , Willie Nelson , Merle Haggard , Jack White , Taj Mahal , Ana Gabriel , Pokey LaFarge , Beck , Ashley Monroe , Los Lobos , The Avett Brothers , Bettye LaVette , Rhiannon Giddens , Raphael Saadiq , Edie Brickell , Steve Martin y otros. [1]
La película empleó una formación diversa de intérpretes tanto étnica como musicalmente para representar la amplitud de culturas que obtuvieron una plataforma nacional por primera vez a través de la invención de esta máquina de grabación. [3] [4] [5] También exploró hasta qué punto las grabaciones realizadas con ella en la década de 1920 influyeron e inspiraron la música contemporánea. [3] [5] [6]
La película implicó una década de trabajo para restaurar la máquina, que fue ensamblada a partir de piezas de repuesto esparcidas por todo el mundo, [7] con el fin de comprender mejor los orígenes de la tecnología de grabación moderna, [8] [5] y la influencia que la máquina tuvo en la cultura mundial. [9] [10] La máquina continuaría poniendo sonido en películas . [4] [8] [5] [11] La recreación de una sesión de grabación en vivo al estilo de los años 20 , exploró la esencia de lo que hace que una actuación grabada sea excelente. [12] [13]
La película dio lugar a conocimientos inesperados sobre cómo se desarrolló y perfeccionó la grabación de sonido y su impacto en la forma en que los músicos se comunican en las grabaciones de hoy. [12] [5] MacMahon filmó las actuaciones en directo como un musical de Hollywood en tomas individuales sin editar para centrarse en la música, el sonido que producía la máquina y el impacto que tenía en las actuaciones de los artistas. [14] [15] Los aspectos técnicos de la grabación se cubrieron en secuencias intercaladas a lo largo de la película donde, con tomas de seguimiento filmadas rigurosamente y primeros planos extremos utilizando una lente macro , el espectador podía observar y comprender el funcionamiento interno de la máquina. [16] [6]
La película recibió elogios generalizados por su dirección, actuaciones musicales, sonido y cinematografía. [3] [7] [17] [18] [19] [6] La película ganó el Premio Discovery y el Premio del Público en el Festival Internacional de Cine de Calgary , [20] fue nominada a un Premio Primetime Emmy , [21] Bernard MacMahon y Allison McGourty fueron nominados como Talentos Revelación por los Premios de Cine de la Academia Británica [22] y ganaron un Premio Grammy por la interpretación de Alabama Shakes de "Killer Diller Blues". [23]
La secuencia del título de la película comienza con una serie de tarjetas que anuncian que “En 1925, la invención de la grabación eléctrica de sonido revolucionó la industria del fonógrafo . En 1926, este equipo se llevó a través de Estados Unidos para grabar música rural por primera vez: blues , gospel , cajún , country , hawaiana , nativa americana y más... Solo se fabricaron unas pocas de estas máquinas y no se sabe que haya sobrevivido ninguna. Todas las interpretaciones musicales de esta película son en vivo. El audio que escuchas se toma directamente de los discos en los que se grabó, sin edición ni mejoras”. A continuación, una serie de músicos contemporáneos ingresan a una réplica exacta de un estudio de grabación de la década de 1920 [2] y graban canciones en vivo en un solo micrófono conectado al primer sistema de grabación eléctrica y un torno de corte de discos accionado por poleas . [7]
Sus actuaciones se filman en tomas únicas. Se ve a algunos de los intérpretes arreglando sus canciones y a Elton John escribiendo su canción en vivo frente a la cámara. [24] Estas escenas se intercalan con entrevistas con el ingeniero Nicholas Bergh, quien explica cómo funciona la máquina, su importancia cultural y tecnológica, cómo se organizaron las sesiones de grabación de campo de los años 20 y las observaciones de los intérpretes contemporáneos que participaron. [5] [16] [6] Algunas de las actuaciones de los artistas están precedidas por escenas etéreas en las que la cámara explora los pasillos oscuros del estudio vacío, acompañadas por las grabaciones que se hicieron en la máquina hace 90 años que se reproducen a lo lejos en el fondo, mientras la cámara se acerca a los retratos enmarcados de esos músicos fallecidos hace mucho tiempo que cuelgan de las paredes del estudio. Estas escenas fantasmales son seguidas por un artista contemporáneo que interpreta la misma canción. [25]
