Top Hat es una película de comedia musical estadounidense de 1935 en la que Fred Astaire interpreta a un bailarín de claqué estadounidense llamado Jerry Travers, que llega a Londres para protagonizar un espectáculo producido por Horace Hardwick ( Edward Everett Horton ). Conoce e intenta impresionar a Dale Tremont ( Ginger Rogers ) para ganarse su afecto. La película también presenta a Eric Blore como Bates, el ayuda de cámara de Hardwick, Erik Rhodes como Alberto Beddini, un diseñador de moda y rival por el afecto de Dale, y Helen Broderick como Madge, la sufrida esposa de Hardwick.
La película fue dirigida por Mark Sandrich y escrita por Allan Scott y Dwight Taylor , con canciones de Irving Berlin . " Top Hat, White Tie and Tails " y " Cheek to Cheek " se han convertido en clásicos de la canción estadounidense. Se ha hecho referencia a él con nostalgia, particularmente en su segmento "Mejilla con mejilla", en muchas películas, incluidas La rosa púrpura de El Cairo (1985), La milla verde (1999) y Un jefe en pañales (2017).
Astaire y Rogers hicieron nueve películas juntos en RKO Pictures , entre ellas: The Gay Divorcee (1934), Roberta (1935), Top Hat (1935), Follow the Fleet (1936), Swing Time (1936), Shall We Dance (1937). y Despreocupado (1938). Top Hat fue la película más exitosa de la asociación de Astaire y Rogers (y la segunda película más exitosa de Astaire después de Easter Parade ), logrando el segundo lugar en ingresos de taquilla mundial en 1935. [4] Mientras que algunos críticos de danza sostienen que Swing Time contenía una conjunto de bailes más fino, [4] [5] Top Hat sigue siendo, hasta el día de hoy, el trabajo más conocido de la asociación. [6]
Top Hat fue seleccionada para su conservación en el Registro Nacional de Películas de los Estados Unidos por la Biblioteca del Congreso en su segundo año, 1990, por ser "cultural, histórica o estéticamente significativa". [7]
Jerry Travers, un bailarín estadounidense, llega a Londres para protagonizar un espectáculo producido por el torpe Horace Hardwick. Mientras practica una rutina de claqué en su habitación de hotel, despierta a Dale Tremont en el piso de abajo. Ella sube las escaleras para quejarse, tras lo cual Jerry se enamora perdidamente de ella y procede a perseguirla por todo Londres.
Dale confunde a Jerry con Horace, que está casado con su amiga Madge. Tras el éxito de la noche inaugural de Jerry en Londres, Jerry sigue a Dale a Venecia , donde visita a Madge y modela y promociona los vestidos creados por Alberto Beddini, un elegante diseñador de moda italiano con predilección por los malapropismos .
Jerry le propone matrimonio a Dale, quien, aunque todavía cree que Jerry es Horace, está disgustada de que el marido de su amiga pueda comportarse de esa manera y acepta casarse con Alberto. Afortunadamente, Bates, el entrometido ayuda de cámara inglés de Horace, se disfraza de sacerdote y dirige la ceremonia; Horace había enviado a Bates para vigilar a Dale.