Numerosos desastres potencialmente fatales le suceden a la máquina durante las sesiones, incluido el cable de la polea que sostiene el peso que se rompe, que Jack White repara en una tienda de tapicería , el amplificador que se sobrecalienta y explota durante una grabación de Avett Brothers y una tensa sesión de 13 tomas donde el coro de 12 piezas de Beck lucha con un micrófono saturado y distorsionado. [24] Para capturar el eclecticismo de una sesión de grabación de la década de 1920, se ve una selección muy diversa de artistas participando en la película, desde intérpretes hispanos como Ana Gabriel y Los Lobos hasta bandas de guitarras de acero hawaianas como The Hawaiians y actos cajún como The Lost Bayou Ramblers , cantantes pop como Elton John , grupos de rock and roll como Alabama Shakes y Jack White y artistas de hip hop como Nas. [8] La película culmina con la última actuación filmada de Merle Haggard y Willie Nelson, grabando una canción que Haggard escribió para la película, "The Only Man Wilder Than Me" [24] seguida de una versión de "Old Fashioned Love" de Bob Wills que cierra la película con las líneas; "Aunque la tierra pueda cambiar al mar, no habrá ningún cambio en mí, tengo ese amor a la antigua usanza en mi corazón". [24]
MacMahon afirmó que la idea de la película nació de un deseo de entender a nivel práctico cómo se hicieron las grabaciones fundamentales de la década de 1920, "sólo puedes apreciar verdaderamente la historia y entender por qué las cosas se hicieron de la manera en que se hicieron, saliendo y haciéndolas tú mismo". [26] Se filmaron dos sesiones iniciales a expensas de los productores antes de que la BBC y PBS encargaran las películas . [1] [27] Estos fueron con Frank Fairfield y The Americans . [13] [28] Esto se hizo, según MacMahon, "como una prueba de concepto y para asegurar que el aspecto y el estilo de la película estuvieran indeleblemente estampados desde el principio con nuestras propias sensibilidades artísticas y, por lo tanto, limitar el nivel de interferencia externa". También agregó: " La película American Epic Sessions fue la zanahoria para hacer las tres películas históricas . Esto significó que filmamos Sessions mucho antes de la producción del resto de las películas para generar un incentivo para abordar la vasta empresa que eran las películas históricas. “Hacer Sessions era como los 100 metros olímpicos . Las películas históricas eran el maratón ”. [29] MacMahon ha comentado que prefiere filmar primero los finales de las películas para poder determinar el ritmo hasta el clímax de manera más efectiva. [29]
La película se filmó en un solo lugar principal: Vox Recording Studios en Hollywood, California . [30] Originalmente construido en 1936 y llamado Electro-Vox, se dice que el estudio "es el estudio de grabación privado más antiguo del mundo". [31] El estudio se vació de todo el equipo y mobiliario de grabación de sonido actual, luego se vistió con accesorios y accesorios de la época antes de traer el sistema de grabación Western Electric . [13]
El diseñador de escenarios intentó hacer que el estudio pareciera lo más parecido a cómo se habría sentido un estudio en la década de 1920 en un intento de dar a los músicos la sensación de retroceder en el tiempo a una sesión de grabación real como se describe en la serie documental American Epic . [32] La película tenía una ubicación secundaria, Sophie's Seat Design en Hollywood, California, que apareció cuando el ex tapicero, Jack White, tomó la correa rota del torno de grabación para volver a coserla. [7]
Los artistas fueron elegidos principalmente por MacMahon en consulta con los productores y coguionistas de la película Duke Erikson y Allison McGourty , y los productores ejecutivos T Bone Burnett y Jack White. [29] Los intérpretes fueron elegidos por su diversidad musical y étnica y su capacidad para grabar de manera rigurosa y exigente. [8] MacMahon insistió en tener tres actos inéditos en las sesiones; The Americans, Christine Pizutti y Jerron "Blind Boy" Paxton. [29]
Se animó a los músicos a grabar tanto una canción antigua como una canción que habían escrito. [16] MacMahon y Erikson compilaron una lista de canciones antiguas que querían incluir en la película y en algunos casos eligieron específicamente canciones para intérpretes particulares; "Mal Hombre" para Ana Gabriel, [8] "On the Road Again" para Nas, "Tomi Tomi" para los hawaianos y "Nobody's Dirty Business" para Bettye LaVette . [33] Otros intérpretes investigaron el período y seleccionaron sus propias canciones antiguas; Jack White desenterró "Matrimonial Intentions", los Avett Brothers eligieron "Jordan Am a Hard Road" y Rhiannon Giddens eligió "One Hour Mama".
La mayoría de los intérpretes grabaron dos canciones, aunque la duración de la película impidió que todas estas actuaciones aparecieran en la película terminada. [33] Algunos intérpretes escribieron canciones específicamente para la película, como Merle Haggard, que compuso "The Only Man Wilder Than Me" a dúo para que él y Willie Nelson la interpretaran. [5] Elton John llegó al estudio con una letra titulada "Two Fingers of Whiskey" que Bernie Taupin había escrito específicamente para la película. Luego, Elton John procedió a escribir la melodía en vivo frente a la cámara y a arreglar la canción con Jack White y grabó la canción en vivo directamente en un disco sin salir de la habitación durante todo el proceso. [34] [35] Todas las actuaciones de la película y muchas canciones adicionales que no aparecen en la película fueron lanzadas por Columbia Records / Lo-Max en Music from The American Epic Sessions: Original Motion Picture Soundtrack . [36]
En la película se utilizó ocasionalmente una banda sonora no diegética . Hubo cuatro ejemplos principales: una sección que revela cómo funcionan el amplificador y el micrófono de Western Electric, una sección que analiza el impacto social que tuvo el sistema de grabación Western Electric en el mundo y su eventual desaparición, la llegada de los dos últimos músicos de la película, Willie Nelson y Merle Haggard, y, finalmente, los créditos finales . La banda sonora fue escrita por Duke Erikson y Bernard MacMahon e interpretada por Duke Erikson y Chris Wagoner. [37]
MacMahon elaboró un guión gráfico detallado de la película antes del rodaje junto con diagramas detallados de los diseños de iluminación . Explicó: “Tenía una idea de antemano de cómo sería la configuración musical, así que pinté el diseño de iluminación y los guiones gráficos con anticipación. Esos estaban en un estado de cambio constante”, [13] La productora Allison McGourty comentó: “Fue como una producción teatral: Bernard diseñó una iluminación diferente para cada sesión para darle [a cada canción] una sensación diferente”. [14] MacMahon dijo que quería que la película pareciera una pintura: “Quería una paleta de colores rica para que pareciera una pintura de Velázquez ”, dijo, con la iluminación cayendo a sombras pesadas en las esquinas de la imagen para ocultar las pistas de la plataforma rodante en el estudio. [11] [13]
“Mi inspiración para filmar The American Epic Sessions fueron las películas de Fred Astaire y Gene Kelly , donde interpretan estos bailes en una sola toma continua. Quería que el público supiera que estaba viendo una actuación en vivo, por lo que casi todas las actuaciones se filmaron en una sola toma continua”. [15]
MacMahon filmó principalmente con una Arri Alexa en un dolly de cámara . [29] La decisión de tener la cámara en un estado constante de movimiento sutil fue diseñada para darle a la película un ritmo y un impulso musicales. [38] Como los músicos de la película se vieron obligados a grabar sus pistas en una sola toma sin alteraciones, MacMahon decidió que la cámara debería hacer lo mismo y coreografió movimientos complejos de una sola toma para reflejar el tempo de la música mientras aterrizaba en los músicos en el momento en que su parte llegaba al primer plano. [13] McGourty explicó que "ensayaba con nuestra banda de la casa antes de que llegaran los intérpretes, y ensayaba al equipo de cámara con todos los movimientos del dolly para que supieran cuándo cantaría el vocalista principal; luego pasaría a un coro, luego a la guitarra o al banjo. Hubo una gran cantidad de preparación, porque no era solo la música la que tenía que capturarse en una toma de tres minutos; teníamos que capturar toda la experiencia en película, y hacer que pareciera natural, y hacerlo lo suficientemente suave como para no interferir con los intérpretes ". [14] MacMahon dijo que tomó parte de su inspiración de la cinematografía de John J. Mescall en producciones de James Whale como La novia de Frankenstein . [13] MacMahon quería que los espectadores se