En un viaje en góndola , Jerry logra convencer a Dale y regresan al hotel donde rápidamente se aclara la confusión anterior. La pareja reconciliada baila bajo el atardecer veneciano al son de "El Piccolino". [8]
Top Hat comenzó a filmarse el 1 de abril de 1935 y su realización costó 620.000 dólares. El rodaje finalizó en junio y los primeros avances públicos se realizaron en julio. Esto llevó a cortes de aproximadamente diez minutos, principalmente en la última parte de la película: la secuencia del carnaval y el desfile de góndolas que se había filmado para mostrar el enorme escenario fueron cortados en gran medida. Se cortaron cuatro minutos más [9] antes de su estreno en el Radio City Music Hall, donde rompió todos los récords, recaudó 3 millones de dólares en su estreno inicial y se convirtió en la película más rentable de RKO de la década de 1930. [10] Después de Mutiny on the Bounty , ganó más dinero que cualquier otra película estrenada en 1935. [5]
Dwight Taylor fue el guionista principal de este, el primer guión escrito especialmente para Astaire y Rogers. Astaire reaccionó negativamente a los primeros borradores, quejándose de que "sigue demasiado el modelo de The Gay Divorcee " y "me presentan como... una especie de joven objetable sin encanto, simpatía ni humor". [4] Allan Scott , para quien esta película fue su primer gran proyecto, y que luego participaría en seis de las películas de Astaire-Rogers, fue contratado por Sandrich para hacer las reescrituras y en realidad nunca trabajó con Taylor, con Sandrich. actuando como editor de guión y asesor en todo momento. [5] Supuestamente Ben Holmes , Ralph Spence y Károly Nóti fueron otros contribuyentes al guión. [11] Más tarde se dijo que la historia en sí se había inspirado en dos fuentes: ''Escándalo en Budapest'' de Sándor Faragó y ''Una chica que se atreve'' de Aladar LaszloIt. [12]
La Oficina Hays insistió en sólo cambios menores, incluyendo probablemente la línea de diálogo más citada de la película: el lema de Beddini: "Para las mujeres el beso, para los hombres la espada", que originalmente decía: "Para los hombres la espada, para los mujeres el látigo." [5] [13] De su papel en la creación de Top Hat , Taylor recordó que con Sandrich y Berlin compartía "una especie de emoción infantil. Todo el estilo de la imagen se puede resumir en la palabra inconsecuencialidad . Cuando me fui Un año después, Mark me dijo en RKO: 'Nunca volverás a ver tanto de ti mismo en la pantalla'". [5] [14] En el estreno de la película, el guión fue criticado por muchos críticos, que alegaron que era simplemente una reescritura de The Gay Divorcee . [10]
Esta fue la primera partitura cinematográfica completa del compositor Irving Berlin desde 1930 y negoció un contrato único, reteniendo los derechos de autor de la partitura con una garantía del diez por ciento de las ganancias si la película ganaba más de 1.250.000 dólares. [10] Se descartaron ocho canciones de la partitura original porque no se consideró que avanzaran en la trama de la película. [10] Uno de ellos, "Get Thee Behind Me, Satan", también se utilizó en Follow the Fleet (1936). Las cinco canciones finalmente seleccionadas se convirtieron en grandes éxitos y, en la emisión del 28 de septiembre de 1935 de Your Hit Parade , las cinco aparecieron entre las quince mejores canciones seleccionadas para esa semana. [10]
Astaire recordó cómo este éxito ayudó a restaurar la debilitada confianza de Berlín en sí mismo. Astaire nunca había conocido a Berlín antes de esta película, aunque ya había bailado en el escenario algunas de sus canciones en 1915. Siguió una amistad de por vida con Berlín que contribuyó a más películas de Astaire (seis en total) que cualquier otro compositor. Sobre su experiencia con Astaire en Top Hat Berlin escribió: "Es una verdadera inspiración para un escritor. Nunca habría escrito Top Hat sin él. Te hace sentir muy seguro". [4]
Como Berlin no sabía leer ni escribir música y sólo podía escoger melodías en un piano especialmente diseñado que transponía las teclas automáticamente, necesitaba un asistente para componer sus partes de piano. Hal Borne , pianista de ensayo de Astaire, interpretó este papel en Top Hat y recordó las noches que trabajaba con él en el hotel Beverly Wilshire: "Berlín dijo 'Cielo...' y yo dije dah dah dee 'Estoy en el cielo' (dah- dah-dee) . Dijo: 'Me encanta, déjalo'". [5] Estas partes fueron posteriormente orquestadas por un equipo compuesto por Edward Powell, Maurice de Packh, Gene Rose, Eddie Sharp y Arthur Knowlton, quienes trabajaron bajo la supervisión general de Max Steiner . [4]
Berlin rompió varias de las convenciones de la composición estadounidense en esta película, especialmente en las canciones " Top Hat, White Tie and Tails " y " Cheek to Cheek ", [15] y según Rogers, la película se convirtió en la comidilla de Hollywood como resultado de su puntuación. [15]
En una película de Astaire-Rogers, el Big White Set (como se conocía a estas creaciones inspiradas en el Art Déco ) absorbió la mayor parte de los costos de producción de la película, y Top Hat no fue la excepción. Se construyó un canal sinuoso, atravesado por dos puentes escalonados en un extremo y un puente plano en el otro, a través de dos escenarios de sonido contiguos. Astaire y Rogers bailan a través de este puente plano en "Cheek to Cheek". Alrededor de la curva de este puente se encontraba la plaza principal, un escenario gigante recubierto de baquelita roja que fue la ubicación de "El Piccolino". Esta representación fantástica [16] del Lido de Venecia estaba en tres niveles que comprendían pistas de baile, restaurantes y terrazas, todos decorados con colores de bastón de caramelo, con las aguas del canal teñidas de negro. Los vastos interiores venecianos eran igualmente poco auténticos y reflejaban más bien los últimos gustos de Hollywood. [17]
Carroll Clark, que trabajó bajo la supervisión general de Van Nest Polglase, fue el director de arte de la unidad en todas las películas de Astaire-Rogers menos una. Dirigió el equipo de diseñadores responsables de la escenografía y el mobiliario de Top Hat .