sintieran como si estuvieran de pie en el estudio viendo la actuación, por lo que la cámara nunca se movió más abajo que agachada o más arriba que alguien parado de puntillas, ni la cámara se acercó más de lo que estaría un invitado en el estudio. [13] [29] Se filmó una sesión de prueba con Frank Fairfield y The Americans para perfeccionar el estilo cinematográfico de la película. [27] [13] En marcado contraste con esta política estaba su uso de fotografía macro extrema cuando la película analiza el sistema de grabación. [16] [6] Filmada con lentes macro, la cinematografía utilizada en estas secciones fue diseñada para llevar al espectador al interior del funcionamiento interno del amplificador y micrófono Western Electric de la década de 1920 y el torno de corte Scully de la década de 1920 , y para darle al sistema de grabación una personalidad más grande que la vida. [11] En ocasiones se emplearon tomas exteriores del destartalado y anodino edificio del estudio, en las que los peatones pasaban sin percatarse de las actividades que se desarrollaban en el interior. [6] MacMahon dijo que esto era para “recordar a la gente que detrás de cada puerta hay mil historias”. [29]
En 1925, Western Electric lanzó un nuevo proceso de grabación electrónica que podía capturar los matices de la voz humana y los matices instrumentales sutiles que habían eludido a los viejos sistemas acústicos . [39] La máquina revolucionó la grabación de música porque podía grabar todo tipo de instrumentos y voces, mientras que las grabaciones de trompa acústica que la precedieron estaban severamente limitadas en lo que podían grabar de manera efectiva. [40] [41] [9]
"Este equipo es el comienzo de la tecnología cableada. Es el modelo para los próximos 60 años de grabación de audio".
– Nicolás Bergh [5]
El nuevo sistema consistía en un micrófono eléctrico cuya señal era amplificada por un amplificador de 6'. La señal amplificada era enviada a un cabezal de corte que cortaba un disco de cera en un torno Scully que era accionado por poleas con un peso de latón de 100 libras. [42] En la década de 1920, cuando la radio se apoderó del negocio de la música pop, las compañías discográficas se vieron obligadas a expandir sus mercados y abandonar sus estudios en las grandes ciudades en busca de nuevos estilos y mercados musicales. [43] Organizaron sesiones de grabación de campo en todo Estados Unidos y grabaron blues, gospel, cajún, country, hawaiano, nativo americano y muchos otros tipos de música hasta entonces no grabados utilizando el sistema Western Electric que tecnológicamente hizo posibles estas grabaciones. [1] Estas grabaciones tendrían un gran impacto cultural en América del Norte y el resto del mundo. [4] [5] [39] El sistema de grabación fue arrendado a las principales discográficas que tenían que pagar regalías por cada disco vendido a Western Electric. [5] El éxito de las grabaciones musicales hizo que los principales estudios de Hollywood alquilaran el sistema para filmar películas sonoras tras una resistencia inicial. [11] [44] Aunque no hay registros de cuántas de estas máquinas se alquilaron a las compañías discográficas, se estima que fueron entre una y dos docenas. [39] Antes del lanzamiento de The American Epic Sessions, el sistema de grabación era un misterio y no se había visto en casi 80 años. [20] [45] El ingeniero Nicholas Bergh explicó: “Tuve dos mentores cuando me estaba iniciando en el mundo del audio que empezaron sus carreras a finales de los años 30 en Estados Unidos y ambos me dijeron que incluso a finales de los años 30 este sistema era básicamente mítico y que nunca habían visto ningún componente de él ni siquiera imágenes. Así que incluso en diez años había desaparecido básicamente de la faz de la tierra”. [42]
Al comienzo de la preproducción de la serie documental American Epic no se conocían fotos ni imágenes en película del sistema completo de Western Electric. Localizar documentación visual se volvió de suma importancia para los productores. [45] [46] A mitad de la investigación sobre la película, MacMahon y McGourty conocieron al ingeniero de sonido Nicholas Bergh como posible colaborador. Después de un año de conocerse, Bergh reveló que había pasado casi una década intentando restaurar el sistema de Western Electric. [8] Bergh había buscado piezas de repuesto en todo el mundo, en lugares tan lejanos como Japón y Europa , en su búsqueda por completar el sistema. [5] “Todos los elementos individuales tenían que venir de diferentes lugares, a menudo a miles de kilómetros de distancia”, explicó, “pude confirmar mi progreso estudiando las pocas imágenes rudimentarias del estudio de música que comenzaron a aparecer”. [8] Sin embargo, a Bergh le faltaba una parte vital de la configuración: el torno Scully accionado por poleas. En un viaje de exploración a la casa de la familia Scully en busca de fotografías, MacMahon y McGourty descubrieron quizás el único torno Scully de 1924 que sobrevivió en el sótano de la familia y los persuadieron de que lo prestaran a la producción . [47] [48] MacMahon luego se dispuso a persuadir a Bergh para que diseñara una sesión con artistas contemporáneos que grabaran en el sistema. Bergh estaba nervioso por hacer esto ya que "trasladar eso [el sistema de grabación] a un entorno de producción, eso fue un cambio importante". [36]
“Desde el primer día, la idea era que fuera real. La validez de la película residiría en que, una vez que se baja la aguja, se escucha realmente el sonido de lo que están grabando. No hubo micrófonos de producción involucrados”.
– Bernard MacMahon [13]
MacMahon convenció a Bergh para que participara en una sesión de prueba con dos nuevos artistas para limitar la presión. Frank Fairfield y The Americans fueron los primeros músicos en grabar en el sistema en más de 80 años. [2] [27] [13] "Los resultados fueron satisfactorios", explicó MacMahon, "pero Nick quería operar la máquina de manera más efectiva". [29] La productora y coguionista Allison McGourty obtuvo acceso al archivo de AT&T que guardaba los documentos de investigación para Western Electric. Dentro del archivo, localizaron libros de casos de ingenieros y formularios de contabilidad que dieron más pistas sobre cómo operar la máquina. También lograron localizar fotografías de la década de 1920 del sistema de grabación que se utilizaba en el laboratorio de Western Electric . [29] [49] Armado con esta nueva información, Bergh aceptó el plan de MacMahon de intentar filmar una sesión de grabación completa con veinte artistas. MacMahon contrató a T Bone Burnett y Jack White para producir y arreglar canciones para las sesiones y contrató a todos los artistas. [50]
El sistema Western Electric era un método de grabación directa a disco en vivo . El primer micrófono de condensador estaba conectado a un bastidor de amplificador de seis pies que comprendía un preamplificador , un medidor de primer nivel, un amplificador de monitor, un amplificador de línea para accionar el cabezal de corte que grababa las ranuras en un disco de cera en el plato giratorio de un torno de corte Scully que giraba mediante un sistema de poleas y un peso de 100 libras. [42] Los intérpretes se reunían alrededor del micrófono y se posicionaban con cuidado para lograr el equilibrio correcto. [3] Los intérpretes recibían indicaciones sobre cuándo debían comenzar y detener su interpretación mediante un sistema de luces operado por el ingeniero de sonido que colgaba en la sala en vivo. [26]
"Hoy en día todo parece estar iluminado, todo el mundo es automáticamente una estrella. En aquel entonces apenas se veía una foto de estos artistas (ahora estamos bien, es increíble comparado con entonces), pero aun así, tenían algo sagrado, tenían algo que nosotros no tenemos. Era solo música, gente expresándose con el sonido en ese momento, y no tenía nada que ver con el video, no tenía nada que ver con nada más que la canción. Me muestra que hay mucho más por hacer, que puedo llegar mucho más lejos, pero ahora conozco los comienzos; esto me da las raíces de todo".