Aunque Bernard Newman estaba nominalmente a cargo de vestir a las estrellas, Rogers estaba muy interesado en el diseño de vestimenta y el maquillaje. [18] Para la rutina "Cheek to Cheek", estaba decidida a utilizar su propia creación: "Estaba decidida a usar este vestido, contra viento y marea. ¿Y por qué no? Se movía maravillosamente. Obviamente, nadie en el El elenco o el equipo estaban dispuestos a tomar partido, particularmente no el mío. Esto estaba bien para mí. Había tenido que estar solo antes. Al menos mi madre estaba allí para apoyarme en la confrontación con toda la oficina principal, además de Fred. Astaire y Mark Sandrich." [19]
Debido al enorme trabajo que implicaba coser cada pluma de avestruz al vestido, Astaire, que normalmente aprobaba los vestidos de su pareja y sugería modificaciones si era necesario durante los ensayos, vio el vestido por primera vez el día de la sesión fotográfica, [20 ] y horrorizado por la forma en que arrojaba nubes de plumas en cada giro, y recordó más tarde: "Era como una gallina atacada por un coyote, nunca vi tantas plumas en mi vida". [21] [22] Según el coreógrafo Hermes Pan , Astaire perdió los estribos y le gritó a Rogers, quien rápidamente rompió a llorar, tras lo cual su madre, Lela, "vino hacia él como una madre rinoceronte protegiendo a sus crías". [23] Una noche adicional de trabajo de las costureras resolvió gran parte del problema; sin embargo, un examen cuidadoso del baile en la película revela plumas flotando alrededor de Astaire y Rogers y tiradas en la pista de baile. [4] Más tarde, Astaire y Pan le obsequiaron a Rogers una pluma de oro para su pulsera con dijes y le dieron una serenata con una canción que parodia la melodía de Berlín:
Plumas: odio las plumas
y las odio hasta el punto de que apenas puedo hablar
y nunca encuentro la felicidad que busco
con esas plumas de pollo bailando
mejilla con mejilla [10] [24]
A partir de entonces, Astaire apodó a Rogers "Feathers", también título de uno de los capítulos de su autobiografía, y parodió su experiencia en una rutina de canto y baile con Judy Garland en Easter Parade (1948). [4]
Astaire también eligió y proporcionó su propia ropa. Se le atribuye ampliamente su influencia en la moda masculina del siglo XX y, según el editor de moda masculina de Forbes , G. Bruce Boyer, el "¿No es un día encantador?" rutina: "muestra a Astaire vestido con el estilo que lo haría famoso: chaqueta deportiva de tweed con hombros suaves, camisa con botones, corbata a rayas llamativas, franela gris de corte sencillo, pañuelo de bolsillo de seda con estampado de cachemira y zapatos de gamuza. Es un enfoque extraordinariamente contemporáneo. a la elegancia despreocupada, un estilo en el que Ralph Lauren y una docena de otros diseñadores todavía confían más de seis décadas después. Astaire introdujo un nuevo estilo de vestir que rompió con las polainas, los cuellos de celuloide y los homburgs usados por la figura paterna aristocrática moldeada en Europa. héroes." [25]
La coreografía, en la que Astaire contó con la ayuda de Hermes Pan , se centra principalmente en las posibilidades de utilizar grifos para hacer el mayor ruido posible. [4] En la película, Astaire sufre lo que Rogers llama una "aflicción": "De vez en cuando, de repente me encuentro bailando". Astaire introduce el motivo del tap de la película cuando lanza un aluvión de tap a los somnolientos miembros de un club de Londres. [4] [26] Hay ocho números musicales.