– Nas [51]
La polea permitió aproximadamente tres minutos y medio de grabación antes de que el peso tocara el suelo. La calibración del torno ha determinado la duración del sencillo pop hasta el día de hoy. [5] [38] El sistema de grabación de Western Electric favorecía a pequeños grupos vocales y esto tuvo una influencia fundamental en que fueran la agrupación musical dominante hasta el día de hoy. [9] El sistema de grabación no permitía realizar ningún cambio en la grabación en vivo. [13] El torno Scully en sí fue anterior al cambio de la grabación acústica a la eléctrica. En la era acústica, el torno estaba conectado a un gran cuerno cónico alrededor del cual los músicos tenían que reunirse y cantar y tocar al volumen más alto posible para crear suficiente presión de aire para hacer vibrar físicamente un diafragma unido al cabezal de corte. [4] Durante la filmación, MacMahon persuadió a Jack White y su banda para que hicieran una grabación acústica en el torno, reemplazando el micrófono por dos cuernos, la primera grabación de este tipo realizada en 90 años. En el Festival de Cine de Londres BFI se proyectó un borrador de la película que contenía esta secuencia , pero posteriormente se cortó de versiones posteriores para reducir la duración de la película a menos de dos horas. [29]
El estilo de edición de la película fue diseñado para que pareciera un baile entre la cámara y los músicos y fue ideado entre el editor, Dan Gitlin , y MacMahon. [30] El uso de cortes se empleó con poca frecuencia a favor de tomas completas de las interpretaciones musicales, para dejar en claro que las interpretaciones eran en vivo y sin alteraciones. [13] Antes de cada interpretación, cuando la aguja del cabezal de corte se bajaba sobre el disco, el audio de producción se reemplazaba con una caída de aguja de la grabación del disco maestro mono sin adornos. [3] Las tomas de seguimiento de los pasillos oscuros de los estudios acompañadas por el audio de interpretaciones antiguas grabadas en el equipo, se utilizaron como un tema recurrente en la película para significar viajes al pasado donde se escuchan grabaciones originales de canciones que están a punto de grabarse en la película. Estas secuencias se construyeron para brindar al espectador una comprensión de la música de las décadas de 1920 y 1930. [29]
La película fue preestrenada como un trabajo en progreso en festivales de cine alrededor del mundo durante 2016, incluyendo un Evento Especial en Sundance presentado por Robert Redford , [52] SXSW , [53] Festival Internacional de Cine Documental de Ámsterdam , [54] Festival Internacional de Cine de Denver , [55] Festival de Cine de Sídney , [56] y el Festival de Cine de Londres . [57] La película fue completada en febrero de 2017 y fue emitida en PBS en los EE. UU. y BBC Four en el Reino Unido en mayo y junio de 2017. Un DVD y Blu-ray NTSC de la serie fue lanzado en los EE. UU. en junio de 2017. [1]
La película fue estrenada con gran éxito de crítica, con muchas publicaciones elogiando la dirección, las actuaciones, la calidad del sonido, la cinematografía y la iluminación. [3] [16] [18] [11] [38] [58]
Joe Boyd escribió en The Guardian : “Durante dos horas nos deleitamos con actuaciones filmadas frente a ese único micrófono, mientras la cámara sigue amorosamente el sonido a través de cables tipo anaconda hasta el cabezal de corte. Tan pronto como el disco en blanco comienza a girar, nuestra banda sonora cambia del estéreo digital portátil del siglo XXI del cineasta al glorioso mono del micrófono único. No hay atenuadores; si Burnett o White quieren más de este músico y un poco menos de aquel, los acercan o alejan del micrófono. Es un teatro brillante, bellamente filmado y lo convierte en una televisión gloriosa. Si te lo pierdes, lo harás bajo tu propio riesgo”. [3] Stephen Dalton en The Hollywood Reporter escribió que la película era “un proyecto gigantesco con intenciones dignas y un gran corazón: un festín de riquezas musicales y educativas”. [19] Steve Appleford en Rolling Stone observó que “en la interpretación final de Sessions , Willie Nelson y Merle Haggard interpretan el dúo "The Only Man Wilder Than Me". Haggard tiene una mirada de alegría completa en su rostro durante toda la sesión en el antiguo equipo de grabación que alguna vez usaron sus héroes musicales”. [7] Mike Bradley en The Observer dijo que The American Epic Sessions fue “uno de los programas de música más interesantes jamás emitidos. Maravilloso”. [18] Michael Watts en The Economist escribió que la película era “imperdible y descubre los orígenes de la música popular”. [58] Iain Shedden en The Australian señaló que “uno de los aspectos más destacados (y ganador del premio del público) del Festival de Cine de Sydney del año pasado fue la serie de documentales American Epic del cineasta británico Bernard MacMahon y los productores Allison McGourty y Duke Erikson. The American Epic Sessions reunió una gran cantidad de talento contemporáneo. Es una representación exquisita del poder primitivo de la música de raíces estadounidense y su encanto perdurable: música que conmueve el alma”. [59] Greil Marcus en The Village Voice elogió la película por “interpretaciones tan buenas que apenas puedes escuchar sin pensar en lo cerca que está cada grabación de no existir en absoluto”. [60] Liz Jobey en el Financial Times elogió la película como “un extraordinario viaje de regreso a través de la grabación de canciones estadounidenses” [61] y Ludovic Hunter-Tilney en el mismo periódico comentó que “el rapero neoyorquino Nas hace una magnífica versión de “On the Road Again” de Memphis Jug Band , exponiendo el modelo de hip-hop dentro del éxito de 1928”. [62]
Danny Eccleston en Mojo señaló que “en uno de los momentos más extraordinarios de la serie, Elton John llega con una letra recién sacada de la caja de Bernie Taupin y la trabaja en un instante, la canción se materializa frente a los ojos de los espectadores antes de que John y Jack White vayan a por ella. Ahí está la magia”. [35] L. Kent Wolgamott en el Lincoln Journal Star la elogió como “una película fascinante. Entre sus aspectos más destacados: una actuación asesina en español de Ana Gabriel en una canción originalmente hecha por Lydia Mendoza; la poderosa versión de Taj Mahal de “High Water Everywhere” de Charley Patton; y los sinceros recuerdos de Bettye LaVette de ser apartada del blues temprano como “Uncle Tomish” en los años 60 antes de clavar “When I Woke Up This Morning”. [63] Stephen Thompson en NPR escribió que “ver a los miembros de Alabama Shakes tocar esta breve pero potente versión de "Killer Diller", te hace comprender la magia del equipo y el estudio, la atemporalidad de la canción y el carisma rompedor de géneros y eras de Alabama Shakes”. [64] James Moore en Gigwise observó: “Esta necesidad de grandeza dentro de esa toma de tres minutos se captura perfectamente en la película, momentos de silencio antes de que una luz azul indique "adelante" rebosantes de tensión y atmósfera que te muerden las uñas. En cada caso, los resultados son asombrosos y los artistas siempre cumplen. Cuando miras, esta elección cinematográfica se siente absolutamente perfecta, la falta de cortes captura la inmediatez de la canción y refleja el hecho de que los músicos tampoco tienen la opción de cortar y comenzar de nuevo. Ah, y el sonido... Maravillosamente visceral, crudo y sin alteraciones, cada grabación original está llena de carácter y carisma, la máquina maravillosamente compleja siempre logra extraer lo mejor de su tema elegido. “Manejada con maravilloso cuidado, romanticismo y respeto por la tecnología y el increíble talento que facilitó, la película es una experiencia visual como ninguna otra y debería ser buscada por fanáticos de la música de todos los gustos y edades”. [38]