En la "Secuencia de apertura", después de que aparece el logotipo de RKO, Astaire, que se muestra solo de cintura para abajo, baila sobre un piso pulido del escenario, respaldado por un coro masculino con bastones. Al hacer una pausa aparece su nombre. Luego, Rogers hace lo mismo y los dos bailan juntos mientras la imagen se disuelve para revelar un sombrero de copa. Se utilizó un concepto similar en la secuencia inicial de The Barkleys of Broadway (1949).
El segundo es " No Strings (I'm Fancy Free) ". Al retirarse a su suite de hotel, Horton le aconseja que se case. Astaire declara su preferencia por la soltería y la canción (este número fue una creación del guionista Dwight Taylor y se encuentra en sus primeros borradores) emerge de forma natural y a mitad de frase. Astaire la canta dos veces [27] y durante la última frase realiza un salto de ballet, acompañado de golpes de piernas, y se lanza a un breve baile en solitario que aumenta en intensidad y volumen, progresando desde tap shuffles sur place , pasando por patrones itinerantes, hasta ritmos rápidos. -fuegos golpes de talón terminando con un recorrido despreocupado por la suite durante el cual golpea los muebles con las manos. A su regreso al centro de la habitación, donde concentra ruidosamente sus toques, la cámara se inclina para descubrir a Rogers en la cama, despierto e irritado. [28] Mientras sube las escaleras, Horton recibe quejas telefónicas de la gerencia del hotel. Astaire incorpora esto a su rutina, primero sorprendiéndolo con un toque y luego acompañándolo ostentosamente hasta el teléfono. Mientras Horton se va a investigar, Astaire continúa abriéndose camino por la suite, durante el cual finge horror al ver su imagen en un espejo, una referencia a su creencia de que la cámara nunca fue amable con su rostro. La rutina termina cuando Astaire, ahora bailando con una estatua, es interrumpido por la entrada de Rogers, [4] una escena que, como en The Gay Divorcee and Roberta , tipifica la forma en que Astaire inadvertidamente incurre en la hostilidad de Rogers, sólo para encontrar su atractivo y desgastar su resistencia. [6]
En "No Strings (reprise)", Rogers, después de subir las escaleras para quejarse, regresa a su habitación, momento en el que Astaire, todavía decidido a bailar, se nombra a sí mismo su " hombre de arena ", rociando arena de un recipiente para cigarrillos y arrullándola a ella, a Horton y finalmente se duerme con una suave y gentil danza de arena, con una repetición diminuendo de la melodía, en una escena que ha despertado una considerable admiración por parte de los comentaristas de danza, [29] y ha sido objeto de afectuosas parodias en la pantalla. [30]
En " Isn't This a Lovely Day (to be Caught in the Rain) ", mientras Rogers está montando a caballo, se desata una tormenta [31] y ella se refugia en un quiosco de música. Astaire la sigue y una conversación sobre las nubes y la lluvia pronto da paso a la interpretación que hace Astaire de esta, una de las creaciones más preciadas de Berlín. Astaire canta a espaldas de Rogers, pero el público puede ver que la actitud de Rogers hacia él se suaviza durante la canción, y el propósito del baile que sigue es que ella le comunique este cambio a su pareja. [4] La danza es de coqueteo y, según Mueller, despliega dos recursos coreográficos comunes al minueto clásico : la imitación secuencial (un bailarín realiza un paso y el otro responde) y el tacto. Inicialmente, la imitación es de carácter burlón, luego se convierte más en un intercambio casual y termina en un espíritu de verdadera cooperación. Hasta los últimos treinta segundos de este baile de dos minutos y medio, la pareja parece dejar de tocarse, luego, con un codo, Rogers invita a Astaire a entrar. [32] La rutina, a la vez cómica y romántica, incorpora pasos de salto, Toque giros con andanadas, zancadas y pasos de arrastre entre sus muchos dispositivos innovadores. El espíritu de igualdad que impregna el baile se refleja en la masculinidad de la ropa de Rogers y en el amistoso apretón de manos que intercambian al final. [4]