Brian McCollum, del Detroit Free Press, escribió que la película "devuelve a la vida una era musical perdida" [10] y elogió "un documental que combina un ojo académico para los detalles con una pasión entusiasta de los fans". [10] Chris Willman, de Variety, elogió la película por ser "totalmente romántica" y postuló que "la estrella máxima de este espectáculo es una máquina de grabación meticulosamente reconstruida de la década de 1920 que parece tener cualidades talismánicas para quienes entran en su órbita incluso 80 años después de su última utilización. Este anticuado y limpio equipo de estudio está fotografiado de forma tan fetichista que relega a los 19 actos musicales que aparecen para una sesión de la vieja escuela a actores secundarios. Afortunadamente, es un truco que da sus frutos, en grabaciones contemporáneas prístinas que apenas puedes creer que pasaron directamente por una aguja de corte directamente al disco. Bernard MacMahon, que defendió este proyecto durante la mayor parte de este siglo, es el mejor defensor de esta hermosa monstruosidad de máquina que representa la democratización de la música estadounidense antes de la homogeneidad”. [16] Robert Lloyd en Los Angeles Times confesó: “No me importa decirles que me emocioné un poco al ver esto, y ustedes también podrían hacerlo”. [65] Kurt Gardner en Blogcritics calificó la película como “Un viaje asombroso a través de la historia de la música. Los amantes de la música y de la América temprana por igual quedarán fascinados por The American Epic Sessions de Bernard MacMahon y Allison McGourty . El enorme dispositivo, hecho de poleas, volantes, pesas y madera, fue instalado en un estudio de grabación de Los Ángeles cuyo exterior anodino no daba ninguna pista de la magia que tenía lugar en su interior. Allí, la película está iluminada en tonos nostálgicos y bruñidos, y los primeros planos amorosos del maravilloso artilugio en funcionamiento se intercalan con actuaciones de talentos como The Avett Brothers, Los Lobos, Alabama Shakes, Taj Mahal, Willie Nelson, Merle Haggard y Elton John. Históricamente fascinante y musicalmente entretenida, The American Epic Sessions fue la película perfecta para ver durante SXSW en el histórico Teatro Paramount de Austin, rodeados como estábamos por los fantasmas de los artistas que habían honrado el escenario durante sus 100 años de historia". [6] James Jackson en The Times escribió "ninguna de estas máquinas sobrevive, pero para esta película de alta clase la ingeniería ha sido reensamblada con amor para que las estrellas de hoy la prueben. Todo es muy musical, pero también completamente enriquecedor: ver a Elton John componer una canción con Jack White es una emoción". [66] Euan Ferguson, en The Observer resumió: "Tengo que decir que todos se desempeñaron fenomenalmente. Cualquiera que alguna vez haya estado mínimamente interesado en la música debería ver esto”.[67]
La película ha recibido varios premios, incluido el Premio del Público Foxtel en el Festival de Cine de Sídney de 2016. [68] [21] En el Festival Internacional de Cine de Calgary de 2016, ganó el Premio del Público y le valió al director Bernard MacMahon el Premio Discovery. [20] La película también fue nominada a un Primetime Emmy 2017 por Dirección Musical Destacada, Bernard MacMahon y Allison McGourty fueron nominados por los Premios de Cine de la Academia Británica en 2018 como Talentos Revelación por The American Epic Sessions [22] y la película ganó un Premio Grammy por la interpretación de Alabama Shakes de "Killer Diller Blues". [23]
La banda sonora original de la película fue un álbum de tres LP y dos CD lanzado el 9 de junio de 2017. [72] Contenía muchas actuaciones que no aparecen en la película, incluidas "One Mic" de Nas, "Mama's Angel Child" de Jack White, "Come on In My Kitchen" de Stephen Stills y "Josephine" de Pokey Lafarge.