Para " Top Hat, White Tie and Tails ", probablemente el solo de tap más célebre [33] de Astaire , la idea de la canción principal vino de Astaire, quien describió a Berlín una rutina que había creado para el fracaso de Ziegfeld Broadway de 1930, Smiles, llamada "Say, Young Man of Manhattan", en el que mató a tiros a un coro de hombres, entre los que se encontraban un joven Bob Hope y Larry Adler [10] , con su bastón. [34] Berlin produjo debidamente la canción de su baúl y luego se construyó el concepto de la película en torno a ella. En este número, Astaire tuvo que ceder en su filosofía de una sola toma, como reconoció Sandrich: "Hicimos todo lo posible para que el número de 'Top Hat' pareciera una toma, pero en realidad son varias". [35] La notable habilidad de Astaire para cambiar el tempo dentro de una sola frase de baile se presenta ampliamente a lo largo de esta rutina y se lleva a los extremos, como cuando explota en actividad desde una pose de completo silencio y viceversa. [4] Esta rutina también marca el primer uso de un bastón por parte de Astaire como accesorio en uno de sus bailes filmados. [36] El número comienza con un coro pavoneándose y arremetiendo frente al telón de fondo de una escena callejera parisina. Le dan paso a Astaire, quien camina con confianza hacia el frente del escenario y canta la canción, que incluye la famosa frase: "Estoy saliendo, querida, para respirar una atmósfera que simplemente apesta a clase", intercambiando el golpe ocasional. aluvión con el coro mientras canta. El baile comienza con Astaire y el coro moviéndose al ritmo. Astaire pronto arremete con un paso giratorio y el coro responde tímidamente antes de abandonar el escenario en una secuencia de pasos y caminatas superpuestas, que cambian de dirección y se enganchan. En la primera parte del solo que sigue, Astaire se embarca en un movimiento de golpeteo circular, adornado con golpes de caña en el que mezcla una serie de pausas impredecibles. A medida que la cámara retrocede, las luces se atenúan y, en el misterioso pasaje que sigue, Astaire imita una serie de posturas, que van desde abierta amabilidad, cautela, sorpresa hasta vigilancia y confianza. [4] Jimmy Cagney asistió al rodaje de esta escena y asesoró a Astaire, quien afirma haber improvisado gran parte de esta sección. [37] El coro luego regresa en una postura amenazante, y Astaire procede a despacharlos a todos, usando una serie inventiva de acciones que imitan el uso del bastón como pistola, metralleta, rifle y, finalmente, arco y flecha. [38]
La primera seducción de Astaire a Rogers en "Isn't This a Lovely Day", no coincide con el tema de identidad equivocada de la trama, por lo que hace un segundo intento, animado por Broderick, en el número " Cheek to Cheek ". Como en "No Strings", la canción surge de la mitad de la frase de Astaire mientras baila con el vacilante Rogers en una pista llena de gente. Berlin escribió la letra y la música de este clásico imperecedero en un día y, con 72 compases, es la canción más larga que jamás haya escrito. [10] Apreció mucho el tratamiento que Astaire le dio a la canción: "La melodía sigue subiendo y subiendo. Él se deslizó hasta allí. No hizo la menor diferencia. Lo logró". [4] Mientras navega a través de este difícil material, Rogers parece atraído y receptivo y, al final de la canción, bailan mejilla con mejilla a través de un puente hacia un salón de baile desierto cercano. Según el análisis de Mueller, el dúo que sigue (sin duda el más famoso de todos los bailes en pareja de Astaire-Rogers [39] ) refleja la complejidad de la situación emocional en la que se encuentra la pareja. Ya no coquetean, como en "¿No es este un día encantador?", La pareja ahora está enamorada. Pero Rogers se siente culpable y engañado y preferiría evitar las insinuaciones de Astaire; de hecho, desenamorarse de él. Por tanto, el propósito de Astaire aquí es hacer que ella deje de lado sus recelos (que son un misterio para él) y se entregue completamente a él. El dispositivo coreográfico introducido para reflejar el progreso de esta seducción es la flexión hacia atrás con apoyo, que explota la espalda excepcionalmente flexible de Rogers. El baile principal comienza con el primero de dos breves pasajes que reutilizan el recurso de imitación secuencial introducido en "¿No es este un día encantador?". La pareja gira y se inclina, esquivando uno al otro antes de pasar a una posición de salón estándar donde se introducen los primeros indicios de la flexión hacia atrás con apoyo. La primera flexión hacia atrás ocurre al final de una secuencia en la que Astaire hace girar a Rogers, la recoge detrás del escenario y la maniobra para que camine hacia adelante con los brazos entrelazados, repite el giro pero esta vez la rodea mientras ella gira y luego la toma en sus brazos. . A medida que la música se vuelve más enérgica, los bailarines fluyen por la pista y Rogers, moviéndose contra la música, de repente cae en una flexión hacia atrás más profunda, que luego se repite, solo que aún más profunda. La música ahora pasa a una recapitulación tranquila de la melodía principal durante la cual la pareja se involucra en una pareja tierna y silenciosa, y aquí aparece el segundo pasaje que involucra una imitación secuencial. Con la música alcanzando su gran clímax, Astaire y Rogers corren hacia la cámara y luego se alejan en una serie de maniobras audaces y dramáticas que culminan en tres ascensores de salón que muestran el vestido de Rogers [40].antes de detenerse abruptamente en una flexión hacia atrás final y más profunda, que se mantiene a medida que la música se acerca a sus compases finales. Se levantan y, después de un par de vueltas, bailando mejilla con mejilla por primera vez desde que comenzó el baile, se detienen junto a una pared. Rogers, después de haber dirigido el baile en un estado de abandono onírico, ahora mira con inquietud a Astaire antes de alejarse, como si le recordara que su relación no puede continuar. [6] [41]
A estas alturas, Rogers ha conocido la verdadera identidad de Astaire, aunque ninguno de los dos sabe todavía que su impulsivo matrimonio con Rhodes es nulo y sin valor. Cenando juntas durante la noche de carnaval en Venecia, y para ayudar a aliviar su culpa, Astaire declara: "Comamos, bebamos y seamos felices, porque mañana tenemos que enfrentarnos a él", lo que sirve de entrada a la música de "El Piccolino". El gran número de producción de la película. A un desfile de góndolas le sigue la entrada de un coro de baile que realiza una serie de poses de salón y rutinas de patrones ondulantes coreografiadas por Hermes Pan. Berlin, que dedicó mucho esfuerzo a la canción [42] la diseñó como un pastiche de "La Carioca" de Flying Down to Rio (1933) y " The Continental " de The Gay Divorcee (1934), [43] y la letra comunica su origen falso: "Fue escrita por un gondolero latino que se sentaba en su casa en Brooklyn y contemplaba las estrellas". [5] Es una canción sobre una canción [44] y Rogers se la canta a Astaire [45] después de lo cual un coro fuera de cámara la repite mientras el conjunto de danza es fotografiado, al estilo Busby Berkeley , desde arriba. Luego, la cámara cambia a Rogers y Astaire, quienes subieron al escenario para realizar un baile de dos minutos, todo filmado en una sola toma, con la coreografía de Astaire-Pan haciendo referencia por separado a la melodía básica y al vampiro latino en el acompañamiento. [4] Bailan con el acompañamiento mientras descienden los escalones y se deslizan por la pista de baile, luego, cuando entra la melodía, se detienen y realizan el paso Piccolino, que implica que los pies se lancen hacia el costado del cuerpo. El resto del baile implica repeticiones y variaciones del paso Piccolino y los pasos de salto asociados con el vampiro, lo que lleva a algunas fusiones complejas de los dos. En la aparición final de la melodía vampírica, los bailarines realizan una forma muy adornada del paso Piccolino mientras viajan de lado de regreso a su mesa, hundiéndose en sus sillas y levantando sus copas para brindar. [4]
"El Piccolino (repetición)": después de que las distintas partes se enfrentan en la suite nupcial, con el "matrimonio" de Rogers con Rhodes revelado como realizado por un clérigo falso, el escenario está preparado para que Astaire y Rogers bailen hasta el atardecer. lo cual hacen debidamente, en este fragmento de un dúo mucho más largo (el original fue cortado después de los avances de julio de 1935), pero no antes de desfilar por el escenario veneciano y repetir el paso de Piccolino.
La película se estrenó en el Radio City Music Hall de Nueva York el 29 de agosto de 1935 [46] y estableció un récord de la casa con una recaudación bruta de 134.800 dólares en su primera semana. [47] Se desplegaron veinticinco policías para controlar a la multitud. [48] En sus 3 semanas en el Music Hall, recaudó 350.000 dólares. [49] En general, la película obtuvo alquileres de 1.782.000 dólares en Estados Unidos y Canadá y 1.420.000 dólares en otros lugares. RKO obtuvo una ganancia de 1.325.000 dólares, lo que la convirtió en la película más rentable del estudio de la década de 1930. [3]
Fue la cuarta película más popular en la taquilla británica en 1935-1936. [50]
Las críticas a Top Hat fueron en su mayoría positivas. El Evening Herald Express de Los Ángeles elogió la película y exclamó: "¡ Sombrero de copa es lo mejor! ¡Con Fred Astaire bailando y cantando canciones de Irving Berlin! Bueno, uno (en su sano juicio) no podría pedir mucho más, a menos, por supuesto, Podrían ser un par de bises". El New York Times elogió los números musicales de la película, pero criticó la trama, describiéndola como "un poco delgada", pero también afirmó que "es lo suficientemente vivaz como para tapar esos inevitables espacios entre los bailes relucientes y gays". "Vale la pena hacer cola. Por el aspecto del vestíbulo ayer por la tarde, probablemente tendrás que hacerlo." [51]
Variety también destacó la trama y el elenco, afirmando que "la señal de peligro está en la historia y el elenco. Sustituya a Helen Broderick por Alice Brady y será la misma alineación de jugadores que en The Gay Divorcée . Además de las situaciones en el dos guiones muy paralelos". Sin embargo, concluyó que Top Hat era una película "que no se puede perder". [52]
Escribiendo para The Spectator en 1935, Graham Greene le dio a la película una crítica generalmente positiva, describiéndola como "un vehículo para el genio de Fred Astaire" y señalando que la actuación de Astaire eliminó cualquier preocupación sobre el hecho de que "la música y la letra son malas". o que Astaire "tiene que actuar con seres humanos [que no pueden igualar] su libertad, ligereza y felicidad". [53]
A partir de 2022 [actualizar], el sitio web de recopilación de reseñas Rotten Tomatoes informó que la película tenía un índice de aprobación 100% "nuevo" según 42 reseñas, con una calificación promedio de 8,70/10. El consenso crítico del sitio web dice: " Top Hat , una diversión glamorosa y fascinante de la era de la depresión, es casi perfecta, con acrobacias de Fred Astaire y Ginger Rogers que hacen que las acrobacias físicas más difíciles parezcan ligeras como el aire". [54]
La película fue nominada al Oscar a la Mejor Película , así como a la Dirección de Arte ( Carroll Clark y Van Nest Polglase ), Canción Original ( Irving Berlin por "Cheek to Cheek") y Dirección de Baile ( Hermes Pan por "Piccolino" y " Sombrero de copa"). [55] En 1990, Top Hat fue seleccionada para su conservación en el Registro Nacional de Películas de los Estados Unidos por la Biblioteca del Congreso por ser "cultural, histórica o estéticamente significativa". [56] La película ocupó el puesto 15 en la lista de mejores musicales del American Film Institute de 2006 . [57]
Se ha hecho referencia nostálgica a Top Hat , particularmente en su segmento "Cheek to Cheek", en muchas películas, incluidas La rosa púrpura de El Cairo (1985), [58] El paciente inglés (1996), [59] La milla verde (1999), [60] La La Land (2016) [61] y la película animada The Boss Baby (2017). El cartel de la película Top Hat apareció en la película Kung Fu Hustle de Stephen Chow. El cantautor británico-irlandés Chris de Burgh hizo referencia a la película en su éxito de 1986 , " La dama de rojo ", en la que él y la dama del mismo nombre de la canción bailaban "Cheek to Cheek".
La película ha sido adaptada a un musical teatral que comenzó a recorrer el Reino Unido a finales de 2011. El elenco incluía a Summer Strallen como Dale, Tom Chambers como Jerry y Martin Ball como Horace. El espectáculo se estrenó en el Milton Keynes Theatre el 19 de agosto de 2011, antes de realizar una gira por otros teatros regionales del Reino Unido, incluidos Leeds, Birmingham y Edimburgo. La producción se transfirió al Teatro Aldwych del West End el 19 de abril de 2012 y se inauguró el 9 de mayo de 2012. [62] Ganó tres premios Olivier en 2013, incluido el de Mejor Nuevo Musical.
En 2003, se lanzó por separado una versión restaurada digitalmente de Top Hat y como parte de The Fred and Ginger Collection, vol. 1 de Universal Studios , que controla los derechos de las películas de RKO Astaire-Rogers en el Reino Unido. En ambos lanzamientos, la película presenta una introducción de Ava Astaire McKenzie.
En 2005, se lanzó una versión restaurada digitalmente de Top Hat , diferente de la restauración de la Región 2, en el DVD de la Región 1 por separado y como parte de The Astaire & Rogers Collection, Vol.1 de Warner Home Video . En ambos casos, la película presenta un comentario de la hija de Astaire, Ava Astaire McKenzie, y Larry Billman, autor de Fred Astaire, una biobibliografía. [63]
Bibliografía